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OBRA PLÁSTICA ESCULTURAS EXENTAS

1. “Bodegón consumista M.”. (pág. 2) 2. “Bodegón consumista H.”. (p. 3) 3. “Bodegón de esculturas bodegón”. 3.1. “Manantial”. (p. 4) 3.2. “Caracola”. (p. 4) 3.3. “Lote”. (p. 4) 3.4. “Imagen onírica”. (p. 5) 3.5. “Homo erectus”. (p. 5) 3.6. “Tótem”. (p. 5)

ESCULTURAS EN RELIEVE

1. “Vestigios”. (p. 7) 2. “Bodegón surrealista”. (p. 8) 3. “Cordegón”. (p. 9) 4. “Ecolavavajillas”. (p. 10) 5. “Después de los platos rotos”. (p. 11) 6. “Listo para tomar”. (p. 13) 7. “Bodegón con tanque”. (p. 14) 8. “Expositor de prendas petrificadas”. (p. 15) 9. “Eclosión de objetos”. (p. 16) 10. “Incomunicación”. (p. 18) 11. “Frente a frente”. (p. 19) 12. “Los objetos también expresan”. (p. 20) CONSTRUCCIONES FOTOGRÁFICAS

1. “Composición de botijos surrealistas levitando sobre el mar”. (p. 22)

2. “Composición de botijos surrealistas ante un tragaluz”. (p. 22) 3. “Menú completo”. (p. 23) 4. “Untando mar”. (p. 23) 5. “Escenificación carnal”. (p. 24) 6. “Desdramatizando”. (p. 25) 7. “Botellas petrificadas, tiempo fosilizado”. (p. 25) 8. “Panal de rica miel”. (p. 25) 9. “La filosofía emperchada”. (p. 26) 10. “ Doble realidad en un escaparate”. (p. 27) 11. “Todo es posible”. (p. 28) 12. “Pájaros exóticos atrapados en un espejo”. (p. 28)

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ESCULTURAS EXENTAS

1. TÍTULO: “Bodegón consumista M.” .

MEDIDAS: 53 x 37 x 34 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Febrero de 2005. MATERIALES: Elementos de composición: Cabeza de fibra de vidrio y resina de poliéster y objetos diversos: trozo de colcha, resto de cortina, felpa, cestita, collares, pulseras, pendientes, brazo de batidora, zapato, recipientes de crema, platillos, bolso, pinceles, pinta labios, atomizador, lima, limpia uñas, lápices, rulos, pinza, sujetador, coletero, reloj y broche. Pintura acrílica y barniz incoloro satinado y mate. INSTRUMENTOS: Un globo, un bote como soporte y papel de periódico y engrudo para modelar la cabeza, un trozo de PVC, otro de botella de plástico y un pedazo de madera para elaborar el cuello, herramientas eléctricas (batidora, taladro, sierra caladora, radial y amoladora), aceite, pincel, soplete, tijeras, cola de contacto, puntas, martillo, fibra de vidrio, resina de poliéster, recipiente, hierros y arena con resina para hacer contrapeso, aguja, hilo, cinta adhesiva, alicates, escofina, lija y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Escultura–collage elaborada con materiales sólidos, objetos y pintura extendida, lavada y presionada. COMENTARIO: Dado que todo bodegón es una composición que representa objetos cotidianos, de consumo a la sazón, pretendía con esta cabeza de mujer unificar el bodegón y la consumidora de los objetos; de ahí el título. Aunque pueda resultar paradójico, porque un bodegón por su naturaleza de objeto no pueda ser consumista (únicamente podría ser consumible, al igual que lo son los objetos que represente y, en este caso, como lo fueron los objetos que integra a modo de tocado), no es propiamente contradictorio, porque este bodegón representa a la vez una persona (una mujer) y como tal consumidora, incluso consumidora en exceso, es decir consumista. Hasta tal punto se unifican ambos términos (bodegón e individuo consumista) que llegan a identificarse, de tal forma que la cabeza, al igual que los otros objetos, constituye un elemento del bodegón, el más relevante; como si fuera un frutero en el que se dispone convenientemente distintas piezas de fruta. Los individuos en nuestra sociedad del bienestar, del mismo modo que constituyen elementos del paisaje o de múltiples paisajes, son elementos de un bodegón o bodegones, los más importantes quizás desde una visión antropocéntrica; seres a menudo y en alguna medida cosificados, vulgares por vulgarizados, y consumidores consumidos. Esa idea queda reforzada por la indefinición –impersonalidad- del rostro (únicamente podemos aventurar que es femenino por los objetos “específicos” que consume, que a su vez son los que la definen, como si lo importante fuera el tocado, lo

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decorativo, lo externo –aunque llegue a interiorizarse-, lo superficial, lo aparente..., y como si de sedimentos geológicos se tratara o de restos arqueológicos de nuestra forma de vida). Está también alentada esa idea por la cierta homogeneidad cromática de la pieza; símbolo de la despersonalización de los individuos y de la homogenización que presentan en cada sociedad o cultura. La obra constituye un bodegón antropomórfico al igual que: “Después de los platos rotos” (Agosto de 2004), con la diferencia de que en esa ocasión empleé trozos de objetos (platos) conformando un relieve, y en ésta objetos completos por lo general, integrados en una escultura. En esa sintonía de pérdida de la esencia está también la peana, forrada de arena de playa negra cernida -a modo de enlucido-, que muta su naturalidad por artificialidad al ser coloreada. Este bodegón consumista forma pareja con otra cabeza de hombre de las mismas características, realizada al tiempo que ésta.

2. TÍTULO: “Bodegón consumista H.” . MEDIDAS: 53 x 35 x 38 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Marzo de 2005. MATERIALES: Elementos de composición: Cabeza de fibra de vidrio y resina de poliéster y objetos diversos: chaqueta, botella, pistola para pintar, recipiente de desodorante, tirantes, copa, pelota de golf, corbatas, calzoncillo, máquina de afeitar y cepillo para limpiarla, carburador con manguera, cinturón, reloj, suela de calzado, gafas, pipa y peine. Pintura acrílica y barniz incoloro satinado y mate. INSTRUMENTOS: Un globo, un bote como soporte y papel de periódico y engrudo para modelar la cabeza, un trozo de PVC, otro de botella de plástico y un pedazo de madera para elaborar el cuello, herramientas eléctricas (batidora, taladro, sierra caladora, radial y amoladora), aceite, pincel, soplete, tijeras, cola de contacto, puntas, martillo, fibra de vidrio, resina de poliéster, recipiente, hierros y arena con resina para hacer contrapeso, cinta adhesiva, alicates, escofina, lija y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Escultura–collage elaborada con materiales sólidos, objetos y pintura extendida, lavada y presionada. COMENTARIO: Dado que todo bodegón es una composición que representa objetos cotidianos, de consumo a la sazón, pretendía con esta cabeza de hombre unificar el bodegón y el consumidor de los objetos; de ahí el título. Aunque pueda resultar paradójico, porque un bodegón por su naturaleza de objeto no pueda ser consumista (únicamente podría ser consumible, al igual que lo son los objetos que represente y, en este caso, como lo fueron los objetos que integra a modo de tocado), no es propiamente contradictorio, porque este bodegón representa a la vez una persona (un hombre) y

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como tal consumidor, incluso consumidor en exceso, es decir consumista. Hasta tal punto se unifican ambos términos (bodegón e individuo consumista) que llegan a identificarse, de tal forma que la cabeza, al igual que los otros objetos, constituye un elemento del bodegón, el más relevante; como si fuera un frutero en el que se dispone convenientemente distintas piezas de fruta. Los individuos en nuestra sociedad del bienestar, del mismo modo que constituyen elementos del paisaje o de múltiples paisajes, son elementos de un bodegón o bodegones, los más importantes quizás desde una visión antropocéntrica; seres a menudo y en alguna medida cosificados, vulgares por vulgarizados, y consumidores consumidos. Esa idea queda reforzada por la indefinición –impersonalidad- del rostro (únicamente podemos aventurar que es masculino por los objetos “específicos” que consume, que a su vez son los que le definen, como si lo importante fuera el tocado, lo decorativo, lo externo –aunque llegue a interiorizarse-, lo superficial, lo aparente..., y como si de sedimentos geológicos se tratara o de restos arqueológicos de nuestra forma de vida). Está también alentada esa idea por la cierta homogeneidad cromática de la pieza; símbolo de la despersonalización de los individuos y de la homogenización que presentan en cada sociedad o cultura. La obra constituye un bodegón antropomórfico al igual que: “Después de los platos rotos” (Agosto de 2004), con la diferencia de que en esa ocasión empleé trozos de objetos (platos) conformando un relieve, y en ésta objetos completos por lo general, integrados en una escultura. En esa sintonía de pérdida de la esencia está también la peana, forrada de arena de playa negra cernida -a modo de enlucido-, que muta su naturalidad por artificialidad al ser coloreada. Este bodegón consumista forma pareja con otra cabeza de mujer de las mismas características, realizada al tiempo que ésta.

