At e l i e r A l e x a n d e r   S u t u l o vA r t i s t B o o k : :   L i b r o   d e   A r t i s t a

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Cuando le pregunto a un cliente si tiene una obra:

¿Cómo se da cuenta que es verdaderamente una obra de arte? 

Las respuestas son de las más variadas, en parte porque se sienten identificados con lo que ésta transmite de manera magistral, como el colorido de un paisaje. También existen las posturas más pragmáticas, donde entienden la plusvalía como un reflejo del valor intrínseco de ella asociado a un valor genuinamente artístico, más allá del gusto personal. 

Todas las respuestas son válidas, particularmente cuando se trata de percepciones personales que establecen empatías con una expresión plástica que va creciendo y enriqueciéndose con el tiempo. Sin embargo, mi respuesta es que hay algo que está por encima de lo anterior, que se relaciona con la trascendencia de una obra. Es decir, cuando aquella manifestación artística en la forma de una pintura, escultura o grabado se apropia de un espacio, y el espectador después de incorporar esa experiencia; nunca más vuelve a ser la misma persona...

Algunos quedan perplejos ante mi afirmación y preguntan ¿por qué? A lo cual les respondo que lo usual o praxis común es el hábito de observar una obra y apreciar sus aspectos formales en función de una objetividad, pero cuando una auténtica obra de arte trasciende en el espectador, es porque su mensaje va más allá de lo formal. 

¡Entonces es el momento en que la obra lo empieza a mirar a uno!

Entendiendo la pintura en su valor genérico como un “dibujo coloreado”, la pintura digital a diferencia de la pintura tradicional, se caracteriza en dos aspectos singulares que además se potencian entre sí. La primera se vincula con la noción de un método indirecto donde la superposición de capas permite establecer relaciones aditivas y substractivas en los distintos valores tanto tonales como cromáticos. En segundo término, observamos que las relaciones aleatorias a partir de la interacción de capas, permite concebir el uso de imagen de segunda generación. Esta fusión entre la obra pictórica como método indirecto y la obra gráfica como imagen de segunda generación, abre un nuevo campo de exploración plástica que ha ido tomando forma en las últimas décadas de manera inusitadamente versátil y de desarrollo exponencial.

Las imágenes que observamos en la parte superior corresponden a una metodología básica en cómo empezar a entender los fundamentos de la pintura digital como proceso constructivo. En su fase inicial, el artista ha creado una serie de dibujos que han sido confeccionados con técnica mixta sobre películas de policarbonato especialmente formuladas para el uso de materiales diversos tales como el grafito, carboncillo, tinta china, tinta Tusche, crayola litográfica y 

todo tipo de pigmento que responde a las distintas cualidades higroscópicas inherentes a la granulación del sustrato mencionado.

Las imágenes monocromáticas o dibujos originales que aparecen en la parte superior se dividen en dos géneros. Las primeras dos columnas son aplicaciones de aguadas donde la viscosidad del vehículo permite reticular el pigmento suspendido en distintos patrones. Desde las antiguas tradiciones de la litografía de tono continuo, el Tusche, pigmento de alta densidad, ha sido el sello de muchos artistas en cómo lograr distintas texturas o cualidades tectónicas. Es así como observamos la diferencia que se produce entre una aguada a la piroxilina y una aguada en base a trementina con aplicaciones de alcohol. En la segunda mitad observamos un dibujo con carboncillo donde se implementó primordialmente una técnica substractiva. Por último, un dibujo con crayola litográfica donde las distintas densidades se obtienen con graduaciones de viscosidad en las crayolas en una escala de 1‐7, siendo el 1 más blando y graso y el 7 más duro menos graso.

En la parte superior observamos los mismos dibujos llevados a un soporte electrónico para lo cual fueron previamente 

digitalizados en alta resolución. Cada dibujo fue convertido en escala de grises y posteriormente a una modalidad de quadtone o escala de 4 canales cromáticos. Al momento de trabajar con una paleta de millones de colores, las posibilidades son infinitas. A modo de simplificar su coloración, el artista divide los 4 valores en relación a una escala tonal en el siguiente orden: sombras, medios tonos bajos, medios tonos altos y luces. A cada una de ellas por efecto de curvatura se le asigna un valor cromático que a la vez tiene un valor tonal. En esta primera fase de coloración digital, las decisiones del artistas son condicionadas en cierta medida por las relaciones aditivas y substractivas que se efectuaran posteriormente.

