arte barroco 2015
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Arte barrocoTRANSCRIPT
Siglo XVII, Siglo XVII, el el
esplendor esplendor del del
Barroco.Barroco.
RETRATO DE LUIS XIV 1701 - Hyacinthe Rigaud
CONTEXTO HISTÓRICOCONTEXTO HISTÓRICO
CONTEXTO HISTÓRICOCONTEXTO HISTÓRICO
El siglo de la monarquía El siglo de la monarquía absoluta: absoluta: la monarquía de la monarquía de derecho divinoderecho divino
El rey ejerce un poder absoluto su autoridad proviene de Dios y, por eso, no tiene que rendir cuentas a nadie, sino solo a Dios.
En el barroco podemos distinguir tres períodos:
a)Temprano o primitivo, de 1580 a 1630
b) Pleno, de 1630 a 1680
c) Tardío o rococó, de 1680 a 1750
Francia: centro cultural y artístico del siglo XVII
El reinado de Luis XIV - el El reinado de Luis XIV - el rey Solrey Sol
VersaillesVersailles
SIGLO XVIISIGLO XVII
EL ARTE EL ARTE BARROCOBARROCO
CARACTERÍSTICAS
Es un arte propagandístico: de la monarquía absoluta, de la nobleza cortesana y
dela Iglesia Católica
Arte de persuasión,apela a las
emociones del espectador
Estilo artísticocaracterístico
de laEuropa
delsigloXVII
Se caracteriza por el movimientoen arquitectura y escultura,
recurre a la asimetría, a las líneasy a los movimientos diagonales
2 focos:El Norte (protestante
- burgués)El Sur (católico –
cortesano)
Utiliza el dramatismo, la teatralidad, los recursos
escenográficos,los efectos deluz y sombra
CARACTERÍSTICAS
La decadencia política y económica; y los fuertes contrastes sociales de la
época son reflejados en las artes y las letras
Excesiva ornamentación
y recargamiento,
numerosos artificios
Tendencia a emocionar y enardecer la
devoción mediante estímulos
psicológicos.
Diversificación en varios estilos paralelos,
conforme lo iba adoptando y adaptando a su propia idiosincrasia
cada país europeo.
Cierta continuidad con respecto al Renacimiento,
pero exagerando sus líneas generales
Fusión de las artes (escultura,
pintura, forja, yesería), que se
supeditan jerárquicamente
a la arquitectura.
REFERENTES TEATRALES
DEL BARROCO
LOPE DE VEGA(1562 – 1635)
CALDERÓN DE LA BARCA (1569 - 1631
WILLIAM SHAKESPEARE
(1564 – 1616)
JEAN BAPTISTE POQUELIN – MOLIÈRE
(1622 – 1673)
PIERRE CORNEILLE (1607 – 1648)
JEAN RACINE (1639 – 1699)
SOR JUANA INÉS DE LA CRUZ (1651 – 1694)
CARLO GOLDONI (1707 – 1793)
Arquitectura y Arquitectura y UrbanismoUrbanismo
Plazas, calles,avenidas, iglesias,palacios, fuentes,
jardines, se proyectan
formando parte de un conjunto
LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO BARROCOBARROCO
La arquitectura es la principal manifestación del estilo barroco:
las demás artes (escultura, pintura, etc.) se someten a ella para
conseguir el efecto de conjunto. Se define por su libertad en la
utilización del léxico arquitectónico clásico elaborado durante el
Renacimiento, la fantasía desbordante y el afán de
movimiento. El urbanismo barroco es
consecuencia de la necesidad de ordenar el desarrollo de las
ciudades y de expresar, a través de la arquitectura monumental
(edificios, plazas, fuentes, jardines, etc.), el poder del Estado
o de la Iglesia.
En la valoración de la ciudad barroca, la ruptura de las murallas, la convierte en ciudad abierta. Suprimió las
fortificaciones, sustituyéndolas por un anillo casi completo de boulevards.
Es en definitiva, un urbanismo abierto en
contacto con la naturaleza y que busca la integración de las partes en un todo
organizado.
Estas ciudades heredan el planteamiento del
renacimiento y de las ciudades ideales, que se configuraban en base a la
armonía geométrica.
