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Cine-Club Chaplin. CuenCa

Temporada XlV: 2015/2016

programaCión segundo TrimesTre 2016

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SeSioneS del Cine-Club

las sesiones del Cine-Club Chaplin se celebran en Multicines odeónCuenca (Sala Cinco), todos los miércoles de la temporada, de octubre ajunio. estas proyecciones están reservadas a socios de Cine-Club, exclusi-vamente. Para poder acceder, es imprescindible presentar el carnet desocio y la tarjeta anual correspondiente. Rogamos la máxima colaboraciónde todos los socios para evitar situaciones molestas.

Cada miércoles se ofrecen tres sesiones, que comenzarán puntual-mente a las 17, 19,30 y 22 horas. la proyección incluye un cortometrajey un largometraje que se ofrecen de manera ininterrumpida.

la sesión del 1 de junio, festividad de la Virgen de la luz y día festivoen Cuenca pasará a celebrarse el jueves, día 2.

el último día de la temporada, 15 de junio, la sesión se forma me-diante un programa doble constituido por una película clásica y otra mo-derna, de estreno. Comprobar el horario de ambas proyecciones.

SoCioS del Cine-Club

Para ingresar en el Cine-Club Chaplin se requiere ser mayor de edad(18 años) y cumplir las obligaciones sociales.

la inscripción quedará formalizada mediante el abono de una cuotade ingreso de 12 euros.

la cuota anual es de 60 euros, pagaderos por adelantado al inicio dela temporada, bien mediante la domiciliación bancaria o mediante ingresoen cuenta corriente. una vez abonada la cuota, el socio obtendrá la tarjetanumerada con la que podrá acceder a las sesiones semanales.

el impago de la cuota durante los primeros 15 días de la temporadapresupone la renuncia del socio a continuar ejerciendo sus derechos y,por tanto, se producirá la baja inmediata en el Cine-Club.

ReCoMendaCioneS

las sesiones del Cine-Club deberían tener un carácter especial en elcuidado de algunos detalles, tales como el silencio que debe mantenersedurante las proyecciones, el respeto a la proyección íntegra (incluyendolos títulos de crédito finales, la audición total de la banda sonora, etc.),

evitar comer palomitas y otros elementos afines, no hacer en voz alta rui-dos o comentarios que puedan molestar al resto de espectadores, etc.

el cortometraje forma parte de la sesión íntegra y merece todo losrespetos por lo que no es de recibo utilizar esos minutos para incorporarsea la proyección con retraso.

Por ello se ruega la máxima puntualidad y una total colaboración paraevitar molestias a los socios que sí ocupan su butaca antes de que se apa-guen las luces.

Teniendo en cuenta la capacidad de la sala y la afluencia media desocios a las sesiones, rogamos que se ocupen todas las butacas, no de-jando algunas vacías y menos aún utilizarlas para dejar bolsos, abrigos,etc.

al entrar en la sala, conviene apagar inmediatamente cualquier dis-positivo móvil, especialmente los teléfonos, con el fin de no molestar alconjunto de los espectadores.

infoRMaCión a loS SoCioS

Cada miércoles, un directivo se encontrará disponible, de 19 a 19,30horas, en el vestíbulo de Multicines odeón para atender a los socios quequieran plantear algún asunto, recoger carnets pendientes, encargar du-plicados, etc..

Si deseas recibir información personalizada sobre el Cine-Club entré-ganos tu dirección de correo electrónico y te la enviaremos semanal-mente.

Si lo que quieres es transmitir alguna idea, sugerencia o queja, nues-tro correo electrónico es:

[email protected]

el Cine-Club, en la Web

Puedes encontrar información sobre el Cine-Club, la programación ac-tualizada y la relación histórica de todas las películas proyectadas desdela primera sesión en:

www.chaplincineclub.wordpress.com

mia madre30 de marzo de 2016 - sesión número 1517

Título original: Mia madre.

Nacionalidad: Italia.

Director: Nanni Moretti.