3. TÍTULO: “BODEGÓN DE ESCULTURAS BODEGÓN” .

ESCULTURA BODEGÓN 1: “Manantial” . MEDIDAS: 35 x 16 x 27 cm. MATERIALES: Toallita, teléfono de ducha con manguera, peine, tenedor, mortero, serrín con resina de poliéster, marmolina con cola polivinílica, pintura acrílica y barniz incoloro satinado y mate.

ESCULTURA BODEGÓN 2: “Caracola” . MEDIDAS: 26 x 11 x 23 cm. MATERIALES: 2 platos, 2 recipientes pequeños de cerámica, 1 pomo de cerámica, serrín con resina de poliéster, marmolina con cola polivinílica, pintura acrílica y barniz incoloro satinado y mate.

ESCULTURA BODEGÓN 3: “Lote” . MEDIDAS: 35 x 16 x 33 cm.

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MATERIALES: Suela de zapato, botella con cuello de rosca alargado y tapón, libro con ventana de ojo buey y cordón, cafetera con la parte superior de cafetera, la inferior de botella de coca cola (rellena de arena de playa con resina de poliéster) y mango de madera, copa-receptáculo con múltiples objetos (tubo de pegamento, destornillador, regla, bolígrafo, rotuladores, lápiz, coleteros, típex, tableta de pastillas, llaves, pendientes, pincel, pinzas, cepillo de dientes, cortaúñas y frasco de colonia), sargento, poliéster, marmolina con cola polivinílica, pintura acrílica y barniz incoloro satinado y mate.

ESCULTURA BODEGÓN 4: “Imagen onírica” . MEDIDAS: 31 x 10 x 38´5 cm. MATERIALES: Recipiente de suavizante para lavadora (relleno de mortero y arena de playa), 9 lápices de colores, un guante con las puntas cortadas, polvos de talco, resina de poliéster, marmolina con cola polivinílica, pintura acrílica y barniz incoloro satinado y mate.

ESCULTURA BODEGÓN 5: “Homo erectus” . MEDIDAS: 27 x 16´5 x 39 cm. MATERIALES: Soporte de globo terráqueo, zapato con el tacón transformado, dos puntas gruesas, arena de playa, resina de poliéster, madera, marmolina con cola polivinílica, pintura acrílica y barniz incoloro satinado y mate.

ESCULTURA BODEGÓN 6: “Tótem” .

MEDIDAS: 39 x 14´5 x 41cm. MATERIALES: Cuatro sprays, bombilla, casquillo, tirador de aplique de luz forrado con tela de toalla, objetos de plástico fundidos (pala de remo, trozos de perchas, carrete de esparadrapo, tenedor, tubo de P.V.C., trozo de cuchara, frascos y rotulador), serrín, arena de playa, resina de poliéster, maderas, tela asfáltica, marmolina con cola polivinílica, pintura acrílica y barniz incoloro satinado y mate.

INSTRUMENTOS: Metro, herramientas eléctricas (taladro, sierra caladora, radial, amoladora, soldador y pistola decapante), tornillos, destornillador, puntas, martillo, tijeras, aguja, hilo, escofina, lima, sierra, alicates, cuchilla, soplete, lija, espátulas, cucharas, recipientes, pinceles y pintura plástica blanca para imprimar. TÉNICA: Instalación de esculturas-collages realizadas con objetos, materiales sólidos y pintura aplicada con diferentes técnicas. COMENTARIO: Una vez realizada la pareja de esculturas “Bodegón consumista”, de mujer y de hombre (Febrero y Marzo de 2005, respectivamente), sentí el deseo de confeccionar más esculturas–bodegón; entonces concebí la idea de realizar un bodegón de unas 6 esculturas–bodegón variadas, a modo de instalación. Aunque las esculturas conformen un conjunto en ella,

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tienen identidad propia y, por consiguiente, pueden entenderse también por separado; como ocurre con cada uno de los elementos que componen un bodegón tradicional, que se juntan precisamente para eso, para componer. En estas obras, que a diferencia de la “Serie proyectos” (otro grupo de obras, también de pequeño formato, aunque en relieve, realizadas en 1997) no las considero menores, empleo los objetos cubriendo las distintas posibilidades de utilización que aparecen en los 12 bodegones en relieve, tomadas en su conjunto, es decir: objetos o parte de los mismos en su estado habitual, y objetos o partes modificados, a base de destruir (fundiéndolos o deformándolos, seccionándolos o troceándolos, descomponiéndolos, vaciándolos…) y de construir (adicionando, componiendo o recomponiendo, llenando, alargando…), para originar nuevos objetos con capacidad representativa, simbólica y estética. El título del conjunto “Bodegón de esculturas bodegón” refleja la idea que quería plasmar y los títulos de las diferentes piezas van desde lo arbitrario (“Imagen onírica”), pasando por lo sugerente (“Caracola” o “Tótem”), o por la expresión de lo que la pieza es (”Lote”), a lo simbólico y conceptual (“Manantial” y “Homo erectus”). El conjunto se presenta sobre una mesa con una cortina de fondo, pero la instalación puede concebirse también de otras formas (con una cortina colocada en su posición habitual, pero cubriendo en su caída una mesa sobre la que disponer las 6 piezas; con 2 o 3 receptáculos de madera, cristal o metacrilato –fijados en la pared o como volúmenes exentos- colocando 2 o 3 piezas en cada uno; en un armario antiguo con alguna talla, equipado con 2 o 3 repisas, sobre las que montar las piezas; en una mesa antigua cubierta con un tapete de ganchillo y un cajón o dos semiabiertos, conteniendo en su interior –o no- objetos y materiales diversos, etc.). Podría admitirse otra instalación más amplia con la incorporación de “Eclosión de objetos” (Enero de 2005), de forma que el “Bodegón de esculturas bodegón”, dispuesto sobre una mesa con tapete, se colocaría delante y debajo de “Eclosión de objetos”, que quedaría detrás suspendida en una pared; dado que esta composición de fondo representa una especie de parto de objetos, el conjunto se interpretaría en la misma línea, es decir, las esculturas que reposan sobre la mesa (objetos elaborados con objetos) habrían brotado previamente del mismo modo que lo están haciendo los objetos que están eclosionando en la obra vertical. Todas las piezas están ejecutadas entre Septiembre y Diciembre de 2005.

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ESCULTURAS EN RELIEVE

1. TÍTULO: “Vestigios” .

MEDIDAS: 111 x 78 x 14 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Enero de 2004. MATERIALES: Soporte: Dos trozos de aglomerado y listones . Elementos de composición: Pantalla de luz transformada, piezas de mecánica (culata de motor de explosión de moto, junta de culata, piñón de bicicleta, bujía, pastilla de freno, tobera, horquilla de caja de cambios, carcasa de motor de explosión de coche, ...), tiradores de gavetas, guías para gavetas, soporte de bidón de bicicleta, piezas de lavadora (desagüe, arco de puerta, ...), mango de sartén, pieza de frutero, sartén troceada, tubo de manguera de ducha, arco de madera, trozo de bayeta, tierra de zahorra con resina de poliéster y mortero para texturar y pintura acrílica. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, taladro, radial, cepillo, fresadora), cola polivinílica, brochas, puntas, martillo, tirafondos, destornillador, cola de contacto, resina de poliéster, recipientes, cucharas, espátulas, colador, llana, mortero, trozo de jersey con trama labrada para texturar y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos modelados y texturados, objetos transformados y pintura extendida, presionada, lavada y raspada. COMENTARIO: Dado que mi obra está en buena medida construida sirviéndome de la integración de objetos, como si fueran bodegones en cierta manera, decidí realizar un grupo de “naturalezas artificiales” (más propiamente que naturalezas muertas), siendo ésta la primera de ellas. Me plantee, pues, desde la concepción de esta obra, realizar una composición con una serie de objetos (completos y parciales, modificados de diversas maneras y sin modificar) más o menos reconocibles, a modo de bodegón. El título se debe a que la obra ofrece vestigios en un triple sentido: 1. Todas las texturas son propiamente vestigios o huellas realizadas con diferentes instrumentos sobre mortero de construcción (llana, espátulas, jersey con trama abierta y brocha). 2. Los objetos empleados pueden considerarse vestigios de nuestra sociedad de consumo, específicos de nuestra civilización, que son expulsados desde su interior como si de una emanación volcánica se tratara; de ahí la presencia de una especie de cono y del cromatismo volcánico de la pieza, conectando con el grupo anterior de obras integrado en la exposición: “Paisajes exteriores-íntimos-interiores”, (si la última obra de esta colección “Paisaje–bodegón” -Octubre de 2003- era un paisaje concebido como un bodegón, ésta puede ser un bodegón concebido como un paisaje).

