UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

“ARTE Y DISEÑO HACIA LA NUEVA PROPUESTA DE ARTE EN EL FUTURO”

MATERIAS: TEORIA DE LA COMUNICACIÓN I Y II

HISTORIA DEL ARTE III Y IV

DOCENTE: TERESITA DE JESÚS BÁRCENAS BARRETO

INTRODUCCION

En la actualidad el siglo XXI ha traído nuevas propuestas museísticas para artistas y diseñadores que replantean la nueva mirada y crítica del espectador. Es quizá una nueva generación que inicia con nuevos cuestionamientos: ¿Cómo entender al diseño en la actualidad?, ¿Cómo se relaciona el arte con el diseño? ¿En qué momento el diseño puede presentarse como una pieza de museo para ser admirada? ¿Cómo verán los historiadores del arte éstas nuevas formas de representación? ¿De qué manera los artistas presentarán su entorno?

Los museos han constituido una figura primordial en la legitimación de movimientos de vanguardia, así como los manifiestos, los críticos y las exposiciones realizadas en función de un cambio en la concepción estética de ese momento (Fernández, 1993).

La figura del museo, en relación a lo anterior, ha ido cambiando a medida que el arte y el público le han exigido nuevas reconsideraciones.

En el siglo XIX los objetos que tradicionalmente no eran considerados artísticos, fueron vistos también como portadores de dimensiones estéticas, las cuales ampliaban las delimitaciones del artey partían de la búsqueda de algunos de los movimientos de vanguardia como el Constructivismo, el Dadá y el Surrealismo.

Marcel Duchamp con su Urinario, la Rueda de Bicicleta y el Botellero estaba iniciando una nueva concepción en el arte, la cual pretendía, entre otros elementos, desorientar al público, probar la importancia intrínseca de los objetos al margen de su utilidad y de todos los valores que se le reconocían habitualmente, y sugería estrechas relaciones entre el sujeto y el objeto. Cardín escribe sin olvidar "provocar un beneficioso choque en la mente de las masas por la costumbre y la tradición" (Cardín, 1992, p. 17).

Los museos de arte contemporáneo han venido soportando las tensiones normales de una sociedad plural en constante transformación, manejando una multiplicidad de contenidos: a las Bellas Artes tradicionales (arquitectura, pintura, escultura, pintura, dibujo, grabado etc.) se añaden las nuevas artes de la imagen (fotografía, cine, video, multimagen), nuevas expresiones de la sociedad de consumo y de los mass media (diseño, publicidad, gráficas innovadoras, comics, además de las citadas ) entre otros. Todas estas circunstancias, inducen a estas instituciones a la experimentación y a la multidisciplinariedad y diversidad de contenidos.

El diseño de productos desarrollados a partir de la era industrial y de la serialidad como resultado de las exigencias de la reproductividad en masa, provoca desde su aparición, un fenómeno decisivo en la historia del arte moderno, que consiste en la transformación de la producción artesanal e industrial. La exposición del Arts & Crafts celebrada en la New Gallery de Londres en 1880 constituyó una nueva visión a partir de un desarrollo industrial y … fue éste el período (finales del siglo

XIX) que contempló las primeras grandes construcciones de ingeniería (El Crystal Palace, la torre Eifel etc.) y se suele considerar que entonces avanzan al unísono los diversos progresos y afirmaciones en el campo de la arquitectura, de las "artes aplicadas" y del design (Dorfles, 1976, p.73).

Sin embargo, no fue sino hasta 1928 que el MOMA (Museum of Modern Arte of New York), considerando al diseño industrial como arte contemporáneoy realiza la primera exposición de diseño en un museo de arte.

Desde finales del siglo XIX y principios del XX, los museos de artes decorativas o arte moderno, han desarrollado exposiciones de diseño y han incrementado su colección con piezas de diseño. Los Museos de arte contemporáneo, con su perfil más amplio y en constante transformación han realizado grandes exposiciones en las que el diseño, en varias de sus disciplinas, ha sido museable. Instituciones como el MOMA, entre otros, se han dedicado desde principios del siglo XX a difundir el diseño como un objeto de posible contemplación estética y han servido de educadores, en cuanto a la percepción del diseño a través de múltiples contenidos.

LOS MUSEOS

En la actualidad algunos museos coleccionan diseño de acuerdo a una cierta idea de modernidad, entendiendo el diseño como lo que se ha diseñado con un estilo propio durante el siglo XX o lo que se ha producido industrialmente: "El MOMA inicia su colección de diseño en los años 30, de acuerdo a este criterio de adquisición que podría decirse impregna los museos de diseño de creación más recientes" (Valls, 2002, p.3).