Estructura ciudad medieval Palmanova - 1593
Versailles – 1623 - 1692
Las plazas son unos de los más importantes elementos del urbanismo barroco, embellecen la ciudad y son
punto de referencia para el trazado de calles que las unen. Son un reflejo
simbólico del poder civil o religioso, y escenario de fiestas y
representaciones sociales y teatrales.
La vivienda urbana de las familias nobles es el ejemplo
más característico de la arquitectura civil del barroco, en especial los palacios reales. El
palacio Fortaleza, cerrado y con patio, los edificios se relacionan
con los diversos patios y dependencias, a la vez que se
buscan perspectivas diferentes.
La relación con Dios se hace dialogo por medio de la obra artística. Las ceremonias necesitan una buena acústica y visibilidad para escuchar la predicación y seguir el lenguaje gestual del orador.
Se persigue la sorpresa del espectador:
• Formas curvas, fachadas onduladas• Plantas ovaladas o elípticas• Frontones curvos• Decoración escultórica• Columnas salomónicas• Yeserías, dorados, espejos, estatuas, relieves
LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO BARROCO: UNA APROXIMACIÓN GENERAL
Arquitectura y urbanismo
¿Nuevas formas Arquitectónicas?
Los elementosconstructivos:
una nueva sintaxis Los materiales:fusión de texturas
y color
El dinamismode las formas
La exuberanciadecorativa
LA RUPTURA DEL LA RUPTURA DEL EQUILIBRIOEQUILIBRIOCLASICISTACLASICISTA
Basílica y plaza Basílica y plaza de San Pedro, de San Pedro,
Vaticano, RomaVaticano, Roma
BRAMANTE
MIGUEL ÁNGEL
CARLO MADERNA (1556-1629)
Fachada de San Pedro, en Roma, 1607-20
Columnata y Plaza de San Pedro del Columnata y Plaza de San Pedro del Vaticano. Roma. Vaticano. Roma.
1656-1667 – Obra de Bernini1656-1667 – Obra de Bernini
- Multiplicidad de puntos de vista.- Abrazo místico de la Iglesia a sus fieles.
- Espacio escenográfico de celebraciones religiosas.
- Colosalismo.- Gusto por la monumentalidad.- Ruptura con lasproporciones clásicas.- Fachadas curvas.- Dinamismo.- Efectos de claroscuro.
Otras obras de Otras obras de BerniniBernini
BALDAQUINOBALDAQUINOSAN PEDROSAN PEDRO
CÁTEDRA DECÁTEDRA DESAN PEDROSAN PEDRO
LA OBRA DE LA OBRA DE BORROMINIBORROMINI
IGLESIA DE IGLESIA DE SAN CARLOSSAN CARLOSDE LAS CUATRO DE LAS CUATRO FUENTESFUENTES1665-16671665-1667
CÚPULA DE SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTESCÚPULA DE SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES
San CarlosSan CarlosClaustroClaustro
Sant’Ivo della Sapienza. Roma. 1650Sant’Ivo della Sapienza. Roma. 1650
Un ejemplo de los cambiosUn ejemplo de los cambiosen la decoraciónen la decoración
José de Churriguera: "Retablo José de Churriguera: "Retablo de San Esteban" (1695). de San Esteban" (1695).
Salamanca.Salamanca.
El retablo de San Esteban de Salamanca.
El retablo levantado para el altar mayor de la iglesia dominica de
San Esteban en Salamanca es el
modelo por excelencia de retablo
churrigueresco
Seis grandes columnas salomónicas,
recubiertas de decoración vegetal,
recorren el primer cuerpo, en cuyo centro se haya el tabernáculo
central concebido como un templete, flanqueado por un par de columnas a cada lado; entre éstas y la dos de los extremos
se encuentran dos hornacinas que dan
cobijo a las esculturas de Santo Domingo de
Guzmán y San Francisco de Asís.
Estructuralmente el retablo se caracteriza por:* Su forma cóncava, que le permite crear efectos escenográficos * Columnas que se adelantan y atrasan.• Juego de luces y sombras.• La obra se concibe como una fachada arquitectónica monumental invitando al espectador a contemplarla de lejos.
Tabernáculo o Sagrario
Cuadro del Martirio de San Esteban – Claudio CoelhoEnmarcando el lienzo, encontramos estípetes y una cornisa curva
que se enrolla como si fuera un pergamino.
