arquitectura del siglo xx
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Bibliográfica y trabajo de los arquitectos mas destacados del siglo XXTRANSCRIPT
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Universidad de Sonora:
Nombre del proyecto:
Proyecto de Investigación.
Arquitectura del Siglo XX.
Docente:
Federico Alberto Gonzales Sanchez.
Horario de Clases:
Martes Jueves
11:30 am-1:00 pm 11:30 am -1:00 pm
Alumnos:
Ortega Saucedo Martin No. Exp. 214206579
Campa Jiménez Edith Militza No. Exp. 21428068
Pérez Rendón Cynthia Gabriela No. Exp. 214200482
Bernal Osorio Abraham I. No. Exp. 214214129
Fecha de entrega:
Jueves 26 de Marzo de 2015
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Índice:
No. Página.
Introducción……………………………………………………………………………………………………......03
Capítulo I :“Eugéne Emmanuel Viollet-le-Duc”……………………………………………………..04
1.1 Antecedentes………………………………………………………………………………………………05
1.2 Biografía…………………………………………………………………………………………………….06
1.3 Catedral de Notre-Dame…………………………………………………………………………….11
Capitulo II: “Victor Horta”……………………………………………………………………….……………16
2.1 Biografía……………………………………………………………………………………………………17
2.2 Casa Tassel………………………………………………………………………………………………..21
Capitulo III: “Antoni Gaudí”…………………………………………………………………………………27
3.1 Antecedentes……………………………………………………………………………………………28
3.2 Biografía……………….……………………….………………………………………….…………….30
3.3 Personalidad………….….……………………………………………………………………………..34
3.4 Influencias………………..………………………………………………………………………………35
3.5 Sistemas Constructivos……………………………………………………………………………..36
3.6 Templo expiatorio de la Sagrada Familia………………………………………………….41
3.7 Templo expiatorio de la Sagrada Familia tras la muerte de Gaudí……….……62
Capitulo IV “Louis Henry Sullivan”………………………………………………………………………66
4.1 Antecedentes…………………………………………………………………………………………...67
4.2 Biografía…………………………..…….………………………………………………………………..68
4.3 Arquitectura en Acero……..……………………………………………………………………….72
4.4 Edificio Carson……………….….……………………………………………………………………..77
Anexos……………………………..…….……………………………………………………………………………81
Conclusiones…….…….…………………….……………………………………………………………………..91
Bibliografía…………..…..…………………………………………………………………………………………93
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Introducción.
Con la finalidad de entender nuestro pasado, en cuanto arquitectura se refiere, se
realizó el presente. Dentro de este escrito se abordarán las distintas etapas de la
arquitectura moderna por medio de algunos de sus protagonistas y sus principales obras,
tales como el Arq. Viollet Le-Duc, Arq. Victor Horta, Arq. Antoni Gaudí y Arq.Louis Sullivan.
Viajaremos a través de las diversas etapas del modernismo que cada uno de los
anteriores representa y de igual forma identificaremos la importancia e impacto de estos
nombres dentro de la arquitectura en general y como éstos han influido en el
contemporaneismo arquitectónico.
Esta recopilación se presentará con el orden de aparición anterior mencionada y
cada uno se desarrollará de la siguiente forma: Antecedentes históricos, Biografía del
Arquitecto a desarrollar, aspectos destacables dentro de su carrera, obra más importante.
Este orden ayudará a realizar un análisis más apacible y sencillo de cada arquitecto, con lo
cual se buscará que el lector de esta antología comprenda la mayor cantidad de
información posible.
Si bien, entre cada arquitecto tiene su propio estilo y manera de trabajar,
encontraremos las relaciones existentes entre cada uno, y como los más recientes utilizan
técnicas de sus antecesores, pero mejor desarrolladas y a la vez mejor aplicadas, pues eso
es lo que se pretende dentro de la arquitectura, ir mejorando las técnicas obtenidas, para
de esta forma, poder realizar espacios más funcionales y con mejores cualidades que los
anteriores ya realizados.
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CAPITULO I
Eugéne Emmanuel
Viollet-le-Duc.
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Antecedentes:
El Art Nouveau fue fruto de una transformación producida en lar artes industriales o
decorativas que se había iniciado en Inglaterra y Francia, dentro del siglo XIX, en 1861 , el
Artista William Morris (1834-1896) estableció la firma, Morris, Marshall y Faulkner , para
crear un entorno donde los artistas pudiesen aprender de nuevo los diversos oficio en
unas condiciones lo más cercanas posibles a los gremios medievales. A esta iniciativa le
siguieron otras, creándose así el movimiento Arts and Crafts.
Principalmente en Francia, la situación era de tal manera que había un influyente
estamento artístico, radicado en la academia, que era fundamentalmente conservador,
pero que tenía conciencia de lo necesario de la reforma y estaba deseoso de promoverla,
y la abolición de los gremios durante la revolución francesa no había destruido las
tradiciones artesanales en Francia de un modo tan completo como lo había hecho la
revolución industrial en Inglaterra.
El movimiento Arts and Crafts y su derivación, la casa inglesa Free-Style, iban a tener
una notable influencia en el desarrollo del Art Nouveau. Pero también entro otra
influencia en acción, el uso del hierro como forma expresiva de la arquitectura, este fue
tema de muchos debates en la Francia del siglo XIX, y fueron los argumentos de Viollet Le-
Duc, Arquitecto y Arqueólogo, los que principalmente ingresaron al hierro a la reforma de
las artes decorativas, y de que un movimiento decorativo e idealista se injertase en la
tradición estructural y positivista.
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Biografía:
Eugéne Emmanuel Viollet-le-Duc nació un 27 de
enero de 1814, en la ciudad de parís, en el seno de una
familia de alta burguesía, desde muy joven se interesó en
la Arquitectura, especialmente en la arquitectura de la
edad media, sin embargo, en contra de la costumbre,
decidió rechazar el ingreso a la beaux arts (escuela de
bellas artes) y viajar por Francia e Italia con su block de
notas, ya que él consideraba que nada podía sustituir la
experiencia propia y la observación, durante toda su vida
lucho contra la beaux arts y todo lo que esta institución
representaba, por lo que lógicamente recibió muchas
críticas a lo largo de su carrera.
Viollet desde joven, estuvo muy apegado a la cultura,
la literatura, las artes, etc., Ya que en su familia se encontraban artistas, como su padre, un poeta
aficionado, armo una fabulosa biblioteca y su casa era sede, una vez por semana, de una velada
literaria.
Su tio, Ttiéen-Jean Delécluze, asumió el papel de educador de Viollet y de su hermano Adolphe,
y ejerció una importante influencia en su vida.
Su tio y su hermano lo acompañaron junto con su amigo íntimo y joven músico Emile Millet por
sus viajes, en Francia visitó La Provenza, Normandía y La Región de los Pirineos, Mientras que por
Italia, recorrió todo el país analizando las construcciones medievales que lo plagaban. A la edad de
19 años contrajo matrimonio con Elisabeth Tempier, y murió en Lausana, el 17 de septiembre de
1879.
A lo largo de su vida profesional, Le-Duc consiguió reconocimiento por sus numerosas e
increíbles restauraciones, en las cuales combinaba hechos históricos con detalles modernos en la
época, caracterizado su estilo principalmente por el uso del hierro, y vistas al armazón estructural
del edificio, algunas de sus restauraciones entre muchas fueron:
Fig.1: Fotogrfia de Viollet-Le-Duc.
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-La catedral de Notre-Damme, Obra que le dio reconocimiento.
-El castillo de Pierrefonds, Comuna de Pierrefonds, al norte de París.
-Ciudadela amurallada de Carcasona: A los pies de la ciudad moderna de Carcasona.
Fig.2: Catedral de Notre-Damme., Paris
Francia.
Fig.3: El castillo de Pierrefonds, al norte de Paris, Francia.
Fig.4: Ciudadela Amurallada de Carcasona. Restaurada
por Violet- Let-Duc.
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-Castillo Roquetaillade: Mazéres, departamento francés de Gironda.
Le-Duc se convirtió en uno de los teóricos más importantes que ha tenido la arquitectura a lo
largo de su historia, tenía su propia filosofía y visión de la arquitectura que mostro de la siguiente
manera en su obra “Diccionario Razonado de la Arquitectura Francesa”(1863)
*ARQUITECTURA: ARTE DE EDIFICAR. La Arquitectura
se compone de dos elementos: La teoría y la práctica.
La teoría comprende el arte propiamente dicho, las
reglas inspiradas en el gusto y obtenidas de las
tradiciones y la ciencia que puede demostrarse por
formas invariables y absolutas., La práctica es la
aplicación de la teoría a diversas necesidades; la
práctica hace plegar el arte y la ciencia de la
naturaleza de los materiales, al clima, a las
costumbres de una época y a las necesidades del
momento. Tomando la arquitectura en el origen de
una civilización que sucede a otra, se requiere
necesariamente tomar en cuenta las tradiciones de
una parte y las nuevas necesidades de la otra.
Fig.5: Castillo Roquetaillade.
Fig.6: Diccionario Razonado de la
Arquitectura Francesa.
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Le-Duc tenía una interpretación neogótica. El neogótico tuvo un gran auge justamente gracias a
Le-Duc, fue un gran tratadista y un talentoso dibujante, y en su diccionario de la Arquitectura
gótica francesa, que se extiende por 10 volúmenes, expone una visión personalísima del gótico.
Le-Duc Sostuvo que el gótico es un estilo puramente racional, basado en el principio estructural
de pilares y nervaduras, y que se opone totalmente a la arquitectura clásica romana, abriendo las
puertas a la arquitectura moderna del hierro y del acero.
Viollet fue creído y los arquitectos de finales del siglo XIX tomatón el concepto gótico
racionalista que juntamente con el amor a lo oriental condujo al Art nouveau. O Modernismo. Fue
como una oleada de Dinamismo, Color y Fantasía cruzaría toda Europa.
Las teorías y los proyectos de Le-Duc fueron causantes de que el hierro llegase a asociarse a la
reforma de las artes decorativas, y de que un movimiento decorativo e idealista se injertase en la
tradición estructural y positivista.
La carrera de Viollet Le-Duc se había volcado en la depuración del núcleo racional y vitalista de
la Arquitectura Gótica, que el entendía como el único fundamento autentico de una arquitectura
moderna.
Los principales preceptos que Viollet Le-Duc legó al movimiento Art Nouveau fueron:
-Dejar a la vista el armazón del edificio como un sistema visualmente Lógico.
-La organización espacial de sus partes de acuerdo a su función, y no a las leyes de la
simetría y la proporción.
-La importancia de los materiales y sus propiedades como generadores de forma.
-El concepto de forma orgánica, derivado del movimiento romántico.
-El estudio de la Arquitectura doméstica vernácula.
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Gracias a dos de sus numerosos libros: Entretienes sur l’ architecture (1858-1872) y Dictionarie
raisoné de l´architecture francaise (1863), Le-Duc se convirtió n un punto de referencia para todos
aquellos que se oponían a las beaux arts, no solo en Francia, sino también en otros lugares de
Europa y Norteamérica, la influencia de Le-Duc el movimiento art nouveau derivo tanto de su
teoría como de sus proyectos.
Le-Duc inspiro a arquitectos
como Victor Horta (1861-1947),
quien paso más de 10 años
trabajando en un estilo neoclásico
ligeramente modificado por el
racionalismo constructivo de Le-
Duc.La estructura metálica vista es
algo representativo d ela obra de Le-
Duc y su novedosa visión para la
fecha.
Fig.7: Dibujo realizado por Violet-Le-Duc, mostrnado una solución de soporte con una
estructura de hierro en V.
Fig.8: Dibujo hecho por Violet-Let-Duc. Techo apoyado en soportes
de hierro sobre las paredes de ampos lados.
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La Catedral de Notre-Damme:
La catedral de Notre Dame se
encuentra en la Île de la Cité,
núcleo del que germinó la París
celta y posteriormente la urbe
romana y medieval. Se sabe que
este templo gótico se construyó
sobre el solar de numerosos
edificios anteriores, entre ellos un
templo romano dedicado a Júpiter,
una iglesia altomedieval del siglo
VI con el nombre de Saint-Etienne y otra románica.
Este edificio es conocido como uno de los más notables del gótico temprano en Francia,
ya que uno de los más antiguos, la construcción se comenzó en 1163, y con un buen flujo
de financiamiento, la construcción continuo hasta bien entrado el siglo XIV.
Las cátedras albergaban reliquias religiosas importantes, como la corona de espinas de
Jesucristo, que se exhibía en la catedral.
Uno de los momentos más trágicos en la historia de Notre-Damme fue la revolución
francesa, al estar cercana al palacio real y ser propiedad de familia real, fue blanco de
ataques y destrozos, así como el daño a las esculturas.
El daño de las esculturas fue importante, la famosa “Galería de los reyes” es un grupo
de esculturas de los reyes antiguos bajo un gran rosetón de la fachada occidental, los
revolucionarios tomándolos por monarcas franceses actuales, mutilaron y dañaron varias
de estas esculturas, y las piezas arrancadas fueron enterradas, más tarde, estos
fragmentos se encontraron milagrosamente en los sótanos de un banco de París en 1977 y
se depositaron en el Museo medievalista de Cluny.
Fig.9: Fachada Frontal de la Actual catedral de Notre-Damme.
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En la fachada oeste de encuentran 3 puertas:
-La puerta de Santa Ana. (Sur)
-Puerta del Juicio final. (Central)
-Puerta de la Virgen. (Norte)
La puerta de Santa Ana:
Tiene la particularidad de ser anterior a la construcción de
la catedral gótica, por lo que se puede decir que es una
reutilización de la construcción anterior de finales del XII y
que podríamos calificar de tardorrománica.
Está presidido por una Virgen Theotokos, de tradición aún
románica por su hieratismo, frontalidad y ubicación del
Fig.10: Galeria de los reyes en la fachada occidental de la catedral de Notre-Damme. Paris Francia.
Fig.11: La puerta de Santa Ana. Suer de la
fachada occidental en la catedral de Notre-
Damme. Paris Francia.
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Niño en el centro de su regazo. La Virgen está solemnemente sentada en un trono bajo un
precioso baldaquino con estructuras arquitectónicas que simbolizan la Jerusalén Celestial.
A ambos lados hay sendos ángeles turiferarios. En los extremos del tímpano encontramos
la figura de un obispo y un escriba y al lado opuesto un rey arrodillado.
La puerta de la Virgen:
En esta Puerta se puede apreciar la
típica escultura mariana, se encuentra
María , tiene un gran valor simbólico, ya
que la sucesión de las esculturas hace que
cuenten una historia, está dividida en 3
registros:
En el superior esta la virgen sentada
junto al todopoderoso, acompañados de
ángeles, uno de ellos, coronando a la
virgen.
En el registro central, se encuentra la
escena de la muerte de la virgen, esta esta
recostada, rodeada de los apóstoles y de
ángeles, los cuales están preparándose
para iniciar el levantamiento de la
asunción.
En el registro inferior, se representan a los Patriarcas, que flanquean a un baldaquino
bajo el que se encuentra el Arca de la Alianza, que contiene la Tablas de la Ley por la que
Yahvé instauró la Antigua Ley por medio de Moisés, de gran valor simbólico.
Fig.12: La puerta de la Virgen. Norte de la fachada
occidental de la catedral de Notre-Damme.
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Esta es la puerta que más sufrió daño durante la revolución, sin embargo tiempo
después fue restaurada con éxito.
La puerta del juicio final
Esta es una puerta con una
extraordinaria calidad de escultura,
posee 3 registros, en el superior se
muestra a cristo sentado en un trono
mostrando las heridas de las manos, a
los lados, un par de ángeles portando
las herramientas de la pasión, la cruz y
la lanza, y a los extremos, a María y a
san Juan, intercediendo por la
humanidad, en el segundo registro, se
encuentran Un grupo de ángeles y el
arcángel miguel, pesando las almas de
un lado de una balanza, y del otro
lado, dos demonios tratando de
inclinar la balanza a su favor, se
muestra como los condenados son empujados por otros demonios, en el tercer registro,
añadido que se dio en la restauración por parte de Le-Duc, muestra la escena de la
resurrección de los muertos, con muchos muertos levantándose de sus tumbas vestidos
de los ropajes característicos de sus oficios, mientras ángeles en los extremos tocan
trompetas dando señal de que el juicio va a comenzar, este registro de esculpe sobre lo
que se pudo conservar de la escultura antes de los destrozos.