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3. La obra, como cualquier otra, constituye un vestigio de una emanación creativa personal. Existe otra obra con el mismo título de agosto de 1997, perteneciente al grupo de trabajos de pequeño formato denominado: “Proyectos”

2. TÍTULO: “Bodegón surrealista” . (“Otra visión de las cosas”). MEDIDAS: 107 x 93´5 x 19 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Marzo de 2004. MATERIALES: Soporte: Trozo de madera D M reforzada. Elementos de composición: Marco de espejo modificado, dándole profundidad y saliente a la repisa inferior, añadiendo madera y una tira plástica, moldurando y texturando con polvo de mármol y cola polivinílica. Cinco piezas de “cerámica”: 2 creadas, que no son de cerámica (la jarra realizada con tela de sábana tratada con resina de poliéster y base de madera, a la que se le añadió una cremallera, y el jarrón, realizado su parte más ancha con el mismo procedimiento que la jarra, las gavetas con madera DM. y los tiradores con cuentas, y el cuello con tubería de plástico, madera, y cordeles de distintas secciones tratados con resina de poliéster) y 3 piezas modificadas (la tetera, que fue ampliada con masilla de resina de poliéster y polvos de talco, después de haber sido seccionada, a la que se le invirtió el colador y se le añadió el agarradero de la tapadera fuera de su lugar; el botijo (carente de pitorro, porque lo utilicé en un trabajo previo), que fue seccionado y se le añadieron 3 pitorros creados, y el platito seccionado). Las 5 piezas han sido texturadas con polvo de mármol y cola polivinílica. El fondo está realizado con un tejido plástico encolado. Se pintó el conjunto con pintura acrílica. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, cepillo, taladro, amoladora, radial, lijadora y fresadora), cola polivinílica, brochas, puntas, martillo, tirafondos, destornillador, lija, cuchilla, alicates, segueta, tijeras, telas, jarra de barro y jarrón de cerámica empleados como moldes, verga, recipientes, cucharas, espátulas, colador, resina de poliéster, mortero y aditivo para el mismo, escayola, lavavajillas y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos, objetos creados y modificados y pintura extendida, presionada y lavada. COMENTARIO: Pretendí realizar un bodegón con 5 piezas de “cerámica” que pudiera asociarse a un bodegón tradicional, pero que permitiera que enseguida saltaran a la vista sus diferencias. La composición se realiza sobre la base de una especie de ventana, o quizás de alacena u hornacina (receptáculos para objetos corrientes e incluso para iconos sagrados), que constituye a su vez el marco de la obra.

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Las piezas de “cerámica”, perfectamente reconocibles, presentan diversos elementos que suponen alteraciones de sus componentes, disposiciones irregulares o introducción de otros improcedentes desde el contexto habitual, y que por ello las hacen alógicas, familiarmente extrañas, absurdas, imposibles, enigmáticas, a la vez que ambiguas y poéticas. Estas piezas son lo que parecen, y al tiempo dejan de serlo para ser otras cosas (el jarrón con su boca cerrada es un mueble con sus espacios registrables o utilizables en forma de cajones, aunque con un absurdo cuello alto; la jarra es una prenda impermeabilizada cuya cremallera impediría el uso como jarra; el botijo es un botijo imposible, pues presenta 3 pitorros dispuestos en línea vertical –podría ser una fuente de decoro, porque no permitiría beber-; la tetera es imposible también, ya que tiene invertido el colador y presenta el absurdo de la ubicación del pomo de la tapa adherido a un lateral; el platito, que se sabe que lo es, deja de serlo pues está seccionado en dos mitades y una de ellas está dispuesta en posición invertida). Los objetos podrían ser también lo que cada cual imagine. Este juego de incertidumbre que se abre entre realidad y fantasía, entre verdad y ficción, se amplía al no quedar evidenciada la naturaleza de las cerámicas (si son de cerámica propiamente –de barro, loza o porcelana- o de otros materiales) y su autoría (si son piezas “auténticas” realizadas por ceramistas profesionales o creadas por mí). El título y el subtítulo expresan la concepción de la obra; y el subtítulo, además, es el que toma la exposición de todos los bodegones.

3. TÍTULO: “Cordegón” . (“Esta no es como la cortina que pintó Parrasio”). MEDIDAS: 112 X 93 X 13 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Mayo de 2004. MATERIALES: Soporte: Barra de madera para colgar la cortina con sus accesorios. Elementos de composición: El propio soporte, una cortina, tres reproducciones modificadas de cerámicas y pintura acrílica. INSTRUMENTOS: Tijeras, hilo, aguja, sierra, cola polivinílica, papel de aluminio, tela de sábana, recipientes, brochas, espátulas, resina de poliéster, dos vasijas de cerámica y una de cristal empleadas como moldes, aceite para desmoldear, tubo de P.V.C., cordel, amoladora, escofina, lija y pintura plástica para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos, objetos (tres de ellos moldeados y modificados) y pintura extendida, lavada y presionada en algunas zonas. COMENTARIO: Desde hacía tiempo tenía el deseo de realizar una composición empleando una cortina que ocultara algo, pero que al tiempo dejara entreverlo, y en la ejecución de este grupo de bodegones encontré la

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ocasión. La pieza ofrece una cortina con sus accesorios de cuelgue, que en su caída, al término de algunos de sus pliegues, parece que oculta tres recipientes y, en realidad, más bien los configura. La cortina incluye de manera inherente dos elementos más: uno representado en su superficie de naturaleza material, real (unos molinillos de manivela para moler café, bordados en la tela), y otro tras ella de tipo ideal, irreal (la ventana que inevitablemente podemos imaginar detrás de la cortina, aunque con esta presencia no ignoremos que la cortina está descontextualizada y que, por tanto, no encontraremos una ventana tras de sí; por ello, “no es como la cortina que pintó Parrasio” –paradigma del ilusionismo pictórico que pretendía hacer que se confundiera lo pintado con lo real y viceversa-, la que llevó a Zeuxis al error de pensar que ocultaba algo detrás, según la historia narrada por Plinio). He pretendido operar con ambigüedad y crear la duda de si la cortina es propiamente una cortina o no, de si lo son o no las piezas de cerámica que parece esconder ésta, así como con la inutilidad de los objetos (viendo la procedencia de los mismos –son jarrones que se adquieren o regalan para poner flores, pero normalmente están vacíos- y su estado actual en el que al estar cerradas sus bocas les es negada su utilidad, aunque al ser empleados en una composición plástica su utilidad práctica quede necesariamente transformada). La obra se presenta como una cortina bodegón, ya que incluye una serie de objetos, siendo la cortina uno de ellos. El título se forma, en consecuencia, con la síntesis de la primera sílaba de cor tina y con las dos últimas de bodegón , pues pretende ser más bodegón que cortina, aunque en realidad pueda parecer más cortina y consecuentemente pudiera denominarse también “Cortigón”.

4. TÍTULO: “Ecolavavajillas” . (“Estado y función mutados”). MEDIDAS: 118 X 86´5 X 16 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Junio de 2004. MATERIALES: Soporte: Trozo de aglomerado y listones. Elementos de composición: Diversos componentes de lavavajillas de distinto tipo (depósito, mangueras, bandejas, rieles, resistencia, panel frontal de mandos, apoyos, trozos de tejido aislante, etc.), piezas de vajilla (platos, cubiertos, vaso, taza, cazo y pinzas), arena y marmolina para texturar y pintura acrílica. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, cepillo, fresadora, amoladora y taladro), martillo, clavos, cola polivinílica, destornillador, tornillos, punzón, alicates, sierra, soplete, espátulas, cola de contacto, tijeras, resina de poliéster, recipientes, brochas, masilla de polvos de talco y resina, pintura plástica blanca para imprimar, trapos y pinceles.

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TÉCNICA: Collage con materiales sólidos y objetos manipulados y pintura extendida, lavada y presionada. COMENTARIO: La obra surgió de manera totalmente espontánea y azarosa en un momento en el que tenía diversas ideas de composición de bodegones, pero no contaba con los materiales que pretendía emplear, por lo que me disponía a vivir unos días de relativa inactividad plástica; pero se nos estropeó el lavavajillas, sin posibilidad de arreglo, y empecé a desmontarlo a la búsqueda de piezas de interés plástico. Ocupado en esta tarea, enseguida empecé a concebir una idea compositiva nueva, para cuya ejecución estaba sobrado de materiales. Se trataba de realizar un bodegón empleando solamente piezas y materiales del lavavajillas, junto con algunos elementos de vajilla tomados del último lavado que hizo la máquina, manteniendo la asociación natural que existe entre vajilla y electrodoméstico que la lava, aunque fuera de su contexto. Esta obra es, pues, un lavavajillas transformado en composición plástica, a modo de bodegón, del que pueden reconocerse algunos componentes y en el que la presencia de piezas de vajilla da fe de su naturaleza. El lavavajillas y las piezas de vajilla mantuvieron su relación mientras la máquina estuvo útil; sin embargo, contrariando la lógica de nuestra dinámica de consumo, negándome a aceptar que tuviera que ser ya inservible, quise perpetuar esa relación más allá de la utilidad convencional del electrodoméstico. A partir del último lavado –de su última relación “natural”- tomé unas muestras representativas de unos y otros, y efectué un cambio de estado y de función (de ahí el subtítulo de la obra); es decir, esos enseres relacionados en vida, negada ésta, adquirieron un nuevo dinamismo en una dimensión plástica, quedando de paso el lavavajillas liberado del desahucio. El cromatismo, en el que destaca una amplia gama de verdes, tiene un sentido simbólico, ya que el verde simboliza lo ecológico, y me sirve para presentar este prototipo de lavavajillas (como cualquier otro de naturaleza plástica) como auténticamente ecológico, a diferencia de los funcionales; por otro lado, para activar la atención y ponernos en alerta, me valgo de la llamativa viveza del colorido, que puede llegar a extrañar e incluso a perturbar, como la naturaleza que conserva su equilibrio cuando estamos habituados a la desnaturalización. La composición de la obra surgió de manera muy fluida y su ejecución fue del mismo modo. Su título está en consonancia con estas ideas.