Hornacina con imagen de Santo
Domingo
Elementos decorativos
El color dorado con el que se ha pintado la madera, que brilla con la
luz de Poniente y que le da un esplendor glorioso.
La columna salomónica o de fuste retorcido es la base decorativa
arquitectónica. Aparece multiplicada de forma
innecesaria, siendo el elemento de separación de las calles y de cierre de los laterales. La forma helicoidal imprime la sensación de torbellino ascendente. Una cornisa sirve de
base a las columnas y un entablamento de elementos de
sostenido se rompe en decenas de pedazos adelantándose o
atrasándose escalonadamente desde el fondo cóncavo.
VERSAILLES Louis Le Vau (1612-1670)
• El arte al servicio de la monarquía absoluta• La exaltación al monarca y al estado francés• Ejemplo de palacio integrado en un parque
como resultado del desarrollo de los proyectos paisajistas y la jardinería durante el período barroco
ETAPAS DE LA CONSTRUCCIÓN DE VERSAILLES
1.Entre 1661-1668: el rey reformó lo que había sido un pabellón de caza de Luis XIII.
2. De 1668 a 1678 realiza una segunda ampliación para convertirlo en sede del Gobierno. Esta y la anterior son obra de LE VAU.
3. Muerto LE VAU, HARDOUIN-MANSART llevó a cabo la tercera ampliación, la replanificación gigantesca de Versalles, construyendo dos alas laterales que configuraron la ciudad cortesana capaz de acoger a 20.000 personas (corte y Gobierno).
FACHADA PRINCIPAL
La fachada se divide en tres niveles:• El basamento.• Cuerpo principal : repetición de pilastras y columnas jónicas
gigantes entre inmensas puertas-ventana.• Ático: coronado por trofeos.
• Su concepción es clásica, sobria y majestuosa, con volúmenes muy definidos y una marcada armonía de los elementos arquitectónicos. Un ingenioso sistema de entrantes y salientes rompe con la monotonía que pudiera derivarse de la horizontalidad del conjunto y da ritmo y movimiento a la construcción.
• El edificio-palacio actúa como separación entre el mundo urbano y la naturaleza “ordenada” y “humanizada”. La relación del edificio con el paisaje es tan profunda que se subordina al eje central imaginario que trazan los jardines y se convierte en un magnífico telón de fondo cuando se llega desde ellos.
• Concepción clásica• Horizontalidad del
conjunto. • Marcada armonía de
los elementos arquitectónicos.
• Entrantes y salientes rompen con la monotonía.
• Ritmo y movimiento
La Galería de los Espejos
• Máximo refinamiento artístico.
• Recinto de 75 m. de largo que da a los jardines.
• Se abren grandes ventanales que se corresponden con espejos que reflejan la luz (tanto del sol como de las velas) y crean un intenso juego lumínico.
• Esta ilusión favorece la interacción con el paisaje, del interior con el exterior y se presta a los efectos sorpresa del barroco.
GALERIA DE LOS ESPEJOS
• La concepción de los jardines, proyectados por LE NÔTRE, está cargada de simbolismo. Se inicia con una planificación de trazado prácticamente geométrico del que va librándose hasta convertirse en unos jardines donde la naturaleza crece con plena libertad.
• Se explota a fondo el potencial del agua: canales, fuentes, lago (efectismo barroco).
• Luis XIV personificó el poder absoluto. Gobernaba como el rey Sol, confiriendo a su persona un carácter casi divino. Su identificación con el astro rey era tal que diseñaba el día paralelamente a la trayectoria del Sol.
• El palacio fue construido teniendo en cuenta estas premisas. Su habitación estaba en el centro del palacio, al lado del Patio de Mármol (de losas de mármol blanco y negro).
• Desde aquí los recintos se estructuraban dependiendo del recorrido diario del rey y eran o no accesibles a los cortesanos según su jerarquía.
Los muebles en Versailles
Escritorio plano, marquetería de escamas, de ébano y de cobre, decoración de bronce dorado con figuras de mujeres y patas de león.
André-Charles Boulle (1642 – 1732) Ebanista real
El mueble Luis XIV
• El mobiliario era opulento, sólido y robusto• Se utilizó el Roble, Nogal en color dorado,
Caoba y algunos muebles se hacen en Plata.• Se incrusta ébano, con aplicaciones de bronce
ó con adornos de mosaico florentino.• Sobresalen los diseños de André - Charles
Boulle.