Las anteriores características de la fachada buscan aclarar el siguiente punto: la catedral
de Notre-Dame, como todas las catedrales, tienen o buscan tener un grado de
Fig.13: Esculturas de la puerta del juicio final. Centro de la
fachada occidental de la catedral de Notre-Damme. Paris
Francia.
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simbolismo casi obligatorio, ya que estos son grandes monumentos a la fe religiosa, y
deberán inspirar ese sentimiento a sus fieles, maravillarlos y dejar en claro la relación
entre lo físicamente majestuoso y lo divinamente majestuoso.
La revolución francesa termino por dejar a esta catedral en estados deplorables, por lo
que en 1844, se inició la restauración de la catedral liderada por Eugéne Viollete Le-Duc y
Jean-Baptiste Antonie Lassus, sin embargo este último murió antes de terminar la
restauración, dejando a Le-Duc el mando completo de la obra, la cual se extendió por
veintitrés años. Le-Duc aplico radicales criterios restauradores, en ocasiones “inventores”,
del siglo XIX.
Entre las modificaciones que se hicieron están: la inserción de gabletes en las ventanas,
el rosetón sur enteramente nuevo, el cambio de la piedra de los arbotantes por piedra
nueva, la reconstrucción de todas las capillas interiores y altares, la colocación de estatuas
en la Galería de los Reyes, parcialmente destruida durante la Revolución Francesa, incluso
hay algunas que son retrato de Viollet; también se añadieron a la catedral numerosas
gárgolas que configuran una de sus imágenes más características. Además, se planeó un
aislamiento de la catedral, derribando todos los edificios de los alrededores, dejándola en
un gran atrio.
Otra increíble aportación de
Le-Duc fue una gran torre que se
eleva saliendo del techo, la cual
es el punto más alto de la
catedral, elevándose a una altura
de 90 metros.
Fig.14: Vista de la catedral de Notre-Damme.
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CAPIULO II
Víctor Horta.
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Biografía:
Víctor Horta Nació 6 de enero de 1861, Gante,
Bélgica. Hijo de un zapatero. Comenzó sus estudios
de música en el Conservatorio de Gante del cual
fue expulsado por indisciplina durante el año 1864
con apenas 15 años fue trasladado a la Academia
De Bellas Artes en Francia donde comenzó a
estudiar dibujo, textiles y arquitectura,
inclinándose hacia una especialidad de Dibujo
Arquitectónico.
Duró 2 años en París tiempo en el cual trabajó
en el estudio de la decoradora de interiores Jules Debuyson, en su estancia en París, Víctor
Horta escribía los paseos que daba, los monumentos y museos que visitó los cuales
despertaron su sensibilidad artística, pero tuvo que dejarlo y regresar a Bélgica por la
muerte de su padre en 1880. Se independizó en 1886. Su fuerza creadora llegó al cenit
entre 1893 y 1903, época en la que realizó más de treinta grandes proyectos.
En 1884, cuando llegó a la edad de 23 años comenzó a trabajar como dibujante para
Alphonse Balat el cual era el arquitecto favorito el Rey Leopoldo II de Bélgica. Víctor Horta
se había inspirado principalmente en el arquitecto y teórico Viollet-le-Duc el cual
restauraba los edificios medievales, también era un defensor de la ingeniería en la
arquitectura y se comprometía a utilizar nuevos materiales de construcción y técnicas de
construcción modernas.
En 1906 se divorcia de su esposa Pauline Hervé y se instala en Bruselas dónde continuó
sus estudios de arquitectura en la Academia Des Beaux- Arts donde obtuvo el título de
Arquitecto de la Academia de Bellas Artes de Bruselas, mientras mantenía un trabajo.
Fig.15: Arquitecto. Víctor Horta. 1861 –
1947, Bélgica.
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La Primera Guerra Mundial interfirió en la primera fase de su vida profesional; se
trasladó a Londres y luego de ahí se dirigió hacia Estados Unidos (1916-1918) donde acabó
siendo catedrático y director de la Universidad Libre de Bruselas. Cuando el Art Nouveau
dejó de ser una tendencia, Horta volvió al gusto neoclásico.
En 1886 realizó en la calle Douze Chambres de Gante un grupo de tres pequeñas casas
que, a pesar de su modestia, revelan ya los dones de Horta. Éstas casas se consideraban
construcciones honradas y económicas.
De éste arquitecto aprendió los principios del clasicismo. En 1893 pasó a ser profesor
de la universidad lo cual fue importante para su carrera como arquitecto porque llegaba a
recibir encargos de proyectos arquitectónicos de las cuales se destacan los encargos más
influyentes de sus amigos Autrique y Tassel, a quienes les proyectó y construyó las
viviendas en Bruselas. Muchos edificios de Horta han sido destruidos innecesariamente,
incluso la estructura de hierro y vidrio más imaginativa de su tiempo, La Maison du Peuple
(Casa del Pueblo) de Bruselas, Jean Delhaye que fue ayudante suyo, realizó un bravo
esfuerzo para proteger lo que quedaba y salvó la residencia de Horta para museo
permanente con su ornamentación y mobiliario.
Abrió nuevos caminos a la arquitectura del siglo XX, procurando mayor libertad en la
distribución dentro de la vivienda y dando expresión arquitectónica a los programas de
construcción que trajo el desarrollo social y cultural. Creó nuevas y sutiles formas
constructivas partiendo de los materiales acero y cristal. Después de su estancia en
Estados Unidos (1916-1919) adoptó un estilo más severo y clasicista; la línea recta
reemplazó a la escritura pintoresca y juguetona del modernismo, como la prueba el
palacio de Bellas Artes de Bruselas (1922-1928). Ésta obra fue llevada a cabo con concreto
armado, marcadamente articulada, introduce ya la idea de centro cultural, que encontró
tanta aceptación después de la segunda guerra mundial.
Desde 1892 Víctor Horta diseñaba varias casas y edificios públicos en Bruselas, para los
cuales el utilizaba hierro fundido por razones estructurales y decorativas.
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Mediante los años 1892 y 1893 realizó su primera obra innovadora, ‘’La casa Tassel’’,
en Bruselas. Con un interior con elementos de construcción y vidrio de hierro fundido
expuesto, además la casa era muy notable por la decoración que poseía, esculturas de
formas orgánicas y líneas suaves. En la Casa Tassel, su primera realización, se puede
observar ya ésta orientación estilística, que culminó en la Casa Solvyay caracterizada por
una original decoración diseñada por él mismo e inspirada en motivos vegetales.
En 1893 Víctor Horta llevó a cabo la construcción de Maison Autrique la cual fue
seguida en los años 1895-1896 por Maison Winssinger. En 1895 a 1900 el Hotel Eetvelde,
edificio que fue una obra de arte total en el estilo Art Nouveau. También edificó la Casa
Solvay (1895-1900) y la Casa Horta (1898)
Aplicó un nuevo estilo a otros edificios nacidos e los cambios sociales y económicos el
siglo. Entre los años 1896 y 1899 construyó su obra más preciada la cual fue La Casa Del
pueblo (sede del partido socialista belga), edificio destinado a albergar las oficinas del
sindicato de trabajadores socialistas, en el que consiguió de nuevo una estrecha relación
entre estructura y decoración. La ornamentación que del techo de la planta de oficinas,
que está dibujada por las mismas vigas de sustentación son un ejemplo de estructura y
decoración. La cual fue demolida en 1964.
Entre 1901 y 1903 los grandes almacenes innovation, éstos edificios desaparecieron
pero aún así se conservan fotografías de los edificios. Se encargaba de supervisar las
decoraciones interiores de todos los edificios que él llevaba a cabo incluyendo el diseño
del mobiliario, adornando puertas y huevos de escaleras con sus famosos motivos de
inspiración vegetal en forma de golpe de látigo como se encontraba en uno de sus
mayores proyectos de viviendas, el Hotel Solvay (1894) en Bruselas. Víctor Horta fue uno
de los predecesores más importantes del movimiento moderno, sobre todo por el empleo
de estructuras vistas de hierro y fachadas de vidrio plano. Crea un lenguaje original
basado en el predominio de la línea curva además de su integración entre elementos
arquitectónicos y decorativos, con lo que se convirtió en uno de los pioneros y principales
representantes el modernismo arquitectónico.
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Víctor Horta fue uno de los principales pioneros en la corriente Art Nouveau, corriente
que se caracterizó por querer integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es
una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas
originales. Se desarrolla entre los siglos XIX y XX. Éste movimiento utiliza las soluciones e
la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque las industrias sean
las que se encargan de las decoraciones y de las forjas de la rejería, etc. Sus formas se
caracterizan por ser blandas y con redondeadas, aunque, lo que más lo caracteriza es la
profusión de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja
sentir aún en la arquitectura actual.
El modernismo arquitectónico nace en Bélgica donde se le dio el nombre de Art
Nouveau con la obra de Goh Ver Wayans y Víctor Horta; la ondulación de los tejados y
fachadas, el cómo aplicó materiales como el hierro forjado, los motivos de vegetación
natural y el cuidado diseño de la decoración y de cada elemento arquitectónico y de
mobiliario del interior son características de sus obras: de Van de Velde la casa de
Bloemenwerf y de Horta los kioscos y bocas del metro, la escalera e la calle Paul- Eile
Janson y el Hotel Solvay por su característico interior de diseño muy cargado con
lámparas, papel pintado y vidrieras.
Desde sus primeros tiempos como arquitecto adoptó el estilo neoclasicista el cual lo
aprendió en la escuela para centrarse en la búsqueda de una nueva expresión
arquitectónica, acorde a su propia época. Desarrolla estructuras vistas de hierro colado,
planta libre en lugar de los antiguos pasillos y una atención en la ornamentación de cada
elemento.
Víctor Horta muere el año de 1947, en Bruselas.
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La Casa Tassel:
Durante los años 1892 y 1894 nace en
Bruselas, un movimiento europeo que renueva
las artes aplicadas, fue nombrado el Art
Nouveau, Nieve Kunst, Style Liberty, Jugendstil
o Modernismo.
La Casa Tassel ha sido considerada como la
primera obra del movimiento en arquitectura.
Revolucionaria tanto en el aspecto artístico
como en el técnico, es uno de los monumentos
clásicos de la historia de la arquitectura.
Es el producto de una época y de un país, caracterizado por el progreso económico de
la burguesía, fuertes tradiciones artesanales y una amplia industrialización. La obra cuenta
con una organización espacial y un diálogo continuo entre la flexibilidad del hierro y la
dureza de la piedra. Se exploran las posibilidades del hierro como material constructivo y
ornamental. Aunque el estilo y los motivos decorativos no se desarrollan partiendo de la
nueva construcción en hierro colado, sino, que es ésta la que se adapta al nuevo lenguaje
formal que procede de otras fuentes y lo prolonga espacialmente.
Ésta casa fue encargada por el señor Emile Tassel, profesor de geometría descriptiva en
la Universidad de Bruselas y colaborador del estudio de la firma Solvay (para quien
construía Horta, el Hotel Solvay entre los años 1895 y 1900), una vez que la construcción
de la casa fue terminada el arquitecto se dedicó varios años a establecer el mobiliario que
ésta contendría. También se hicieron cambios menores al diseño. En 1956, se dividió en
pequeñas unidades de vivienda, transformación hecha en desafío del diseño original. En
1976, el arquitecto Jean Delhaye compró la propiedad con la intención de devolverle su
esplendor original y comenzó la restauración en 1982. La Casa Tassel fue declarada
patrimonio mundial por la UNESCO, al igual que otras construcciones del arquitecto en los
Fig.16: Casa Tassel (1892-1894, Bruselas)
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años 2000. La Casa Tassel se ubica sobre la rue Janson, anteriormente llamada Turín, en la
ciudad de Bruselas, La casa se implanta en una pared de 7.79m de ancho y 29m de
profundidad, ocupando todo el ancho y 20.8 metros del largo, siendo un solar entre
medianeras.
Concepto:
Lo que se planteó para realizar la obra fueron: renovación de la planta, proscripción del
pasillo y de las habitaciones en fila, primacía en línea curva y empleo del hierro en la
plástica arquitectónica, entre otras.
Con un pasillo y habitaciones en fila, se logran espacios fluidos.
El hierro se utiliza con fines estructurales tanto como con fines ornamentales.
Espacios:
El acceso se encuentra ubicado en el centro de la fachada. La distribución se divide en
dos sectores, el primero por la escalera principal y el segundo el lado del jardín.
Se producen cambios de niveles. En el interior se manifiesta visiblemente la nueva
tendencia figurativa. La casa ofrece un inagotable surtido de formas bidimensionales
resultado de un estudio minucioso de plantas y flores. Suelos, paredes y techos se cubren
de 'líneas látigo', serpentean, se entrelazan, ondean y ascienden por los montantes de
acristalamiento, rodea las patas de los muebles y retornan sobre sí. Su presencia desborda
todos los requisitos de la construcción.
Al pie de la escalera se eleva una esbelta columna de hierro como si fuera el tallo de
una flor. Desde el capitel se pueden observar bandas en forma de plantas que se
extienden por el espacio. Su ritmo se repite en los canecillos y soportes de hierro visto y
en los ornamentos que trepan por la escalera, formando la barandilla. Estos detalles de
decoración se extienden por el techo, los muros e incluso el mosaico que se utiliza para el
suelo como anillos de agua que se expandieran partiendo de un centro. Cada forma del
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elemento arquitectónico está individualizada. El jardín de invierno del piso bajo es
sostenido por un esqueleto de hierro a la vista.
Fachada:
Son fachadas vecinas repitiendo su elemento dominante, el bow-window. Éstas se
diferencian por su desarrollo curvilíneo enlazado con los paños laterales. El primer piso
está conformado por una serie de ventanas separadas por pequeñas columnas de piedra.
En el segundo piso, balcones altos de forjado a forjado, ligeramente retranqueados y
protegidos con una barandilla de hierro constituyen la fachada. En el tercer piso, el bow-
window se convierte en una terraza, continuando las tres aberturas, pero ahora en el
plano de la pared. El elemento que domina en la construcción es el tradicional bloque de
piedra, sin embargo, están presentes en la fachada muchos elementos poco corrientes
como las superficies onduladas, etc. La fachada tiene una fluidez en el espacio interior y la
traduce en un movimiento flexible: abombamientos y retrocesos, juegos de tensas
membranas vítreas, piedra y hierro se compaginan en ese juego rítmico, No sólo el ritmo
de la línea produce esa idea de totalidad; la importancia del color también es
fundamental: los marrones de las maderas, el dorado del bronce, las taraceas, las
cerraduras y picaportes, los tonos caramelo y melocotón.
Estructura:
La estructura básicamente es un esqueleto metálico, totalmente visible en el interior,
mientras que en la fachada se pone de manifiesto solamente en la parte central
acristalada.
Se comprueban en esta obra, las posibilidades del hierro como material constructivo y
ornamental.
Horta optó por utilizar un sistema de soportes a base estructuras de hierro que
permitiera eliminar al máximo los paramentos y organizar el espacio más libremente.
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Planos:
El uso de éste material, hierro, como medio estructural y expresivo, se inspiró gracias a
las obras de ingeniería de Eiffel que culminaron en 1889 en la Torre Eiffel, y en las teorías
e ilustraciones de Viollet-le-Duc en sus Entretiens sur l'architecture de 1872.
Fig.18: Planta Alta, Casa Tassel 1892-
1894, Bruselas
Fig.17: Planta Baja, Casa Tassel 1892-
1894, Bruselas.
Fig.20: Corte, Casa Tassel. 1892-1894,
Bruselas.
Fig.19: Dibujo Casa Tassel. 1892-1894,
Bruselas.
25
Casa unifamiliar construida en Bruselas por Víctor Horta entre los años 1892- 1893. Se
ubica en un solar estrecho y profundo, de manera que recibe luz sólo por los lados más
cortos. Para iluminar los ambientes interiores estaba previsto un pequeño recinto de igual
forma y dimensiones que el vacío que alberga la escalera principal, iluminada por un gran
lucernario y que da lugar a un segundo patio de luces. La estructura es de esqueleto
metálico, totalmente visible en el interior, mientras que en la fachada se pone de
manifiesto solamente en la parte central acristalada.