Producción: Ssacher Film, Fandando, Le Pacte.

Argumento: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, ValiaSantella.

Guión: Nanni Moretti, Valia Santella, Giaia Manzini,Chiara Valerio.

Fotografía: Arnaldo Catinari.

Dirección artística: Paola Bizzarri.

Montaje: Clelio Benevento.

Actores: Margherita Buy (Margherita), John Turturro(Barry Huggins); Giulia Lazzarini (Ada), NanniMoretti (Giovanni), Beatrice Mancini (Livia),Stefano Abbati (Federico), Enrico Ianniello(Vittorio), Renato Scarpa (Luciano), Anna Bellato(La actriz), Pietro Ragusa (Bruno)

Duración: 106 minutos

Versión original con subtítulos en español.

Margherita, una Directora de cine políticamente comprometida, está a puntode separarse de Vittorio, un actor con el que tiene una hija adolescente. Suhermano Giovanni decide dejar el trabajo para dedicarse a cuidar a sumadre, gravemente enferma en el hospital, una situación que alterará com-pletamente la vida cotidiana y emocional de todos los personajes.

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Nanni Moretti es aquí fiel a sí mismo, con rotundidad y sin corta-pisas. Aquí está, como en sus mejores películas, el sentimental, elirónico, el divertido, el sarcástico, la comedia y el drama, eficaz-mente combinados para ofrecer un resultado muy estimulante, enla línea magnífica que representó La habitación del hijo, proba-blemente su mejor película y una de las mejores que se puedencontabilizar en la nómina del cine europeo de las últimas décadas.Nacido en 1953, Moretti empezó a trabajar para el cine en 1973,como actor y de inmediato pasó directamente a la realización, pri-mero de un mediometraje en 1974 y tres años después firmó yasu primera película larga, Io sono un autarchico, iniciando así unacarrera que recibió la consagración con un título emblemático delcine italiano moderno, La misa ha terminado (1986), a la que si-guió la excelente Palombella rosa. En nuestro Cine-Club pudimosver la magnífica Querido diario (08-03-1995), Abril (24-03-1999),La habitación del hijo (27-02-2002) y Habemus Papam (07-03-2012), títulos todos que nos permiten tener un razonable conoci-miento de las características de su obra. Un trabajo que suele sercomparado con el de Woody Allen pues a semejanza de éste, todoen sus películas tiene un gran componente autobiográfico, sin queen este desnudarse ante la cámara renuncie a sus más íntimos pen-samientos, incluyendo la autoparodia. En ese estilo claramenteconsolidado se inscribe esta última propuesta que nos llega, Miamama, con la que el Director vuelve a ese espacio que tanto leatrae y en el que se desenvuelve con notable habilidad, el de la fa-milia, un ámbito en el que coexisten diversos personajes con inte-reses muy diferenciados entre ellos pero que a la vez son

interdependientes. Observar lo que piensan y sienten esos sereshumanos, aquí condicionados por el hecho de la enfermedad de lamadre, una circunstancia que aboca de manera inevitable hacia sumuerte, abriendo tras ella la incógnita vital que siempre se genera,es el ejercicio preferido de Moretti, atento a las palabras, los sen-timientos, las actitudes de cada uno de ellos. Y lo hace con sumaprudencia, porque el argumento, tal como queda expuesto, puedederivar hacia un dramón lacrimógeno de severas proporciones,pero el Director huye de semejante riesgo, con una admirable con-tención resultado sin duda de su ya larga experiencia, de maneraque cada escena de tensión llega hasta el punto justo en que podríadesembocar en algo inasumible; y, además, compensa el riesgocon otros momentos de amable comedia, incluso divertida, quetiene en la figura de Margherita y en sus propios problemas per-sonales el elemento esencial de inflexión que sirve para articulardebidamente la historia colectiva. Un excelente ejercicio narrativoel que ofrece Nanni Moretti, con un riquísimo plantel de persona-jes tratados con delicado cuidado para resaltar lo que de signifi-cativo hay en cada uno de ellos y, en especial, la angustia vital queacongoja a la protagonista, entre sus dudas personales y profesio-nales y la seguridad de la próxima pérdida de la madre.