5. TÍTULO: “Después de los platos rotos” . (“Bodegón antropomórfico”). MEDIDAS: 124´5 x 94´5 x 11 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Agosto de 2004. MATERIALES: Soporte: Trozo de aglomerado.

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Elementos de composición: Mantel, platos y fuente rotos, trozo de tapadera de azucarero, pintura acrílica y marco. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, cepillo, taladro, amoladora y radial), cola polivinílica, tornillos, destornillador, tijeras, brocha, cola de contacto, resina de poliéster, cordones, pinceles y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con objetos rotos y seccionados, tejido y pintura extendida, lavada y presionada. COMENTARIO: En el inicio de la obra estuvo el deseo de realizar una composición utilizando únicamente platos rotos; objetos estos -o las piezas de vajilla- habituales en los bodegones clásicos y modernos. Junto a ese deseo estaba el de expresión de la idea de que, en líneas generales, se puede intentar construir a partir de lo roto accidentalmente o de lo destruido, aparte de reconstruir lo construido con anterioridad, no solamente en el plano material -del cual esta obra pretendería ser un ejemplo-, sino también en el plano relacional. Este último es el sentido de la obra y lo que le da título, ya que las expresiones: “haberse roto los platos”, “estar los platos rotos”, “romper los platos”..., aluden al estado de ruptura de una relación. La pieza, así concebida, presenta, pues, un mensaje de esperanzadora recuperación, de dinamismo creador a partir de lo considerado como acabado o inservible -aunque también lógicamente de lo meramente dañado-, de nueva construcción o de afán constructivista, de síntesis dialéctica, etc. La composición fue generándose con grandes dosis de azarosidad conducida con intencionalidad. Comencé la misma por la parte superior sin ninguna idea preconcebida, pero enseguida lo construido me sugirió la idea de cabeza. Empeñado en desarrollar un formato horizontal, realicé bajo esa especie de cabeza una línea longitudinal con platos rotos, lo que me dio la idea de brazos abiertos e hizo que acabara dándole al trabajo un formato vertical y configurando una figura humana -sin género definido- en posición vertical. Por último, para cerrar la composición, coloqué bajo la figura partes centrales de platos (en los brazos habían sido empleadas las arqueadas) a modo de soporte material. El conjunto me sugería una especie de surfista en un medio no definido (sabemos que puede practicarse el surfing sobre el agua, sobre la hierba, sobre la nieve y también en el aire). La obra podría verse también como una mesa puesta recubierta con un mantel, con vajilla distribuida siguiendo un diseño antropomórfico, como si emergiera del propio mantel, y presentando rasgos tatuados. La composición evidencia que, aunque los platos se hayan roto, si no se acepta ese estado como definitivo y terminal, puede crearse algo satisfactorio suficientemente definido, aunque no lo sea plenamente; e indica que lo que es posible en el ámbito plástico puede serlo en otros de distinta naturaleza.

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6. TÍTULO: “Listo para tomar” . (“La mesa está puesta, sírvase usted mismo”). MEDIDAS: 96´5 x 91 x 10 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Septiembre de 2004. MATERIALES: Soporte: Trozo de aglomerado plastificado. Elementos de composición: El propio soporte con metacrilato y texturado con marmolina, tapete de labor de lana fina, 9 paquetes tetra pak enrollados y dispuestos en una bandeja hecha a la medida, 1 jarra troceada, 2 copas rotas, 2 tazas con sus respectivos platos, 1 cafetera seccionada, 1 bandeja circular y pintura acrílica. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, cepillo, radial, taladro y fresadora), sierra, brocha, resina de poliéster, recipientes, arena, martillo, puntas, espátulas, cola polivinílica, listones, cilindros torneados, alambre, tabla, polvos de talco y serrín para hacer masilla con poliéster, colador, marmolina, fibra de vidrio y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos, objetos con su presencia habitual, modificados o creados y pintura extendida y lavada. COMENTARIO: En mi ánimo de ofrecer variedad de bodegones decidí crear uno con objetos de mesa, relacionados con la alimentación (bebida), y dispuse sobre una especie de tablero de mesa los distintos elementos: uno empleado como se usa habitualmente (el tapete sobre la mesa), otros sin modificar, pero con una presencia inhabitual (los platos y sus correspondientes tazas y la bandeja circular incrustada en la mesa), otros modificados accidentalmente (las copas rotas) o voluntariamente (la jarra troceada, la cafetera seccionada y los envases manipulados) y otro creado (la bandeja rectangular). Se trata de una mesa peculiar. Los envases dispuestos en la parte inferior recogían diferentes artículos líquidos de origen vegetal (jugo de naranja, gazpacho, caldo de verduras, etc.); o sea, naturaleza envasada y uniformizada por el tratamiento industrial, por ello aparecen idénticamente enrollados (como doblegados todos del mismo modo), matemáticamente seriados (impersonalizados, al igual que una formación militar), aparentemente repetidos y acumulados (aunque convenientemente dispuestos), llenando el receptáculo (en señal de excesiva abundancia) y encerrados en una bandeja ajustada. Todo ello hace referencia a la pérdida de identidad de la naturaleza y, a la par, de los individuos en la sociedad, también naturaleza y parte de ella. Como contrapartida, presento en la parte superior otra acumulación y seriación con trozos de jarra, pero en este caso ordenados en línea curva abierta, dinámica y libre, ya que por un extremo se sale levemente del soporte y por el otro se prolonga con los platos y la propia bandeja, haciendo un guiño a los

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valores contrarios de dinamismo, autonomía, singularidad, naturalidad, libertad, apertura, expansión, etc. Aunque la mesa esté puesta lo está lógicamente desde el punto de vista plástico, y la incitación a servirse ha de entenderse en ese ámbito; es decir, la obra con sus ingredientes está servida, lista para tomar y quien esté dispuesto ha de servirse lo que quiera o lo que pueda: percibir, sentir, imaginar, reflexionar, evocar, emocionarse, etc., o sencillamente renunciar a servirse si no está dispuesto a ello.

7. TÍTULO: “Bodegón con tanque” . MEDIDAS: 68 x 123´5 x 21 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Octubre de 2004. MATERIALES: Soporte: Dos trozos de chapa marina. Elementos de composición: El propio soporte texturado, objetos texturados, algunos sin modificar (panera, tanque, cuadrito ovalado, bolso y reproducciones de frutas) y otros modificados (zapato, plancha y jarra) y pintura acrílica. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, cepillo, taladro, fresadora, radial y plancha), escuadras, tornillos, destornillador, pinceles, cola polivinílica, sierra, punzón, martillo, puntas, madera, tijeras, lámina adhesiva de chapar, escofina, recipiente, marmolina, espátulas, llana, tapaporos y protector de madera para texturar con marmolina, resina de poliéster, fibra de vidrio y pintura plástica para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos texturados, objetos sin modificar y modificados y pintura extendida y lavada. COMENTARIO: Desde hacía mucho tiempo tenía la idea de realizar un bodegón con tanque, y al abordar el trabajo de este grupo de obras vi la oportunidad. Como en todo bodegón empleo objetos familiares, de nuestra vida cotidiana, pero introduciendo descontextualizaciones y, con ellas, extrañezas más o menos impactantes, fruto no ya de la realidad lógicamente sino de la imaginación. Así, aparecen dos receptáculos que no recogen lo que es habitual sino algo que les es impropio (la panera un zapato troceado, como si fuera un pan, y el bolso una serie de frutas, al modo de los útiles que las mujeres suelen acumular en sus bolsos; pero también, en el primer caso la panera se convierte en una zapatera y en el segundo el bolso en frutero). Se recogen dos objetos ilógicos, pues presentan aditamentos o modificaciones absurdas que impedirían o dificultarían su uso (la plancha, con su asidero excesivamente largo, al igual que la jarra, que a su vez presenta un corte frontal que disminuiría considerablemente su capacidad. Por último, aparece un tanque que no presenta en sí ninguna extrañeza (salvo la escala, dado que la del resto de objetos es la natural); lo extraño estriba precisamente en su propia