La distribución de la casa se divide en dos sectores:
1.- El servicio de la escalera principal, que
relaciones el vestíbulo con los dos grandes
ambientes superiores con vistas sobre la calle.
2.- El lado del jardín, servido por una escalera
secundaria.
En el interior se encuentra un salón el cual pertenece
al segundo sector del edificio, tiene una cota superior a
la del vestíbulo de entrada, de forma que se obtiene una
dinámica del espacio interno que contrasta con la superficie estrecha de la parcela.
El alzado tiene como elemento dominante un par de ventanas que sobresalen del
muro (bow-window) de las casas contiguas. ésta casa se diferencia de las demás por su
desarrollo curvilíneo que, en dos de los tres pisos de la casa, enlaza con los paños laterales
del alzado. La parte central presenta en el primer piso una serie de ventanas separadas
por pequeñas columnas de piedra y, en el segundo, balcones altos de hierro. En el tercer
piso cuenta con ''bow-window, se convierte en una terraza, continuando las tres
aberturas, pero ahora en el plano de la pared.
Fig.21: Vitrales, Casa Tassel.1892-
1894, Bruselas.
26
Están presentes en la fachada muchos elementos poco
corrientes, como las superficies onduladas, las platabandas
metálicas vistas, el curioso diseño de la balaustrada. El papel
dominante del edificio corre todavía a cargo de los
tradicionales sillares de piedra. En el interior se manifiesta
más claramente la afirmación de la nueva tendencia
figurativa. un sentido unitario liga los elementos
estructurales a los visuales, en particular, en la escalera
principal, que presenta completamente a la vista todo su
armazón metálico. Contiene molduras curvilíneas de hierro
para formar barandillas y motivos decorativos; a estos
elementos, que determinan con su desarrollo sinuoso
Una definición muy particular del espacio, corresponden formas análogas trazadas
sobre los planos, como el diseño de las vidrieras y de los mosaicos de los pavimentos.
La articulación cóncavo-convexa propia del gusto del Art Nouveau está presente tanto
en el volumen de la escuela y, por tanto, en el vacío del espacio, como en las líneas que la
estructuran y también en los puntos del mosaico del suelo.
Por último una de las características de esta obra ya subrayada por la crítica de la
época: su perfecta adaptación al propietario, el señor Tassel.
Refiriéndose a esta casa se ha escrito que albergaba del modo más perfecto imaginable
al hombre para el que fue construida. Como puede verse, la cultura de gusto figurativo del
Einfühlung se convierte también en razón de ser funcional.
Fig.22: Fachada de la Casa
Tassel. 1892-1894, en
Bruselas.
27
CAPITULO III:
Antoni Gaudí.
28
Antecedentes:
En la última década del siglo XIX, España se caracteriza por un cierto confucionismo
artístico. La arquitectura entra en crisis al ampararse de la repetición de movimientos
artísticos: Neoclásico y Neorrománticos. Los arquitectos no piensan en nuevas soluciones
técnicas al margen de estos estilos.
Sin embargo, en España se produce un
crecimiento de la natalidad y, a la vez un
crecimiento económico que da origen a una
importante migración de población desde el
campo a las grandes capitales. Las ciudades
crecen, se derriban murallas medievales y
cascos viejos, y se construyen nuevos barrios
planificados, denominados “ensanches”. En el
caso de Barcelona su crecimiento quedo
perfectamente establecido con el “Pla Cerdà”.
Los arquitectos españoles se hundieron en la incertidumbre, la cual se rompe con la
llegada de un nuevo movimiento que responde al nuevo ambiente social y cultural, fruto
de una evolución económica, política y regional, este movimiento lleva el nombre de
“Modernisme”, dicho movimiento cronológicamente abarca desde la última década del
siglo XIX a las dos primeras del nuevo siglo XX.
El inicio del Modernisme en España puede fecharse en 1878, cuando el arquitecto Lluis
Domènech i Montaner público en el periódico catalán “La Renaixensa” un artículo titulado
“en Busca de una Arquitectura Nacional” en el que expresaba la necesidad de encontrar
un estilo particular para Catalunya.
Fig 23: “Pla Cedà” El plan de reforma y ensanche
de Barcelona. Año 1859. Buscar en Anexos.
29
A partir de este momento se construyeron edificios basados en historicismo, pero en los
que dominaban la personalidad del arquitecto, que transformaba aquellos lenguajes
clásicos para abrir paso a una nueva arquitectura.
El Modernisme fue usado por muchos, no obstante, no todos los artistas que trabajaran
este movimiento se convertirán en precedentes directos de importantes cambios
estilísticos. Sin embargo, existieron sus excepciones extraordinarias, un ejemplo es un
hombre que con su comportamiento y sus obra construida, constituirá un trayectoria
aislada, así como todos aquellos derivados del mundo del ornamento, obtendrán un sello
especial, sorprendente y, algunas veces, difícil de calificar. Este hombre fue Antoni Gaudí.
30
Bibliografía:
” La vida es amor y el amor es entrega. Cuando son dos los que se entregan,
la vida del conjunto llega a ser brillante, ejemplar.”
Antoni Gaudí, s.a.
Antoni Plàcid Guillem Gaudí i Cornet, nacido
en el seno de una familia de calderero, el 25 de
junio de 1852 en la cuidad de Reus en España.
Hijo de Francesc Gaudí i Serra i de Antònia
Cornet i Bertrán, siendo el quinto hijo del
matrimonio.
Durante la niñez, Gaudí conservaba una
delicada salud, ya que a edad temprana padecía
de problemas reumáticos, dicha enfermedad no
le permitía jugar con los niños de su edad, le
obligaba a desplazarse en burra o a permanecer
temporadas en reposo en su casa por el dolor
que esta enfermedad le ocasionaba.
Este hecho también llevo a que Gaudí faltara
constantemente a clases. Lo que le permitía
dedicar muchas horas a la contemplación de la naturaleza y al trabajo que realizaban los
caldereros, de donde extraería lecciones que aplicaría a sus obras arquitectónicas.
Después de cursar los estudios de secundaria en los Escolapios de Reus, Antoni Gaudí
se trasladó, en el año 1869, a Barcelona con su hermano mayor. En la capital catalana
acabó el bachillerato en la facultad de Ciencias de la Universidad de Barcelona.
Fig 24: Gaudí al terminar sus estudios.
Fotografía de Audouard y Cia. Museo de Reus.
31
En 1873 ingreso a la Escuela Provincial de Arquitectura de Barcelona, donde fue un
estudiante irregular, pero que manifestaba algunas muestras de genialidad, lo que
permitió que Gaudí colaborara con algunos de sus profesores.
Antes de finalizar sus estudios Gaudí colaboro en el estudio de arquitectura de Josep
Fontsere, desde 1877 hasta 1882. Con el trabajo en el diseño de algunos detalles de una
de las obras más importantes que se estaban realizando en Barcelona: “El Parc de la
Ciutedella”.
De este recinto se atribuyen a la
colaboración de Gaudí: la cascada
monumental del parque, construida entre
1875 y 1882, diseñó los templetes para subir
a la terraza, la decoración de los muros del
acuario y la gruta. Asimismo, fue el autor de
la balaustrada de piedra de la conocida como
placeta de Aribau, decorada con cabezas de
leones, de 1875, y, al año siguiente, de los
candelabros de hierro con el escudo de
Barcelona de la reja de entrada.
Gaudí era una persona poco dada a
escribir sus ideas estéticas, se le conoce un
solo artículo publicado en 1881 en el
periódico “La Renaixensa”.
El 15 de marzo de 1878 Gaudí obtuvo su
título de arquitecto. Una vez obtenido dicho
título Gaudí se estableció por su cuenta
abriendo su propio despacho, donde meses
Fig. 25: Cascada monumental de “El Parc de la
Ciutedella” finalizada en 1882. Barcelona España.
Buscar en Anexos.
32
después conoció al Ingeniero Industrial Eusebi Güell i Bacigalupi, con quien inicio una
relación de amistad y profesional de por vida. Gran parte de las obras de Gaudí fueron
encargos de Güell, convirtiéndose en su cliente más entusiasta.
Entre 1880 y 1900 Gaudí, realizo, entre otras, las siguientes obras: la Casa Vicens, los
Pabellones en las Corts de la finca “Can Feliu” de la familia Güell, el Colegio Teresianos, el
Palau Güell, la Casa Calvet, la Torre Bellesguard.
En 1883 Gaudí recibió el encargo a través del arquitecto Joan Martorell de continuar la
incipiente obra del templo expiatorio de la Sagrada Familia, la obra ocuparía toda su vida.
En este primer periodo Gaudí se esforzó por encontrar un estilo propio con una
voluntad nacionalista. A esta voluntad, que enseguida llego a transformarse en una
identidad persona.
El ascenso de Gaudí como uno de los arquitectos más destacados de la primera
generación modernista fue meteórica. Con la finalización del Palau Güell ya era uno de los
autores de más renombre de Barcelona.
De 1890 en adelante, Gaudí perfeccionó el dominio del espacio arquitectónico y las
artes aplicadas hasta convertir su obra en algo único, insólito, incomparable con el resto
de la arquitectura modernista de la época.
No solo realizando sus obras en Barcelona, si no que Gaudí no dudaba en ir a donde se le
era solicitado, por esta razón, trabajo fuera de Catalunya realizando obras tan
significativas como el Palacio de Episcopal de Astorga, en Leon.
A Esta es etapa de madurez de Gaudí, en la que las obras maestras se sucedieron una
detrás de otra: el Park Güell, la Casa Batlló, La Casa Milà y la fachada del Nacimiento de la
Sagrada Familia.
En 1914 abandonó todas las obras para concentrarse en el proyecto de
la Sagrada Familia, templo que quería dejar muy avanzado para las siguientes
generaciones, consciente de que él no lo vería completado.
33
Antoni Gaudí destaco como una figura excepcional de la arquitectura modernista
europea. Supo entender y utilizar la arquitectura medieval, ofreció una interpretación
personal que alcanzaba una expresividad propia, llevando a consecuencias impensables
los principios estructurales góticos. Para Gaudí, la geometría se encontraba a través de la
naturaleza. Son muchas las obras de Gaudí en las que se advierte la imitación de las
formas naturales.
El 10 de junio de 1926, el arquitecto
murió a consecuencia de las heridas
sufridas al ser atropellado por un tranvía.
Al cabo de dos días, era enterrado en la
Sagrada Familia. Gaudí era un arquitecto
reconocido por sus coetáneos dentro y
fuera de las fronteras españolas, pero su
singular genio innovador y creativo no fue
aceptado universalmente hasta bastantes
décadas más tarde. En la actualidad, su
figura es internacionalmente reconocida y
su obra se cuenta entre las más
admiradas de la arquitectura de todos los
tiempos.
Fig.26: Cripta del Arquitecto Antoni Gaudí en la Sagrada
Familia. Barcelona, España.
Fig.27: Gaudí el día de su muerte. Dibujo de J.
Renart. 1926.
34
Personalidad:
El genio artístico de Gaudí tuvo un carácter de principios muy altos. Fue un joven
apasionado e impetuoso, sin embargo, el destino lo cambio a un hombre sereno,
balanceado y ejemplar, que raras veces tenia explosiones temperamentales, sin
mencionar que inspiraba un aura de heroísmo y beneficencia a aquellas personas que
convivían con él.
Fue un hombre que meditaba profundamente los problemas de la vida y el arte y cuyas
acciones eran totalmente consistentes con sus principios, además continuo siendo
absolutamente creyente a sus convicciones religiosas, su espíritu noble y su refinados
ideales estéticos, demostrando que la más grande inspiración artística es resultado de un
trabajo arduo, continuo, lento, metódico y disciplinado.
Gaudí fue dueño de una prodigiosa imaginación la cual no solo le permitía construir
formas en su cabeza con gran facilidad, sino que además tenía una grandiosa imaginación
espacial que le permitía visualizar el sistema constructivo de las cosas, además de poder
distinguir sin esfuerzo alguno entre aquello que era esencial y aquello que era simple
ornamento, esta gran habilidad la heredo de la familia de su Padre, por esta Gaudí
siempre se mostraba agradecido a Dios por permitirle recibir este regalo.
Gaudí creía firmemente que el arte había sido creado de hombres para hombres, razón
por la cual debía ser racional. Siguiendo esta idea, Gaudí entregaba cuerpo y alma a cada
uno de sus proyectos. Llego a la conclusión que el cubismo era un arte deplorable en
todos sus estilos y variantes, un arte deshumanizado. Detesto los primeros intentos de
arte abstracto dado a su falta de plasticidad.
Consideraba que existían dos tipos de personas, temporales y espaciales, todos
aquellos que tengan problemas manejando los números también tendrán dificultades
aprendiendo música o lenguajes porque todos estos están enlazados con el tiempo.
35
Influencias:
Durante su época de estudiante Gaudí se vio influenciado por las dos corrientes pre
modernistas que dominaban el panorama
cultural Europeo: Arquitectura Gótica, con su
gran capacidad de crear grandes estructuras
arquitectónicas llenas de solides, y la estética
oriental, que tanto llamaba la atención de los
artistas europeos.
Gaudí era un arquitecto excepcional y difícil
de catalogar en cualquiera de las tendencias
artísticas y arquitectónicas del momento. El
estilo Neogótico tuvo una fuerte influencia
durante sus primeros años como arquitecto,
pero pronto estas líneas dejaron paso a nuevos ideales basados en el arte de oriente
medio, o a las construcciones “Mudéjares” del sur de España. Estas características se
pueden observar en la Finca Güell, en el
Capricho y en la Casa Vicens de Barcelona.
Durante los últimos años del siglo XIX, Gaudí
muestra una tendencia mucho más naturalista
como lo son las Bodegas Güell en Garraf, o el
proyecto de las Misiones Católicas en Tánger.
Llegado al final con un lenguaje que se podría
considerar más modernista.
Fig.28: El Capricho. 1885, Comillas, Santander.
Fig.29: Bodegas Güell. 1882, Garraf, España.
36
Sistemas Constructivos:
Materiales:
Gaudí utilizo casi exclusivamente los materiales propios de la arquitectura de los siglos
anteriores al XIX, Siendo un gran experimentador del ladrillo y la piedra. El uso del acero
laminado fue utilizado para salvar grandes luces, vigas o elementos de poco vuelo.
Técnicas y Formas:
Gaudí consiguió nuevas formas de construcción, yendo
a la raíz de las técnicas de los albañiles de toda la vida.
Con el procedimiento tabicado, es decir, el ladrillo puesto
con la tabla vista con las que se hacían las bóvedas a la
Catalana, Gaudí creo nuevas formas casi siempre
alabeadas como lo es la linterna del Palau Güell, las
cubiertas Belleguard, y los pabellones del Park Güell, los
sotabancos de la Casa Milà, las cubiertas y paredes de las
escuela de la Sagrada Familia, así como algunas bóvedas
de la iglesia de la colonia Güell.
Para realizar un elemento usual los albañiles utilizaban
reglas puestas a plomo e hilos tendidos entre ellas, con
ladrillos o mampuestas de piedra, hacían pareces o cualquier otro elemente que lo
requiriera. Pero Gaudí introdujo en esta sencilla operación las variaciones que le
permitieron llegar por primera vez en la historia, a un extenso repertorio de formas
alabiadas. Tal como solía decir, eran fácilmente construibles ya que tan solo inclinando
una de las reglas el albañil hacía, sin saberlo una paraboloide hiperbólico.
Fig.30: Linterna del Palau Güell.
Barcelona, España 1888
37
También hacia uso de materiales prefabricados de piezas de dimensión media con
ladrillos, azulejos o piedra artificial, que fue el procedimiento aplicado a muchas de las
obras del Park Güell.
Gaudí hizo bastantes diseños basados en una repetición intencionada de elementos a
fin de facilitar su producción pre fabricada. Sin embargo Gaudí no considero necesario
utilizar las técnicas de su época, la gran resistencia a la atracción del acero, solo o
combinando con el concreto. Lo cual, no podía ser de otra manera, también tuvo unas
consecuencias transcendentes en su repertorio de formas arquitectónicas.
Hay que afirmar que la gran aportación de Gaudí consiste en su extraordinaria
capacidad de inventar, mediante los materiales, fábricas y técnicas del pasado más
remoto, novísimas formas arquitectónicas no gratuitas, sino al servicio de unos usos o
funciones concretas de su tiempo.
