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Presentación de José María DomenechTRANSCRIPT
LA PINTURA DEL QUATTROCENTO
A diferencia de la escultura o la arquitectura, la pintura carece de modelos clásicos donde inspirarse.
El Quattrocento fue una etapa de investigación y experimentación del nuevo sistema de representación pictórica que buscaba:
●La correcta representación de la figura humana.
●La utilización de la luz como creadora del espacio y el volumen.
●La representación científica del espacio tridimensional, a través de la perspectiva lineal.
Respecto a a las técnicas se mantuvo la pintura al fresco y se desarrolló la pintura sobre tabla, primero al temple y después al óleo.
En el plano iconográfico, a los temas religiosos se añadieron los profanos y mitológicos, siguiendo el espíritu humanista de recuperar la antigüedad.
La Florencia de los Médici fue también el foco artístico principal.
MASACCIO (1401 – 1428)
Fue el iniciador del renacimiento en pintura.
Vivió 27 años y dejó una obra de gran calidad en la pintura al fresco de Florencia.
Se le considera un artista revolucionario por sus obras en la iglesia del Carmine y en Santa María Novella.
FRESCOS DE LA CAPILLA BRANCACCI
Iglesia del Carmine, Florencia
Masacio decoró parte de los muros de la capilla mayor de la Iglesia del Carmine en Florencia..
En estos frescos entronca con la pintura al fresco de Giotto en la grandiosidad de las figuras y en la forma de componerlas, pero le supera en el uso de la luz como creadora del volumen y e las novedosos conceptos de perspectiva que trae el renacimiento.
El tema principal de los frescos es la historia de la vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar, y hay también algunas referencias al Génesis, concretamente a la historia de Adán y Eva.
EL TRIBUTO DE LA MONEDA
La pintura narra el milagro de Jesús al entrar en Cafarnaúm.
Cuando Jesús y sus discípulos quieren entrar en la ciudad se les exige el pago de un tributo que no tienen. Cristo le pide a Pedro que vaya al mar, eche el anzuelo y en la boca del primer pez que capture hallará la moneda con la que pagar al recaudador.
Masacio realiza una narración continua, integrando tres episodios distintos en el mismo plano.
Las figuras presentan posiciones clásicas de contraposto y se relacionan entre sí de forma natural a través de gestos y miradas.
En cuanto a la composición el gran grupo de figuras se sitúa en torno a Cristo creando la ilusión de un espacio circular en torno a él. Otro par de figuras a la derecha crea un primer plano que junto al último plano del paisaje ayuda a crear la ilusión espacial.
LA TRINIDADEsta pintura al fresco decora una nave lateral de Santa María Novella de Florencia.
En ella Masacio aplica los conceptos revolucionarios de Perspectiva Lineal, que se caracterizan porque en toda la representación se utiliza unúnico punto de fuga principal.
La decoración arquitectónica de la composición está tomada de su amigo Brunelleschi.
La composición tiene un esquema triangular, que por su carácter simétrico plasma el ideal renacentista de equilibrio y serenidad.
Se debe destacar la presencia de los donantes como figuras integradas en plano de igualdad en la composición. Todo ello indica la nueva mentalidad de la época
Reparemos ahora en el espacio construido. Masaccio nos ha situado ante una arquitectura clasicista en la que dos enormes pilastras de orden corintio enmarcan un arco de medio punto sostenido por columnas jónicas. Tras el arco se inicia una bóveda de medio cañón decorada con casetones que alcanza hasta el otro arco que al fondo cierra la composición. Aquí encontramos una novedad absoluta, la construcción que nos presenta el pintor y la composición toda se hallan sometidas a las leyes de la perspectiva geométrica por primera vez en la historia de la pintura, hasta tal punto que el espacio pintado deviene real y el espectador cree encontrarse ante un enorme hueco abierto en la pared de la iglesia. Al parecer manejó aquí Masaccio las enseñanzas que, al respecto, había recibido de Brunelleschi, a quien conoció en la ciudad de Florencia.
FRA ANGÉLICO(1400 -1455)
Fue un monje que se inició como pintor en la más pura tradición gótica.
Poco a poco fue incorporando los avances técnicos de sus contemporáneos más innovadores.
Sus obras unen a la elegancia y encanto de las figuras góticas el nuevo tratamiento del volumen y el espacio renacentiata.
Anunciación ( Convento de San Marcos)
Florencia
Fra Angélico pintó a lo largo de su vida numerosas anunciaciones, dotando a éste tema de una dulzura y sensibilidad extraordinaria.
La que pintó al fresco en el convento de San Marcos De Florencia en 1440 es una de las mejores.
Las figuras conservan la delicadeza estilizada del gótico final. Algunos colores como las alas del ángel son antinaturales. Sin embargo el conjunto se enmarca en una arquitectura clásica en perspectiva que busca crear la ilusión espacial.
Aunque lo que realmente hace especial todas las obras del pintor es como alcanza la belleza a través de la sinceridad y bondad que transmiten sus figuras.
PIERO DE LA FRANCESCA
Piero de la Francesca fué un pintor y geómetra excepcional.
Escribió el mejor tratado matemático de la teoría de la perspectiva en la pintura.
Su obra cumbre es el conjunto de frescos que realizó sobre la Leyenda de la Vera Cruz en la Iglesia de San Francisco de Arezzo.
Analizamos una de sus obras maestras de su última etapa :
“La Madonna del Duque de Urbino”.
La Madonna del Duque de Urbino.
Se trata de una obra tardía pintada por encargo del Duque de Urbino en 1472.