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la aCademia de las musas6 de abril de 2016 - sesión número 1518

Nacionalidad: España.

Director: José Luis Guerín (2015).

Producción: Los Films de Orfeo.

Guión: José Luis Guerín.

Fotografía y Montaje: José Luis Guerín.

Actores: Raffaele Pinto, Emanuela Forgetta, RosaDelors Muns, Mireia Iniesta, Patricia Gil,Carolina Llacher, Juan Rubiño, Giulia Fedrigo,Giovanni Masia, Gavino Arca y alumnos de laFacultad de Filología de la Universidad deBarcelona.


Festival de Sevilla: Giraldillo de oro.

Un día, un profesor de filología se encuentra con que su mujer cuestiona ycritica el enfoque pedagógico de las clases que imparte en la "Academia delas Musas" cuyo fin es regenerar el mundo a través de la poesía. Esa opinióntan próxima le obliga a meditar en lo que cree y en lo que está haciendo.

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De los variados comentarios críticos que ha suscitado la últimapelícula de José Luis Guerín se desprende una línea común, coin-cidente, aunque sea expresada con diferentes términos: se trata deuna experiencia fascinante y nos ofrece, como consecuencia in-mediata, el reencuentro con la obra de un Director inclasificable,único, tan absolutamente personal que él solo es el responsabletotal de la obra, desde la producción hasta la escritura, la fotografíao el montaje. Para refrescar la memoria de los socios del Cine Clubrecordaremos aquí la anterior ocasión en que pudimos sorprender-nos -y disfrutar- con una película de Guerín, En construcción, enel ya lejano año 2002. La impresión que nos produjo aquella ex-periencia es similar a la que nos espera con la visión de La acade-mia de las musas, cuyo planteamiento y ejecución es imposiblereducir a los parámetros habituales. Nacido en Barcelona en 1960,Guerín se acercó al cine a través de los formatos reducidos (8 mmy 16 mm) a los que luego añadió el vídeo, realizando trabajos detono documental algunos de los cuales dieron lugar más tarde acortometrajes. Así llegó a sus primeras películas: Los motivos deBerta (1983). Innisfree (1990), Tren de sombras (1997), En cons-trucción (2001), En la ciudad de Sylvia (2007), Guest (2010), Co-rrespondencias (2011), Recuerdos de una mañana (2011) hastaculminar ese recorrido con La academia de las musas, que partede un juego conceptual muy atractivo: el origen adopta la formadocumental, en torno a un profesor y sus alumnos, que dialoganen torno a la poesía, la influencia de las musas, el papel que lespudo corresponder en el pasado y en la actualidad, la construcción

literaria y cuanto tiene que ver con ello, pero en cierto momento,de manera casi insensible, ese ambiente docente se va transfor-mando en una historia de ficción, de manera tan sutil que nuncaquedará claro cuándo estamos asistiendo como espectadores al de-bate intelectual y cuándo nos enfrentamos a una historia inventada,en la que participan los mismos protagonistas, el profesor, sumujer y los alumnos, imbricados por el Director de modo tan sutilcomo expresivo. Todo ello envuelto en el sistema narrativo quehace de José Luis Guerin una de las personalidades más extraor-dinarias del cine español, ajeno siempre a cualquier moda o in-fluencia. Puntilloso hasta el extremo, cuidadoso como nadie en laplanificación de las escenas, observador de los gestos y las pala-bras, pero también de los detalles complementarios (un cuadro,un objeto sobre la mesa, un libro en la estantería de una biblioteca)y por supuesto las miradas, las palabras, los silencios. Cuando tan-tas veces nos quejamos del cine adocenado, vulgar, todo acción ypalabras malsonantes, aparece el sosiego, la inteligencia, la medi-tación observadora para reconfortarnos sabiendo que hay otro tipode cine, que el cine sirve para otras cosas que no sean violencia ysuciedad. Es, sencillamente, una película hecha desde la libertad,sin protección ni ayudas. Solo con inteligencia.