En la imagen final a la derecha que se denomina: “B.A.T.” o del francés: “bon à tirer” jerga utilizada en la gráfica que se entiende como prueba de color efectiva, ejemplifica que sucede al momento de superponer los 4 dibujos en su modalidad de quadtones o cuatritonos. Desde luego, los niveles de interacción por capas son múltiples y sus relaciones aleatorias presentan el verdadero potencial creativo que subyace en la utilización de imágenes de segunda generación.

Escultura Energía GASCO / Santiago, Chile 2000:

Producto de la remodelación del edificio corporativo GASCO ubicado en calle Santo Domingo Nº1061 durante el año 1999 a cargo de las oficinas Izquierdo Lehmann Arquitectos, la presidencia de dicha empresa, comisionó una escultura que fuese alusiva a la energía que produce el hombre para su subsistencia. 

La base de piedra es la energía contenida en la tierra, las piernas de acero es la intervención del hombre y la esfera es la energía pura.

Proyecto Cultural TERRITORIA 3000Santiago, Chile 2006:

En virtud de nuevos centros de negocios ideados para Santiago como futura capital financiera en Latinoamérica, la inmobiliaria Territoriacomisionó un anteproyecto que contemplase el impacto cultural en torno a las inmediaciones de su edificio proyectado frente la Plaza Perú, Territoria 3.000.

El anteproyecto planteaba 8 murales emplazados en el atrio y 8 esculturas emplazadas en el frontis y patio inglés oriente del edificio.

Chile Tierra de la Frontera / Museo PhilippiValdivia, Chile 2008:

Las obras que forman parte de la colección del Museo Philippi corresponden a estudios morfológicos del paisaje chileno que se titulan “Chile Tierra de la Frontera”. El interés específico del artista era exhibir en un museo de historia natural a nivel regional como una instancia de difusión que promueve e identifica el país.

Mural Spirits of the Mind / Santiago CollegeSantiago, Chile 2012:

Con el traslado del colegio Santiago College al nuevo campus Los Trapenses, se hizo imperativo la creación de una obra alegórica que pudiese cautivar el alma mater del colegio primitivo. Para ello se ideó un gran mural para ser emplazado en el futuro Dining Hall. La propuesta iconográfica se basó en un levantamiento del antiguo campus Lota junto con un estudio morfológico del paisaje que rodea el nuevo colegio en el valle de La Dehesa, cuya fisonomía más distintiva es el Cerro Manquehue.

Lo anterior se vincula con la proyección que hizo el arquitecto Guillermo Rosende donde la forma y orientación de más de 10 edificios que constituye el nuevo campus, guarda relación con fel paisaje circundante.

Proyecto Mural Historia de la Minería ChilenaConcepción, Chile 2005:

En conmemoración al Bicentenario de la Gran Minería en Chile (1905‐2005), se inaugura el mural en el nuevo edificio de Ingeniería Metalúrgica en la Universidad de Concepción. Proyecto cuyo génesis fue patrocinado y auspiciado por el Ministerio de Minería, División El Teniente CODELCO Chile y la mencionada casa de estudio.

Los Andes: columna vertebral de AméricaSantiago, Chile 2010 

Parte de la labor difusiva que cumple el taller del artista a nivel de arte público, es la creación de proyectos expositivos que permita contextualizar la obra en distintos espacios de acceso al transeúnte urbano. Lo anterior comprende instalaciones que en el caso particular del proyecto en referencia, se llevo a cabo en colaboración con el artista chileno, Hugo Marín.

Proyecto Diseño Franco Ballotta/ Parque Arauco Santiago, Chile 1995

Descubrir sintonía entre diseño de vestuario y su tradición asociado a un pasado histórico fue uno de los desafíos con el diseño de la tienda Franco Ballotta cuya marca distintiva era ropa de vestir masculina italiana. El ícono principal era un mural con la imagen ecuestre de Marco Aurelio y el gobernador romano Pompeyo. Tanto la fachada de la tienda como muebles vitrinas y logo fueron basados en diseños de arquitectura fúnebre romana republicana.