La variedad de formas es limitada según sea su posición, vertical u horizontal, o según
su función sea la de conformar espacios o la de acondicionar ambientes.
Elementos Básicos:
Pilares y Columnas:
“Me preguntaron por qué hacía columnas inclinadas a lo que
contesté: Por la misma razón que el caminante cansado, al parar, se
apuntala con el bastón inclinado, ya que si lo pusiera vertical no
descansará.”
- Antoni Gaudí, s.a.
-
38
Utilización funcional de los pilares o
pies derechos para crear espacios
flexibles, es decir, sin obstáculos para
cambiar su uso; ejemplo de ellos es:
El Park de Güell, en donde su mayoría
está resuelta con pilares, de ladrillo o
de piedra de una sola pieza, que
permiten un uso flexible de este
espacio administrativo.
Caso contrario, la utilización de
pilares aislados y jácenas sobre las
que apoyan las vigas de los forjados de la Casa Milà. En este caso la intensión de
Gaudí no es la de conseguir un edificio de uso flexible a lo largo del tiempo, sino
que busca la total libertad formal para la distribución
con tabiques de trazado curvo que determine unos
espacios internos muy singulares.
Una manera muy propia de Gaudí, es la
combinación inusual de elementos verticales y
horizontales como lo son el Palau Güell y el Colegio
Teresiana en el primero encontramos elementos con
una forma en alzado que podemos llamar
arborescente; de un pilar en una planta se pasa a dos
pilares en la superior mediante dos ménsulas
equilibradas con la ayuda del acero. Mientras en el
segundo tan solo con fábrica de ladrillo, consiguió
efectos espaciales interiores únicos donde una pared
en planta baja y mediante dos pequeñas ménsulas, se
pasa a unos pasillos que formando uno de los
conjuntos espaciales más interesantes de la obra primeriza.
Fig.31: Sección y detalle de
los arcos y pilares de la
tribuna de la fachada
posterior. Palau Güell.
Barcelona, España.
Fig.31: Ejemplo de pilares en el Park Güell.
Barcelona, España.
39
Fig.33: Vista del pórtico de acceso de la Cripta
de la Colonia Güell. Barcelona España.
Arcos y Forjado:
El modo de realizar los arcos de Gaudí
responde, en principio, a una voluntad
de innovación radical basada en el
aprovechamiento básico de las leyes de
la mecánica: un perfil parabólico o anti
funicular en un elemento arcuado
supone la reducción del canto del
elemento y de los empujes sobre
elementos adyacentes, debido a que la
forma del arco coincide con la de la línea
natural de empujes. La obra en la que se
saca mayor provecho de esta ley es la
Cripta de la Colonia Güell.
Los forjados están resueltos con un
sistema artesonado que, si bien, puede
dar una imagen de pura decoración, pero
en realidad constituye una estructura
portante de los techos, por lo que se
refiere a los materiales empleados como
acabado final de las cubiertas, podemos
destacar la de la Casa Botines, realizada
con un vestimento de pizarra, un material tan solo justificable desde el punto de
vista de una adaptación al lugar.
Fig.32: Vista del techo interior de la Cripta de la
Colonia Güell. Barcelona. España.
40
Fig.35: Fachada de la Casa Botines. Plaza del
Obispo Marcelo, León. 1894. Fig.34: Vista de la Cubierta de la Casa Botines.
Plaza del Obispo Marcelo, Leon. 1894
41
Templo expiatorio de la Sagrada Familia.
“El Templo de la Sagrada Familia representará el futuro de la Cataluña
moderna.”
– Antoni Gaudí, s.a.
Josep Maria Bocabella Verdaguer Fundador la Asociación Espiritual de Devotos de San
José, promueve la construcción de un templo expiatorio dedicado a la Sagrada Familia. El
31 de diciembre de 1881, gracias a varios donativos, la Asociación Compra una parcela de
terreno de 12,800 m² dicha parcela tuvo un costo de 172.000 pesetas que equivalen a
1,034 euros, se encuentra entre las calles de
Marina, Provença, Sardenya y Mallorca, aquí es
donde se llevara a cabo la construcción del
templo.
La primera piedra colocada por el obispo de la
ciudad, Josep Urquinaona se pone el 19 de
marzo de 1882, día en el que se celebra a San
José en Barcelona. A partir de este día se da
comienzo con la construcción, bajo la dirección
del Arquitecto Francisco de Paula del Villar y
Lozano, entregándole un estilo Neogótico
convencional al templo.
Sin embargo, poco tiempo después, Villar presenta problemas con el arquitecto Joan
Martorell Montells, asesor de Bocabella. Fruto de estos problemas, Villar toma la decisión
de abandonar el proyecto, el templo queda sin la dirección de un arquitecto. Sin Embargo
Martorell propone a un joven arquitecto desconocido en aquel entonces.
Fig.36: Fachada del Proyecto Neoclásico de
Francisco Villar para La Sagrada Familia .
Barcelona, España. 1883.
42
El 3 de octubre de 1883, Gaudí con 31 años de edad, acepto el encargo de proseguir
con la labor iniciada por Villar, la construcción del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia.
Gaudí logro proyectar un templo grandioso, donde aplico todos sus conocimientos
arquitectónicos.
Gaudí al trabajar en un proyecto ya comenzado por Villar, tuvo que apegarse en cierta
medida a lo que ya se había empezado, un templo con estilo neogótico con 3 naves, sin
embargo Gaudí manifestó en varias ocasiones que si pudiese diseñar el edificio desde el
principio colocaría el templo en diagonal a la manzana. Anqué esto no podía ser realizarlo
ya que se habían llevado a cabo las excavaciones de un gran volumen de tierra y las obras
se costeaban a través de donativos. Por esto decidió no abandonar lo construido por Villar
porque esto hubiera significado la perdida de muchas limosnas.
En 1890 termina la construcción de la cripta y empieza la del ábside influenciado
todavía por el proyecto de Villar. Justo después se inicia la fachada del Nacimiento. Es en
ese momento cuando Gaudí abandona totalmente la idea de Villar, se pasa de una iglesia
de tamaño normal al de un proyecto monumental. En ese mismo año también se publica
el primer plano de conjunto del templo. El proyecto creado por Gaudí para el templo
consistía en una planta de cruz latina compuesta por 5 naves, un ábside y un crucero, con
una elevación de 4 metros sobre el nivel del suelo. La nave mayor y el crucero tendrían 95
y 60 metros de longitud. La anchura de 15 metros será para la nave central mientras que
para las laterales será justa la mitad, la anchura del crucero seria de 30 metros. Con 3
fachadas orientadas al este, sur y oeste, la fachada del nacimiento, de la gloria y de la
pasión. La cara que mira hacia el norte se encuentra el ábside que alberga siete capillas
con deambulatorio, cada una de las fachadas está compuesta por amplios pórticos.
Contará con 12 torres, cuya altura máxima es de 170 metros. La altura de las naves central
y laterales es de 45 y 30 metros.
“La obra humana no puede superar la Divina, por eso la Sagrada Familia
tendrá 170 metros de altura, 3 metros menos que la montaña de Montjuïc.”
-Antoni Gaudí, s.a.
43
Gaudí trabajara cuarenta y tres años en este proyecto, dividiendo su tiempo entre la
dirección del templo.
“Mis grandes amigos están muertos; no tengo familia, ni clientes, ni
fortuna, ni nada. Así puedo entregarme totalmente al Templo.”
– Antoni Gaudí, s.a.
No obstante, a partir de 1914 Gaudí se dedica totalmente a la construcción del
templo, sin embargo, desde 1910 se veía obligado a tomar largos periodos de descansó
debido a su frágil salud.
En 1911 proyecta la fachada de la Pasión y en 1923 la solución definitiva de las naves y
cubiertas. Pero las obras avanzan despacio, y sobre ello Gaudí dice: "No hay que lamentar
que yo no pueda terminar el templo. Yo me haré viejo, pero otros vendrán detrás de mí.
Fig.37: Planta general del Templo
Expiatorio de la Sagrada Familia. Diseñada
por Antoni Gaudí. Barcelona España.
44
Fig.38: Dibujo Original de Gaudí, Vista de
conjunto del Templo de la Sagrada Familia.
Lo que hay que conservar siempre es el espíritu de la obra, pero su vida tiene que
depender de las generaciones que se la transmiten y con las que vive y se encarna".
Gaudí asumió la responsabilidad de continuar una obra que, por sus grandes
dimensiones, nunca vería concluida. Con esta razón Gaudí llevo a cabo la realización de
maquetas muy detalladas, con escalas de 1:10 y 1:25 sobre el interior del templo,
columnas, vueltas, cubiertas y ventanas de las fachadas. También define, aunque con
menos detalles otras partes del templo. Sin embargo Gaudí no realiza ninguna maqueta
de la fachada de la Pasión, tampoco de los cimborrios, solo hiso el cálculo de las cargas, la
fachada de la Gloria solo hace una sola maqueta de distribución de volúmenes y dibuja las
imágenes que quiere que aparezcan en dicha fachada. El resto del diseño del templo lo
deja en las manos de los futuros arquitectos.
Fig.39: Maqueta realizada por Gaudí del
Templo de la Sagrada Familia.
45
“No es posible que una sola generación acabe el Templo, dejemos entonces
una vigorosa muestra de nuestro paso, que las generaciones venideras
sientan el estímulo de hacer otro tanto; y por otro lado no las liguemos para
el resto de la obra”
-Puig Boada, 1929.
El 30 de noviembre de 1925 se termina el primer campanario de la fachada del
nacimiento. Lamentablemente el 10 de junio de 1926, Gaudí muere tras ser atropellado
por un tranvía en Barcelona.
Fig.41: Modelo original hecho por Gaudí del
estudio de volúmenes para la fachada de la
Gloria.
Fig.40: Maqueta Original de las columnas,
ubicada en el taller de la Sagrada Familia.
46
Simbología del templo de la
Sagrada Familia:
Fachada del Nacimiento:
La fachada del nacimiento está dedicada a la celebración
de la llegada al mundo del mesías, Jesús, el hijo de dios.
Estaba fachada comúnmente recibe otros nombres como: l
fachada de la vida, del gozo y de la navidad. Gaudí se
inspiró en los evangelios sobre la infancia de Jesús.
La Fachada del nacimiento está compuesta por:
Portal de la Caridad.
Esta parte del pórtico está
dedicada a la virtud teologal de la caridad o amor cristiano y a
Jesús.
En el portón se pueden identificar una gran variedad
imágenes esculpidas, cada una con un significado propio.
La coronación de María:
Esta escultura representa a una mujer siendo
coronada, dicha mujer es María, madre de dios, quien
ha merecido el privilegio de ascender a los cielos en
Fig.42: Vista de la Fachada del
Nacimiento de la Sagrada familia.
Barcelona España.
Fig.43: Fotografía del Portón de la
Caridad en la fachada del
Nacimiento en el Templo Expiatorio
de la Sagrada Familia. Barcelona
España.
47
cuerpo y alma, coronada como la reina
de los cielos. El hombre representado
con barba larga y cabellos largos, que
sostiene la corona sobre la cabeza de
María es Jesús, la escultura de la
izquierda representa a José, padre de
Jesús.
L’anunciación:
Escultura que representa al arcángel Gabriel y a
María. Gabriel ha anunciado a María que concebirá al
hijo de dios por obra del espíritu santo.
El Santo Rosario:
Escultura de un rosario de proporciones
monumentales que enmarca los grupos de la
anunciación de los ángeles cantores. Las quince
medallas corresponden a los quince misterios que
integran el santo rosario en tiempos de Gaudí.
El himno Angélico:
Esta parte de la fachada representan a un Ángel
anunciando a los pastores el nacimiento del mesías, con
un coro de nueve Ángeles que entonan el himno
angélico el cual esta esculpido en latín a los pies de
estos ángeles: “Gloria in excelsis Deo et in terra pax
Fig.44: Escultura de la Coronación de María, ubicadas en el
pórtico de la caridad, en la Fachada del Nacimiento de la
Sagrada Familia.
Fig.45: Escultura de L’anunciación, en la
Fachada del Nacimiento. Templo de la
Sagrada Familia. Barcelona España.
Fig.46: Escultura donde se representa el Santo
Rosario en la Fachada del nacimiento. Templo
de la Sagrada Familia. Barcelona, España.
48
hominibus bonae voluntatis”, lo cual se traduciría al español como “Gloria a Dios
en lo más alto de los cielos, y paz en la tierra a los hombres de buena voluntad”.
La Natividad:
La escultura ubicada en la parte
inferior del portal de la caridad, es una
escultura que representa a María
mostrando en un lecho humilde a su
hijo Jesús, acompañada de su esposo
José.
Fig.47: Fotografía que muestra el grabado del
himno Angélico. Templo de la Sagrada Familia.
Barcelona España.
Fig.48: Fotografía que muestra de una forma más
clara el grabado del himno angélico. Templo de la
Sagrada Familia. Barcelona España.
Fig.49: Fotografía que muestra la escultura de la
Natividad en el portal de la caridad, Fachada del
Nacimiento. Templo de la Sagrada Familia. Barcelona
España.
49
La Columna de Jesús.
Columna ubicada en la parte inferior
del portal de la Caridad, es la columna
divisoria de la entrada, esta columna con
forma de palmera estaba basada en las
escenas de navidad. En esta se puede
observar el grabado de los nombres de
los antepasados paternos de Jesús,
empieza por Abraham y acaba con Jacob,
padre de José. También en dicha columna
se puede observar a la serpiente que
tentó a Eva en el paraíso con el fruto del
árbol de la vida.
La adoración de los Magos y de los pastores:
En la parte inferior Izquierda de la fachada del Nacimiento se encuentra la figura
esculpida de 3 hombres de aspecto noble quienes se postran en presencia del niño
Jesús. Cada hombre lleva obsequios en sus manos, oro, incienso y mirra. Esta
escultura representa a los conocidos 3 reyes magos.
Del otro lado se encuentran en una posición simétrica 3 hombres de edades
distintas, entre ellos un niño, que de la misma forma que los magos se postran
ante la llegada del hijo de Dios, un Ángel les aviso de su llegada. Estos pastores
llevan de regalo cestas con productos de la tierra.
Fig.50: Detalles de la Columna de Jesús. Fachada del
Nacimiento, Templo de la Sagrada Familia. Barcelona
España.
50
Corronamiento del Portal de la Caridad:
La santisima Trinidad:
En el punto mas alto del portal de la Caridad y de
toda la fachada del nacimiento, exepto por las torres,
existe la escultura de un simbolo de la santisimia
trinidad. La cual consiste en una cruz integrada por
varios elementos: en la parte superior una paloma
que simboliza el espiritu santo, debajo una truz de
Tau de color sangre que representa a jesucristo y
abrazando a esta, una cruz dorada que representa a
Dios.
El Ciprés:
Un ciprés rodeado de palomas blancas. El Ciprés es un
árbol de larga vida que es asociado desde la antigüedad a
los lugares sagrados. Simboliza el amor de Cristo. El ciprés también es el árbol de la
bienvenida a las casa de campo Catalanas.
Fig.51: Escultura de los 3 hombres que se
encuentran en el lado izquierdo del portón de la
caridad en la fachada del Nacimiento. Templo de la
Sagrada Familia. Barcelona, España.
Fig.52: Escultura de los 3 pastores que se encuentra
en el lado derecho del Portón de la Caridad en la
fachada del nacimiento. Templo de la Sagrada
Familia. Barcelona España.
Fig.53: Fotografía del coronamiento
del portal de la caridad en la
fachada del Nacimiento.
51
El Pelicano:
Se trata de una alegoría eucarística de
origen medieval basada en una imagen
legendaria del pelicano a aun más antigua. Se
creía que la hembra del pelicano era capaz de
alimentar a sus polluelos con su propia
sangre; de ahí la identificación con el
sacrificio de cristo
Portal de la Fe:
Esta parte del pórtico está dedicada a la virtud teologal
de la fe y a María
Jesús hallando en el Templo.
En la parte central de este templo podemos ver la
escultura de Jesús a sus doce años de edad
demostrando un conocimiento de la ley igual al de
los maestros del templo.
Fig.55: Portal de la Fe, parte derecha
de la fachada del nacimiento. Templo
de la Sagrada Familia. Barcelona
España.
Fig.56: Portal de la Fe en
la Fachada del
Nacimiento, Templo de la
Sagrada Familia
Barcelona, España.
