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1
ÁNIMA
SAID BERMEO BAHAMÓN
PROYECTO DE CREACIÓN
ASESORA
MARÍA JOSÉ ARBELÁEZ
UNIVERSIDAD DISTRITAL FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS
FACULTAD DE ARTES – ASAB
ARTES PLÁSTICAS Y VISUALES
BOGOTÁ – COLOMBIA
NOVIEMBRE, 2017
2
TABLA DE CONTENIDO
1. ÁNIMA .................................................................................................................................. 3
2. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO ..................................................................................... 3
2.1 LOS 3 MOMENTOS DE LA IMAGEN ............................................................................. 5
3. JUSTIFICACIÓN.................................................................................................................. 9
4. ANTECEDENTES Y CONTEXTUALIZACIÓN................................................................ 10
4.1 ANTECEDENTES PROPUESTA PLÁSTICA. ......................................................... 13
5. PROPUESTA PLÁSTICA. ................................................................................................ 18
6. REFERENCIAS ................................................................................................................. 22
6.1 BIBLIOGRAFÍA. ......................................................................................................... 22
6.2 FILMOGRAFÍA. .......................................................................................................... 22
6.3 TABLA DE IMÁGENES ............................................................................................. 23
7. ANEXOS ............................................................................................................................ 24
3
1. ÁNIMA
2. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO
Ánima 1 propone una reflexión sobre la
percepción de los objetos y su efecto en el
individuo, basándose en la idea del filósofo
Henri Bergson2 y su planteamiento sobre la
percepción pura, la cual nos sugiere, que la
inteligencia actúa como un cinematógrafo y
las imágenes sintetizan el funcionamiento de
la misma. Este filósofo presenta tres
momentos que son importantes para la
comprensión del proyecto, que más adelante
expondré.
Para entender mejor el pensamiento de
Bergson traeremos a colación el estudio de
Gilles Deleuze 3 que nos servirá como
1 Alma. Energía. Lo que da aliento. Soplo de vida.
2 Henri-Louis Bergson o Henri Bergson (París, 18 de
octubre de 1859 – París, 4 de enero de 1941) fue un
filósofo francés, ganador del Premio Nobel de
Literatura en 1927. Es el filósofo francés más
importante de su época. Con Bergson se produce el
paso del siglo XIX al XX: su vida y el sentido de su
filosofía pertenecen al siglo XX. Supone un momento
de transición: superación del positivismo para plantear
una nueva filosofía y metafísica, un intuicionismo.
3 Gilles Deleuze (París, 18 de enero de 1925 - 4 de noviembre de 1995) fue un filósofo francés,
intérprete, exponiendo las ideas de Bergson
desde la mirada del cine. Deleuze
apropiándose de las nociones de Bergson,
nos propone observar el cine como un
paralelo con las imágenes mentales,
sugiriendo un sistema de observación y de
acción.
El proyecto aborda los conceptos de objeto
percibido y prolongación motriz. Es decir, los
objetos que ocupan un espacio son
susceptibles a la percepción de los individuos
y así mismo, el objeto se posibilita a actuar
recíprocamente, logrando una conexión
necesaria en el desarrollo en la producción
de una obra.
La manera en que percibimos es una forma
de enfrentarnos a la realidad. Es un acto
mecánico que por su automatismo pasa
desapercibido en el individuo. La idea de dar
por hecho nuestras reacciones a los
estímulos exteriores, nos engaña y nos
desvía de observar nuestro entorno
coaptando al individuo y su acción de crear,
hablando en este caso de la experiencia de
considerado entre los más importantes e influyentes del siglo XX. Desde 1953 hasta su muerte, escribió numerosas obras filosóficas sobre la historia de la filosofía, la política, la literatura, el cine y la pintura. https://es.wikipedia.org/wiki/Gilles_Deleuze
4
la creación desde el campo de las artes
plásticas.
Éste ha sido mi talón de Aquiles. La
incapacidad de desarrollar y creer en un
proceso perceptivo, para concretar un
proceso creativo. Esta indagación es la
inquietud que alimenta mi propuesta.
El proyecto busca reconocer un sistema
creativo o proceso de creación, una forma de
comprender el acto creativo y evidenciar un
sistema de percepción propio.