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presencia en un bodegón; sin embargo, está perfectamente justificada porque, desgraciadamente, la presencia de los tanques (como de cualquier otro tipo de armamento) se ha convertido en algo familiar, común, cotidiano en los países en guerra, desde luego, pero también en los que no lo están, a través de los medios de comunicación. Este componente está asociado al colocado en el otro extremo de la composición; tanque y zapato de infante se relacionan en diferentes sentidos: las tropas que actúan a pie con armamento ligero y que suelen acompañarse de tanques se denominan infantería, vocablo que deriva de infante; además, las fuerzas armadas me parecen un cuerpo atrapado en el estadio evolutivo infantil (son como niños jugando al yo mando y tú obedeces, a uniformarse, a colocarse en formación y desfilar, a realizar simulacros en maniobras, a montar guardia,... a guerrear juegan incluso, actividad básicamente primitiva, como primitiva es la infancia –aunque afortunadamente con otro sentido- en el plano ontogenético). El protagonismo del tanque, que contiene una carga de denuncia, es lo que da título a la obra. El pequeño bodegón floral se incluye con la intención de integrar un bodegón enmarcado (clásico) dentro de otro de naturaleza moderna y, además, con fines estéticos (para equilibrar los volúmenes) y simbólicos (la presencia del tanque está asociada a la de la guerra y con ella a la de la muerte, y a la muerte asociamos flores, al tiempo que a la vida, del mismo modo que, paradójicamente, los militaristas asocian también el tanque a la vida). La composición tiene un cierto carácter escénico, dado que los objetos son como personajes que cuentan sus historias, como en una representación teatral; historias que, a su vez, se producen en un contexto del que emanan, provocando en ellas un cierto efecto de uniformización; por ello, desde el punto de vista cromático, los objetos salen de la repisa y del fondo en consonancia con estos planos.

8. TÍTULO: “Expositor de prendas petrificadas” . MEDIDAS: 72´5 X 121 X 15 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Diciembre de 2004. MATERIALES: Soporte: Trozo de madera D.M., varillas de madera y largueros de cama también de madera. Elementos de composición: Las propias varillas y los largueros que conforman el receptáculo, prendas diversas (dos camisetas, una blusa, un pantalón corto, unas bragas y un calzoncillo), un cinturón, pintura acrílica, barniz y cera. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierras circular y caladora, cepillo, taladro, fresadora, amoladora, lijadora y pistola decapante), tornillos, destornillador, clavos, martillo, recipientes, cuchara, brochas, resina de poliéster, colador, materiales para texturar el fondo y las prendas (marmolina, arena de playa y zahorra fina), espátulas, lija,

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maniquíes, barro, medios aislantes para moldear (lavavajillas, aceite y papel de aluminio), escofina, alicates, tijeras y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos, objetos y pintura extendida y lavada. COMENTARIO: La idea tuvo su inicio al ver una camiseta terciada en el respaldo de una silla; ello me hizo pensar enseguida en las prendas de vestir como contenido de un bodegón. Decidí disponer seis prendas, destinadas a cubrir el tronco (tres en la parte superior y otras tantas en la inferior), sobre unas varillas y dentro de un receptáculo de cálida madera, a modo de expositor, apoyándome en el hecho de que en nuestra sociedad de consumo el escaparate y el expositor son una clara materialización del bodegón, o quizás los bodegones por antonomasia. Las prendas se presentan endurecidas, como fosilizadas o petrificadas por el paso del tiempo, indicando que, en términos generales, las vestimentas son objetos ancestrales, duraderos en el plano cultural, casi tan antiguos como el hombre mismo, como si el vestir fuera un árbol de hoja perenne en nuestra forma de vida; pero, a la vez, y de manera particular, paradójicamente son cada vez más perecederos, por el uso limitado, breve que se tiende a hacer de cada una de ellas. Es decir, se mantiene la práctica del vestirse, pero se sustituyen rápidamente unas prendas por otras, tendiendo prácticamente a fijar el hábito de “usar y tirar”. Al recuperar yo estas prendas y petrificarlas en la obra (por el hecho de integrarlas en ella y por presentarlas de ese modo), las vuelvo a hacer duraderas (tanto como la obra aguante) y manifiesto mi rechazo a esa tendencia de uso escaso y desahucio, cada vez más dominante. Por otro lado, el hecho de petrificar las prendas conecta esta obra con las precedentes de paisajes, particularmente íntimos (las prendas, aunque pétreas, necesariamente están asociadas al cuerpo y, además, dos de ellas conforman claramente una parte del cuerpo, siendo a la par prendas y cuerpos) aunque, a diferencia de “Vestigios” (Enero 2004) o de “Eco-lavavajillas” (Junio 2004), no pueda verse como un bodegón concebido como paisaje, o viceversa. El título expresa lo que la obra es.

9. TÍTULO: “Eclosión de objetos” . MEDIDAS: 131 x 95 x 20 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Enero de 2005. MATERIALES: Soporte: Trozos de aglomerado, chapa marina y listones. Elementos de composición: Cortina, joyero de cerámica, dos jarras: una elaborada a partir de un envase de suavizante (recipiente híbrido de ese tipo de envase modificado y cuello-boca de jarra), y otra creada partiendo de un modelado en barro, sobre estructura de madera, con resina de

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poliéster, tela, una pata de mueble y una cuenta de madera (híbrido también de cuerpo de jarra y salida de pata de mueble). Se ha texturado con arena de playa y marmolina y policromado con pintura acrílica. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, cepillo, taladro y radial), destornillador, tornillos, martillo, puntas, alicates, barro, espátulas, recipientes, resina de poliéster, brochas, pinceles, tela, fibra de vidrio, escofina, lija, cola polivinílica, marmolina, grapadora de tapizar, tijeras, arena de playa, cartulina, cinta adhesiva y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos modelados, moldeados y texturados, objetos (uno tal y como se adquiere en el mercado y dos creados) y pintura extendida. COMENTARIO: La idea inicial consistía en presentar unos objetos de cerámica saliendo de un muro al romperse éste. Enseguida esa idea me sugirió la de parto de objetos y transformé el muro en genitales femeninos. Esta postrera idea conectaba con la obra: “Tierra entreabierta” (Agosto de 2000), en la que una vulva se convertía en paisaje, quedando sacralizada por un marco ovalado muy labrado, como si de un icono religioso se tratara. En esta nueva pieza, aunque sin enmarcar, concebida también como paisaje a la par que como bodegón (al igual que “Vestigios” -Enero de 2004- y “Eco-lavavajillas –Junio 2004-), es la representación de los propios labios vaginales mayores, a modo de mandorla, quien ensalza y dignifica los objetos, iconos también venerados en nuestra cultura de consumo y sacralizados por ella. “Eclosión de objetos” forma parte de una terna de bodegones, en los que presento básicamente objetos supuestamente de cerámica, junto con “Bodegón surrealista” (Marzo de 2004) y “Cordegón” (Mayo de 2004). Al igual que en “Cordegón” empleo una cortina, pero mientras que en ese caso la cortina representa sencillamente una cortina, en éste representa una vulva, aunque en ambos casos los objetos salen o nacen de ella, luego la idea de nacimiento estaba ya latente en esa obra anterior. La vulva, el cuarto objeto del bodegón (objeto en la medida en que lo genital –en este caso lo femenino- se objetualice o cosifique), puede entenderse como una versión reduccionista de Gradiva, ese personaje ambiguo de la literatura de los albores del siglo XX, que Freud recuperó y que los surrealistas se apropiaron como símbolo del flujo libre de la imaginación, de la liberación de lo oculto, o de los deseos latentes. Se trata de una reducción del personaje (quizás de la reducción más significativa en la teoría freudiana y en la filosofía surrealista –el sexo-) que da a luz lo extraño que lleva oculto: unos objetos de alguna manera inquietantes (por lo inesperado, por sus modificaciones y por sus connotaciones sexuales) que son deseados por nuestra insaciable sociedad de consumo. El hecho de que la vulva pueda asociarse por sus

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pliegues con un paisaje térreo remite al origen natural de las cerámicas: la tierra de la que nacen, ayudados por las manos del alfarero, comadrón en el proceso de parto múltiple; además, queda también asociado el hecho de la creación (acción artesanal) y expulsión natural (parto) con el de la producción industrial y plástica, que también produce objetos aunque de distinto tipo, modo y sentido.