Cómoda de caoba y bronces, realizada en marquetería - 1720
Cómoda en caoba, bronce con tapa de mármol, realizada en marquetería. Pierre Langlois – 1765 (aprox.)
Sillón barroco, Luis XIV, tallado por el maestro Andrea Brustolon
Mesa de escritorio plana (hacia 1700) con patas "pied de biche" (trazado casi vertical interior, pero curvado y abombado hacia el exterior), aplicaciones de bronce dorado
Armario y Cómoda
Características
• Los brazos de las sillas son tapizados, las patas terminan en garra ó pezuña, y los travezaños tenían forma de “H” ó “X”.
• Los sillones y tronos eran altos y cuadrados.• Las camas eran de acuerdo al linaje de la
persona que la usara, tenían plumas y encaje, rematadas por un dosel plano ó curvo, colocadas sobre una plataforma.
Dormitorio de Luis XIV
JEFF KOONS en Versailles
2008
LA LA ESCULTURA ESCULTURA BARROCABARROCA
Rompe el equilibrio Renacentista, tiene
caracteres más pictóricos
Se beneficia al movimiento
hacia el exterior de la
figura
Se persiguen los efectosLumínicos y
teatralesSe prioriza el efecto
dramático y lademostración desentimientos y
emociones
Se tiende al naturalismo, a captarel momento preciso de mayor
expresión dramática
LA OBRA DE BERNINILA OBRA DE BERNINIArtista favorito de
diversos papasRealizó importantes
obras deurbanismo
Destacó enLas tres artes
mayores
Su escultura se centra
en elmovimiento,
en los efectosdramáticos,
en la emociónde los
rostros
Trabajó por igualtemas religiosos
y mitológicos.se caracterizó porcomposiciones m
múltiples
Utilizó con más frecuencia el mármolpero empleó también la terracota
y el bronce
APOLO YAPOLO YDAFNEDAFNE16251625
- Cabellos en movimiento
- Gran expresividad y contraste entre Apolo y Dafne
EL RAPTO DE PROSERPINA
1621 - 1622
Bernini. Rapto de
Proserpina
EL ÉXTASIS DE SANTA
TERESA1652
• Representa el momento en el que un ángel le arranca el dardo del pecho.
• Los pliegues de la ropa de la santa y del ángel producen un espectacular juego de luces y sombras que se combinan con la iluminación celestial realizada en bronce dorado.
• La santa, casi desmayada, refleja toda la expresividad propia del estilo barroco.
Capilla Cornaro - Iglesia de Santa María de la Victoria – Roma
ESQUEMA COMPOSITIVO
Comparten el dramatismo con el PATHOS helenístico y con otros escultores barrocos.
FONTANA DEI4 FIUMI
ROMA, PIAZZA NAVONA1648-1651
DANUBIO Y DANUBIO Y GANGESGANGES
NILO Y RIO DE LANILO Y RIO DE LAPLATAPLATA
RIO DE LA PLATARIO DE LA PLATAY DANUBIOY DANUBIO
BERNINIFUENTE DEL TRITON
LA ESCULTURA LA ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLABARROCA ESPAÑOLA
LA ESCULTURA LA ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLABARROCA ESPAÑOLA
La escultura española tiene su mayor esplendor en el siglo XVII. En toda
Europa adquieren renombre las imágenes religiosas policromadas
(imaginería) y talladas en madera. Durante este siglo pasarán, de un naturalismo clásico a
principios de la centuria, al más exaltado
barroquismo, ya en la segunda mitad.
El Santo Entierro - Juan de Juni - 1620
CRISTO YACENTE – Gregorio Fernández 1614
“…se deben tener y conservar, principalmente en los templos, las imágenes de Cristo, de la Virgen madre de Dios, y de otros santos, y
que se les debe dar el correspondiente honor y veneración… porque el honor que se da a las imágenes, se refiere a los originales
representados en ellas; de suerte, que adoremos a Cristo por medio de las imágenes que besamos, y en cuya presencia nos descubrimos y arrodillamos; y veneremos a los santos, cuya semejanza tienen…”
Concilio de Trento, sesión XXV (1653)
Piedad con los dos ladrones
GREGORIO FERNÁNDEZ
Esquemas compositivos de la Piedad (1499) de Miguel Ángel y la Piedad (1616) de Gregorio Fernández
* Se quiebra definitivamente el esquema piramidal
renacentista basado en la simetría y la verticalidad.