Los procesos creativos que he venido
desarrollando me acercaron a conocer los
estudios de Henri Bergson quien en su
trabajo desarrolló estudios sobre el contraste
entre la inteligencia, con la que
comprendemos el mundo y la información de
nuestra conciencia que se nos revela de
éste. Según este filosofo, la conciencia con la
que comprendemos lo real tiene dos formas
de ser capturada, a través de los sentidos
(espíritu) y a través de la lógica (materia).
Entiendo, sentidos, como memoria corporal
lo que incluye nuestro aprendizaje mental y
físico como hablar o moverse y la lógica
como la inteligencia o evolución perceptiva.
Bergson afirma que nuestra inteligencia
actúa de la misma manera que un
cinematógrafo, (Bergson, 1985, pág 672). Es
decir, que el conocimiento opera mediante
esquemas, percibe la realidad tomando un
fragmento y estudiándolo por separado.
A continuación, enunciaré la Tesis de la
Percepción de Bergson (Deleuze, 1977, pág.
79). Sobre el estudio que hace de la continua
evolución perceptiva, entendiendo aquí la
evolución como un movimiento constante de
pensamiento.
De acuerdo con Bergson la comprensión de
la realidad, mediada por la inteligencia, se
filtra en tres acciones o momentos: La
percepción, la afección y la acción. Estas
para mí, son las herramientas para crear una
nueva lectura y a su vez, insinuar una nueva
escritura sobre el objeto observado.
La percepción, “destaca del conjunto de
imágenes aquellos aspectos sobre los cuales
nuestro cuerpo podría actuar (…) La imagen
reflejada por una imagen viviente se
denominará, precisamente, percepción”.
(Martin, ARETÉ, Revista de filosofía. 2010.
Págs 56-62). La afección, “es una impresión
5
sobre nuestro cuerpo que nos sugiere alguna
reacción (…) cada afección es una invitación
a actuar, que puede ser aceptada o
rechazada.” (Martín, 2010).
La acción es la evolución creadora. Para
Bergson “(…) La sucesión paulatina es un
hecho indiscutible” (Martín, 2010). La acción
es entendida aquí como el resultado de la
“prolongación motriz”, (Martín, 2010)
sugiriendo que todo objeto que habita en una
imagen (espacio percibido por el ojo), es
susceptible de construir una nueva lectura
inspirada por el objeto. La acción conseguida
con el objeto desde el individuo, es un
encuentro personal.
A partir de lo mencionado anteriormente, me
interesa plantear y observar la existencia de
un sistema de percepción que está inmerso
en el individuo, una relación cercana de
nuestra observación con los objetos del
entorno.
Esta relación subjetiva entre el individuo y el
objeto se retroalimenta y permite una
correspondencia o una nueva lectura que
finaliza en una conexión, permitiendo una
acción, una proyección del pensamiento en el
espacio.
Por ejemplo: bailar, pintar, escribir, filmar o
grabar, en mi caso animar.
2.1 LOS 3 MOMENTOS DE LA
IMAGEN
Como ya lo había anticipado, para
comprender y trasladar el pensamiento de
Henri Bergson y determinar su importancia
en el proyecto, me referiré a los estudios
hechos por Gilles Deleuze y su comprensión
del ejercicio perceptivo adaptándolo a la
imagen-movimiento. (Deleuze, 1983, pág
92).
Para Deleuze, los momentos que determina
Bergson, corresponden a tres tipos de
imágenes: la imagen- percepción, la imagen-
afección y la imagen- acción.
La imagen-percepción, la determina como el
encuadre, la selección o la preferencia del
sujeto (cámara).
La imagen-afección, se encuentra en medio
de la imagen- percepción y la imagen- acción
y es la fuerza que exterioriza o modifica la
causalidad del el objeto en una cualidad
6
pura, es decir, la afección es la sensación e
influencia que produce el objeto en el sujeto.
La imagen-acción, es la prolongación motriz
intrínseca en el objeto, deviene de la afección
y es el resultado del proceso cognitivo del
individuo.
Tras estudiar los conceptos propuestos por
Henri Bergson y Gilles Deleuze puedo inferir
que existe un sistema que percibe el entorno
y explica las muchas maneras de reacción a
los estímulos que llegan del exterior, del cual
el individuo se alimenta para formular ideas
ante lo real u objetivo.