Fig.54: Figura de un pelicano que se
encuentra en la corona del portal de la
caridad, en la fachada del nacimiento.
Templo de la sagrada familia.
52
Jesús Obrero:
Esta parte de la facha muestra cómo fue la vida de
Jesús ejerciendo una profesión como carpintero que
fue heredado de su padre, José.
La Visitación:
Escultura que muestra la escena de cuando María,
va a visitar a Isabel, quien también se encontraba
embarazada de quien el futuro seria Juan el Bautista, el
precursor del Mesías.
Portal de la Esperanza:
Esta parte del pórtico está dedicada a la virtud teologal
de la esperanza y a José.
Fig.57: Escultura de Jesús
Obrero, ubicada en el portal
de la Fe al lado derecho
inferior. Fachada del
Nacimiento.
Fig.58: Escultura donde se
presenta a María e Isabel
reunidas, en el Portal de la Fe.
Fachada del nacimiento.
Fig.59: Fotografía del portal de la
Esperanza en la fachada del
Nacimiento, Templo de la Sagrada
Familia. Barcelona, España.
53
José I Jesús:
Escultura que representa la relación
padre e hijo que tenía Jesús con José, es
una escena que sucede en Nazaret.
Representa como Jesús fue adquiriendo
conocimientos y sabiduría.
La huida a Egipto:
Representa la repentina retirada que tuvo que realizar José con su familia para
evitar que asesinaran a Jesús. Esta escultura representa la responsabilidad que
cayó sobre José con la llegada del niño Jesús.
Fig.60: Escultura ubicada en el centro del
portal de la Esperanza, en la Fachada del
Nacimiento.
Fig.61: Escultura de José y María huyendo a Egipto. Portal de la
esperanza. Fachada del nacimiento.
54
Torres Campanario:
Las torres campanario están dedicadas a los doce
apóstoles.
Bernabé:
Campanario dedicado al apóstol Bernabé, este
es el único campanario que Gaudí logro ver
terminado.
Las Insignias Episcopales:
Los campanarios estos dedicados a los obispos.
Estos pináculos están formados por las enseñas
episcopales: el aniño, el báculo, la mitra y la cruz.
La forma del pináculo es el báculo; el remate es la
mitra, con la cruz y el orifico es el anillo.
"¡Mire este final! ¿No es verdad que
parece que une la tierra con el cielo?"
-Antoni Gaudí citado por Cèsar Martinell, s.a.
Fig.62: Fotografía de las torres del
lado izquierdo de la fachada del
nacimiento. Templo de la Sagrada
Familia. Barcelona, España.
Fig.64: Escultura dedicada al apóstol
Bernabé, en la primera torre
campanario del lado izquierdo de la
fachada del nacimiento.
Fig.63: Insignias ubicadas en la
punta de los campanarios en la
fachada del Nacimiento. Barcelona
España.
55
Fachada de la Pación:
Es la segunda fachada que se
construyó, siguiendo el proyecto original
de Gaudí, sin embargo, solo dejo
especificada la parte decorativa, ya que él
quería que las generaciones futuras
realizaran cambios según los gustos
estéticos del momento.
La Fachada de la Pación recibe este
nombre porque representa la Pasión de Jesús, su dolor, sacrificio y la muerte, esto queda
escenificado en las doce estaciones del Vía Crucis.
La fachada está orientada al Oeste, por esta razón recibe los últimos rayos del sol,
hasta que oscurece, esto, acentúa el efecto simbólico de oscuridad y penumbras por las
que paso Jesús. Al igual que las otras fachadas, la facha de la pasión incluye 3 accesos,
también dedicados a la caridad, la esperanza y la fe, cuatro campanarios, dedicados a los
apóstoles San Jaime el Menor, San Bartolomé, Santo Tomas y San Felipe, ordenados de
izquierda a derecha.
Esculturas en la Fachada de la Pasión:
Las esculturas que se encuentran en la fachada de la pasión fueron realizadas por
el escultor Josep María Subirachs, quien trabajo en ellas desde 1986 hasta 2005.
Estas esculturas destacan por el contraste que ejercen sobre el fondo, exento de
ornamento compuestas por formas simples. Gaudí quería simbolizar de este modo
la desolación el dolor y la muerte de Jesucristo.
Fig.65: Boceto realizado por Gaudí de la Fachada de la
pasión. Barcelona, España.
56
Comparando esta fachada con la fachada del
Nacimiento, la fachada de la Pasión carece
de referencias la alegría de la vida, como la
ornamentación foral y animal, y se acentúa
la representación del sentimiento por la
pérdida irreversible en la muerte. Este
pórtico dramático muestra el sacrificio
hecho por Jesús en favor a los humanos.
Encima del pórtico se alzan los campanarios,
donde se observan frutos de otoño e
invierno, las épocas más oscuras y frías en
Cataluña, como castañas, granadas y
naranjas, que completan la simbología
mediterránea en esta parte del templo.
Fachada de la Gloria:
Es la fachada principal por donde se ingresara al interior del templo cuando este esté
terminado. Dada su importancia, Gaudí incluyó en el proyecto la construcción de una gran
escalinata exterior que daba acceso al tempo con la solemnidad que el lugar exigía.
La fachada de la Gloria recibe este nombre porque representa la situación del ser
humano dentro del orden general de la creación: su origen, su problemática, los caminos
que tiene que seguir y su fin. Igual que las otras fachadas, incluirá tres accesos y un porche
de entrada con siete columnas que simbolizarán los siete dones del Espíritu Santo, y que
presentará las virtudes opuestas a los pecados.
La fachada tendrá varios elementos esculpidos, y en la parte superior, se extenderán,
unas nubes de piedra que llevaran escrito, en grandes caracteres: “el Credo”. Los
campanarios estarán consagrados a los apóstoles San Andrés, San Pedro, San Pablo y San
Jaime el Mayor, ordenados de izquierda a derecha.
Fig.666: Ejemplos de las esculturas que se
encuentran en la fachada de la Pasión,
Sagrada Familia.
57
La fachada de la Gloria está orientada al Sur, de modo que el sol da en ella la mayor
parte del día, en correspondencia con su significado: la exaltación de la vida plena y su
gozoso espíritu. En este sentido, el propio Gaudí dijo: "la Gloria es la luz, la luz da gozo y
el gozo es la alegría del espíritu".
Esculturas que se presentaran en la fachada de la Gloria:
Las esculturas de la fachada de la Gloria, aún en construcción, presentarán al ser
humano dentro del orden general de la creación, mostrándole su origen, su fin y
los caminos que debe seguir para conseguirlo.
Gaudí hace resurgir en este espacio el dilema eterno: el destino final del
pecado, el infierno, y el destino final de la virtud, el cielo. Esta fachada simbolizar la
Fig.67: Dibujo de la Fachada de la Pasión, Templo
de la Sagrada Familia. España Barcelona.
58
idea de que el ser humano puede alcanzar la gloria a través de la redención y de la
ayuda constante de la gracia que otorga el espíritu Santo.
En la zona más avanzada de la fachada, hay un porche sostenido por siete
columnas, que en la parte más baja mostrarán simbolizaciones del mundo del
pecado, en oposición a la parte superior, que estará dedicada a las virtudes. Así, en
la parte superior habrá tres elementos que representarán a la Santísima Trinidad:
Padre, Hijo y Espíritu Santo. Éste estará situado justo en el centro de una
estructura de formas conoidales y representadas por una paloma blanca con las
alas desplegadas, sobre la inscripción en latín "Spiritum Sanctum". En la parte
superior, se podrá ver la figura del Hijo y, más arriba, presidiendo la fachada, la del
Padre, sobre la inscripción "Deum" y, encima, "Credo". Las letras de esta palabra
serán luminosas, para que sean visibles tanto de día como de noche. Esta
estructura estará envuelta por una nube de piedra con inscripciones que narrarán
la creación del mundo según el Génesis.
Fachada del Ábside:
El ábside está dedicado a la Virgen María, por la que Gaudí sentía una devoción
especial. Está construido sobre la cripta y sigue su forma de media circunferencia. Entre
sus muros hay siete capillas absidales que tienen unos esbeltos ventanales con arcos
apuntados que recuerdan los de estilo gótico, que Gaudí perfeccionó.
En el exterior se colocaran varias esculturas, dedicadas a los fundadores de órdenes
religiosas, como San Antonio Abad, San Benito, Santa Escolástica, San Bruno, San
Francisco, San Elías y Santa Clara. Encima de los ventanales hay varias gárgolas por las que
se escurre el agua de la lluvia que cae sobre las capillas.
Los frontones del ábside, muy estilizado y alargado, terminan en pináculos con los
anagramas de la Virgen María, de san José y de Cristo, éste acompañado de las letras alfa
y omega, que recuerdan el principio y el final de la vida. En la parte superior, se
59
encuentran representados varios elementos naturales, como la hoja de palma, e incluso
espigas de trigo o hierbas silvestres que evocan las que crecían en el solar en que se
levanta el templo.
Interior:
Claustro:
El claustro actúa como un muro protector que custodia el interior del templo y
lo separa del ruido exterior. En este sentido, se puede decir que Gaudí utiliza
exactamente el significado de la palabra claustro, que quiere decir cerrar.
El claustro también es un elemento de comunicación entre las diferentes
dependencias y permite el paso de procesiones en determinadas solemnidades
religiosas. Por esto, el propio Gaudí indicó: “El claustro estará hecho para rezar
allí el rosario en procesión”.
Cada intersección del claustro con una fachada da lugar a una puerta
ornamentada, dedicada a una advocación diferente de la Virgen María. En cada
punto en que el claustro hace esquina, habrá tres obeliscos, mayor el central y los
otros dos menores. Cada grupo simboliza un punto cardinal, una virtud y una
témpora, en agradecimiento por los frutos de la tierra.
Fig.68: Fotografía de los arcos de la fachada del
Ábside. Templo de la Sagrada Familia.
Fig.69: Fotografía de los Vitrales usados en l fachada
del Ábside. Templo de la Sagrada Familia.
60
Nave Central y Naves Laterales:
El templo de la Sagrada Familia tiene cinco naves; la central con una altura de
45 m y las laterales de 29 m. La nave central y las naves laterales están sustentadas
por un sistema de columnas completamente nuevo en la historia de la
arquitectura, columnas similares arboles bellamente alineados, de los que se
puede ver el tronco, las ramas y un montón de hojas. En este bosque de columnas,
la luz que se filtrará a través de los ventanales dará un aspecto bucólico y creará
una atmósfera de bosque.
En cuanto a las cubiertas de la nave central, vistas desde el interior, estarán
coronadas por unos edículos que harán de soporte de unas lámparas con los
anagramas de la Sagrada Familia. Cinco grandes escudos parabólicos, puestos a
cada lado, llevarán escrito "Amen" y la alabanza "Al", "le", "lu", "ia", distribuida por
sílabas. Las grandes columnas que sostienen las bóvedas y las cubiertas también
representan a los apóstoles y las iglesias de todo el mundo.
Fig.70: Fachada del Claustro del lado de la Fachada de la
Pasión. Templo de la Sagrada Familia.
Fig.71: Detalles de las del
Claustro. Templo de la Sagrada
Familia.
61
Vitrales:
Los primeros vitrales que se colocaron fueron
los de los transeptos, que expresan la
simbología prevista por Gaudí. El vitral principal
del transepto de la fachada de la Pasión
representa la Resurrección, y los vitrales
laterales y los de la nave principal simbolizarán
a los santos y santuarios relacionados con la
iglesia local representada en cada columna. Los
vitrales superiores de las naves laterales
explicarán las parábolas de Jesús “Yo soy la luz,
la verdad y la vida», «La resurrección”. Los
vitrales de la nave central no tendrán color y se
harán con cristales claros, traslúcidos o rayados,
para simbolizar la pureza, así como para
permitir la máxima entrada de luz en el interior.
Fig.72: Vista de las columnas utilizadas en el Templo de la Sagrada Familia.
Fig.73: Ejemplo de vitrales del Templo
de la Sagrada Familia.
62
Templo Expiatorio de la Sagrada Familia
tras la muerte de Gaudí:
“La Sagrada Familia no es la última de las catedrales. Es la primera de una
nueva serie.”
-Antoni Gaudí, s.a.
Tras la muerte del arquitecto Antoni Gaudí las obras siguieron bajo la dirección de
Domènec Sugranyes con el asesoramiento del Francesc Quintana, dos de las ayudantes
más directos de Gaudí en los últimos años. Estos siguen fielmente los planos y notas que
les había dejado el maestro y acaban totalmente la fachada del nacimiento el año 1935.
Lamentablemente en julio de 1936, con el estallido de la guerra civil, revolucionarios
queman la cripta, la escuela y el taller de Gaudí, se destruyen la mayoría de los planos y se
rompen las maquetas realizadas de yeso del templo. La guerra obliga a abandonar las
obras de construcción del Templo de la Sagrada Familia.
Sugranyes muere en 1938 con una enorme tristeza por la pérdida del trabajo de Gaudí.
Quien lamentablemente, no vuelve a pisar el templo tras el incendio. A partir de 1939
Francesc de Paula Quintana i Vidal inicia la reconstrucción de la cripta y Lluis Bonet Garí
junto a Isidre Puig Boada se ocupan de la reconstrucción de los modelos de yeso
destruidos por el incendio.
Sin el esfuerzo realizado en estos años para reconstruir las maquetas originales y poner
por escrito las indicaciones de Gaudí hubiera sido imposible la continuación actual de las
obras.
63
En 1944 se reorganiza la Junta Constructora del Templo y se reanudan las obras.
Quintana, junto al ingeniero Artigas, se encarga del cálculo y la organización de las obras;
Puig Boada y Garí se ocupan del diseño dirigiendo al equipo de maquetistas. Aunque el
ritmo de obra es muy lento, en 1948 inician la construcción del ventanal junto a la
Fachada del Nacimiento por la parte de las naves y en 1954 deciden comenzar con la
construcción de la Fachada de la Pasión. Siguiendo los dibujos de Gaudí. A pesar de vivir
momentos de gran oposición social y penuria económica, los campanarios son coronados
el 9 de noviembre de 1976.
Francesc Quintana muere en 1966 siendo aún arquitecto director del Templo. Lo
sustituye Isidre Puig Boada quien pasa a compaginar su labor en el taller de maquetistas
con la organización de las obras. Poco más tarde, en 1971, el cargo de arquitecto director
se asigna a Lluís Bonet Garí, aunque Puig Boada no abandonó las obras de la Sagrada
Familia hasta prácticamente su muerte.
En 1978, tras finalizar la Fachada de la Pasión, se inicia la cimentación de los ventanales
y muros. Primero los que están adosados a la fachada del nacimiento y más tarde los que
cierran las naves laterales. En estos muros es donde se encuentra una de las mayores
singularidades del templo.
64
Últimos años de Construcción:
En la década de los 80 las donaciones recibidas para la construcción del templo fueron
escasas, sin embargo se continuó trabajando en las fachadas laterales, hasta que en 1983
se comienza a pensar en el interior. En 1985 Jordi Bonet i Armengol es nombrado
arquitecto director y entran a formar parte del equipo técnico de la Sagrada Familia los
arquitectos Carles Buxadé, Josep Gómez y Joan Margarit. Esto significó el fin de la
generación de arquitectos contemporáneos de Gaudí y un verdadero cambio hacia la
modernización de las obras. Ellos introdujeron el dibujo asistido por ordenador y
realizaron el proyecto de pilotaje de las naves después de estudiar las cargas que
ejercerán los cimborrios y las cubiertas.
En 1991 la Junta Constructora firma un convenio con la Universidad Politécnica de
Cataluña por el cual un equipo de arquitectos dirigido por Josep Gómez Serrano se
encarga de digitalizar los modelos de yeso. Utilizan potentes programas gráficos capaces
de dar volumen a la geometría matemática que hay detrás de las formas de la Sagrada
Familia. Esto tiene una enorme importancia porque permite gran precisión en los trabajos
de tallado y puesta en obra.
A partir de esto interés por la Sagrada Familia aumenta y en consecuencia su
financiación. El interés de los turistas por la obra de Gaudí que convierten la Sagrada
Familia en el monumento más visitado de la ciudad. La gran afluencia de público hace
aumentar mucho los ingresos y esto se traduce en un vertiginoso ritmo de obra. El
volumen construido desde 1992 es comparable a todo lo hecho anteriormente.