Proyecto Mural San Jorge, Edificio Isidora 1999:

Apología ecuestre cuya imagen central corresponde a San Jorge s. XIII de Novgorod flanqueado por entradas triunfales de Marco Aurelio y estudios anatómicos de Durero. En la parte superior en forma de cornisa, la imagen es coronada por una procesión de caballeros Teutónicos. Junto con el mural, se diseñó los sillones de directorio en Caoba Boliviana, misma madera que se utilizó en el marco.

Proyecto Mural Casa Irina / Curaumilla, Chile 2008

El trabajo en colaboración con arquitectos, diseñadores, paisajistas, etc. es un aspecto crucial para concebir obras de gran formato en espacios residenciales o más privados. En el proyecto Casa Irina se trabajó en coordinación con el dueño, el arquitecto Andrés Zauschkevich, donde el entorno morfológico del paisaje de la casa tuvo un rol preponderante en el diseño del mural. La imagen se trabajó en 12 estados distintos, siendo el último, la imagen final del mural.

Remodelación oficinas sectorEl Golf y Nueva Las Condes

Entendiendo los nuevos estándares de calidad en el sector inmobiliario caracterizado por las edificaciones clase A, el montaje y emplazamiento de obras tiene un valor agregado al momento de implementar diseños exclusivos que se diferencian de enmarcaciones más convencionales. Entre los desafíos, se planteó el montaje de obras sobre papeles libres de vidrio o monolíticos. El objetivo principal era resaltar la superficie aterciopelada propia de un grabado.

La nueva propuesta para oficinas se llevan a cabo en colaboración con Iván Ojeda de Constructora FIC cuya cartera de clientes se caracteriza por el tipo de oficinas en referencia.

Propuesta Mural Gimnasio Santiago College:

Los espacios de transición que se producen entre la piscina y gimnasio tienen como punto de convergencia un atrio con cortina de cristal, propicio para crear una caja de luz. Para este fin, se plantea un mural modular, cuya composición monocromática es en realidad un color compuesto de 12 tonalidades de rojo, que permita dinamizar su espectro cromático y tonal de manera profunda.  Entendiendo que el padecimiento de la luz visual es el rojo, siendo las ondas más cortas (380nm) y cercanas a los rayos ultravioletas, o un azul que tiende hacia al rojo y en el caso de las ondas más largas (840nm), los infrarrojos vecinos al rojo más intenso de la luz visual. Lo anterior permitirá establecer la analogía  con el dramatismo que presenta la actividad deportiva como un corazón colectivo que prepara el atleta para una ardua competencia. 

El sistema modular que iría montado sobre planchas de terciado marino, serían en su parte posterior esmaltadas con pintura roja, en un tono rojo cadmio claro, con equipos de tubos fluorescentes de luz cálida 2800°K, que permita proyectar y resplandecer el color del esmalte contra la muralla del fondo. El mural mismo, que iría impreso sobre tela calidad museo y con una dimensión aproximada de 5.60 x 5.60mt, generaría así como se puede apreciar en la imagen, un punto gravitacional que luego se libera hacia la piscina y escaleras que conducen al gimnasio en el nivel inferior del edificio.

La muestra adjunta es una impresión de tintas UltraChrome 3K sobre tela cuya permanencia es sobre los doscientos años.  

Vista lateral : ilustra el mural modular suspendido con cables de acero y en la parte posterior, se aprecia luz irradiante producida por equipos de 

tubos fluorescentes que proyectan el tono rojo del esmalte de la parte posterior de los módulos sobre la muralla. En la imagen de la derecha, se aprecia el interludio que se produce partir del vano de las escaleras que conducen al gimnasio y el pasaje de luz, como espacio de transición hacia la piscina.

La construcción del mural consiste en 32 módulos verticales de 140cm de alto x 70cm de ancho compuesto por un bastidor de madera reforzado por una plancha de terciado marino esmaltado. Sobre el bastidor va montado una tela calidad museo CANSON, con una impresión con tintas UltraChrome 3K. Las dimensiones totales son 5.60mt x 5.60mt x 50mm suspendido por dos cables de acero por columna (8) que irían unidas entre sí, permitiendo un aire de aproximadamente de 50cm tanto en la parte superior como inferior del mural. 