Los museos más jóvenes no acostumbran tener una gran colección en exposición permanente y basan su actividad en la organización de exposiciones monográficas, las cuales investigan un determinado aspecto del diseño. Esta política genera una buena oferta de exposiciones itinerantes, acompañadas de catálogos y publicaciones de gran interés historiográfico, que, como en el caso extremo de la fundación VITRA, se autofinancian totalmente con la producción y explotación de exposiciones itinerantes.

Los museos exhiben obras que abarcan colecciones específicas de diseño, así como colecciones de mobiliario, exploraciones de obra referida al arte, arquitectura diseño y sociedad haciendo un estudio ya sea histórico o contemporáneo.

Así el Design Museum de Londres construído en un edificio minimalista en 1989 realiza exposiciones exclusivas de diseño industrial y arquitectura contemporánea del siglo XX y XXI.

Entre las exposiciones más destacadas en los últimos años, resaltan: El poder erótico del diseño (1997), La botella de Coca-Cola (1998), La Bauhaus de Dessau (2000), Pierre Cardín: esculturas útiles (2000) y Luis Barragán (2001).

El Vitra Museum, de creación más reciente, se va a ubicar en Alemania y va a presentar dos sedes que difieren en los años de creación. La primera de ellas, situada en Rheim, fue creada para el año de 1989 y tiene gran parte de la colección permanente del museo; la segunda, ubicada en Berlín, es centro de exposiciones temporales y de reflexión, abierta al público desde el año 2000.

El objetivo del museo es el de explorar las relaciones entre el arte, la arquitectura, el diseño y la sociedad, tanto a nivel histórico como contemporáneo.

La colección se inicia adquiriendo los primeros productos en serie de los diseñadores George Nelson, Alvar Alto y Jean Prouvé entre otros, y su actividad se basa en la creación y conservación de una colección de mobiliario de autor, la organización de exposiciones itinerantes, la comercialización de una colección de miniaturas, la edición de investigaciones relacionadas y la organización de talleres de estudio.

La organización de exposiciones itinerantes es la principal actividad del Museo. Desde finales de 1989 y hasta el 2003, ha realizado más de 40 exposiciones por todos los países de Europa continuando por Sudáfrica, Japón, Croacia y recientemente Latinoamérica, entre las que destacan Vitra Design: 100 sillas Clásicas, expuestas en el Centro de Arte la Estancia de Venezuela (1997) y el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica (1998) entre otros.

Otra de las muestras creadas reciente-mente es la Trienal de Milán. Ésta va a constituir una colección permanente de diseño italiano desde 1997. Expone principalmente muestras temporales de carácter monográfico y va a tener como sede la Facultad de Diseño Industrial del Politécnico de Milán.

El objetivo de la trienal es, primordialmente, el desarrollo y promoción de actividades de investigación, documentación y exposición interdisciplinaria nacional e internacional, con particular atención en el ámbito de la arquitectura, el urbanismo, las artes decorativas o plásticas, el diseño, la artesanía, la producción

industrial, la moda, la comunicación audiovisual y todas aquellas expresiones artísticas y creativas vinculadas.

La colección consta de más de 1000 piezas de los sectores más representativos del diseño italiano y habitualmente unas 45 a 50 piezas son de exposición permanente, mientras que unas 100 viajan al extranjero en exposiciones itinerantes.

Algunas de las exposiciones temporales mostradas en los últimos años han sido: 100 formas de iluminación y mobiliario, La ciudad y el diseño, La Italia del diseño, entre otros.

El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica exhibido obra dedicada enteramente a la publicidad, rama más comercial del diseño. Con el título Crisálida: la formación de una idea, distintas agencias publicitarias suecas, danesas, británicas, españolas y costarricenses lograron demostrar las capacidades estéticas aún en propuestas tan comerciales, y sugirieron un montaje en conjunto con la obra de la artista italoamericana Angiola Churchill, de escala casi monumental y elaborada enteramente en papel hilo y tela.

En esta muestra se exploraron imágenes con elementos como la ironía, el humor, el poder, la realidad, el erotismo, la emoción, la ficción, la luz, el color, el movimiento, la idea y la creatividad en función de la reproductividad en masa y la comercialización de la imagen.

Para el año 2002, se realiza la más innovadora exposición con tendencias de la gráfica, el arte del vidrio y el video. Esta muestra incluye 4 exposiciones que presentaron la vanguardia mundial del diseño gráfico, publicitario, audiovisual y decorativo.

La primera de ellas denominada Contacto Gráfico, fue una selección de aproximadamente 100 carteles publicitarios del diseñador brasilero Felipe Taborda, único diseñador latinoamericano a ser incluido en el libro de los mejores diseñadores del mundo.