En 1995 se construyen las primeras columnas ramificadas y se empiezan a cerrar las
bóvedas de las naves laterales. Entre el año1998 y el 2000 se cierran las bóvedas de la
nave central, la Fachada de la Gloria llega a 30 m de altura aunque no está decida la
totalidad de su estructura. No se puede aventurar una fecha para la finalización del
templo pero todos los colaboradores son optimistas al respecto.
65
Se cree que el Templo estará finalizado en el año 2026, 144 años después de que se
inició.
“La obra de la Sagrada Familia va lentamente, porque mi Cliente no tiene
prisa.”
-Antoni Gaudí, s.a.
Fig.74: Modelado en 3D del templo de la Sagrada Familia finalizado.
Barcelona, España.
66
CAPITULO IV:
Louis Henry Sullivan.
67
Antecedentes:
El historicismo marca una nueva arquitectura, que se deja influenciar por la añoranza al
pasado, encontrando su originalidad en el estudio del origen. Enfocaba todos sus
esfuerzos en recuperar la arquitectura de tiempos pasados. Al neoclasicismo del pasado
siglo le continuó el neogótico, asociada a los ideales románticos nacionalistas. La
arquitectura ecléctica, en hace evolucionar a la historicista, combinando variedad de
estilos arquitectónicos en una nueva estructura.
El movimiento Arts & Crafts contempló la idea de aprovechar el desarrollo industrial y
tecnológico, viendo en el artesano una figura destacable. Con la disolución de sus ideales y
la dispersión de sus defensores, las ideas del movimiento evolucionaron, en el contexto
francés, hacia la estética del Art nouveau, considerado el último estilo del siglo XIX y el
primero del siglo XX.
Hacia finales de siglo XIX y comienzo del siglo XX se podía ver una gran variedad de
vanguardias. El punto máximo del individualismo implicaba que cada artista debía
promover su propia vanguardia, que afirmaba, de carácter universal y verdadero. El
postimpresionismo, el puntillismo, el simbolismo pictórico, el expresionismo, el cubismo,
el fauvismo, el surrealismo, el futurismo darían cuenta de una sociedad que vive en la
revolución por la revolución, la vanguardia por la vanguardia, la universalidad por la
universalidad. Una sociedad donde los plazos son cada vez más pequeños, el ritmo cada
vez más rápido.
68
Biografía:
“La forma sigue siempre a la Función”
-Louis Henry Sullivan, s.a.
Louis Henry Sullivan nació el 3 de septiembre de 1856 en la
ciudad de Boston, Chicago. Fue un Arquitecto y teórico
estadounidense. Hijo de padre irlandés y de madre suiza, con
origen francés, emigrados a Estados Unidos.
Sullivan pasó su juventud con los abuelos en la campiña de
Boston. Estudió en el Instituto Tecnológico de Massachusetts,
en Cambridge; asistió al estudio de Frank Furness Hewitt en
Filadelfia, y fue alumno en Chicago del ingeniero William Le
Baron Jenney.
Entre 1874 y 1876 vivió en París, donde asistió, en la École
des Beaux Arts, a los cursos de Joseph-Auguste-Émile Vaudremer, seguidor de Viollet-le-
Duc; durante su estancia en Europa visitó también otros países.
De regreso a Estados Unidos, llevó consigo el rechazo por el academicismo
arquitectónico imperante por aquel entonces en Europa, pero también el entusiasmo y la
admiración por el riguroso método racionalista de concepción de proyectos y composición
introducido por la Escuela francesa.
Se estableció en Chicago, donde se estaba llevando a cabo la reconstrucción de la
ciudad destruida por el gran incendio de 1871, y se empleó en el estudio del ingeniero
Fredrik Baumann, ocupándose sobre todo de problemas estructurales relativos a las
grandes obras, como puentes y viaductos. En 1879 entró a formar parte del gabinete de
proyectos de Dankmar Adler, del cual se convertiría en socio en 1881.
Fig.74: Louis Henry Sullivan
1895.
69
Ya en esta época se le considera como un exponente destacado de la Escuela de
Chicago, es decir, del que sería uno de los más importantes movimientos
protorracionalistas de la arquitectura moderna, junto con John Root, D. H. Burnham,
Martin Roche, además del precursor Le Baron Jenney. Tuvo como alumno a Frank Lloyd
Wright, que por aquel entonces contaba con diecinueve años y había entrado en 1887 en
el estudio de Adler como diseñador, después de haber abandonado los estudios de
ingeniería civil iniciados en la Universidad de Madison y de haber trabajado con el
arquitecto J. C. Silsbee en Chicago.
La influencia de este arquitecto se manifestó en el interés por acumular la decoración
en la entrada del edificio.
Escribió una teoría en base al concepto de lo orgánico, con lo cual se comprenden un
poco mejor algunas de sus obras, partiendo de la idea de que el edificio debe ser
estructurado y articulado en sus diferentes partes según su función y uso.
Su interés por buscar un estilo puramente americano le llevó a crear un tipo de
decoración basada en el ornamento orgánico, que era un tratamiento decorativo similar al
oriental compuesto por elementos naturales contrapuestos por una trama geométrica.
En su artículo “El gran edificio de oficinas” considerado desde el punto de vista artístico
(1896), presentó su modelo compositivo para un edificio alto funcional, donde se
distinguían partes del mismo según su función, la parte inferior del edificio debía estar
compuesta por un gran basamento acristalado, con carácter principalmente comercial. El
fuste de la torre debía de albergar las oficinas y, por último, la planta de remate, arriba,
comprendería la parte destinada a las instalaciones y despachos más importantes.
Louis Sullivan es considerado realmente el primer arquitecto moderno de América. En
vez de imitar estilos históricos, él creó formas originales y detalles. Los estilos
arquitectónicos Más viejos fueron diseñados para los edificios que eran amplios, pero
Sullivan fue capaz de crear unidad estética en los edificios que eran altos.
70
Louis Sullivan creyó que el exterior de un edificio de oficinas debería reflejar su
estructura interior y sus funciones interiores. El ornamento, en donde este fuera usado,
debería ser sacado de la Naturaleza, rechazando referencias clásicas y los arcos ubicuos.
Los diseños de Sullivan a menudo usaban paredes de albañilería con diseños de terracota.
Entrelazamiento de hojas combinadas con formas geométricas crujientes. Este estilo
Sullivanense fue imitado por otros arquitectos, y su último trabajo formó la fundación
para las ideas de su estudiante, Frank Lloyd Wright.
Separado de Adler en 1895, realizó algunas construcciones menores y publicó diversos
libros. Considerado uno de los más destacados arquitectos modernos, Sullivan rechazó el
eclecticismo histórico para intentar comprender las necesidades sociales de la
arquitectura en una sociedad industrial.
A partir de 1896 su carrera empezó a decaer al mismo
tiempo que su número de pedidos se hacía cada vez menor,
aunque sería cuando realizó su obra más destacada dentro
de los edificios de negocios; el "Carson Pirie Scott&Co",
donde hay una perfecta interpretación entre la función y la
retícula de la fachada. La función determina la forma en el
sentido orgánico, y utiliza el propio edificio orgánicamente
para crear ciudad. La decoración (muy recargada) se centra
en la parte inferior del edificio.
Entre 1901 y 1902 publicó, en el Journal of the American Association of Architects, los
Kindergarten Chats, diálogos en los cuales dos personajes ideales e imaginarios -el
maestro y un alumno- discuten acerca de las teorías arquitectónicas de Sullivan. En 1924,
año en que vio la luz en Washington el último trabajo de Sullivan, ilustrado con una
Fig. 75: Louis Sullivan, Primer
Arquitecto Moderno de América
71
espléndida serie de 19 dibujos, Un sistema de ornamento arquitectónico (A System of
Architectura Ornament according with a Philosophy of a Man's Power).
Un espíritu de profunda unidad caracteriza las teorías de Sullivan, en las cuales la
estructura, la composición y la decoración parten de una misma idea funcionalista, casi de
naturaleza simbólica, que penetra e integra el edificio entero hasta en sus más mínimos
detalles. La perfección y clasicidad formal de sus volúmenes urbanísticos distinguen a
Sullivan de los otros exponentes de la Escuela de Chicago, cuya producción está más
directa y unívocamente determinada por las estructuras de hierro y por los imperativos
económicos del nuevo urbanismo/arquitectura comercial, que cada vez ofrecía un espacio
menor a las refinadas construcciones de Sullivan, caracterizadas en cambio por la
estereométrica pureza de volúmenes con profundas hendiduras en su superficie, dotados
de potentes cornisas y decorados con ligeras tramas decorativas.
72
Arquitectura en Acero:
Cuando llega George Snow en 1832 encuentra una comunidad pequeña, pero Chicago
se convierte rápidamente en una pujante ciudad. Snow, un inquieto hombre originario de
New Hampshire es, también, una especie de hombre orquesta. Es nombrado agrimensor
de la recién conformada ciudad y es elegido concejal hacia mediados del siglo; es el
encargado del alcantarillado, empresario maderero, constructor e inversionista
inmobiliario, jefe de bomberos, entre muchas otras actividades. Pero su contribución más
recordada es, probablemente, la invención del balloon frame, que le es atribuida por S.
Giedion.
Esta técnica de construcción en madera que nace de la revolución industrial y, más
específicamente de la máquina de vapor, tendrá un gran impacto en el desarrollo de las
ciudades de Norteamérica. En efecto, capturada la energía del vapor y transformada en
energía mecánica, cambia la forma de elaboración de la madera: del aserrío manual y el
trabajo con azuela se avanza hacia el aserrío mecanizado, mucho más rápido y mucho más
eficiente, que permite conformar piezas de menores secciones con gran rapidez y
precisión. Por otra parte, la maquinaria para la producción de clavos permitió aumentar
significativamente la producción de clavos y redujo drásticamente sus costos. En estas
condiciones y, probablemente, bajo la presión de la necesidad, Snow delineó el proceso
de construcción que sustituye la lenta construcción artesanal -con sus complejas
conexiones de caja y espiga- por un sistema de pies derechos alineados de menor sección
que cubren la altura completa del edificio, revestidos con tablas delgadas y unidos solo
con clavos.
73
Desde Chicago hasta San Francisco, todo el centro y oeste norteamericano está
relacionado con esta forma de construir que permitió el desarrollo de los poblados hasta
convertirse en grandes ciudades en un período muy breve de tiempo. El balloon frame,
que siguió y sigue evolucionando, es la representación más
explícita de cómo el proceso de industrialización en Estados
Unidos de Norteamérica llega a impactar en la vida cotidiana y
en los hogares de sus ciudadanos.
Giedion destaca innumerables ejemplos de la innovadora
industria norteamericana de la época, y menciona la
mecanización de los oficios complejos como una de los puntos
relevantes de este proceso. Diseños simples, eficientes y
funcionales, se encuentran desde el mobiliario hasta las
herramientas, las cerraduras, los relojes, la mecanización de la
fabricación de pan, los mataderos y hasta la invención del pela
manzanas. El incendio de Chicago impacta fuertemente en la
concepción y construcción de edificios
Pero no elimina la notable actividad constructora en madera
que existe en el mercado de la vivienda y de edificios de menor altura en el país del Norte.
Hacia fines del siglo XIX Chicago ya contaba con más de un millón y medio de
habitantes. La ciudad, concebida a partir de la cuadrícula típica de su fundación originada
en la subdivisión de un cuadrado original de una milla por una milla que se puede
extender indefinidamente es, pues, terreno fértil para el progreso de construcciones que
demandan cada vez mayor altura en un esfuerzo por optimizar el uso y el valor del
terreno. Otros inventos se suman a esta condición: el invento del ascensor a vapor en
1857, hidráulico en 1870 y finalmente eléctrico en 1887 probablemente el más
significativo. Sin embargo no se puede dejar de mencionarse el alumbrado eléctrico, el
teléfono y el correo neumático. Una notable actividad constructora se desarrolla
especialmente en la década de los años 80 del siglo XIX: edificios de 6; 8; 12 y hasta 16
pisos abundan en el centro de la ciudad.
Fig.76: Baloon Frame
74
La escuela de Chicago no fue, en estricto rigor, propiamente una escuela. Sin embargo,
el nombre describe la actividad desarrollada por dos generaciones de arquitectos que
marcan un punto de inflexión en la historia de la arquitectura norteamericana, con el
desarrollo de la construcción en altura, la aparición de los rascacielos y una mirada que
impulsó soluciones sencillas y estructuradas en perfiles de acero cuyo impacto repercute
en el resto del mundo y cuyos ecos resuenan hasta hoy. El rascacielos es criticado por
Wright como una “estratagema” para multiplicar las áreas privilegiadas y vender y volver a
vender las superficies del terreno primitivo. L. Benévolo citando a E. Cecchi recalca que
más que una relación de fuerzas y resistencias, llenos y vacíos, se trata de una operación
aritmética, una multiplicación, así como el sistema de parcelación del terreno en que se
sustenta es el resultado de una división.
“El principio de sostener todo el edificio sobre un armazón metálico (…) rigidizado y
protegido del fuego se debe a William Le Baron Jenney”, escribe Burnham en
Engeneering Record, de Julio 1896.
Hablando del arquitecto Sullivan, una de sus obras tempranas fue el reconocido y
complejo edificio del Auditórium. Probablemente marcado por el edificio de los almacenes
Marshal & Field de Richardson uno de los pocos arquitectos norteamericanos que recibían
el reconocimiento de Sullivan, el proyecto del edificio del Auditórium se levanta sobre
macizos muros de fábrica complementada con una estructura metálica interior y recurre a
una composición rigurosa que ordena la composición vertical. Una rigurosa graduación de
llenos y vacíos destaca en la fachada que en su progreso en altura, ordena y marca un
orden que insinúa la coronación del último piso, un recurso que veremos en progreso en
proyectos futuros. El edificio alberga el Auditorio y sobre él, un edificio de oficinas y un
hotel que fueron en su momento el teatro más grande y el edificio más alto de Chicago,
todo un prodigio técnico por las complejidades que representa. Una de ellas fue el terreno
conformado por una capa arcillosa de más de 30m de espesor, que demandó la
75
construcción de un sistema de cimentación especial de los pesados muros de piedra de la
fachada (originalmente pensados en terracota): una malla flotante de rieles embebida en
hormigón que aun así tuvo en la primera década un asentamiento importante.
El edificio Waiwrigjht es más conocido por ser uno
de los primeros rascacielos en Estados Unidos y en el
mundo. El Wainwright a pesar de ser un edificio
antiguo aún sigue en existencia, la obra para su
construcción se inició en 1890, diseñada y construida
por el estudio Adler & Sullivan, se encuentra en San
Louis – Missouri finalizada en el año 1891, mide 42
metros y posee 10 pisos su uso es de oficinas. El
Wainwright Building utiliza ornamentaciones,
construido con ladrillo rojo y se usó el acero como
material estructural, y de estilo.
Fig.78: The Auditórium – Chicago - Sullivan & Adler – 1886 – 1890
Fig.79: WAINWRIGHT BUILDING - St,
Louis – Missoury - 1890 – 1891
76
Arquitectónico “Escuela de Chicago” está considerada como uno de los edificios más
famosos de la ciudad de San Louis y a la vez también de ser un monumento histórico
nacional americano.
El Carson, Pirie & Scott. En este edificio Sullivan la retícula estructural del edificio de
plantas diáfanas, se proyecta en la fachada. Esta, conformada por una composición
horizontal de sus siete pisos idénticos sobrepuestos tiene solamente los dos últimos piso
de menor altura, que rematan en una ligera
cornisa, casi una tímida referencia a las
exuberantes cornisas en Buffalo. La apariencia de
la estructura en la fachada regala un resultado de
gran precisión y equilibrio, es neutro. El
basamento, sin embargo, carente de la presencia
maciza de la masa que caracteriza su obra
anterior, se viste con una notable decoración
trabajada con oficio de artesano que resalta en el
acceso en la torre de la esquina.
Su obra proyectual se complementa con varios
escritos, a los que dedica tiempo y reflexión. Se le atribuye la frase de “la forma sigue a la
función”, pero entendió la función como la suma de las fuerzas vivas que convergen sobre
y surgen desde un edificio, no solamente como un resultado mecanicista sino más bien,
como la expresión de la vida propia que surge de él y la forma, como el resultado de éstas.