Propuesta Mural Edificio Costanera Lyon:

Como es de suponer, la ubicación del nuevo edificio Costanera Lyon es estratégico tanto por su vecindad con el centro de negocios Costanera Center ‐en construcción‐ y su legado a una de las calles más representativas del barrio Providencia como Avda. Ricardo Lyon. Esta yuxtaposición, que se expresa por medio de su arquitectura con atrios y espacios amplios y luminosos, pone sobre el tapete el cuestionamiento sobre el futuro de una ciudad como Santiago en su contexto de capital financiera en Latinoamérica. 

Frente lo anterior, el propuesto es una conjunción de fachadas decimonónicas que se entrelazan con arboledas de plátanos orientales característicos de Lyon. Es decir, la relación que se produce entre la arquitectura y la naturaleza es una expresión de civilidad ante la debida planificación urbana y la jurisdicción de áreas verdes. En 

este sentido, el hall de entrada debe serun gran panó que invite al espectador a una reflexión lúdica sobre esto. El sistema modular que iría montado sobre planchas de terciado marino, serían en su parte posterior montado sobre bastidores de acero esmaltados al horno. El mural mismo, que iría impreso sobre tela calidad museo y con una dimensión aproximada de 4.80 x 4.80mt, compuesto por 8 mòdulos verticlaes de 2.40 x 1.20mt cada uno.La muestra adjunta es una impresión de tintas UltraChrome 3K sobre tela cuya permanencia es sobre los doscientos años.  

Uno de los espacios más distintivos del edificio es el vano que se produce, como espacio conector, entre los estacionamientos subterráneos y el sector de ascensores. Lo anterior resuelve un problema cada día más notorio en edificios de oficinas donde las personas más prominentes 

transitan desde el estacionamiento directamente a los ascensores.

Las vistas verticales que se proyectan permiten suspender obras que potencien aun más el espacio creando no solamente un ámbito de luz y transparencia que acoge el transeúnte, sino además, un despliegue iconográfico que imprima carácter e identidad al edificio.

La construcción del mural consiste en 16 módulos doble cara verticales de 120cm de alto x 60cm de ancho compuesto por dos bastidores de madera entrelazados . Sobre los bastidores va montado espalda contra espalda, una tela calidad museo CANSON, con una impresión con tintas UltraChrome 3K. Las dimensiones totales son 4.80mt x 2.40mt x 70mm suspendido por dos cables de acero por columna (4) que irían unidas entre sí.

Serie Ultramar / grabado sobre papel de acuarela 1.26 x 2.80mts

Atelier Alexander Sutulov 2012 

Serie Tierra Volcánica / tintas UltraChrome K3 sobre lienzo / 2.35 x 3.90mtsAtelier Alexander Sutulov 2012 

“Coihue” y “Ulmo Muermo Voyencum” levantamiento morfológico de bosque nativo chileno

Atelier Alexander Sutulov 2013

Ediciones Limitadas Atelier Alexander Sutulov

La obra seriada de menor formato como también, toda obra seriada sobre papel es inherente a una relación más íntima con su iconografía desde el punto de vista del espectador. Su carácter más delicado asociado a los medios tonos de un grabado, hace de la obra gráfica un lenguaje altamente descriptivo. El taller no solamente pone énfasis en lo anterior, sino además, toda labor curatorial que gira en torno a una obra seriada; esto es desde su documentación como certificados de autenticidad donde se describe su génesis hasta su presentación final con elegantes portafolios rotulados.

Serie Retratos Romanos:

Serie Retratos Romanos es una exploración de diversos aspectos idiosincrásicos identificados por medio de un naturalismo particular a lo largo de la historia del arte Romano. Pese a la estilización de sus dignatarios que puede ser identificada y tipificada por sus diferentes dinastías tales como: Flavia, Antonino y Severo, el aspecto medular es la eminente presencia por medio o a través  de lo gestual; un modelo de civilidad que predetermina la historia occidental.

Felicior Augusto, cuyo nombre significa: “Que 

seas más feliz que Augusto” se refiere a las dinastías romanas que establecieron las bases de un legado de gobernabilidad. En los llamados “cinco buenos emperadores” (96‐180 D.C. / Nerva, Trajano, Adriano, Antonino Pío, y Marco Aurelio) se distingue una serie de atributos donde la prudencia y política moderadas se contrastan con sus sucesores más bien opresivos y tiránicos; su reinado fue el cenit en la prosperidad del imperio durante la Pax Romana.