En este contexto la animación, es un ejercicio
que encierra en sí, los principios antes
mencionados y se convierte en una metáfora.
El sujeto perceptivo de Bergson, es el objeto
perceptivo de Deleuze, estos tienen en
común la observación, la afección y la
acción. Así como, el individuo observa, es
afectado intelectualmente y se manifiesta
creando una acción, la cámara observa, es
afectada técnicamente y responde
registrando un movimiento o instante.
De esta manera, la animación permite
desarrollar nuevos espacios donde los
objetos del entorno, nos muestran su
prolongación motriz, es decir, ésta técnica
permite desarrollar una acción con un objeto
percibido en el encuadre escogido, creando
imágenes en movimiento, un tiempo lineal
dividido en instantes.
La animación, es un acto mágico, como lo
afirma el director checo, Jan Svankmajer4, “El
animador es un chamán” (Svankmajer,
2012), hay un poder mágico en tomar objetos
inertes y darles vida a través de la cámara,
dotarlos de alma, dotarlos de vida, de esa
energía interior que produce el movimiento.
Esa fuerza interior, el ánima.
La animación es una técnica que no necesita
de guiones o libretos, se puede prescindir de
esto porque la naturaleza que me interesa no
es la de contar historias. Es necesario
entender que, para tal ejercicio, no es
imprescindible trabajar con las descripciones
de un argumento o un libreto. La animación
4 Jan Švankmajer (Praga, Checoslovaquia, 4 de
septiembre de 1934) es un artista y creador
cinematográfico checo, de temática
principalmente surrealista. Es conocido sobre todo
por su trabajo creativo en el campo de la animación,
donde mezcla diferentes técnicas, como el stop
motion y el rodaje en imagen real, para crear obras
inquietantes y sugestivas que pueden ser
interpretadas de diferentes formas.
7
se sostiene en sí misma dado lo mágico de
su acción, se simplifica en el gesto y la
apropiación técnica, como nos lo sugiere el
mencionado director, quien, en su libro Para
ver, cierra los ojos, nos cuenta que, en la
mayoría de sus producciones, a menudo se
apartaba de su guía escrita para darle paso a
la expresión y a improvisar. Trabajos como:
Juego de piedras, Picnic con Weissmann o
Comida etc.
Sin embargo, pienso que el hecho de que no
exista un guión no necesariamente es
sinónimo de la posibilidad de no contar una
historia…para mi, creo que, a pesar de no
existir una trama en la historia o la
narratividad de una animación, en este caso
no está condicionada a un esquema previo,
pero se va dando en la medida que cada
escena sugiere la siguiente.
Otro ejemplo es el director de cine David
Lynch5, con sus trabajos realizados durante
sus estudios en la universidad como: El
5 David Keith Lynch (Missoula, Montana, Estados
Unidos, 20 de enero de 1946), conocido como David
Lynch, es un director de cine, actor, productor
de música electrónica y guionista estadounidense. Su
actividad artística se extiende asimismo al terreno de
la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e
incluso el diseño de mobiliario.
alfabeto o Six men getting sick. Donde utiliza
la imagen-movimiento para fragmentar el
tiempo con movimientos libres y sin
argumentos. Explosión de símbolos
incoherentes como imágenes oníricas
surrealistas.
Otros referentes con los cuales me he
encontrado son: Hans Richter6 y Man Ray7.
Lo interesante de Richter y Ray en sus
vídeos, es la manera en que con sus
elementos minimalistas muestran una
animación cruda y directa, sin preocuparse
por la coherencia de un movimiento fluido,
continuo, plano a la visión y más bien
enfatizando en el movimiento espontáneo,
estimulante óptico, que se advierte en la
pantalla. Algunos trabajos de Hans Richter
son: Rhythmus 21 y 23 de 1921 y 1923
respectivamente y Ghots for breakfast de
6 Hans Richter. (Berlín, 1888-Muralto, 1976) Pintor y
cineasta alemán, nacionalizado estadounidense.
Estudió en las academias de Berlín y Weimar y se
adhirió al dadaísmo de Zurich.
7 Man Ray, seudónimo de Emmanuel
Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18
de noviembre de 1976) fue un artista modernista
estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera
en París (Francia). Fue un importante contribuyente a
los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que
sus vínculos con cada uno eran informales.
8
1927. De May Ray, Le retour a la raison de
1923.