10. TÍTULO: “Incomunicación” . MEDIDAS: 90 x 70 x 12 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Mayo de 2005. MATERIALES: Soporte: Trozo de aglomerado y listones. Elementos de composición: Tela plástica de vallado, dos teléfonos con sus cables, un botín y un zapato, dos calcetines, un marco modificado, pintura acrílica, esmalte sintético para dorar y cera líquida. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, taladro, radial, cepillo y soldador), tijeras, grapadora de tapizar, cola polivinílica, pinceles, colador, recipientes, espátulas, cuchara, mortero con aditivo y pintura impermeabilizadora de caucho con arena y marmolina para texturar, tornillos, destornillador, alambres, alicates, clavos, martillo, cola de contacto, cuchilla, resina de poliéster, fibra de vidrio, brocha y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos, objetos y pintura extendida y lavada. COMENTARIO: Cuando estaba realizando “Bodegón consumista H.” (Marzo de 2005) y “Bodegón consumista M.” (Febrero de 2005), dos cabezas bodegón de hombre y de mujer, pedí dos auriculares-micrófonos de teléfono público, uno con líneas curvas y otro con líneas rectas, para utilizar uno de ellos en una de las cabezas (con más probabilidad el curvo en la cabeza femenina). Cuando los conseguí tenía ya las cabezas acabadas y, enseguida, concebí la idea de esta composición, partiendo, pues, de esos objetos como elementos centrales y de su función posibilitadora de la comunicación. La composición representa a una mujer y a un hombre (contenido de numerosas obras previas, de forma evidente o evocada), simbolizados por un auricular-micrófono con su respectivo cable y una pieza de calzado cada uno (la mujer por el auricular-micrófono de diseño curvo y el botín de uso femenino, y el hombre por el de líneas rectas, anguloso y casi poliédrico y por el zapato de caballero). Los auriculares-micrófonos están dispuestos en paralelo, en posiciones opuestas (de espaldas) y con sus cables evolucionando en sentidos contrarios y desconectados (sin posibilidad de comunicación); en consonancia, el botín y el zapato están orientados en direcciones contrarias y en posiciones diferentes.

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El conjunto expresa la idea de incomunicación, de ahí el título de la obra; estado y sensación tan propia de nuestra civilización, a pesar de estar invadidos por múltiples tipos de medios de comunicación y rodeados habitualmente de personas. Quise valerme precisamente de los teléfonos (instrumentos que empleamos para comunicarnos) para evidenciar esta paradoja y, a la vez, falacia. El botín aparece abierto y el zapato desatado para reforzar esa idea de incomunicación, de ausencia de apertura a los otros, a pesar de que estén abiertos; ya que el calzado comúnmente nos permite desplazarnos por la realidad exterior, ponernos en contacto o comunicarnos con ella (mientras que con los calcetines mantenemos el contacto con nuestra realidad corporal, interior), situación en la que los llevamos atados o cerrados, pero los desatamos o abrimos cuando queremos suspender ese contacto, y nos los quitamos (el zapato, incluso, ha sido desposeído de su suela, pieza que es en realidad la que contacta). La maya del fondo, que se usa en las obras para aislar, incomunicar, alude a lo mismo y, al tiempo, a las condiciones estructurales (de fondo) que alientan o imponen, a veces, esa incomunicación; en algunos lugares se desdibuja su trama para hacer referencia a que esas condiciones de fondo no suponen un condicionamiento ineludible o un determinismo. El marco, como estructura cerrada, establecedora de límites (inhabitual en mis obras, que suelen presentarse pretendidamente abiertas), ahonda en esa idea de incomunicación estructural, casi predeterminada artificialmente, por ello empleo un marco comercial convencional, fabricado en serie; incluso su cierto aire de religiosidad, por asociación de su cromatismo con el habitual en los marcos de la pintura sacra, está en consonancia con la idea de cerrazón.

11. TÍTULO: “Frente a frente” . MEDIDAS: 116 x 101´5 x 12 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Junio de 2005. MATERIALES: Soporte: Trozo de chapa (madera fina) y listones. Elementos de composición: Dos chaquetas, una corbata, dos sombreros y pintura acrílica. INSTRUMENTOS: Metro, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, cepillo y taladro), pincel, cola polivinílica, puntas, martillo, tornillos, destornillador, tenazas, escofina, lija, tijeras, grapadora de tapizar, resina de poliéster, espátulas, cuchara, recipientes, pintura impermeabilizadora de caucho con arena y marmolina para texturar y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos, prendas y pintura extendida, lavada y presionada. COMENTARIO: El origen de esta obra fue similar al de “Incomunicación”; pieza que realicé simultáneamente con ésta. Necesité una chaqueta de caballero

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para “Bodegón consumista H” y conseguí dos. Al tener una sobrante decidí hacerme con otra de mujer y realizar esta composición. En este relieve presento una pareja heterosexual, al igual que en numerosas composiciones previas, simbolizada en esta ocasión por las chaquetas (una de cada género), por los gorros respectivos (uno entero y otro parcial), por la corbata (símbolo fálico) y por los pliegues realizados con la “piel interior” o forro de la chaqueta femenina (pliegues vaginales). Si en “Incomunicación” la pareja simbolizada se presentaba de espaldas, en esta composición aparece frente a frente, de ahí su título. Si en el primer caso la escena estaba bien definida, en este preferí plantearla en términos de ambigüedad: la pareja está frente a frente, pero no sabemos si en actitud dialogante, desafiante o indiferente, si se aprecian o se desprecian, si se conocen o desconocen, si son personas parecidas o muy diferentes, si emplean la misma lengua o no, si pertenecen a la misma nacionalidad o a dos distintas, etc. Al igual que en la obra referida, se trata de una pareja sin identidad, despersonalizada, común, vulgar; desecho de una sociedad, como las prendas que la representan, aunque se le haya dado una presencia atractiva en la obra, pero no deja de ser pura apariencia.

12. TÍTULO: “Los objetos también expresan” . MEDIDAS: 92 x 110 x 12´5 cm. FECHA DE CONCLUSIÓN: Julio de 2005. MATERIALES: Soporte: Tablero de mesa de jardín modificado, reforzado con tubo de hierro. Elementos de composición: El propio soporte, una tapadera de taza de W.C. con nueve tornillos, tuercas y arandelas, seis tazas, una lechera / tetera, dos barras arqueados de balancín, dieciséis peones de ajedrez, pastilla de freno, polvo de mármol texturado, pintura acrílica, esmalte sintético para platear y para dorar y cera líquida. INSTRUMENTOS: Metros, escuadra, herramientas eléctricas (sierra caladora, taladro, cepillo, equipo de soldadura, radial y fresadora), puntas, martillo, tornillos de barrena y de tuerca, destornillador, cola polivinílica, pinceles, lija, lima, alicates, llave inglesa, fibra de vidrio, resina de poliéster, tijeras, recipientes, remachadora, barro, maderitas para confeccionar moldes con los que unir las tazas, marmolina, cuchara, colador y pintura plástica blanca para imprimar. TÉCNICA: Collage con materiales sólidos, objetos transformados y pintura extendida. COMENTARIO: El punto de partida de la obra lo constituyó la decisión de utilizar, como soporte de un nuevo bodegón, el tablero de una mesa de jardín circular abierto en listas, que preferí transformar en ovalado. Enseguida dispuse sobre la mesa la tapadera de taza de W.C. y las dos barras arqueadas,

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como elementos de composición estética meramente. A partir de ahí empecé a elaborar la idea y a disponer el resto de los componentes de la obra. Al igual que en “La mesa está puesta, sírvase usted mismo” (Octubre de 2004) presento una serie de objetos sobre un tablero de mesa, pero en este caso no todos guardan relación directa con la alimentación, aunque sí con el cuerpo en un sentido más amplio, al tiempo que con lo mecánico; confiriendo a la pieza otro significado y provocando más extrañeza e incluso perplejidad. Esta mesa reúne elementos de dos tipos diferentes de tazas: un tándem de tazas comunes y una tapadera de taza de W.C., convertidas ambas en piezas de mecánica (el tándem –asociado a un vehículo, la bicicleta- formando una especie de engranaje con la barra arqueada y los peones, y la tapadera por la tornillería). Ambos tipos de tazas están relacionados por la función digestiva, ya que vienen a ser como apéndices culturales del principio y del fin respectivamente del aparato digestivo. El conjunto unido de tazas representaría la abundancia, repetitividad y unicidad o poca variedad de lo que a menudo ingerimos (características de lo que por extensión consumimos en todos los órdenes, casi compulsivamente), y la tapa de W.C. la mecanización de la función excretora, no solamente en el plano fisiológico, sino también en el socio-económico-cultural y, en último término, la producción de todo tipo de desechos o excrecencias. La mesa muestra también dos barras arqueadas, procedentes de la base de un caballo-balancín, con ocho peones de ajedrez cada una; elementos lúdicos ambos, relacionados con funciones corporales y mentales, del mismo modo que los anteriores con las digestivas. Las piezas del ajedrez, aunque descontextualizadas del territorio que les es propio, además de estar conectadas con lo corpóreo-mental, representan cuerpos –individuos- sobre el terreno de batalla, en su sentido estricto y genérico. Sendos elementos constituyen la base o soporte del juego y, simbólicamente, de todo tipo de estructura, sistema u orden vertical o piramidal (como los soldados en un ejército, los ciudadanos en un estado, los feligreses en una Iglesia o los alumnos en una concepción tradicional de la enseñanza; seres que siendo casi todo, son casi nada). La lechera o tetera, que está también de manera cultural asociada a la ingesta, al ofrecerse descompuesta (como si se tratara de un ingenio mecánico desmontado) y toda ella a la vista, sin ocultamientos, alude a la sencillez –incluso al simplismo- de todo mecanismo y de toda estructura, sistema u orden. La pastilla de freno –única pieza realmente de mecánica-, simboliza la función o mecanismo de control; de autocontrol en el plano individual y de heterocontrol en el colectivo.