Reconocido y respetado por Wright, aunque con algunas distancias, considerado profeta
de la arquitectura moderna, o al menos precursor de lo que se desarrollaría en Europa en
las décadas siguientes, Sullivan termina su carrera dedicado a obras de menor importancia
y envergadura, principalmente para bancos rurales del interior. También la llamada
Escuela de Chicago culmina su época más importante.
Fig.80: Edificio Carson Pirie & Scott – Chicago
1899 – L. Sullivan
77
Edificio Carson.
Este edificio es la última intervención de
Sullivan en Chicago. Donde sorprende el
despliegue decorativo en un arquitecto conocido
por la famosa frase "la forma sigue a la función".
La estructura y la ornamentación aparecen
escindidas. Sólo el entresuelo y la primera planta
están revestidos de ornamentación naturalista,
plana y de trazo fluido, hojas de acanto lobuladas
y espinosas y bandas espirales de hierro fundido.
En el resto el revestimiento de planchas lisas y en
el ritmo uniforme de las ventanas horizontales
encontraremos el tratamiento geométrico de
fachada característico de sus construcciones, esto
quiere decir una fachada modulada, disponía originariamente de una planta levemente
rectangular y se organizaba en una esquina a dos calles, aunque en 1906 se le agregó otro
módulo más, prolongándolo longitudinalmente, los Almacenes Carson dan un doble
lección de arquitectura: la articulación de un interior amplio y la disposición de una
fachadas abiertas que contribuyen a hacer ese interior aún más espacioso, aportándole
luz natural.
Este edificio, que algunos han considerado como un rascacielos apaisado, organiza
adecuadamente sus volúmenes y manifiesta como el arquitecto consigue que su idea
rectilínea no se vea substancialmente alterada por la intrusión de esa torre central, que
queda convenientemente articulada en el ritmo del conjunto y se adapta a las formas que
la abrazan por ambos lados.
Fig.81: Edificio Carson Pirie & Scott – Chicago
1899 – L. Sullivan
78
Los almacenes Carson están sostenidos por un esqueleto formado por los nuevos
materiales, como el cemento armado. Esto forma una estructura interna de hierro que
permite hacer edificios mucho más altos, abrir grandes ventanas y diseñar los interiores
libremente, sin depender de muros de carga.
Su estilo se basa en las estructuras metálicas que entre otras cosas, permitirán realizar
edificios de gran estatura. Uso del pilar de concreto como apoyo. Será la solución al
desafío de construir sobre una tierra húmeda. Ventanas extendidas horizontalmente por
toda la fachada, puesto que no serán necesarios los muros de carga. Posible eliminación
de los muros de carga. Desarrollo del ascensor eléctrico. Se suprimen los elementos
decorativos y se opta por las superficies lisas y acristaladas.
Espacio exterior:
La fachada presenta dos partes muy diferenciadas. La base del edificio, formada por el
entresuelo y la primera planta, cerrados con amplios escaparates de vidrio situados a ras
de fachada. En la base podemos encontrar dos bandas de rica ornamentación de hierro
fuera. El resto de plantas siguen una construcción celular, repitiendo un mismo módulo
que sigue un ritmo de ventanas horizontales. Estas ventanas son más bajas en la parte
superior, y están separadas por una geométrica estructura de concreto. La parte superior
se cierra con una cubierta plana.
Fig.82: DETALLES DE SCHELSINGER & MAYER DEPARTMENT
STORE
79
Sullivan resuelve el rompimiento de la esquina levantando un pabellón circular que
sigue la estructura del cuerpo inferior del edificio, con una decoración muy exagerada en
la parte baja. La fachada está proyectada para dejar entrar la luz.
La horizontalidad le da poca sensación de altura, a pesar de tener 10 pisos, cosa que le
permite una mayor adaptación visual al entorno.
Espacio interior:
La planta es libre, sólo columnas y pilares rompen la continuidad del espacio.
La luz es un elemento predominante en todo el interior.
Sullivan mantiene formas ornamentales influidas por el modernismo, que conoció en su
visita en París, el edificio recoge la esencia de las innovaciones constructivas de la Escuela
de Chicago.
Estos almacenes dan una doble lección de arquitectura:
la articulación de un interior amplio y la disposición de
unas fachadas abiertas que contribuyen a hacer el interior
todavía más espacioso, aportándole luz natural. Son un
auténtico antecedente de los almacenes actuales, y son
también un claro antecedente del racionalismo
arquitectónico posterior.
Este edificio funcionó hasta el 2007 como grandes
almacenes de la firma Carson, Pirie y Scott.
Fig.83: Almacén de Carson Pirie
Scott & Co Chicago EEUU 1899-
1904
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Fig.84: Planta Arquitectónica del Edificio Corsan
Fig.85: Alzado del Edificio Corsan
Fig.86: Corte Edificio Corsan
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Anexos:
Contrafuerte:
Construcción vertical que se levanta pegada al muro de un edificio, sobresaliendo del
paramento, para hacerlo más resistente a la carga que debe soportar o para recoger el empuje de
un arco o bóveda.
Nervaduras:
Es el conjunto de los nervios de una bóveda o de una estructura arquitectónica, muy utilizada
en las catedrales y otras construcciones del románico y el gótico.
-Racionalismo:
Doctrina filosófica que considera a la razón como la única o principal fuente de conocimiento.
Roseton:
Forma circular utilizada en las fachadas de la arquitectura gótica, en la cual obtuvo su mayor
esplendor, cumplía la función de iluminar, y podía ser decorado con hermosos vitrales como en las
grandes catedrales góticas.
Alphonse Hubert François Balat:
Gochenée, 15 de mayo de 1818 - Elsene, 16 de septiembre de 1895. Fue un arquitecto belga.
Estudió en el Academia de Namur y obtuvo su grado en arquitectura en la Academia de Amberes
en 1838. En 1839 residió en París durante todo un año para regresar a su hogar tras la muerte de
sus padres. La nobleza de Valonia se fijaría muy pronto en él, encargándole distintas
construcciones y el acondicionamiento de castillos, entre ellos el castillo de Jehay-Bodegnée en
Presles. En estas construcciones mezcló a menudo elementos de estilo renacentista con aspectos
neoclásicos. En sus diseños interiores también utilizó elementos del Luis XV y Luis XVI.
Balat llegó a ser uno de los principales arquitectos del rey belga Leopoldo II, para quien realizó,
entre otras muchas obras, la fachada del Palacio real de Bruselas y los Reales Invernaderos de
Laeken. Es el autor también del museo de Arte Antiguo de Bruselas.
Leopoldo II de Bélgica:
Léopold Louis Philippe Marie Victor de Saxe-Cobourg et Gotha; Bruselas, Bélgica, 9 de abril de
1835 –17 de diciembre de 1909. Fue el segundo rey de los belgas, recordado por ser propietario
del Estado Libre del Congo, que fundó y explotó como si de una empresa privada se tratara.
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Sucedió a su padre, Leopoldo I, en el trono de Bélgica en 1865 y permaneció hasta su muerte.
Reinó durante 44 años, con lo que se convirtió en el reinado más largo de cualquier monarca belga
hasta el momento.
La Primera Guerra Mundial:
Fue un conflicto bélico mundial iniciado el 28 de julio 1914 y finalizado el 11 de noviembre de
1918. Duración cuatro años, tres meses y catorce días. Originado en Europa, se trata de la mayor
envergadura vivido por la Historia de la humanidad hasta ese momento. -Movilización de grandes
ejércitos (hasta 70 millones de combatientes) e implicación del conjunto de la población civil
adoctrinada por una eficaz propaganda nacionalista.
-Gastos incalculables, los gobiernos diseñan planes económicos la “economía de guerra”.
-Consecuencias devastadoras: éxodo de millones de personas, grandes movimientos de
refugiados, etc.
Art Nouveau:
Referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una
ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo
o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se
trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades
derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la
arquitectura del hierro de mediados del siglo XIX.
Jean Delhaye:
Arquitecto belga nació en 1908 y murió en 1993. Fue uno de los últimos empleados de Victor
Horta , que defendió apasionadamente el trabajo después de la muerte de este último.
Compró muchos edificios Horta como el Hotel Tassel , el Hôtel-Deprez Vandevelde y ampliación
del Hotel Van Eetvelde .
En 1974, diseñó la nueva fundación de El Aguador en Saint-Gilles . En 1965, él no pudo evitar la
demolición de la casa del pueblo de Bruselas, que fue sustituido en 1966 por una torre de 26 pisos
llamado la "Torre Blaton "el nombre de la contratista que construido.
Alexandre Gustave Eiffel:
Dijon, 15 de diciembre de 1832-París, 27 de diciembre de 1923. Fue un ingeniero civil francés.
Se graduó en la École centrale des arts et manufactures de París y adquirió renombre diseñando
varios puentes para la red francesa de ferrocarriles, de los cuales es especialmente notable el
viaducto de Garabit. Su fama actual se debe a su proyecto estrella, la mundialmente conocida
torre Eiffel, construida para la Exposición Universal de París de 1889. Tras su retiro de la ingeniería,
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Eiffel se dedicó a investigar en la meteorología y la aerodinámica, haciendo importantes
contribuciones en ambos campos
Émile Tassel:
Fue un ingeniero y profesor de geometría descriptiva francés. Era soltero, y se dedicó a cuidar a
su abuela, que vivía en la casa con él. Dentro de las aficiones de Tassel se encontraban el viajar y la
fotografía. En 1892 compró un terreno baldío en la rué de Turín número 12 de París, ubicada en
los suburbios de rápido crecimiento que habían aparecido tras la creación de la muy de moda
Avenue Louise en 1864.
Este artista fue quien encargó al arquitecto Victor Horta la construcción de su casa. Casa Tassel
fue la primera obra de este movimiento llamado Art Nouveau, el cual se desarrolla a fines del siglo
XIX y principios del siglo XX, causando un impacto en el estilo técnico y artístico.
Pla Cerdà:
El Plan de Reforma y Ensanche de Barcelona se considera un proyecto pionero en la evolución
del urbanismo moderno. Cerdà aspiraba a una ciudad que, a pesar de haber arrebatado el terreno
al campo, se articulase a través de calles anchas y espacios verdes. Sobre el plano el ingeniero
diseñó una cuadrícula donde imperaba una geometría estricta de calles paralelas y
perpendiculares que únicamente rompían las grandes avenidas que atravesaban la trama en
diagonal. Entre las principales novedades destacaban las manzanas octogonales que incorporaban
los chaflanes para facilitar la circulación.
El Plan Cerdà de 1859 preveía una anchura de calles de 20 metros y contemplaba que tan solo
se construyesen dos lados de cada manzana, dejando en el interior una zona verde de uso público.
La altura máxima de los edificios era de 16 metros, equivalente a una casa de cuatro plantas. El
plano contenía un mercado cada 900 metros, un parque cada 1.500, tres hospitales, un matadero,
un cementerio, un bosque y 31 iglesias. Las grandes industrias serían ubicadas cerca de los dos ríos
y las pequeñas y medianas serían distribuidas a lo largo de la ciudad. En lo que respecta a las
infraestructuras, el ingeniero diseñó un sistema para la recolección de las aguas e integró en la
trama viaria la comunicación por ferrocarril y carretera. Lo que aún hoy continúa sorprendiendo es
la capacidad de Cerdà para prever el protagonismo de los medios de transporte en el trazado de la
ciudad, un factor que ha permitido que Barcelona haya podido adoptar los cambios profundos que
los tiempos habrían de traer como si en realidad los hubiese estado esperando desde hace 150
años.
Modernisme:
Modernisme, o modernismo en español significa “gusto por lo moderno”, muestra de la
voluntad de la sociedad del cambio siglo por romper por lo pasado e ir en búsqueda de la
novedad.
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La arquitectura modernista, con una estética promovida desde Bélgica por Van de Velde (1863 -
1957), se caracteriza por el uso de las formas onduladas y la riqueza ornamental de las fachadas.
La principal seña de identidad de la Arquitectura modernista es la importancia de conjugar la
decoración exterior y la interior, esta última era planificada a menudo simultáneamente, para
crear una impresión unificada del conjunto inmueble - mobiliario - apliques - piezas decorativas.
Las fachadas, rejería y puertas reciben una mayor atención, siendo a menudo diseñadas por los
mismos arquitectos en colaboración con los especialistas en cada materia.
Se trata de formas blandas y redondeadas que se manifiestan en fachadas, portales, -escaleras
e incluso en el mobiliario.
El hecho de que se este movimiento se desarrollara en la fase de maduración de la Revolución
Industrial propició que se incorporaran procedimientos de construcción basados en materiales
hasta entonces poco empleados, como el hierro y el vidrio.
La Renaixensa:
Con el subtítulo “diari de Catalunya” aparece el uno de enero de 1881, siguiendo la secuencia
(año y número) de la revista La Renaxensa, que había empezado a publicarse el uno de febrero de
1871 y, en 1876, modificado su título por La Renaixensa. La cabecera adopta el nombre del
movimiento –Renaixença- que, a partir de los años treinta del siglo diecinueve, comenzará a dar
cuerpo doctrinal al renacimiento basado en la recuperación de la lengua, la cultura y la historia
nacionales catalanas.
Lluís Domènech i Montaner:
Lluís Domènech i Montaner nació en la calle Avinyó de Barcelona el 21 de diciembre de 1850 y
murió el 27 de diciembre de 1923. Fue uno de los más importantes protagonistas del Modernismo
Catalán y varias de sus obras han sido reconocidas como Patrimonio de la Humanidad de la
UNESCO. Hijo del editor Pere Domènech i Saló y de la canetense Maria Montaner, estudió ciencias
físico-matemáticas y arquitectura, y se licenció en 1873.
Josep Fontsere:
Nació en Barcelona, en el año 1829. Arquitecto español. Se encargó de la urbanización de la
Ciudadela de Barcelona, para la que realizó la cascada, la vaquería y el umbráculo; construyó
también las casas que rodeaban el parque, dentro de la tradición neoclásica barcelonesa. Su otro
gran proyecto fue el mercado del Born de Barcelona.
El Parc de la Ciutadella:
El Parc de la Ciutadella-Parque de la Ciudadela es uno de los parques más grandes y
tradicionales de la ciudad. Esta construido sobre los terrenos de la antigua fortaleza de la ciudad,
esta es el razón de su nombre. Fue el lugar elegido para la celebración de la Exposición Universal
de 1888. La construcción del parque fue encargada a Josep Fontserè, que contó con la
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colaboración del joven artista Antonio Gaudí, en aquella época contaba con 36 años. Tiene el
honor de haber sido durante muchos años el único parque público de Barcelona. En la actualidad
es uno de los llamados pulmones de la ciudad.
Cuenta con unas dimensiones de unas 17 hectáreas aproximadamente y está ubicado en el
barrio de Ciutat Vella.
Eusebi Güell i Bacigalupi:
Eusebi Güell (1846-1918) era hijo de Joan Güell Ferrer, impulsor de la industria nacional y líder
del pensamiento económico catalán. Eusebi heredó de su padre buen olfato para los negocios y así
dirigió y creó nuevas empresas. La buena economía de los Güell permitió al futuro conde de Güell
estudiar Derecho, Economía y Ciencias en Barcelona, Francia e Inglaterra. De su madre heredó el
gusto por las artes: don Eusebi dibujaba y pintaba ágilmente, le gustaba la música, entendía sobre
escultura y conocía los museos y monumentos europeos ya que viajaba mucho.
Mudéjar:
Uno de los acontecimientos posiblemente el de mayor trascendencia en la historia del arte
español es la aparición del estilo llamado "MUDÉJAR" como mixtificación de las corrientes
artísticas cristianas (románicas, góticas y renacentistas) y musulmanas de la época.
El origen histórico-social del mudéjar hay que buscarlo en el avance de la reconquista leonesa,
castellana y aragonesa que supuso la incorporación de territorios con población musulmana, que
aportan su saber en el campo de diversas artes
Bóvedas a la catalana:
La bóveda catalana o bóveda tabicada (en catalán volta catalana), es una técnica de
construcción tradicional catalana. Consiste en cubrir el recinto o espacio mediante una bóveda de
ladrillos colocados por la parte plana, es decir, por la cara de superficie mayor que forman el largo
o soga y el ancho o tizón del ladrillo, en vez de hacerlo por cualquiera de las demás caras gruesas.