Por otro lado vale la pena citar animadores
colombianos que son relevantes en la historia
del oficio de animar en nuestro país. Algunos
son, Carlos Santa8 o Fernando Laverde9
8 Carlos Santa (Bogotá, 1957) es considerado un mago del dibujo, un creativo del mundo irreal y un visionario del arte audiovisual. Sus trabajos, tanto en el cine como en la pintura, son soportes para su imaginativa y versátil creatividad. En sus obras pictóricas exalta el valor de la línea, surcando la materia de donde nacen las formas, sus saltimbanquis, sus personas de circo. Todo va conformando una escritura pictórica fuerte y a la vez una carga juguetona de formas que se encuentran y se relacionan progresivamente. (…) Una asociación de Chagall es posible y también con figuras que en algún lugar de la memoria existen, tal vez recuerdos de los duendes de cuentos de hadas; tal vez son expresiones que afirman una individualidad que le es propia y donde los límites no existen y si existen son traspasables siempre. (…) Así, su trabajo cercano al cine, con la preocupación del papel que el tiempo juega en la vida y en la plástica, Santa muestra el lado oculto de la velocidad, de las ciudades que se destruyen y como Chagall, personajes sin tierra pero con peso en el espacio. facebook oficial. 9 Fernando Laverde. En 1955 ingresó a la televisión nacional de Colombia y en 1956 obtuvo el Premio Cámara de Plata al mejor productor de televisión de ese año. Residió en España entre 1965 y 1969 y trabajó en el estudio de animación de Radiotelevisión Española, donde se formó como fotógrafo cinematográfico. Fue el primer director de animación en realizar en Colombia un largometraje en la exigente técnica de Stop Motion. Guiado por su curiosidad y su interés en el cine, Laverde aprendió empíricamente animación, creando una empresa de producción familiar que le permitió realizar proyectos ambiciosos a bajo costo. Su extensa filmografía, que no sólo incluye obras animadas, incluye los largometrajes La pobre viejecita (1978), Cristóbal Colón (ganadora de un
Por otro lado, los artistas citados comparten
la no narrativa lineal, hacen de la animación
un juego expresivo, una lúdica con el medio,
que hace de sus trabajos siempre actuales.
Estos referentes son fundamentales en el
desarrollo de mi proyecto, dado que tienen
en común el ejercicio de animar sus propios
elementos y a partir de estos ejemplos,
planteó la creación de una visión propia de la
animación.
Figure 1. Alice 1989, Jan Svankmajer.
premio Coral en el Festival de la Habana de 1982) y Martín Fierro (realizada en coproducción con Argentina en 1989). . La exhibición de su obra en festivales cinematográficos alrededor del mundo ha sido carta de presentación de la cultura colombiana, reconocida como fundamental por la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano. https://fernandolaverde.blogia.com/
9
Figure 2 Flora, 1992. Jan Svankmajer.
Figure 3 The Alphabet, 1968. David Lynch.
Figure 4. Six men getting sick, 1966. David Lynch
3. JUSTIFICACIÓN
Durante mucho tiempo, estuve en la
búsqueda de la imagen. Una imagen que
sentía esquiva. A pesar de las indagaciones
realizadas no encontraba respuestas o un
motivo para continuar con esta exploración.
Entiendo ahora que la razón de mi extravió
consistía en no tener claro un “proceso
creativo” una metodología perceptiva, una
manera de articular mi investigación en sus
diferentes etapas, desde una percepción
consciente para enfrentar los desafíos que
conlleva el desarrollo creativo. De esta
manera pasé de pinturas a dibujos, a
recortes, a collage, sin encontrar la forma de
manifestar mi ejercicio comunicativo. Los
objetos y las imágenes estáticas no adquirían
la fuerza para incitar en mí la capacidad de
comprender la acción precedida de la
percepción. Era, citando al Joker de Nolan10,
“Un agente del caos (…) yo solo hago
cosas”.
Al conocer los planteamientos del
Situacionismo, me di cuenta, que mi proceso
10 Batman, el caballero oscuro. Cristofer Nolan. 2008.
10
caótico podía llevarme a algún lado, solo era
detenerme y observar la conexión que unía
todo ese caos. Ése andar circular por el que
me movía sin ser consciente.