* Imposición de un esquema en líneas diagonales y
curvas.
LA PINTURA
DEL BARROCO
SIGLOS XVII Y XVIII
Características de Características de la Pintura Barrocala Pintura Barroca
Importancia del estudio y
captación de la luz - Tenebrismo
Dominio de la tercera dimensión
por medio de la perspectiva lineal
Predominio del color sobre el dibujo
Libertad en la composición,
con preferencia
por la composición
radial
Preocupación por plasmar el
movimiento
Importancia del color
Temas religiosos y mitológicos naturalezas muertas, retratos
Características de Características de la Pintura Barrocala Pintura Barroca
Formas voluptuosas y exageradas y
figuras de gran expresividad
Acentuado naturalismo,
recurriendo para ello incluso a lo feo o
viejo
Liberación respecto de la simetría y las
composiciones geométricas precedentes
Tendencia al realismo e incluso al
hiperrealismo
Predominio de la
pincelada sobre la
línea.
Teatralidad. El artista intenta
conmocionar emotivamente al
espectador
ESCUELAS NACIONALES EUROPEAS
ESCUELA ITALIANA:
CARAVAGGIOCARRACCI
GENTILESCHI
ESCUELA HOLANDESA:REMBRANDTFRANS HALS
VERMEERVAN DYCK
ESCUELA FLAMENCA.RUBENS
ESCUELA ESPAÑOLA:
VELÁZQUEZRIBERA
ZURBARÁNMURILLO
ESCUELA FRANCESA.POUSSINRIGAUD
Las Escuelas de la Pintura Barroca
La escuela italiana:
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573 – 1610)
LA PINTURA BARROCA ITALIANA: EL TENEBRISMO
De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida
turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente
al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la
intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de
vigor incomparable.
Introdujo una profunda revolución en la pintura italiana del XVII. Dos son las características básicas de su obra, el naturalismo, rechazó los ideales clásicos; cuando pintaba una escena de tipo religioso, introducía en los cuadros lo vulgar, las escenas con gente corriente, sin ningún tipo de idealización.
En segundo lugar, el tenebrismo, para acentuar el realismo, realza sus figuras y escenas por los efectos de luz, haciéndolas destacar sobre el fondo oscuro, la luz no se difunde suavemente, sino que surge de un vano lateral y cae sobre las figuras, sobre la escena, delimitando claramente las formas iluminadas en las que los colores son vivos e intensos y destacan sobre las zonas oscuras.
Probablemente, fue el artista que más tropezó con la censura artística que se derivó del Concilio, por
su personalísimo modo de representar las historias religiosas, tan del gusto popular y, al mismo
tiempo, tan censurable para determinados sectores religiosos. El extremado realismo de sus figuras, una clara reacción contra el manierismo anterior,
chocaba con el gusto de aquellos, que lo consideraban vulgar e inapropiado como modelos
de santos y vírgenes.
Dentro de la enorme obra que realizó Caravaggio, podemos distinguir 3 períodos
dentro de la misma:
El Caravaggismo Claro (1592 - 1599)
El Caravaggismo Claroscurista (1599 - 1606)
El Estilo Meridional (1606 - 1610)
El Caravaggismo Claro (1592 - 1599)Las primeras obras de Caravaggio muestran en su
mayoría figuras de medio cuerpo sobre fondos neutros, aunque no necesariamente oscuros. La iluminación utilizada es homogénea y clara, siendo muy diferente a la utilizada en sus obras
posteriores.
Baco borracho
(Autorretrato)
Caravaggio utiliza un dibujo rotundo y neto, con una pincelada esmaltada de acabado lustroso en la cual apenas se parecían las pinceladas. Pinta alla prima,
sin bosquejos, dibujando directamente sobre el lienzo con el asta del pincel.
Cesto de frutas1595
Memento mori
El Caravaggismo Claroscurista (1599 - 1606)En este período se produce un cambio radical en la pintura de Caravaggio. Comienza a utilizar un estilo llamado tenebrismo no es más que una
aplicación radical del claroscuro, por la cual únicamente las figuras temáticamente centrales
destacan iluminadas de un fondo generalizadamente oscuro.