Esta técnica, si el recinto a cubrir no era demasiado ancho y los albañiles eran suficientemente
hábiles, permitía construir con una cierta rapidez y sin usar cimbra, hecho este que entre otros
motivó su amplia difusión y utilización.
Josep Maria Bocabella
Josep Maria Bocabella i Verdaguer (Barcelona, 5 de septiembre de 1815 - ibídem, 24 de abril de
1892) fue un librero y filántropo español. El artífice de la basílica, quien propagó la idea de
levantarla, reunió el dinero, compró el solar e inició las obras,
La Asociación Espiritual de Devotos de San José
Asociación fundada en 1866 por el librero Josep Maria Bocabella Verdaguer (1815-1892) y que
en 1874 decide erigir un templo dedicado a la Sagrada Familia. En 1881, después de adquirir la
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superficie de la manzana del Eixample delimitada por las calles de Marina, Provença, Sardenya y
Mallorca, empiezan las obras de construcción del templo.
Francesc de Paula del Billar
Francisco de Paula del Villar y Lozano (1828-1901) se formó como arquitecto en la Escuela de
Arquitectura de Madrid y se trasladó posteriormente a Barcelona, donde ejerció de catedrático y
director de la Escuela de Arquitectura. Trabajó como arquitecto provincial y diocesano y se
encargó, entre otras cosas, de la restauración del Palacio de la Generalitat y de la iglesia de Santa
Maria del Pi. También restauró la basílica del monasterio de Montserrat, donde en 1876 el joven
Gaudí trabajó como ayudante delineante.
Joan Martorell Montells
Arquitecto catalán nacido en Barcelona. Obtuvo el título en 1876, formando parte de la primera
promoción de arquitectos que salieron de la Escola de Arquitectura de Barcelona. Especializado
principalmente en obras de carácter religioso, utilizó su profundo conocimiento de los estilos
medievales, principalmente del gótico, para proyectar su obra, entendiendo que ésta era la mejor
manera de superar el neoclasicismo, por aquel tiempo ya caduco. Su obra más importante es la
iglesia de Sant Francesc de Sales en Barcelona. Otras obras interesantes son, Convent de les
Adoratrius (Barcelona, 1874), Palacio de Sobrellanos (Comillas, 1878) y el Seminario (1883) de la
misma ciudad, y el convento de Villaricos (Almería, 1882), junto a Antoni Gaudí. Fue impulsor del
Centre Artistíc de Sant Lluc. Murió el 5 de Julio de 1906.
Doménec Sugranyes
Arquitecto catalán nacido en Reus en 1878. Titulado en la Escuela de Arquitectura de Barcelona
en 1912, fue colaborador de Antoni Gaudí, en la Pedrera, en la finca Miralles, completando la finca
de Bellesguard y sucediéndole a su muerte en las obras del templo de la Sagrada Familia (1926-
1936). También es de su autoría la casa Ermenegild Miralles (1919) en forma de barraca
valenciana. Su relación con Antoni Gaudí fue tan estrecha, que desde 1905 a 1926 fue su hombre
de confianza y éste le instituyó como su albacea testamentario. Otros edificios destacados de
Doménec Sugranyes son, la casa Sivatte (1914), el colegio de los Escolapios (1928) y el edificio Mas
de Miquel (antiguo Hotel Diagonal Tuset, 1929), en Barcelona; el Mas Llevat y la reforma de la
Casa Pellicer, en Reus; los chalets Bonet, Marisol/Solimar y Loperena, en Salou; y el chalet Verd y
Blau en Cambrils
Francesc de Paula Quintana i Vidal:
Nació en Barcelona el 19 de abril de 1892, fue un arquitecto español. Titulado en 1918, fue
colaborador de Antoni Gaudí en la Sagrada Familia, y sucedió a Domènec Sugrañes en la dirección
de la obra. En colaboración con Isidre Puig i Boada y Lluís Bonet i Garí se encargaron de la nueva
fachada de la Pasión. Trabajó para la Caja de Ahorros de la Diputación de Barcelona, para la que
proyectó diversas casas de alquiler de estilo novecentista en las calles Córcega 200, Muntaner 153
y Menéndez y Pelayo 10, de Barcelona, así como unas casas de veraneo en Centellas.
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Fue autor de la obra El hierro forjado español (1928), y dirigió la exposición de homenaje a
Gaudí en la Sala Parés (1927). Desde 1944 se encargó de reorganizar la Junta Constructora del
Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, y restauró las maquetas del templo que habían sido
destruidas en 1936.2
Lluis Bonet Garí
Arquitecto catalán nacido en Barcelona 1983. Titulado en 1918, fue discípulo de Antoni Gaudí,
formándose al lado de Josep Puig i Cadafalch. La capilla de Sant Miquel del Cros en Argentona
(1929), es un fiel reflejo del estilo gaudiniano. Fue uno de los arquitectos continuadores de las
obras de la Sagrada Familia y uno de los representantes del monumentalismo, cuya obra más
representativa sería el edificio del Institut Nacional de Previsió - Banco Vitalicio de Barcelona
(1949). Fue protector de la cultura catalana al finalizar la guerra civil española, manteniendo en su
casa innumerables sesiones del Institut d'Estudis Catalans y de otra organizaciones catalanas.
Isidre Puig Boada
Isidre Puig i Boada nació en Barcelona, el 20 de abril de 1891, fue un arquitecto e historiador
del arte español. Titulado en 1915, fue discípulo de Antoni Gaudí, con el que colaboró en la
Sagrada Familia, de la que fue codirector de las obras durante los años 1950. En colaboración con
Francesc Quintana y Lluís Bonet i Garí se encargaron de la nueva fachada de la Pasión. Fue autor
de diversos edificios en Barcelona (Casa Vilardaga, Casa P. Sagnier), Blanes (Casa Saladrigas) y
Pineda de Mar (Biblioteca Manuel Serra i Moret, mercado municipal), así como de varios edificios
para la Caixa, en Ponts, Guisona y Manlleu. También construyó diversas iglesias parroquiales:
Nuestra Señora del Rosario en Barcelona, San Jaime en Mollerusa, San Ginés en Palau de
Plegamans y la parroquial de Santa Susana. Fue autor también de la capilla de la Purísima de la
iglesia de San Esteban de La Garriga, la restauración de la iglesia de Santa María de Pineda de Mar
(1940)5 y una cruz monumental en Canet de Mar (1953). Se encargó de la restauración de la
Catedral de Solsona, ciudad donde también construyó el Seminario Mayor.
Fue arquitecto diocesano de Solsona (1940-1946) y de la diócesis de Urgel (1956-1968), cargo
para el que proyectó diversas iglesias parroquiales en las que evidenció una clara influencia
gaudiniana, especialmente por la utilización de arcos parabólicos, columnas curvadas y bóvedas
con secciones en distintos planos: San Juan de l'Erm (1959), San Pedro de Pujalt (1959), Santa
María de Termens (1963), Santa María de Montargull (1964), Sagrado Corazón de Balaguer (1964),
Nuestra Señora de la Asunción de Artesa de Segre (1966) y Santa María de la Guardia de
Tornabous (1967).7
Como historiador fue autor de diversos libros: El Templo de la Sagrada Familia (1929), La iglesia
de la Colonia Güell (1976) y El pensamiento de Gaudí (1981).
Director y coordinador de las obras de la basílica de la Sagrada Família de Barcelona desde 1985
hasta 2012. En la actualidad es director emérito y coordinador del templo expiatorio y continúa
llevando a cabo una gran tarea divulgativa de Gaudí por todo el mundo. También es académico
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numerario de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi y miembro de la Junta de
Museos de Catalunya.
Jordi Bonet i Armengol
Es hijo del también arquitecto Lluís Bonet i Garí, discípulo de Antoni Gaudí y uno de los
continuadores de las obras del templo expiatorio de la Sagrada Família. Licenciado en arquitectura
por la Universidad de Barcelona, diplomado en Housing Construction en los Estados Unidos y
doctorado de la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona, empezó a trabajar actualizando las
teorías arquitectónicas de Gaudí, que consideraba su maestro, en varias obras en Cataluña.
Antiguo dirigente del escultismo catalán, fue el primer directivo catalán y secretario general de la
Conferencia Internacional Católica de Escultismo. También ha sido presidente del Movimiento
Scout Católico de España. Es comendador de la orden de San Gregorio el Magno y consultor del
Pontificium Consilium pro Laicis. Ha sido presidente del Colegio de Arquitectos de Cataluña y del
patronato de la Fundació Gala-Salvador Dalí, entre otros. Tiene la Creu de Sant Jordi. Desde 1991
es miembro de la Junta de Museos de Cataluña y en 1998 fue nombrado presidente de la Reial
Acadèmia de Belles Arts de Sant Jordi, de la que es académico desde el 18 de diciembre de 1985.
Ha sido director general de Patrimonio Artístico y Cultural de la Generalitat de Catalunya (1981-
1984). Introdujo herramientas informáticas de diseño asistido por ordenador y de ingeniería
asistida por ordenador y se rehabilitó el edificio de las escuelas de la Sagrada Família.
Carles Buxadé i Ribot:
Nació en Barcelona en el año de 1942, es un arquitecto español. Formado en la Escuela de
Arquitectura de Barcelona, donde es catedrático de Estructuras desde 1970, trabaja asociado con
Joan Margarit i Consarnau. Obra conjunta suya son el Mercado de Vitoria (1977), la rehabilitación
de la Fábrica Aymerich de Tarrasa como Museo de la Ciencia y de la Técnica de Cataluña, la
reforma del Monumento a Cristóbal Colón (1982-1984) y el Estadio y anillo olímpico de Montjuïc
(1989). Forma parte del equipo que dirige las obras de la Sagrada Familia.
Josep Vicent Gómez i Serrano
Nació en Barcelona, en el año de 1950, es un arquitecto español. Titulado en 1973, es
catedrático de matemática del Departamento de Estructuras de la ETSAB (UPC). Forma parte del
actual equipo constructor de la Sagrada Familia, dirigido por Jordi Bonet i Armengol. Con Jordi
Faulí i Oller colabora en el análisis estructural del templo gaudiniano, incorporando las nuevas
tecnologías para elaborar un plano virtual del templo que permita recrear hasta el último detalle
el proyecto elaborado por Gaudí y llevarlo a ejecución.
Joan Margarit i Consarnau:
Nació en Barcelona el 11 de mayo de 1936. Poeta, arquitecto y catedrático español jubilado de
la Universidad Politécnica de Cataluña en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de
Barcelona.
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Arts & Crafts:
El Arts & Crafts fue una agrupación de arquitectos y diseñadores progresistas cuyo objetivo era
reformar el diseño y la sociedad mediante el retorno a la artesanía en respuesta al horror que les
producían los primeros objetos industriales, bastante brutos, descuidados y desagradables
estéticamente.
El expresionismo:
Uso de nuevos materiales, como en la innovación formal, suscitada en ocasiones por el uso de
formas biomorficas, o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de
materiales de construcción como el ladrillo, el acero, o el vidrio.
El Cubismo:
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto
renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la
perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies.
El Fauvismo:
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este
pensamiento condicionó su forma de pintar.
El Surrealismo:
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión
en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas
abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el
subconsciente y el mundo de los sueños.
El futurismo:
El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado en la dinámica de la velocidad, que para
los futuristas era fundamental y peculiar de la vida moderna.
Frank Furness Hewitt:
Frank Furness practicó un eclecticismo como el de Shelley y Frankenstein: captura de las
mejores partes, de los fragmentos más potentes, con los que forjar seres monstruosos y tiernos.
Ing. Willam Le Baron Jenney:
Fue un arquitecto e ingeniero estadounidense, antiguo alumno de la École Centrale des Arts et
Manufactures (École centrale Paris, en París de los años 1853 a 1856. Participó activamente en las
tareas de la reconstrucción de Chicago después del gran incendio del 8 de octubre de 1871.
90
École des Beaux Arts:
Es el nombre de una serie de influyentes escuelas de arte de Francia. La más famosa es la École
nationale supérieure des beaux-arts,
Dankmar Adler:
Adler era un arquitecto e ingeniero civil que, con su socio Louis Sullivan, diseñó muchos
edificios entre los que se encuentran el Chicago Stock Exchange Building y el Auditorium Building.
La firma de Adler y Sullivan era instrumental en reedificar Chicago después del gran incendio de la
ciudad y era el líder en la escuela de arquitectura de Chicago
Frank Lloyd Wright:
Arquitecto estadounidense, uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX.
Precursor de la arquitectura orgánica, fue el iniciador del movimiento Prairie School, desarrollando
el concepto Usoniano de la vivienda.
91
Conclusiones:
Martin Ortega Saucedo. No. Exp: 214206579:
La historia de la arquitectura, sin lugar a dudas está lejos de ser sencilla, ha sido un
constante flujo de ideas nuevas, de novedades y de investigaciones que han repercutido
en la sociedad de una manera muy notable, en el caso de Viollet Le-Duc, crecio en una
época donde las artes, la decoración y especialmente la arquitectura, estaban cerrándose
a ideas establecidas y que debían seguirse al pie de la letra, la rebeldía hacia esta situación
provoco el surgimiento de ideas nuevas y extravagantes, este arquitecto logro no solo
agregar cambios que repercutieron en toda la arquitectura, sino exponer su propia
filosofía, que fue aceptada y apoyada por sucesores que llegan muy a futuro, sus ideas de
la diversidad de materiales y de la generación de formas con base a principios distintos a
la simetría , son utilizadas inclusive por arquitectos contemporáneos, considero muy
importante el trabajo de este hombre, ya que influyo en movimientos que se expandieron
por todo el mundo y fueron inspiración para grandes personajes de la arquitectura
posteriores, en esta profesión jamás se dejara de innovar, ya que es tan cambiante como
la sociedad misma, y cambiara junto con esta, y este arquitecto es un claro ejemplo de
innovación filosófica en la arquitectura.
Militza Edith Campa Jiménez. No. Exp: 21428068:
El trabajo nos permite observar datos relevantes sobre nuestra carrera y personas
importantes que marcaron la diferencia en ciertas etapas, el Art Nouveau muestra un
cambio en la arquitectura inclinado hacia el modernismo, donde el arte se integra a la
arquitectura y los edificios se vuelven más estéticos. Estos arquitectos tuvieron grandes
obras significativas al movimiento de la época, edificaciones que fueron destruidas o
algunas que aún se conservan ya sea mediante renovación o por el soporte que poseen.
Con esto pude comprender que la arquitectura no es estática, siempre estará
cambiando conforme al contexto en el que nos desarrollamos, la arquitectura se adapta al
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medio y va generando nuevas ideas día con día, al igual que descubrimientos de nuevos
materiales, procesos constructivos, diseños más auténticos característicos de la época.
Los arquitectos que mencionamos proyectaban edificaciones modernistas, que aunque
fueron construidas hace años, aún no se pierden en la época, se conservan adaptándose a
lo que las rodea.
Cynthia Gabriela Pérez Rendón. No. Exp: 214200482:
En este proyecto a mí me toco realizar la investigación de Antoni Gaudí, Algo que me
encanto plenamente, ya que este magnífico personaje es mi arquitecto favorito, una
inspiración para mí, es alguien con tanta habilidad que el simple hecho de visitar una de
sus obras más reconocidas a nivel mundial, me motivo a estudiar la carrera de
Arquitectura, ya que desde el primer momento que pise el Templo de la Sagrada Familia,
sentí un fascinación hacia Gaudí, hacia sus obras y hacia esta maravillosa carrera.
La investigación realizada para este trabajo me enseño mucho, aprendí datos muy
importantes e interesantes buscando la información necesaria para la realización de dicho
trabajo y junto con la información que recabaron mis compañeros pude observar la
evolución que fue sucediendo en la arquitectura durante el paso del tiempo.
Bernal Osorio Abraham I. No. Exp: 214214129:
Tras la realización de esta tarea pude notar que la evolución de la arquitectura significa
la evolución de una sociedad, la arquitectura marca diversas pautas y es el reflejo de la
riqueza de un país tanto artística como económica. En mi caso pude observar como la
utilización de elementos fríos como lo son las estructuras de acero pueden crear cálidos
espacios que permitan el desarrollo de diferentes actividades que permitan el desarrollo
de las distintas sociedades de nuestro mundo, es gratificante analizar a nuestros
antecesores dentro de esta profesión, pues sin querer nosotros las aplicaremos en
nuestros proyectos.
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