Y ése sendero oculto por donde siempre
andaba era el ejercicio del recorte, de
sustraer la fracción de toda esa explosión de
imágenes contemporáneas que genera la
sociedad de consumo. Observé que las
imágenes de mi proceso podrían ser
articuladas desde las postulaciones de
Bergson, el objeto y su prolongación motriz,
adaptada en la imagen-movimiento planteada
por Deleuze.
Intuí que dentro de este desarrollo, ha sido
fundamental la importancia de lo táctil y la
materialidad que se hicieron más evidentes y
sinestésicamente observadas a partir de las
animaciones. De esta manera el contacto con
los materiales y con los objetos en la primera
parte del desarrollo, dentro del proceso, ha
sido una constante y han tomado cada vez
más importancia en la exploración de su
prolongación motriz.
La razón de proponer este proyecto radica en
la importancia de observar y evidenciar un
proceso cognitivo y perceptivo, para entender
un desarrollo creativo propio.
4. ANTECEDENTES Y
CONTEXTUALIZACIÓN
El acto de animar en mi proyecto es la
manera de agrupar trabajos o procesos que
he realizado durante mi búsqueda de la
imagen. La animación permite apropiarme de
todos los elementos que he venido
acumulando y desarrollando a lo largo de mi
investigación personal.
En un primer momento éste proceso, fue un
hacer sin entender, sin dirección, a la deriva.
“La deriva es entendida como una técnica de
progresos inacabables a través de
escenarios varios. Guy Debord”.11
11 Guy Ernest Debord, 1931-1994. Filósofo, escritor y
cineasta francés. Miembro de la internacional letrista,
del grupo radical de posguerra socialismo o barbarie y
fundador y principal teórico de la Internacional
Situacionista.
Todovanguardias.blogspot.com.co/2012/situacionismo
.html
11
Entendí esta búsqueda o deriva, desde la
mirada Situacionista 12 , cómo un
planteamiento de lo geográfico que, puede
ser trasladado a lo plástico, en donde el
pensamiento es un territorio de ideas, y el
individuo puede verse perdido. Debord nos
dice al respecto:
“Una o varias personas que se entregan a la
deriva renuncian durante un tiempo más o
menos largo a las motivaciones normales
para desplazarse o actuar en sus relaciones,
trabajos y entretenimientos para dejarse
llevar por las solicitaciones del terreno y por
los encuentros que a él corresponden”.13 En
12 El movimiento Situacionista o situacionismo sería la
denominación de pensamiento y la práctica en la
política y las artes, inspirada por la Internacional Situacioniasta 1957-1972. Esta corriente, cuyo
planteamiento central es la creación de situaciones,
emergió debido a una convergencia de planteamientos
del Marxismo y de Avant-garde como la internacional
Letrista y el movimiento para una Bauhaus Imaginista.
Una definición sería: Situacionista, todo lo relacionado
con la teoría o la actividad práctica de la construcción
de situaciones.
Todovanguardias.blogspot.com.co/2012/situacionismo
.html
13 Teoría de la deriva. Guy Debord. 1958. La deriva
propone una reflexión a las formas de ver y
experimentar la vida urbana dentro de la propuesta
más amplia psicogeografia (En la psicogeografía se
pretende entender los efectos y las formas del
ambiente geográfico en las emociones y el
comportamiento de las personas). Así en vez de ser
prisioneros a una rutina diaria, se planteaba seguir las
emociones y mirar a las situaciones urbanas en una
otras palabras, ir a la deriva es una forma de
aprender desarticuladamente.
La acción de animar es un desplazamiento o
un consecuente movimiento de mis
anteriores encuentros con los materiales y es
una herramienta para entender un lenguaje
propio. Así mismo el desplazamiento está
implícito en el ejercicio de la animación y es
un instrumento propio del medio.
Ahora bien, tratando de construir y comunicar
revisando mi proceso (a la deriva), donde he
pasado por varios métodos como pintura,
dibujo, collage, objetos, evidencio que
recortar ha sido una acción constante dentro
del mismo y un ejercicio que trae y sustrae
imágenes del entorno para dejar de ser lo
que han sido hasta ese momento y a partir
de esta acción, crear una nueva lectura
mediante composiciones libres, en las que
encuentro una prolongación motriz.