La síntesis posterior, (Felicior Augusto / RomanPortrait Series) ilustrada por una composición de formato cuadrado, forma un tejido 

complejo dominado por cualidades atmosféricas que insinúan un mundo paralelo del subconsciente colectivo. Indudablemente, la repercusión de rasgos sucesivos, en términos de carácter y perseverancia, constituye una fuente de inspiración basada en una memoria genética. El aspecto alegórico de las mencionadas composiciones crean una nueva dimensión universal y a la vez, un estado de  meditación extemporal que trasciende hasta nuestra historia contemporánea.

Serie Key Black I:

La definición del paisaje como género es un hecho recurrente a lo largo de la historia del arte, donde la información topográfica o morfológica predetermina el entorno o ambiente de una idiosincrasia en particular. Todo esto, entendiendo aquel fenómeno como una paradoja propia de la existencia humana. En la misma medida, la serie Key Black es un vívido paisaje de morfologías específicas que tienen por origen dibujos aleatorios asociados a diversos arquetipos tales 

como la serie Tauromaquia y Retratos Romanos. El ejercicio visual de tejer elementos formales genera un rico tapiz de sonidos familiares que, de manera involuntaria, provoca una sensación específica. Este trabajo tozudamente se inclina en la dirección de confrontar y colisionar las distintas iconografías con el objetivo de tensionar el elemento orgánico como una cualidad intrínseca de un paisaje reconocible.

Serie Key Black II:

La introducción del formato cuadrado se produce al momento de extender una segunda columna de los 16 paneles verticales primitivos. El incremento gradual de abstracción establece un nuevo campo pictórico donde nuestro “paisaje” original se sintetiza en variadas formas de ambientaciones. El enfoque ahora se vuelca más lírico, en términos de ritmo y movimiento obedeciendo de esta 

manera, a las leyes naturales de los cuatro elementos. Las fronteras son repentinamente yuxtapuestas por transiciones, donde por ejemplo, nuestra noción del aire se conecta con nuestra noción del agua y así sucesivamente. Tensión y distensión se convierten en un preámbulo de transformación, un instante previo a lo que está por materializarse.

Serie Huilquilemu:

Huilquilemu, término mapuche proveniente de las palabras wilki: zorzal y lemu: bosque. Es parte de una iconografía de la serie Chile Tierra de la Frontera. La temática general se centra en la morfología del paisaje chileno como un vehículo para entender desde un punto de vista orgánico el “exotismo” del nuevo mundo, así como fue planteado originalmente por el naturista Alexander von Humboldt y el pintor romántico Juan Mauricio Rugendas en el siglo XIX.

Las imágenes exhibidas tienen referencia con 

árboles nativos chilenos como sería el caso del roble chileno, arrayán, araucaria y coihue que han sido intencionalmente entrelazados con el objetivo de insinuar siluetas que han marcado y caracterizado un paisaje hasta nuestros días. Pese a que cambios substanciales se han producido desde las primeras exploraciones del siglo XIX, un sentido de nostalgia desprende este emplazamiento único que identifica una remota y particular geografía. 

Sumado a la flora nativa, la composición general ha sido complementada con vistas 

notables que definen la singularidad de un paisaje volcánico exuberante representado por el volcán activo Villarrica y dramáticas cascadas de agua como el Salto del León ubicado en los bosques aledaños.Desde un punto de vista formal, la encrucijada entre un grabado tradicional de tono continuo y una pintura digital con imágenes de segunda generación, crean un pináculo del lenguaje gráfico donde coincidentemente se produce una “panícula floral” caracterizada por un movimiento y línea que se regeneran continuamente. 

Aurelio Octavius / Serie Ecuestre:

Aurelio Octavius es un trabajo de imágenes en distintos estados basado en los murales de Marco Aurelio. El contrapunto producido por la doble corrida de paneles verticales, establece un diálogo de yuxtaposiciones recurrentes. Esta continua ambivalencia es la pauta de un lenguaje sintético que revela la génesis en la sufusión del color. La regeneración de imágenes fantasmas, trazadas por trama y línea, actúa como las fronteras de una modulación tonal y cromática. Pese a que los dibujos originales son una variable constante, el efecto de pasajes de luz 

transforma cada estado de imagen en una obra de temperamento particular. En este sentido, la transición entre cada estado de imagen  empieza a encerrar una tercera forma.