Memoria Posta fue el título de la segunda muestra cuya selección de tarjetas postales provenientes de colecciones privadas hizo especial alusión al simbolismo cultural y su relación con la imagen, las texturas y el contenido de cada una de ellas.

La introducción del videoarte a la exposición dio origen a la muestra Contaminados (ex) tensiones de lo audiovisual, que parte de la relación de procesos interdisciplinarios y culturales múltiples, "generados vertiginosamente en el convulso panorama de la globalización en nuestras sociedades

contemporáneas" (Calvo, 2002). Se presentaron video-creaciones de Costa Rica, Japón, Alemania, Chile, Estados Unidos, México, España entre otros.

Finalmente, se expone Krystallos, piezas artísticas de vidrio y de elaboración limitada por la fábrica sueca Kosta Boda.

En Venezuela surge Gris, un proyecto interdisciplinar donde la Escuela de Diseño y Artes Visuales proponen un programa garantizando el trabajo integral y la formación interdiciplinaria. El color gris es la excusa conceptual para desarrollar las propuestas específicas en las áreas de Teoría, Diseño y Artes Visuales.

 

Se desarrollaron propuestas de diseño (orientadas específicamente hacia el cartel y las publicaciones) y artes visuales, con experimentaciones particulares en campos como la pintura, escultura, ensamblaje y performance.

Se logró integrar además, lo conceptual a lo práctico y proporcionó la base para el desarrollo de estudios interdisciplinarios con aplicaciones.

El Arte Posthistórico

Considero el libro Después del fin del arte de Arthur C. Danto que ha sido tema de

mi estudio. Respecto al arte contemporáneo define que después del fin del arte”

de Danto, no refiere a que no habrá más arte, sino a que ya no existe una

narrativa para definir un estilo específico.

Greenberg, en cambio, en un principio apuesta por un “arte puro” pero con la

llegada del posmodernismo o poshistórico, donde la condición es que todo es

posible dentro del arte; ya no existe nada para reemplazarlo, uno puede ser artista

expresionista abstracto o pop o cualquier otra tendencia artística sin restricción

alguna. Así hoy el arte es un producido en un mundo artístico, no estructurado por

alguna narrativa maestra.

Antes podíamos identificar diferentes estilos y vanguardias, como el impresionista,

el expresionista, el conceptual, entre varias; así como diferentes manifiestos y

teorías que las respaldan, sin embargo, eso ya no puede suceder actualmente.

Hoy en día se retoman conceptos y teorías de estilos para crear. Como

característica del posmodernismo siempre hay que mirar atrás para vincularse con

el pasado. Ahora bien, aunque las prácticas artísticas actuales ya no generan

nuevas narrativas, no significa que carezcan de creatividad. Y es sin duda éste el

motivo para desarrollar e innovar dentro de la esfera del arte.

En México específicamente un ejemplo de esto último, son las obras de arte

contemporáneo que pertenecen a la colección FEMSA, expuestas en el Antiguo

Colegio de San Idelfonso, que como dice Danto, son obras de la modernidad. Por

ejemplo, “La Bestia” obra de Gerardo Azcúnaga, se impone con esa masa de

concreto que recuerda los afanes minimalistas de hacer énfasis en la materialidad

de la obra, sin embargo, el discurso no es tan puro, ya que el título y la forma

revelan además otras inquietudes del artista como el sentimiento del temor ante lo

visto. Greenberg ansiaba este arte purista y quizá para él, era eficaz en la obra de

“Naturaleza Muerta IV” de José Lázcarro, un tronco de árbol recubierto con resina

plástica representada por una pulida corteza, pintada de blanco con laca

automotriz, sin duda un acabado recurrente en la exposición y, por tanto,

inevitable pensar en el momento en que la modernidad incorporó materiales y

técnicas industriales al arte.

Esto es sin duda, una contradicción, pues para Greenberg el uso de éstos

materiales y técnicas era exclusivo para perfeccionar la forma y disminuir el

margen de error y subjetividad personales, pues la forma debiera hablar por sí

sola. Pero al usar este material natural y orgánico, mezclado con un material

sintético industrial es meramente una contradicción purista.

Algo semejante ocurre en la escultura “Hexagona Sensibilia” de María José de la

Macorra, que exhibe una obra de hexágonos de metal soldados simulando un

volumen y materialidad pesado. La solución que da a su obra asemeja un

caparazón o a una piel escamada, evidencian principalmente el título de la obra

que hace énfasis en la percepción de ésta.