Mi interés está en la manera de percibir y
cómo estas imágenes se descontextualizan y
transforman a partir del ejercicio de
movimiento, reanimación y recreación, para
forma nueva radical.
Todovanguardias.blogspot.com.co/2012/situacionismo
.html
12
posteriormente ser reinterpretadas.
Anteriormente había explorado esta técnica
de animación realizando algunos cortos,
entre ellos: Abriendo la mente con musuca,
No soy nada (video musical), La cosa pelua o
Querido enemigo, intentos que exploraban la
imagen en movimiento.
Figure 5 Abriendo la mente con musuca. Animación 2010
Figure 6 No soy nada. Animación 2012
Figure 7 La cosa pelua. Animación 2016
Figure 8 Querido enemigo. Animación 2017
13
4.1 ANTECEDENTES PROPUESTA
PLÁSTICA.
La propuesta formula la idea de presentar
una serie de animaciones reparando en el
pensamiento de Henri Bergson sobre la
Imagen-acción, complementando la idea con
Gilles Deleuze y su concepto de la imagen-
movimiento.
Teniendo en cuenta lo descrito en la
Justificación, Ánima recoge, materiales de
muchos momentos de búsqueda durante mi
proceso que por mucho tiempo se centró en
reconocer un método con el que me sintiera
identificado y original. Una idea romántica
que me hizo vagar a la deriva, perdido entre
pensamientos y técnicas.
Ejemplos como: Pinturas.
Figure 9 Droids. Acrlico sobre tela. 2.007
Seres artificiales somos ahora,
Repetidos, reproducidos.
Fabricados de a miles por hora,
Como humanos abducidos.
14
Figure 10 Sin titulo. Oleo sobre papel.
Seres planeados, diseñados,
Para un fin en la sociedad.
De sentimientos rotos dañados,
Llenos de soledad.
En acrílico pintados,
Líneas, puntos, manchas.
Libres de humanidad, desolados,
Esclavizados a sus anchas.
Transformados, manipulados, planeados,
diseñados.
Socialmente controlados y naturalmente
resignados.
Collages con planos electrodomésticos.
Figure 11. Slaves. Collage. 2.008
15
Figure 12 Slaves. Collage. 2.008
Recortes de planos, lápiz y colores,
Que configuran nuevas composiciones.
Retratos de personas, mis familiares,
Líneas, tramas, diferentes emociones.
Collage con cartillas de cursos
industriales.
Figure 13 Máquinas musicales que no hacen música. Collage con detalles de cartillas
industriales sobre madera. 2015.
Detalles de artilugios de cartillas industriales,
Creando máquinas de diseños especiales.
De papel son máquinas musicales,
Que recuerdan satélites o naves espaciales.
16
Recortes de revistas
Figure 14 Iggy Plop. Recortes de revistas. 2017
Figure 15 Superame. Recortes de revistas. 2017
17
Figure 16 ¡Que divertido! Recortes de revistas. 2017
Y de revistas salen imágenes, de moda, de
moldes, de modelos
Que mejoran nuestros genes,
convirtiéndonos en entes modernos.
Siempre amarrados, con deudas y mentiras.
Viviendo marraneados, ideas capitalistas.
Entre otras técnicas de experimentación.
Figure 17 Sin título. Hierro y madera. 2004.
Figure 18 Optimus.Collage y pintura sobe papel. 2.009.
18
Y así perdido entre procesos, buscando que
comunicar.
Experimentando, rompiéndome los sesos, sin
saber como explicar.
5. PROPUESTA PLÁSTICA.
El proyecto esta contextualizado, desde la
mirada de dos filósofos Henri Bergson y
Gilles Deleuze y lo que me interesa es
encontrar una manera de entender
interiormente lo que son las artes plásticas,
que de alguna manera me llevo mucho
tiempo. Ánima es la conclusión de la
indagación de todo este tiempo en la
academia, ir buscando, buscando, semestre
tras semestre, este indagar a la deriva. A
través de esta lectura de la ideas de Bergson
me di cuenta que a mi me faltaba una
metodología de una percepción consiente,
necesaria en nuestra profesión como artistas
que describa, como se percibe el objeto, y a
su vez, éste que nos dice a nosotros. Esto
es lo que trate de formular y solucionar en
este trabajo.