La llamada de La llamada de San MateoSan Mateo
1599-1600Óleo sobre lienzo,
322 x 340 cmCapilla Contarelli,
San Luigi dei Francesi, Roma
La luzLa luz funciona como un espacio espacio autónomoautónomo,, como un personaje más en el cuadro, como tiempotiempo, pues introduce el ritmo narrativo.
El focoEl foco luminoso nunca aparece en el lienzo y suele ser artificial, procedente de algún ángulo lateral. Simboliza siempre la presencia de lo sobrenatural o lo divino, ¡Dios es luz!.
Los personajes aparecen en actitudes sorprendentes, en clara ruptura con lo que se consideraba “decorosoruptura con lo que se consideraba “decoroso”; ”; el
autor quiere mostrar, de esta manera, la psicología y las pasiones de los personajes.
Cena en Emaús, 1601/02. Óleo sobre lienzo. 1,39 x 1.95 m. National Gallery de Londres
Desde los inicios de su estancia romana rechazó rechazó la característica belleza la característica belleza ideal del Renacimientoideal del Renacimiento, ,
basada en normas estrictas, y eligió el camino eligió el camino de la verdad y el realismode la verdad y el realismo, ,
realizando sus obras mediante copias directas
del natural, sin ningún tipo de preparación previa a la
obra.
La crucifixión de San Pedro
1600. Óleo sobre lienzo, 230 x 175 cm
Capilla Cerasi, Santa Maria del Popolo, Roma
La “narración” se reduce al momento culminante de la historia y tiene, en muchas ocasiones, el aspecto de una fotografía instantánea. En ese instante se concentraba
toda la acción, todo el dramatismo. La ausencia de fondos, por otra parte, acentuaba el contraste luminoso. Las figuras, parcialmente iluminadas contra la oscuridad,
se destacan enfatizando sus gestos y expresiones.
Judith decapitando a HolofernesÓleo sobre tela 145 x 195 cms.Museo de Arte Antiguo Roma - Italia
El Estilo Meridional (1606 - 1610)Inmediatamente después de finalizar La Muerte
de la Virgen, Caravaggio ha de abandonar Roma tras matar a un muchacho en una reyerta en el
juego de pelota, siendo perseguido por la justicia. Se instala en la isla de Malta, para poco
tiempo trasladarse al sur de Italia, donde ya enfermo de malaria, morirá en 1610.
David con la cabeza de
Goliath (Autorretrato)
1609 – 1610125 x 101 cms
Galeria Borghese - Roma
Realizado para la capilla Cherubini en la iglesia de Santa Maria della Scala en Roma. Musée du Louvre, París .
Muerte de la Virgen 1605-06. 369 x 245 cm Oleo sobre lienzo.
La escuela flamenca y holandesa:
La tradición pictórica de Flandes es sobradamente conocida. Se centra en el gusto
burgués por lo cotidiano y los detalles, y la exaltación de su modo de vida.
En el siglo XVII Holanda se coloca entre las grandes escuelas de la pintura con un marcado
carácter nacional, gracias al desarrollo de la burguesía, que demandó gran cantidad de
cuadros en los que se mostrase su estilo de vida. Presta atención al dibujo. Los colores son fríos, y
el resultado es más realista que efectista.
Rembrandt van Rijn (1606 – 1669):Artista holandés del barroco, es uno de los más
grandes pintores de la historia del arte occidental. Fue un intérprete excepcional de la naturaleza
humana y un maestro de la técnica, no sólo pictórica sino también del dibujo y del grabado. Su
obra produjo un gran impacto en sus contemporáneos e influyó en el estilo de muchos
artistas posteriores.
Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632)
La ronda de noche (1640-1642)
Esculturas de Alexander Taratynov y Mikhail Dronov para conmemorar el 400 aniversario del nacimiento de
Rembrandt (2005).
Jan Vermeer de Delft – (1632-1675)Fue un artista que pasó
completamente desapercibido en su tiempo, tal vez porque nunca
se dedicó a la pintura de una manera profesional. Vermeer se
dedicaba a la pintura en sus ratos libres y es probable que también
ejerciese como marchante de obras de arte. Sus cuadros suelen
ser de pequeño tamaño, presentándonos una paleta de
escasos colores, pero muy brillantes y claros, con los que
consigue reflejar como nadie la luz sobre los objetos.