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El título de la obra reclama la atención sobre el valor narrativo de los objetos en la expresión plástica. Ciertamente pueden decir algo, aún después de haber sido despreciados; o quizás precisamente por eso, ya que mientras son apreciados tienen un sentido meramente utilitarista, son elementos de uso y valen explícita y exclusivamente para lo que han sido producidos, no contando en realidad nada, pero cuando pierden ese sentido, pueden ser recuperados y dotados de función expresiva. CONSTRUCCIONES FOTOGRÁFICAS

1. TÍTULO: “Composición de botijos surrealistas levitando sobr e el

mar” . MEDIDAS: Variables. MATERIALES: Tres fotografías (mar, cielo y botijo). FECHA DE CONCLUSIÓN: Mayo de 2007. TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: Este enigmático bodegón está construido a partir de la transformación, multiplicación y distorsión de un solo botijo. Por un lado, la cerámica está dotada absurdamente de tres pitorros, que la convierten en un instrumento imposible, o en un útil inútil y, por otro, el botijo originario con las tres salidas (empleado en otra composición fotográfica denominada “Fuente”, de Junio de 2007) es multiplicado y distorsionado caprichosamente adoptando diversas formas, que añaden al doméstico contenedor de agua más afuncionalidad. El hecho de que la composición esté dispuesta en una marina abre la posibilidad de que el bodegón pueda ser interpretado como paisaje, en mayor medida si además las cerámicas son percibidas como extrañas edificaciones. Al estar el conjunto levitando, en vez de flotando o anclado en el mar, la imagen toma un aire de cierto misticismo, del que participa en consonancia la composición de nubes. Todo ello impregna a la obra un manifiesto carácter de surrealidad y motiva su título.

2. TÍTULO: “Composición de botijos surrealistas ante un traga luz” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Mayo de 2007. MATERIALES: Dos fotografías (tragaluz y botijo). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: Se trata de una versión, en buen grado diferente, de la composición que muestra los “botijos surrealistas levitando sobre el mar” (también de Mayo de 2007). En este caso la absurda transformación de uno de los

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componentes del botijo se practica con la boca, en lugar de hacerlo con el pitorro, y está presentada en duplicado; además, en vez de disponer la caprichosa composición de botijos sobre una marina, se hace delante de un tragaluz. Aunque también en este trabajo la distribución de las piezas de alfarería aparece como si estuviera levitando, el estado aquí es menos definido, creando la sensación incluso de estar el conjunto de cerámicas y el fondo algo fusionados, como buscando cierta identidad; ese efecto se produce porque el tragaluz se comporta contradictoriamente, pues más que captar luz y arrojarla sobre los objetos y contribuir a su definición, lo que hace es absorberlos parcialmente y diluirlos en esa medida, actuando como un traga-objetos. La surrealidad de la obra tiene, en parte entonces, otro carácter diferente del de la original, pero no es menos surreal.

3. TÍTULO: “Menú completo” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Junio de 2007. MATERIALES: Siete fotografías (pasarela de madera, botella de vino, chorro de vino, recipiente, pan, manzana y pescado). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: Esta es una versión moderna del clásico bodegón, creado con la representación o la captación de artículos alimentarios sobre una plataforma. Consiste en una oferta de menú completa (pescado, pan, vino y postre), pero humilde, dispuesta sobre un muelle flotante de tabla sobre el mar, como si fuera un menú de trabajador nocturno o, quizás, de pescador dominguero. La modernidad en el tratamiento de este bodegón estriba en la distribución de los elementos, en su perspectiva, en la colocación descuidada de los alimentos directamente encima de la superficie sobre la que se construye, en lugar de hacerlo sobre receptáculos y, particularmente, en la concepción surrealista del elemento central: la peculiar botella de vino, cortada por su cuello (dispuesto en una posición imposible) y que, aún así, es capaz de servir autónomamente el vino en un recipiente no muy usual para este fin. Se trata de una composición fotográfica más en consonancia con la representación austera del bodegón barroco español que con la exhuberancia del holandés de la misma época.

4. TÍTULO: “Untando mar” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Julio de 2007. MATERIALES: Cinco fotografías (mar, 2 de olas, rebanada de pan y cuchillo). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales.

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COMENTARIO: Este sencillo bodegón realiza una síntesis entre la tarea humana de untar un producto de consistencia cremosa sobre una superficie dura comestible, utilizando un cuchillo (por ejemplo margarina sobre un trozo de pan) y el fenómeno natural de la formación de espuma al bañar el mar una playa. Consigue convertir la margarina en espuma de mar, asimilándolas ambas mediante una metáfora visual y, como resultado, nos ofrece un cuchillo untando espuma (mar) en una rebanada de pan. Al efectuar esa síntesis de tareas y al ejecutar este acto de magia, identificamos ambos fenómenos, el humano y el natural. Naturalizando lo humano podríamos decir, también metafóricamente por supuesto, que la margarina baña la rebanada, y humanizando lo natural que el mar unta la playa; pero nos damos cuenta, además, de que son fenómenos que tienen mucho en común: son cotidianos, familiares, reiterativos, rítmicos, sensuales, apetecibles, dejan impronta de inmediato para luego desvanecerse (siendo devorados), etc.

5. TÍTULO: “Escenificación carnal” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Julio de 2007. MATERIALES: Siete fotografías (lechazos en una pared, pared exterior de casa, botijo, 3 fotos de velas y alfeizar). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: En esta composición fotográfica me he servido sencillamente de la descontextualización de dos mitades de cordero, tomadas de la pared de una carnicería, de su recontextualización en el interior de una habitación de una casa (podría tratarse de un comedor o de un dormitorio), sugiriendo un montaje escenográfico, y de la insinuación de un espacio religioso con la presencia, en el exterior, de una palmatoria con sus tres velas encendidas, creada con uno de los botijos surrealistas que aparecen en “Composición de botijos surrealistas levitando sobre el mar” (Mayo de2007). La referencia al ámbito religioso-eclesiástico es plural, aunque desigual en su evidencia, e irreverente en su contenido. La presencia en las iglesias católicas de abundante imaginería, su instalación con un claro sentido escénico en capillas, sobre pedestales o formando parte de retablos y la variada liturgia que en ellas tiene lugar, las convierten en prototipos de teatralización; pero además, el gusto que desbordan por la dramatización, por lo descarnado, le da impronta a la escenificación. El cordero partido en dos bien podría simbolizar al Mesías crucificado (denominado cordero de Dios) o a cualquier santo martirizado, o al menos evocarlos; pero también podría aludir a lo antitético tabuizado por esa corriente religiosa, es decir, lo carnal como cuerpo disfrutable, como

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pasional, como placentero (en lo sexual o en lo alimenticio –presente también en las iglesias como pecaminoso-); en cuyo caso, la escenificación carnal, liberada de la prohibición y del sentido de pecado, tendría un carácter laico.

6. TÍTULO: “Desdramatizando” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Agosto de 2007. MATERIALES: Dos fotografías (lechazos colgados y vidriera). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: En este bodegón aparecen varias mitades de cordero, como en “Escenificación carnal” (Julio de 2007), pero el sentido y la presencia de esta composición fotográfica es totalmente diferente. Si en la obra precedente las dos mitades de cordero se presentaban con un carácter escénico, de cierta religiosidad y claramente dramático, en esta otra desaparece cualquier viso de esa impronta. Aquí las tres mitades de cordero se muestran tras el cristal translúcido de la puerta de una cocina y fusionadas con él, adquiriendo el bodegón un aire netamente pictórico, bidimensional, parecido a un acrílico de colores diluidos, o incluso a una acuarela, con guiños fauvistas, y con una intención evidentemente desdramatizadora, de ahí el título.

7. TÍTULO: “Botellas petrificadas, tiempo fosilizado” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Agosto de 2007. MATERIALES: Tres fotografías (pared rocosa, reloj y botellas de un relieve escultórico). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: Se trata de un sencillo bodegón, casi clásico en cuanto al contenido, que nos brinda un grupo de botellas y un reloj. Su peculiaridad consiste en que las botellas han perdido su identidad, de manera que en la actualidad no es posible conocer cual fue su destino como contenedores, y en que han conseguido eternizarse, permanecer en el tiempo, puesto que se han petrificado y, con ello, fosilizado, convirtiéndose en estimulantes objetos de atención, de estudio y de veneración. El reloj es el elemento que atestigua esa permanencia de las botellas en el tiempo y que, a la postre, también se fosiliza. Así, pues, las botellas petrificadas son restos fósiles, como lo es el reloj, e incluso el propio tiempo.