A partir de los planteamientos de Henri
Bergson que habla de la percepción y como
actúa la inteligencia cuando percibimos los
objetos, trazo, desde los tres tiempos, la
percepción, la afección y la acción, el
principio de producir una obra.
Bergson habla que la inteligencia funciona
como un cinematógrafo donde se toma el
objeto, se registra y ese registro termina en
una acción. Gilles Deleuze estudiando las
exposiciones de Henri Bergson, las traspaso
a la imagen y lo que hace es demostrar ese
principio a partir de la imagen movimiento
que en su traducción es el principio del cine,
del video.
El individuo perceptivo de Bergson es el
objeto perceptivo de Deleuze. El sujeto
cambia por el objeto, cambia por la cámara.
Es un ejercicio que se vuelve una metáfora
del concepto de percepción, donde
encontramos los tres momentos
mencionados.
.
19
Retomando todos los elementos con los que
traté de hacer la tesis anteriormente; collage,
pintura, dibujos, lleve mi proceso al
planteamiento expuesto en el movimiento
situacionista ubicando la obra desde la teoría
de la deriva, postulada por Guy Deboard. Un
concepto desde lo geográfico que describe
la pérdida a la deriva del individuo,
interpretandolo en el plano mental, para
comprender esa deriva de pensamiento, de
técnicas.
Con esta investigación quise poder
entender la profesión en la que me estaba
involucrando que era lo más importante para
mi, poder encontrar una manera de
percepción consiente para poder darle un
valor a los objetos y recrearlos; ejercicio que
me hizo entender que los objetos ya no se
crean sino se recrean. Y entonces en ese
divagar y con ese desorden técnico encontré
el orden en lo que es la animación y el video.
Todo es un collage tanto de imagen como
sonido. La técnica del video me da la
posibilidad de darle orden a esas imágenes,
a esos recortes, a esos cadáveres de un
entorno consumista que se encuentran y lo
que hago es unirlos en un pensamiento no
muy lógico cuando se hace la animación sino
es precisamente la misma animación la que
produce esa lectura más fácil, más digerible
sobre la imagen.
Todo esto me lleva a experimentar con
diferentes materiales, imágenes, ritmos,
espacios y tiempos.
A lo largo del proceso de creación, la imagen
tiene un papel fundamental que en cada
nuevo encuentro enriquece mi relación
potenciando y sugiriéndome la acción interior
del objeto, una prolongación temporal o
también un movimiento espacial. El resultado
de toda esta experimentación convergerá en
el recurso de la animación, que articula los
diferentes momentos de creación.
La Animación me permite trabajar con
distintas estrategias, unir el caos técnico en
un orden mental, así como, reunir todas
aquellas metodologías y pensamientos
dispersos que me impiden observar la
realidad y obstaculizan el pensamiento
creativo. La animación me concede unir
elementos fragmentados para crear
20
momentos en el espacio enfocado en la
cámara y crear Imágenes-movimiento sin
pretensiones, que rememoran viejos
movimientos creados en el video
experimental14.
En la propuesta se mostrarán animaciones
donde encontraremos los conceptos
señalados, puesto que en el mismo ejercicio
está implícita mi propia percepción ante las
imágenes u objetos acumulados, así como la
afección que éstos me producen dando como
resultado la serie de imágenes-movimiento
presentadas. La selección expuesta contiene
las relaciones de movilidades libres sin
argumentos ni guiones, una serialidad de
símbolos o iconos que se desplazan en la
pantalla de forma autónoma, a la deriva que
guarda en sí la naturaleza de la
incertidumbre. Los cortos se apropian del
lenguaje del video para crear un
complemento de la imagen.
14 El video experimental trata de indagar en el
lenguaje propio de la imagen en movimiento y sus
características expresivas y formales. En los años
sesenta presentó una importante vertiente crítica en lo
social y político, dando lugar a imágenes con
intencionalidad estética y contenido reivindicativo.
Httpmasdearte.com/espesiales/videoarte-quien-
desde-cuando-y-para-que/
El vídeo es, una disciplina estética y como tal
se precia de sus propias herramientas, que
son entre otras, el sonido, los efectos y el
montaje.
El sonido, se propone como un elemento
separado, vibraciones aisladas de la imagen,
fragmentos de experimentos disonantes, un
collage de estímulos sonoros jugueteando
entre bullicios aleatorios y cotidianos,
evidenciando un extravío sinfónico.