Representaba sobre todo interiores, en los que aparecen frecuentemente personajes femeninos. Muchas veces estas mujeres de los cuadros de Vermeer están solas o, mejor dicho, acompañadas de la luz que entra por una ventana (siempre a la izquierda) y las sitúa en el cuadro, captándolas en relación con la tarea en la que se ocupan
Joven vertiendo leche
1659-1660
La joven del
arete de perla
1665
La lección de música
entre 1662 y 1665
Alegoría de la pintura
1665 - 1666
Callejuela de Delft
1659 - 1660
La escuela española:
El barroco es para España la época de oro de la pintura siendo su tema principal: el
religioso. La Iglesia es el gran mecenas de artistas, junto con la Corte, por lo que los
temas religiosos dominan sobre todos. Los pintores españoles conocen el arte europeo más que por los viajes porque muchos de
los grandes artistas trabajan en algún momento en España. Su técnica preferida es el óleo, aunque utilizan todas. Al igual que
en Italia, la pintura se debatirá ente el tenebrismo y el eclecticismo.
Escuela Valencian
a
Escuela Andaluza
Escuela Madrileña
Francisco de Ribalta
Francisco de
Zurbarán
Diego de Velázque
zJosé de Ribera
Francisco Pacheco
Diego de Silva Rodríguez y Velázquez1599 - 1660
Fue, probablemente, el pintor más genial de todo el período. Velázquez viaja a Italia y es pintor de la Corte, lo que le libera de la servidumbre del mecenazgo religioso. Recibe la influencia de
Rubens. Hace grandes avances técnicos, como la resolución de la perspectiva aérea. Pinta temas
mitológicos, aunque alegóricos, como La fragua de Vulcano, y temas históricos como La rendición de Breda. Retrata a la familia real y a su corte, junto
con sus bufones. En estos retratos consigue plasmar toda la profundidad psicológica del personaje. También pinta cuadros de gran
complejidad compositiva, como Las hilanderas o Las meninas.
Vieja friendo huevos - 1618
El triunfo de Baco o Los borrachos 1628 - 1629
La fragua de Vulcano - 1630
El Conde-Duque de Olivares a caballo
1634
El niño de Vallecas
1643 - 1645
El enano Sebastián de Morra
1645
Felipe IV1656
Príncipe Baltasar
Carlos1635
Reina Mariana de Austria, esposa de Felipe IV1652
La fábula de Arácne o Las Hilanderas 1645 - 1648
En las Hilanderas, sitúa el mito de Aracne, la habilidosa tejedora perseguida por Atenea en el taller de tapices de Santa Bárbara, el mito va tejiéndose en las formas de un tapiz al fondo, mientras en un primer plano las obreras trabajan, lo real y lo mítico se funden. La rueca, en constante movimiento, se convierte en el elemento que mejor ejemplifica la “instantaneidad” del momento; esa rueca al girar, genera un vacío que lo absorbe todo, la realidad y el mito. La estancia iluminada por la vaporosa luz que penetra, se llena de aire. Velázquez logra pintar la atmósfera, el aire que envuelve a las figuras. La pincelada suelta, de apariencia inacabada, las manchas de color que sugieren detalles o formas; todo en esta obra se aproxima a un lenguaje nuevo que todavía está por nacer, el impresionismo.
Las meninas
1656
El término perspectivaperspectiva se aplica a la forma de representar sobre una superficie objetos de tres dimensiones y supone que esos objetos se representan como se ven desde un determinado punto de vista. Se observa que, para conseguir el realismo visual, hay que "deformar" la realidad material, esto es, se representan oblicuas algunas líneas que son paralelas, se varía el tamaño de las figuras según sea su distancia al primer plano y se cambia la intensidad de los colores en función de la mayor o menor iluminación que reciban. El artista decide desde qué posición se ve el cuadro y el espacio de la realidad (o la ficción) que representa encuadrando la escena y desechando el resto. La perspectiva linealLa perspectiva lineal: : - establecimiento del punto y las líneas de fuga. - disminución gradual del tamaño de las figuras. - inclinación de los objetos respecto a la perpendicular La perspectiva aérea:La perspectiva aérea: - dirección de la luz interna del cuadro. - iluminación de los objetos e intensidad del color. - representación del aire ambiente.