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el hiJo de saÚl13 de abril de 2016 - sesión número 1519

Título original: Saul fia.

Nacionalidad: Hungría.

Director: Lászlo Nemes (2015).

Producción: Laokoon Film Arts.

Guión: Lászlo Nemes, Clara Royer.

Fotografía: Mátyás Erdély.

Dirección artística: Lászlo Rajik.

Música: Lászlo Melis.

Montaje: Matthieu Taponier

Actores: Géza Röhrig (Saul Auslander), LeventeMolnár (Abraham Warszawski), Urs Rechn (JefeBiederman), Todd Charmont (El barbudo), JerzyWalczak (Rabino Frankel), Grgö Farkas y BalaszFarkas (El hijo de Saúl), Sándor Zsotér (Dr.Miklós).


Versión original con subtítulos en español

Oscar 2015 a la mejor película de habla no inglesa.Festival de Cannes: Gran premio del Jurado ypremio de la FIPRESCI. Globos de oro: mejorpelícula de hablar no inglesa. Independent SpiritAwards: mejor película extranjera. National BoardReview: mejor película extranjera.

Auschwitz, 1944. El prisionero judío húngaro Saul Ausländer, miembro delos 'Sonderkommando' encuentra entre los muertos gaseados el cuerpo deun joven que identifica con su propio hijo. Tiene la obligación de quemarloen el crematorio, pero decide salvarlo de ese destino para que un rabinopueda darle una sepultura adecuada.

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Aunque son muchos los campos de exterminio organizados porlos nazis, el nombre Auschwitz sintetiza y resume todos ellos, por-que ese lugar fue el más perfecto y macabro de cuantos han exis-tido en el mundo destinados a la destrucción de seres humanoscomo único objetivo, sin motivos, sin explicaciones, solo porquesí. Eso fue así, con total certeza, aunque los fariseos del tiempopresente quieran argumentar que tal cosa no ocurrió. Por eso noestorba, en absoluto, que periódicamente se nos recuerde aquel in-concebible suceso, punto de referencia esencial en la historia delos horrores, entre otros motivos porque allí sucedieron tantascosas, hubo tal cantidad de matices, que probablemente nuncaconseguiremos saberlos todos. Por ejemplo, que los nazis conta-ban con un grupo de colaboradores forzosos, los sonderkomandos,unidades de trabajo formadas por prisioneros elegidos aleatoria-mente, entre ellos muchos judíos, encargados de preparar a loscondenados, llevarlos a las cámaras de gas, examinarlos para re-tirarles todas sus pertenencias, arrancarles los dientes de oro y fi-nalmente llevar los cadáveres a los hornos crematorios. Lossonderkomandos vivían aislados, sin contacto con los soldados nitampoco con los prisioneros; trabajaban sabiendo que, al cabo deun tiempo limitado, tres o cuatro meses, ellos también irán a lascámaras de gas. Era, por decirlo de algún modo, un periodo de su-

pervivencia limitada, sin esperanza alguna. Saúl sí la encuentra,de modo tangencial, cuando cree que uno de los cuerpos que hasido gaseado es el de su propio hijo, al que pretende rescatar deldestino final que le corresponde, el del horno crematorio. A partirde esa convicción, el propósito de Saúl, una idea obsesiva, es darun entierro digno a su presunto hijo; y decimos presunto porquenunca queda totalmente claro si lo es en realidad o simplementese trata de la fantasía de una mente torturada que en ese pretextoencuentra un posible modo de justificación moral última, el defi-nitivo recurso para dar sentido a los últimos días de su vida. Deesa manera, la historia personal del protagonista se superpone yensambla con la colectiva, la del horror general del campo de con-centración que el Director, Laszlo Nemes, recoge de su propia ex-periencia familiar, porque la familia de su madre desapareció enuno de esos campos de concentración. Nacido en 1977 comoNemes Jeles Laszlo, hijo del Director András Jeles, se educó enParís y desde muy pronto mostró interés por el cine. Tras estudiarHistoria, fue ayudante del Director Béla Tar y rodó varios cortos,antes de afrontar su primer largometraje, en el que expone eldrama con toda crudeza, sin ahorrar ninguno de los elementos te-rribles que marcaron aquella experiencia.