Se la conoce popularmente como “Pala de Brera”.
Se trata de un óleo sobre tabla, que le permite al autor un acabado muy preciso en los detalles.
Las figuras tienen una monumentalidad característica del autor conseguida al estar pintadas con la intención de destacar su volumen de modo especial. Se puede decir que las figuras son tratadas como si fueran cuerpos geométricos en un espacio tridimensional. El tratamiento de la luz dota de esa corporeidad a las figuras a la vez que el juego de luces y sombras arrojadas crea la sensación espacial en el fondo.
El marco arquitectónico es renacentista y obedece a las leyes de la perspectiva lineal. El punto de fuga está detrás de la cabeza de la Virgen.
Como detalles especiales destacan la figura del donante ( Federico de Montefeltro), perfectamente individualizado y el enigmático simbolismo que encierra el huevo suspendido del techo del ábside. Simbolo quizás del nacimiento.
NEOPLATONISMO
Una vez desarrollado el nuevo lenguaje formal , los artistas prestaron más atención a la renovación temática.
Se llevó a cabo una imprtante proliferación de obras de tema profano o mitológico.
En esta renovación tuvo protagonismo la Academia Neoplatónica de Florencia.
Su más célebre intelectual, Marsilio Ficino, pretendía conciliar la filosofía antigua con el cristianismo.
Según la idea neoplatónica el amor es la fuerza que mueve el universo y surge ante la belleza. Existen dos tipos de belleza, la belleza inmaterial asociada a Dios a la que se accede con la inteligencia y la belleza material asociada al mundo sensible.
BOTICELLI (1440 - 1510)
Boticelli es el mejor representante de la pintura florentina de fin de siglo.
Su preocupación real fue la renovación temática de la pintura.
Su obra no evoluciona formalmente con respecto a sus antecesores.
Se despreocupa de la perspectiva y de las proporciones.
Crea un estilo de figuras estilizadas y pinta preocupado por crear una delicada belleza en sus obras.
Formó parte del círculo de intelectuales que rodeó a Lorenzo el magnífico.
Creó a la luz de la filosofía Neoplatónica sus más famosos cuadros mitológicos:
La primavera (Amor humano) y El nacimiento de Venus (amor sobrenatural).
LA PRIMAVERA
La alegoría sobre la primavera fue pintada con temple sobre tabla en 1478.
Venus, en el centro preside la escena.
A su derecha Céfiro ( viento primaveral) persigue a la ninfa Cloris que se transforma en Flora.
A la izquierda, la tres Gracias, a las que apunta la flecha de Cupido.
En el extremo, Mercurio aparta unas nubes.
Todo ello enmarcado en un exhuberante jardín.
La primavera es la estación en que el mundo natural manifiesta toda su belleza. La venus que preside la escena es la Venus símbolo de la belleza sensible.
Zona central:
Venus y su hijo Cupido
La primavera representa el reino de la Venus vulgar o natural, es decir el amor humano, por lo que aparece púdicamente vestida.
Céfiro, el viento de la primavera, persigue a la inocente ninfa Cloris.
Al ser finalmente abrazada por su perseguidor de su boca salen flores.
Asistimos a la metamorfosis:
de la unión de Céfiro que representa la pasión y Cloris que representa la castidad surge la victoriosa belleza de Flora, la primavera.
El amor, la castidad y la belleza tienen su correpondencia en las tres gracias que danzan en la izquierda.
Mercurio, situado en al lado opuesto a Céfiro, dispersa las nubes para que en el jardín de Venus siempre brille el sol.
EL NACIMIENTO DE VENUS
Botticelli pintó en 1485 al temple sobre lienzo esta obra.
Según el mito griego Cronos castró a su padre Urano y arrojó sus organos sexuales al mar. De la espuma que produjeron nació Afrodita. Los vientos Céfiro y Aura la condujeron en una venera hasta la isla de Chipre donde fue recibida por las Horas.
A la luz del neoplatonismo de la época, interpreta Boticelli que la verdadera belleza nace de la unión de un concepto del mundo de las ideas (divino) con la materia del mundo sensible.
En esta ocasión Venus aparece desnuda ya que simboliza la Venus celestial y como tal se muestra su belleza desnuda y sobrenatural.
MANTEGNA ( 1431- 1506)
Pintor de Padua influido por el ambiente humanista desarrollado en la Universidad de Padua.
Su obra fundamental la llevó a cabo en Mantua en la corte de los Gonzaga.
Cámara de los esposos ( Mantua)
Mantegna funde el espacio real con el espacio pictórico, mediante una perspectiva ilusionista que engaña al ojo. Sus arquitecturas fingidas tendrán una repercusión muy grande en el arte posterior.
Ludovico Gonzaga, Marques de Mantua , le encargó a Mantegna la decoración de un pequeña habitación de su palacio.
Para compensar las pequeñas dimensiones de la estancia, Mantegna pintó unas escenas en las paredes y techo enmarcadas en arquitecturas ficticias que crean la ilusión óptica de prolongar el espacio real.
Mantegna exalta en esta obra la vida de la corte, representando todo un elenco de personajes de ella.
Otro rasgo característico de su pintura es el incluir en el paisaje elementos de la antigüedad romana, como restos arqueológicos de edificios o detalles de columnas.
Esta técnica recibe el nombre de Trampantojo o trompe l'oeil.
Con el uso de esta técnica el artista quiere engañar la vista del espectador haciéndole creer que no existe el muro y que lo representado sobre él es verdadero.