El conjunto de perspectivas utilizadas es único El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el
pintor hubiese pintado el aire entre las figuras. Perspectiva lineal: Perspectiva lineal: diversas líneas imaginarias o no (línea del techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista
hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un suelo neutro que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo, con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra
que subrayan el efecto de alejamiento. Perspectiva aérea: Perspectiva aérea: la difuminación progresiva de los contornos
y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia y el alejamiento.
Perspectiva ilimitada: Perspectiva ilimitada: como remate, Velázquez pone un agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una
estancia donde no vemos el fin.
Perspectivas
Punto de fuga
Líneas de fuga
Las interpretaciones formales Las interpretaciones formales consideran el cuadro como una representación clásica
fuertemente realista en el tratamiento de la luz y su incidencia sobre el color, el volumen de las figuras y, sobre todo, en la representación del espacio. La
veracidad en la sensación de la profundidad se alcanza desde la pura geometría con la aplicación
de la perspectiva lineal y también a través de la perspectiva aérea que consigue la creación del
espacio mediante el aire que envuelve a los personajes y los desdibuja a medida que se sitúan
más al fondo.
Las interpretaciones iconológicasLas interpretaciones iconológicas del cuadro entienden que en él se esconden significaciones simbólicas quizá sólo comprensibles o conocidas por aquel a quien iba dirigido, Felipe IV, patrono y
amigo del pintor. En esta corriente hay varias líneas interpretativas según el criterio conceptual que las
protagoniza.
La disposición de las figuras sirve a algunos críticos para argumentar que encierran una simbología referida a las
constelaciones (pues uniendo las cabezas de Velázquez, Mª Agustina, la Infanta, Isabel y José Nieto se obtiene
una forma similar a la de la constelación Corona Borealis Corona Borealis de la que la estrella central se llama ... Margarita)
La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y
contenida, predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo fuego en pequeños detalles
de la vestimenta de las niñas como lacitos, pasadores de pelo y adornos florales. De
este modo rompe la monotonía de colores y atrae nuestra atención.
Infanta Margarita
Otros retratos de la infanta Margarita de Velázquez
Isabel de Velazco
María Agustina
Sarmiento
Mari Bárbola
Perro “Palomino”
Diego de Velázquez
El Rey Felipe IV y la Reina Mariana
de Austria
Situación del espectadory punto de vista del cuadro
con su perspectiva correcta.
Posición del espectador siel punto de fuga estuviese en el
espejo.(Se ha corregido la perspectiva del
cuadro)
Picasso
EquipoCrónica
LA VESTIMENTA EN EL BARROCO
Con el absolutismo que caracterizó como sistema monárquico a la Europa del siglo XVII, se posibilitó una
mayor concentración de la moda en manos de la corte. De ella emanaba no sólo la proyección económica y
política de una nación sino también los patrones artísticos y del vestir. Las cortes de los monarcas europeos se convirtieron en los centros de moda del mundo. Los
cortesanos sustentaron en ellas una posición de privilegio edificando una fuerte trinchera contra la competencia
burguesa. Una vez más -y con mayor fuerza que nunca- la indumentaria era utilizada para diferenciar el status
social. El exclusivismo vestimentario aristocrático quedaba, de esta forma, salvaguardado y únicamente
sometido al poder del rey, quien podía reservarse para su uso exclusivo determinados materiales, adornos y
detalles.
Camisa amplia en cuerpo y
mangas, chaquetilla corta que
muestra gran parte de la
camisa, calzón interior que
deja a la vista sus extremos en forma de
volantes y un amplio calzón-falda, todo ello adornado con cintas rojas,
conocidas con el nombre de
petit oies.
En 1660 , el rey Luis XIV, el rey sol, usó zapatos con tacón para
disimular su pequeña estatura Eran refinados, aunque adornados con vistosos lazos, brocados, piedras
preciosas y tacones con una pequeña curvatura.
Sobre el 1740, Madame de Pompadour, la bella y coqueta duquesa, bautizó un estilo propio de zapatos con su nombre “tacones Pompadour”.