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la odisea de aliCe20 de abril de 2016 - sesión número 1520

Título original: Fidelio, l’odyssée d’Alice

Nacionalidad: Francia.

Directora: Lucie Borleteau (2015).

Producción: Why Not Productions, Arte FranceCinéma.

Guión: Lucie Borleteau, Clara Bourreau.

Fotografía: Simon Beaufils.

Decorados: Sidney Dubois.

Montaje: Guy Lecorne.

Actores: Ariane Labed (Alice), Melvil Poupaud(Gaël), Anders Danielsen Lie (Felix), Jean-LouisCoulloch (Bartereau), Nathanaël Maini (Frédéric),Vimala Pons (La hermana Sarah)



Alice es una mujer que trabaja en el mar. Está casada, pero en su vida apa-rece otro hombre: el comandante Gaël, un antiguo amor de su juventud. Ensu cabina, Alice encuentra un cuaderno, donde el marinero fallecido, queocupó antes su puesto, escribía aspectos técnicos pero también personales.Alice descubre así un mundo desconocido.

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Este es el primer largometraje de Lucie Borleteau, que ya habíadirigido cortos como Nievaliachka, La poupée qui ne tombe paso Les Voeux. La idea de la cinta surgió después de que uno de susamigos entrara en la Marina Mercante. En principio tenía en menterealizar un documental sobre el tema, pero después de escucharlos problemas de los marineros en una reunión se inclinó por laficción, a partir de un personaje femenino, Alice, algo nada usualen los ambientes marineros llevados al cine y ello con la intencióndeliberada de aportar una mirada nítidamente femenina a unmundo tradicionalmente de hombres, a la vez que traslada a eseambiente tan masculino la problemática interior de una mujer, conaspectos y cuestiones que podrían haberse desarrollado en cual-quier otro escenario pero que, al hacerlo en el mar, adquieren unadimensión muy peculiar. Alice se embarca en un buque denomi-nado Fidelio, título que conviene no olvidar porque no va a sernada casual en el contexto de la historia. Lucie Borleteau, nacidaen 1980, estudió en Nantes, en el centro Ciné-Sup y en 2004 ob-tuvo el master en cine en la Universidad de Paris VIII. Ha traba-jado en diferentes sectores de la producción, incluyendo laescritura de guiones y como asistente de Director, además de in-terpretar pequeños papeles, incluso en el teatro. El desarrollo deLa odisea de Alice responde a un planteamiento claramente clá-

sico, mediante una estructura diáfana desde el arranque, con unoselementos mínimos expuestos por la Directora de manera sencillay clara, con lo que queda poco espacio para las interpretacionesalambicadas. Lo que siente, piensa y quiere la protagonista se de-riva de sus propios actos y de las situaciones en que se implica,mientras transmite al espectador sus dudas y deseos, a partir delmomento en que descubre el diario de su antecesor en el trabajo,creándose así una dualidad narrativa, una especie de paralelismoentre el hombre muerto y ella misma, dos personalidades muy di-ferentes pero en las que ella va encontrando puntos de conexión,incluso asumiendo una actitud sexualmente activa, como la quehabía tenido el hombre. Con unos datos siempre eficaces, Borle-teau va marcando la personalidad de la protagonista en la que nohay elementos de reivindicación femenina sino que actúa comouna más dentro del conjunto laboral del barco, integrada con losdemás, pero con un leve toque de vulnerabilidad femenina queviene a completar el conocimiento de su personalidad, sometida adudas y a deseos, como cualquier otro ser humano, algo que eneste caso queda subrayado por la portentosa interpretación deAriane Labed, absolutamente identificada con el atractivo perso-naje que la Directora le ha entregado.