Los efectos, como herramienta propia del
vídeo se integrarán para darle un mayor
carácter y me permitirán jugar con la textura
visual.
Estos dos elementos, imágenes y sonido, se
acoplan mediante una herramienta esencial
del oficio del video como lo es la edición con
el cual se finalizará el método mencionado en
las anteriores páginas, para el proyecto. Con
el último paso se integrarán los procesos
anteriormente descritos caóticos y a la
deriva, dispuestos en un nuevo orden de
escenas cortas y oníricas, inconscientes,
como pequeños sueños surrealistas.
A parte de la relación del encuentro de las
imágenes cortadas, fragmentadas o
21
separadas de su contexto, podemos observar
que las animaciones evidencian un contenido
a partir de la cartografía. Mapas, líneas,
entrecruces, encuentros de varios vínculos
entre imagen, recortes, ubicación, que se
logran conectar desde el mismo concepto de
la deriva. Un recorrido sobre instantes,
fragmentos de una temporalidad dentro de un
espacio, que logra llevar esas imágenes un
paso tras otro para llegar a un encuentro
final. Un espacio que se repite, se divide, se
multiplica, pero que mantiene una
secuencialidad que hace reflexionar sobre la
continuidad. Espacios que encierran un
principio y un fin como resultado de un
ejercicio de expresividad.
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6. REFERENCIAS
6.1 BIBLIOGRAFÍA.
Bergson, Henri. 1985. La evolución creadora. Ed, Aguilar. Madrid. España.
Deleuze, Gilles. 1977 Materia y vida. Alianza Editorial. Madrid. España.
Deleuze, Gilles. 1983. La imagen-movimiento. Ediciones Paidós. Barcelona. España.
Martín, Jorge. 2010. Revista ARETÉ. Pontificia Universidad del Perú. Lima.
Svankmajer, Jan. 2012. Para ver, cierra los ojos. Pepitas de Calabaza. La rioja, España.
6.2 FILMOGRAFÍA.
Jan Svankmajer.
Juego de Piedras, 1965.
Picnic con Weissmann, 1968.
Comida, 1992.
Alice, 1989.
Flora, 1992.
David Lynch.
The alphabet, 1968.
Six man getting sick, 1966.
Hans Richter.
Rhythmus 21, 1921.
Rhythmus 23, 1923.
Man Ray.
Le retour a la raison, 1923.
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6.3 TABLA DE IMÁGENES
Figure 1. Alice 1989, Jan Svankmajer. Figure 2. Flora, 1992. Jan Svankmajer.
Figure 3. The Alphabet, 1968. David Lynch. Figure 4. Six men getting sick, 1966. D Lynch
Figure 5. abriendo la mente. Figure 6. no soy nada
Figure 7. la cosa pelua. Figure 8. querido enemigo
Figure 9. droids. Figure 10. sin titulo
Figure 11. slaves Figure 12. slaves .
Figure 13.Máquinas musicales que no… Figure 14. iggy plop.
Figure 15. superame Figure 16. ¡que divertido!
Figure 17. optimus.
Figure 18 sin titulo.
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7. ANEXOS
Ánima (Abstract)
Said Alfonso Bermeo Bahamón. Código 9929603.
Propone una reflexión sobre la percepción de los objetos y su efecto en el individuo, basándose en la idea del
filósofo Henri Bergson y su planteamiento sobre la percepción pura. El proyecto aborda los conceptos de
objeto percibido y prolongación motriz. Es decir, los objetos que ocupan un espacio son susceptibles a la
percepción de los individuos y así mismo, el objeto se posibilita a actuar recíprocamente
La animación, es un ejercicio que encierra en sí, los principios antes mencionados De esta manera, la
animación permite desarrollar nuevos espacios donde los objetos del entorno, nos muestran su prolongación
motriz, ésta técnica permite desarrollar una acción con un objeto percibido en el encuadre escogido, creando
imágenes en movimiento.
Mi proyecto es la manera de agrupar trabajos o procesos que he realizado durante mi búsqueda de la imagen.
La animación admite apropiarme de todos los elementos que he venido acumulando y desarrollando a lo largo
de mi investigación personal. Busca reconocer un sistema creativo o proceso de creación, una forma de
comprender el acto creativo y evidenciar un sistema de percepción propio.
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