Éstos dos últimos ejemplos, son aspectos de las reminiscencias del purismo

moderno, en donde los aspectos formales son una herramienta para expresar más

allá del arte mismo, una inquietud personal del artista que no deja lugar al

material, a la técnica y al aspecto formal de la misma rompiendo con barreras de

estilos y experimentando una diversidad de técnicas y materiales.

Danto llamó al rompimiento de la estructura de la historia del arte como el fin del

arte, pero no era, sino esto que hemos venido diciendo, la creatividad de la obra

sin encuadrarla en una vanguardia, sino más bien en las posibilidades que el

artista encuentra en su experimentación para la expresión de un momento

específico.

Acontece que uno de los mayores retos del arte poshistórico en ocasiones está

más enfocado en la crítica que en la producción y cuando ocurre esto, se convierte

en una especie de arte elitista y erudito y, por lo tanto, no accesible a todo el

público. Según los críticos, esto ocurre porque la obra se remite a relatos

superficiales que no aportan gran sentido a la obra.

Hoy en día los museos albergan opciones artísticas vivas, por ejemplo, en el

MUNAL y en San Idelfonso, cuyas puertas están abiertas, tanto a exhibiciones

recientes, como a obras del pasado. Esta multiplicidad de opciones artísticas

deviene del modernismo y la propinación del museo permite que se tomen

elementos tanto del presente, como del pasado, tanto en imágenes como en

materiales; que sean capaces de conformar una obra con una nueva significación

e identidad.

Sin embargo el arte actualmente puede dirigirse a cualquier época, por ejemplo, la

muestra fílmica del artista Jonas Mekas, presentado en el MUAC, que da

importancia a la cotidianidad del espacio y de su vida a través de filmes y

fotografías a manera de diario, donde exhibe una memoria cultural de los años 60

y 70 en el ámbito neoyorkino; y logra una relación de los elementos de la vida

cotidiana que se identifican fácilmente con una cultura popular.

Hoy en día existen muchas críticas del arte, que continuaran presentes para el

arte del futuro porque la visión y el modo de vivir del mundo cambian

constantemente, fortaleciendo aspectos del arte o deslegitimando propuestas, por

ejemplo, en el X Bienal Monterrey FEMSA 2013, es extraño encontrar en esta

exhibición pintura pero si obras de artistas como Teresa Margolles, el grupo

SEMEFO o Betzabé Romero que reflejan la violencia o la realidad social o

instalaciones, o también la obra de Gabriel de la Mora que utiliza la idea de

identidad en su discurso. En fin, es un museo, institución de la UNAM que legitima,

lo que se encuentra dentro de estas instalaciones e implica lo aceptado y, por

ende, lo aceptado es la pluralidad dentro de la estética de lo obvio, es lo que se

permite ver. Es aceptado, validado y por lo tanto institucionalizado.

En esta misma bienal, observamos la diversidad de propuestas en FEMSA, como

instalaciones, videos, dibujos, pinturas, dónde se pueden exhibir múltiples temas,

como en la obra de “La Familia Reconstruida” de Ricardo Bermúdez, donde a

manera de autorretrato reconstruye roles totalmente establecidos o conforma una

familia, empleando la fotografía para crear un vínculo personal de identificación y

aceptación. El espectador entonces, participa, queda inmerso en la obra y se

identifica con éste.

En la obra “Estructura para una dilema II” de Hugo Lugo, reconstruye a partir de la

pintura un bastidor invertido sobre una base de madera, pretendiendo expresar, el

artista que ya es, legitimado y aceptado. Sin duda, ambos ejemplos expresan una

pluralidad discursiva que se evidencia en toda la exposición y en muchas

exposiciones del arte poshistórico.

Para Greenberg, su pensamiento, establecía un posible desarrollo progresivo de la

historia del arte, dónde se obtenían logros y conquistas en relación a objetivos

modificados, uno de ellos, era la purificación de la pintura. Así afirmaba de igual

forma que era Jules Olitski, el mejor pintor y que sería la pintura quien salvaría al

arte, llevándolo a un avance progresista de modernismo.

Pero ocurrió, que ésta perspectiva alcanzó el final de la línea, pues todo este

sentido terminó en un plano completamente diferente de la conciencia que lo

había llevado a ese pensar: El ámbito de la práctica artística, no implicaba

solamente extender y diversificar las soluciones a lo estéticamente desconocido,

pues la existencia de innumerables caminos para la producción artística habían

llevado al arte a una fase poshistórica. Esto significo que la pintura ya no era el

principal y único vehículo del desarrollo histórico, simplemente era uno de los

tantos medios posibles dentro de las prácticas para desarrollar el arte.