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nahid27 de abril de 2016 - sesión número 1521

Título original: Nahid.

Nacionalidad: Irán.

Directora: Ida Panahandeh (2015).

Producción: Documentary and Experimental FilmCenter.

Guión: Ida Panahandeh, Arsalan Amiri.

Fotografía: Morteza Gheidi.

Música: Majid Pousti.

Montaje: Arsalan Amri.

Actores: Sareh Bayat (Nahid), Pejman Bazeghi(Masoud), Navid Mohammad Zadeh (Ahamd),Milad Hossein (Amir Reza), Pouria Rahimi(Nasser), Nasrin Babael (Leila).



Nahid es una joven divorciada que vive sola con su hijo de diez años en unaciudad del norte de Irán junto al mar Caspio. Conforme a las normas querigen la sociedad iraní, la custodia del hijo corresponde al padre, aunqueen este caso su exmarido se la ha cedido a condición de que no se vuelva acasar. La relación entre Nahid y otro hombre complicará su situación comomujer y como madre.

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En occidente ya nos vamos acostumbrando a recibir cada año unainteresante cuota de cine iraní, demostración de la vitalidad cul-tural que ofrece un país sometido a un régimen tan extraño (unaespecie de democracia vigilada, con elecciones, sí, pero bajo latutela de los ayatollahs, guardianes supremos de la revolución) yque, por los retazos que nos llegan ofrece amplios huecos paraque, entre la severidad aparente del sistema se puedan deslizar ver-daderas maravillas cinematográficas. Con límites, por supuesto,porque cuando hay controles y censuras la libertad no existe, evi-dentemente, pero con resquicios muy curiosos. Sorprende, porejemplo, que en una situación sin duda humillante para la dignidadfemenina, haya tantas Directoras y que planteen temas, como elde hoy, que podría parecer tabú. Sin embargo, la joven Ida Pana-handeh lo afronta en su primera película de una manera tan directa,tan atrevida, que sin duda ella, y su personaje, merecen todas nues-tras simpatías, aunque la película no llegue a ser técnicamente per-fecta. Entramos abiertamente, como sucede en todo el mundomusulmán, en un ambiente de claro predominio del hombre y susderechos, frente a la marginación y ausencia de ellos para la mujer.A partir de ese inicio, la posición de la Directora es indiscutible yasume como propia la rebeldía de su género frente a las actitudesdiscriminatorias que sostiene el régimen; ello se puede interpretar

también como que en el seno de la sociedad iraní se está incubandoun movimiento colectivo, todavía sin suficiente empuje, en el quetambién participan sectores masculinos, empeñados en introducircambios en esta situación consolidada, que se pone de manifiestodesde el comienzo mismo de la película, con una cruda exposiciónde cual es la situación real, en la que apenas tienen cabida los sen-timientos o los matices. Todo está reglado y regulado, la ley locontrola todo y no hay resquicios para los matices. Cuando dosseres humanos intentan superar esa situación para vivir una histo-ria de amor, deberán hacerlo de manera subrepticia, lejos del am-biente social y siempre bajo la mirada vigilante de una cámara deseguridad, un elemento recurrente de presencia constante en la pe-lícula, algo que Panahandeh se encarga de subrayar. La Directorareconoce que para trazar el personaje de Nahid ha tomado comoreferencias dos figuras muy cercanas: su madre y su abuela, “dosmujeres extraordinariamente fuertes que nunca dejaron que nadiese inmiscuyera en sus decisiones y les dijeran de qué modo teníanque vivir. Estuve rodeada por dos mujeres que tuvieron que lucharpara lograr lo que querían”. Esa lucha es la que asume Nahid paramantener al hijo que le quieren arrebatar y para poder encontraren otro hombre el amor perdido.

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la ley del merCado4 de mayo de 2016 - sesión número 1522

Título original: La loi du marché.


Director: Stéphane Brizé (2015).

Producción: Nord-Ouest Productions, Arte FranceCinéma.