Serie Giacometti:

Estudios basados en el extenso trabajo que llevó a cabo el artista italo‐suizo, Alberto Giacometti en función de indagar el otro “yo” por medio del retrato y figura humana. Los estudios con números romanos I – VI corresponden a una primera fase que enfatiza la relación entre la labor escultórica sobre el hombre urbano y una serie de retratos de la madre de Giacometti en su búsqueda insaciable sobre la persona implícita. En ello, observamos la complejidad del trazo o elemento lineal que establece distintos niveles de abstracción como abreviaciones de una 

existencia propia, independiente a los estereotipos asociados al género figurativo. La modulación tanto cromática como tonal a lo largo de los 6 estudios permite entrelazar diversos espacios pictóricos que revelan una simbiosis entre el retrato y la figura humana.

Biografía.

Alexander Sutulov nació en Concepción, Chile, en 1962. Estudió en el Instituto de Arte Contemporáneo en Santiago, Chile, desde 1980 a 1984. Continuó sus estudios de arte en el College of Fine Arts, Universidad de Utah, Estados Unidos, desde 1985 hasta 1987 bajo el tutelaje de Angelo Caravaglia, como profesor guía, especializándose en dibujo, pintura, grabado y escultura.

Entre 1988 y 1989, trabajó y colaboró en las cooperativas de artistas Art Space y Stonehenge, donde se especializó en la labor escultórica en cerámica, porcelana, madera y metal. Su experiencia con hornos de alta fundición le permitió aplicar distintas técnicas gráficas tanto en reducción como oxidación. Esta etapa también le permitió explorar el trabajo con "forma libre" principalmente con gres, aplicando técnicas tanto aditivas como substractivas en sus construcciones de arcilla.

Posteriormente, fue invitado a trabajar como artista independiente en el Departamento de Grabado de la Universidad de Nuevo México, Estados Unidos desde 1990 hasta 1992, donde pudo experimentar y perfeccionar distintas técnicas de grabado tales como: intaglio, xilografía, serigrafía, litografía y monotipo.

Continuando su trabajo de artista gráfico con la asistencia del Master Printer del Instituto Tamarind, Rodney Hamon se especializa en diferentes técnicas de foto‐transferencia con planchas litográficas en el taller Black & Blue Press, Golden, Nuevo México. Paralelamente en colaboración con el artista gráfico Michael Gienger, forma el taller Atelier Sutulov‐Gienger en Albuquerque, desde 1992 hasta 1994. Entre 1994 y 1996 divide su tiempo entre Estados Unidos y Chile donde introduce técnicas de arte digital en su trabajo gráfico junto con producir sus primeros murales digitales con el taller Folio D  en San Diego, California. La combinación de su trabajo original con tono continuo y posteriormente la introducción del soporte digital, le permite desarrollar ampliamente el uso de imagen de segunda generación y su implementación en proyectos de artes visuales de los más diversos.

A partir de 1990 ha presentado numerosos trabajos en seleccionadas exposiciones grupales e individuales en: Argentina, Australia, Canadá, Chile, Corea, Eslovenia, Estados Unidos, Inglaterra, India, Italia, México, Japón, Sudáfrica, Taiwán, y República Dominicana.

Desde su regreso a Chile en 1994, ha desarrollado diversos proyectos artísticos entre los que se destacan la escultura Energía Gasco,  emplazado en el edificio corporativo de Gasco en Santiago y el mural Historia de la Minería Chilena inaugurado en agosto de 2005 en el nuevo edificio de Ingeniería Metalúrgica de la Universidad de Concepción. 

Actualmente está desarrollando proyectos de artes visuales orientados a espacios institucionales y corporativos que comprenden el emplazamiento de obras públicas, tales como, esculturas, murales digitales, proyectos de diseño integral y arquitectura de interior. Entre ellos, se puede mencionar el proyecto mural “Spirits of the Mind / Santiago College One & Only” para el nuevo campus Los Trapenses del Colegio Santiago College. 

Como extensión y complemento de sus proyectos públicos y culturales, el taller del artista se especializa en la producción de pinturas digitales, ediciones limitadas, desarrollo e investigación iconográfica para proyectos editoriales, siendo la actual investigación sobre María Madre de Dios, su imagen y trascendencia en el Arte Cristiano.

Atelier Alexander SutulovTel.: 56 2 475 0355  Cel.: 7431 3146

sutulov@vtr.netwww.sutulov.com

www.visualartprojects.net