8. TÍTULO: “Panal de rica miel” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Septiembre de 2007.

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MATERIALES: Dos fotografías (panal y botellas de un relieve escultórico). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: Del mismo modo que en “Botellas petrificadas, tiempo fosilizado” (Agosto de 2007), este bodegón se construye con unas botellas despersonalizadas también, sin identidad, aunque abundando más en esta característica al no estar petrificadas, incluso al ofrecerse desposeídas de cromatismo. Así, pues, este componente de fondo, casi omnipresente, no da muestras del líquido que ha contenido, ni otros detalles identitarios como el material del que está realizado, en contraste con las celdas del panal que no precisan de indicios que desvelen qué han guardado en su interior y de qué están confeccionadas; por si pudiera haber dudas sobre su naturaleza y función, la presencia de unas abejas no puede por menos que disiparlas. Sobre el panal se dice que es de rica miel, como si de un mensaje publicitario se tratara, pero existe una circunstancia que compromete esta consideración: las abejas están muertas, pegadas al panal, por lo que se puede deducir que está en desuso y que ya no puede contener rica miel, aunque en algún momento lo hiciera.

9. TÍTULO: “La filosofía emperchada” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Febrero de 2008. MATERIALES: Siete fotografías (pared rocosa, mano, chaqueta, zapato, pescado, mar y cielo). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: Al indicar el título que la filosofía está emperchada, se evidencia que la chaqueta -colgada de una singular percha- queda asimilada a esa actividad de reflexión; el por qué es sencillo, y no es meramente porque sea una chaqueta de Merce, cuya profesión consiste precisamente en enseñar a filosofar, sino porque entiendo que la especulación mental es una especie de prenda de vestir que nos colocamos, a la que nos acomodamos, con la que nos identificamos, que conservamos e incluso cuidamos y a la que nos aferramos; pero también hay que añadir que la vestimenta -como las ideas- es cambiante, que nos puede quedar desajustada, que puede ser pesada o ligera, interior-íntima o exterior-superficial, de un tipo-estilo u otro, impersonal o personal, impuesta -o más suavemente condicionada-, aunque también puede ser libre. Ambas, la indumentaria y la filosofía, son específicamente humanas. La filosofía aparece emperchada puesto que permanece suspendida de una percha, hasta que llegue el momento de amoldarse a alguna anatomía; de igual modo, la filosofía vista como acumulación del pensamiento o historia, o entendiéndola como recurso individual de

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pensamiento, está disponible, lista para ser empleada, colgada del propio ser humano capaz de poseerla (por ello la percha es una mano, también de Merce). La filosofía está utilizable, pues, colgada en un muro de bello cromatismo y texturas, que muestra líquenes, hongos y vestigios fósiles (elementos vivos del pasado y del presente, como la propia dinámica de la filosofía) y del que se abre un ventanal por el que penetra luz y a través del cual se puede percibir una hermosa realidad (parodiando de nuevo a esa actividad mental). El extraño espécimen que se muestra apoyado en el ventanal, mitad zapato mitad pez, alude a que ese ejercicio del pensamiento nos permite nadar como pez en el agua y caminar protegidos y seguros al igual que cuando lo hacemos calzados, aunque a veces sea con alguna dificultad o incomodidad, como cuando empleamos zapatos de tacón fino y alto, y remite también a que esa habilidad superior nos permite crear sin límites, de lo que ese extraño híbrido de naturaleza y artificio es un claro ejemplo.

10. TÍTULO: “Doble realidad en un escaparate” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Febrero de 2008. MATERIALES: Una fotografía de un escaparate, reconstruida a partir de varias. TÉCNICA: fotografía digitalizada. COMENTARIO: En un austero escaparate de un humilde establecimiento irlandés tenemos correctamente colocados una serie de sencillos objetos, en perfecta consonancia con su entorno, es decir, con el escaparate y el local. Esa constituye la primera realidad presente en el escaparate; su presencia es física, permanente mientras no se altere y allí permanezca. La otra es una realidad reflejada, virtual; está presente, pero no allí, sino posicionada enfrente del escaparate; lo que está en su cristal es meramente el reflejo de esa realidad, no la contiene en sí, sino que atrapa su imagen como si de un espejo se tratara, testimoniando su presencia en otro lugar. Esa otra realidad, el reflejo de los edificios que están al otro lado de la calle, no es física, aunque es estudiada por la Física, y su permanencia es más inestable puesto que está en función de las variables luz y posición del observador, mientras que la primera no conocía este tipo de variables, dado que los objetos están al margen de la luz y de la posición del observador, incluso de su existencia. La doble realidad indicada admite una duda, e introduce en la composición más ambigüedad: ¿El planteamiento correcto no será el contrario al manifestado? ¿No estará tomada la fotografía directamente a los edificios desde el interior del escaparate, de forma que en el cristal (situado entre medias) quede retenido el reflejo de los banales objetos, invirtiéndose ambas realidades?

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11. TÍTULO: “Todo es posible” .

MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Febrero de 2008. MATERIALES: Diez fotografías (agua en una fuente, libro, pared, ventana, cafetera-botella, bandeja con zapatos, tabla de cortar con corbata y cuchillo, copa con polvo de zahorra, copa con vino y copa con zahorra). TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: La denominación de este bodegón lanza un mensaje consonante con el subtítulo de esta muestra: “Otras visiones de las cosas”. Me resulta evidente que cuando la mirada se abre y se extiende, que cuando se percibe la realidad desde diferentes puntos de vista, que cuando el ser humano está impulsado por un espíritu imaginativo y creativo, puede afirmarse, sin ningún temor a dudas, que “todo es posible”, porque todo es concebible y, de alguna manera, realizable. Podría considerarse que mi obra plástica (escultural y fotográfica) es una clara muestra de esa máxima. En esta construcción fotográfica he concebido cinco elementos netamente surrealistas dispuestos en un lugar impropio (una especie de remanso de una fuente, sobre cuya agua están como flotando), de manera que están creados a partir de un proceso de descontextualización de objetos-imágenes, que se recontextualizan al componer cada uno de ellos, pero que al final, al hacer la composición del bodegón, vuelven a descontextualizarse porque se ubican en un medio que les es extraño. Esos cinco elementos están constituidos por: una bandeja que exhibe sorpresivamente como suculento alimento dos zapatos femeninos de tacón alto; una cafetera con un imposible depósito de agua tomado de una botella plástica donde se envasa y expende ese líquido; un libro extrañamente ilustrado en su portada con una ventana cerrada a cal y canto, instalada en su pared, cuando es de suponer que un libro es una ventana abierta a cualquier mundo; tres copas de vino, una con vino líquido, otra en polvo y la otra petrificado, estados estos últimos en los que sabido es que no se encuentra ,y por último, una tabla de cortar alimentos con un cuchillo, pero inesperadamente lo que tenemos sobre ella es una corbata. Por muy sorprendente que pueda parecer, a la vista está que todo es posible.

12. TÍTULO: “Pájaros exóticos atrapados en un espejo” . MEDIDAS: Variables. FECHA DE CONCLUSIÓN: Marzo de 2008. MATERIALES: Múltiples fotografías (2 de cielos, playa, marco, nido, pájaro y varias de huevos y zapatos).

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TÉCNICA: Composición fotográfica con recursos digitales. COMENTARIO: Este enigmático bodegón ofrece dos componentes extraños en un medio marino: un nido concebido como un arrastre del mar (aquello que esa inmensidad de masa acuática acaba expulsando de su seno porque no le pertenece), que está ocupado por numerosos huevos procedentes de diversas especies de aves, y un espejo cuyo origen, a diferencia del anterior, no queda manifiesto, de forma que no puede saberse si también se trata de un arrastre o de un particular elemento de contaminación de la playa procedente del exterior. Si el primer componente se presenta como un receptáculo natural de los pájaros en estado embrionario y encapsulados, el segundo lo es también pero artificioso, inesperado y fugaz, que acaba atrapando el reflejo del vuelo de una bandada de pájaros que, en realidad, están directamente ausentes de la escena. Es un grupo de exóticos pájaros, de zapatos convertidos en aves como por arte de magia, que al volar por encima quedan apresados en el espejo, donde un pájaro real, apoyado en su marco, los observa con perplejidad y desconfianza, como si necesitara contemplarse también en él para confirmar su identidad y poder diferenciarse de los otros, a quienes no le gustaría parecerse, o quizás sí.

No empleo los zapatos femeninos por su reconocido carácter de fetiches (aunque para mí carecen de él), sino como meros elementos estéticos y expresivos que en la obra asumen un simbolismo: Los zapatos son el elemento que nos ponen en contacto con el suelo y que, como reptiles, están condenados a desplazarse por ese medio; pero, al convertirlos en pájaros, quedan liberados de sus ataduras, al igual que el parapentista cuando se lanza al vacío. Curiosamente cuando realizaba esta composición, me veía "atado" a una cama por una larga convalecencia.