Hubo una gran apertura de los caminos a la producción artística, por ejemplo

ahora podemos hablar de la introducción de nuevos vehículos en el arte, como el

diseño.

Al hablar de la incursión del diseño y del arte, cada uno en el campo del otro, se

puede pensar en un interés de extender y experimentar en donde no ha existido

una coalición o bien un ejercicio en donde los dos puedan cohabitar en el mismo

espacio y pieza. Un ejemplo de esto es la formulación del diseño y la relación

entre la materia, las texturas, la línea y el color de procesos industriales y

artesanales de fabricación en la obra de Ronan, Erwan Bouroullec.

EJEMPLOS DE ARTE-DISEÑO 2013 EN MÉXICO

Se llevó a cabo la segunda edición de The Customizers 2013 en la cual

participaron 11 importantes exponentes nacionales de diseño, ilustración, graff y

arte urbano. Participaron en la realización en la gama de diseños artísticos para

bicicletas, artículos para éstas, calcomanías, patinetas, cascos, playeras, entre

otras cosas que fueron patrocinadas por el Masterprint Luis Lizaola “Razor”.

La exposición fue montada con un diseño aerodinámico, espectacular, de colores,

texturas, formas, líneas con juegos de espacio, dimensión para resaltar la

espectacularidad de los objetos cuyas dimensiones jugaban en torno al espacio y

al espectador.

Otro ejemplo es la

exposición Habitat

Expo 2013 Innovación

Inusual, realizada el

7 de junio del 2013.

Reunió talentos del arte y el

diseño que además de

un ingenio increíble

también

sorprendieron con propuestas innovadoras y un enfoque “verde” .El objetivo

principal es justamente lograr un diseño que además tome conciencia de la

situación ambiental en el mundo, es por eso que en la catorceava entrega de esta

exposición, los invitados presentaron desde un porta vasos, pasando por una

lámpara y una ventana hasta una habitación entera, hechos con materiales que de

alguna manera ayuden a preservar el medio ambiente.

Entre las obras que presentaron, estuvieron:

Organizador para baño, En esta categoría no hubo un ganador, los tres proyectos

finalistas fueron:

Paola Alanís Nuñez, ITESM Querétaro, proyecto 1160°

Lindsay Ocampo Escutia, Universidad Iberoamericana, Proyecto ELLE

Ana Karen Balcazar Arias, Martha Corina Frias Campos, Daniela Rivera Fierro,

Tehina Margarita Velazco Osorio, Balcazar Arias, Universidad de Durango

Campus Chihuahua, PROYECTO Pracjen

Valet para vestidor , resultando ganador Carlos Iván Almazán García, Centro de

Investigaciones de Diseño Industrial, UNAM, proyecto VA.

Carrito de servicio. Rubén Ramírez García, U.A.M. Azcapotzalco, con el

proyecto CANON

CONCLUSIÓN

La manera en que los objetos cambian y se nos presentan a través de diferentes

materiales, escalas y diversas hibridaciones nos permite introducirnos en la

relación de los procesos de elaboración, ya sean industriales o artesanales, así

también como los recursos empleados, ya sea de color o textura entre varios

permitiendo la introducción de nuevos materiales y una reflexión a partir del

diseño.

Podemos pensar que existe una asociación diseño-arte sin pensar en una ruptura

o en la trasgresión de la frontera del arte o bien del diseño. Para muchos, como

Greenberg lo pensó, podría significar la muerte de un arte puro, donde no hay

nada más que el arte en sí; sin embargo, si pensamos en un resurgimiento a partir

de otros aspectos e introducimos arte-diseño podemos pensar en diversificar y

enriquecer la producción.

Lo más inquietante, es que ni el diseño ni el arte, tomarán el lugar el uno del otro.

Existe diseño dentro del museo, por ejemplo en el trabajo de Ronan y Erwan

Bouroullec, pues en la conjunción diseño y arte se exhiben desde bocetos y

cuadernos de dibujo, así como algunas piezas de mobiliario.

La vinculación arte-diseño intentará crear bases para el desarrollo de posteriores investigaciones que consideren otro tipo de relaciones estético-artísticas o que establezcan una teoría del arte en relación al fenómeno estético del diseño y sus actuales vinculaciones con la estética contemporánea y otros elementos como lo tecnológico, lo masivo, la globalización y la identidad social.

Esta asociación del arte y del diseño, no ocasionan el rompimiento ni de uno ni de

otro, así como no son ajenos entre sí y excluyendo lo que dijo Greenberg, quizá

esto sí podría ser la continuación de un relato con un desarrollo progresista y con

un discurso de múltiples posibilidades de desarrollo en el futuro.