Guión: Stéphane Brizé, Olivier Gorce.

Fotografía: Eric Dumont.

Dirección artística: Valérie Saradjian.

Montaje: Anne Klotz.

Actores: Vincent Lindon (Thierry Taugourdeau),Karine de Mirbeck (La mujer de Thierry),Matthieu Schadler (El hijo), Yves Ory (Elconsejero), Xavier Mathieu, Paul Portoleau,Pierre-Jean Feld, Philippe Vesco (Lossindicalistas), Noël Mairot (El profesor de baile),Catherine Saint-Bonnet (la banquera).



Thierry tiene 51 años y, tras 18 meses desempleado, encuentra trabajo comoguardia de seguridad en un supermercado que le permite al menos cubrirlas necesidades básicas de su familia. Todo marcha bien hasta que le pro-ponen algo realmente turbio: espiar a sus colegas. La nueva situación leprovoca un incómodo dilema moral: ¿se puede aceptar cualquier cosa contal de conservar el trabajo?

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El cine, todavía, no ha explorado a fondo las enormes posibilida-des que ofrece la situación creada en todo el mundo, pero básica-mente en el ámbito europeo, a partir del estallido de la crisis y laterrible consecuencia que viene presentando en el terreno laboral,con millones de personas a la búsqueda de un empleo, casi siempredifícil de encontrar y, en muchísimos casos, cuando aparece, encondiciones de precariedad que viene a incrementar la situaciónde desamparo que produce la escasez de oportunidades laborales.En esa situación, con frecuencia, con consistente frecuencia,oímos las voces de los perjudicados, cuando participan en entre-vistas o encuestas: “Quiero cualquier cosa, me adapto a cualquiertrabajo”. ¿A cualquiera?, podríamos preguntarnos. ¿Todo vale, contal de recibir un puesto y un salario? Stéphane Brizé (Rennes,1966) no parecía, a priori, un Director vocacionalmente orientadohacia el cine social porque hasta ahora había preferido desenvol-verse en el terreno de la comedia, si bien es cierto que en sus pri-meras películas aparecen ciertos toques de rebeldía reivindicativa.Nacido en un ambiente provinciano, cursó estudios de electrónicasin que recibiera una formación intelectual más allá de la que co-rresponde a un obrero, pero todo cambió cuando pasó a la TVcomo técnico operador, luego hizo un curso de teatro, empezó apisar los escenarios y en 1993 realizó su primer cortometraje, Bleu

dommage, con el que obtiene el gran premio en el festival de Cog-nac; con el bagaje de otros par de cortos, afronta el paso al largo-metraje, con Le bleu des villes (1999) que participa en la quincenade realizadores de Cannes y consigue el premio al mejor guión enel festival de Deauville. Siguieron No estoy hecho para ser amado(2004), Entre adultes (2006), Mademoiselle Chambon (que vimosen el Cine Club el 05-10-2011) y Quelques heures de printemps(2011). Ahora, afronta el problema social y humano derivado deltrabajo; y lo hace, trasladando a la pantalla todos los matices quevan jalonando la monótona, endurecida gestión de buscar ocupa-ción, mientras quedan en un segundo plano las emociones estric-tamente personales o familiares. Pero aún falta la otra dimensióndel drama, cuando una vez conseguido un trabajo, intentarán en-vilecerlo con unas exigencias repulsivas, que probablemente seencuentran en otros muchos casos, aún sin saberlo, porque la víc-tima, por lo general, intentará ocultar qué es lo que se le esté exi-giendo a cambio de poder conservar ese puesto de trabajo que seha convertido en el eje obsesivo de tantas personas. Y es ahí, enesa nueva situación, cuando adquiere un sentido total el título dela película: el trabajo sometido a una implacable ley, la del mer-cado. O lo tomas o lo dejas. Sin contemplaciones.

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rams, el Valle de los Carneros11 de mayo de 2016 - sesión número 1523

Título original: Hrútar.

Nacionalidad: Islandia, Dinamarca, Noruega,Polonia.

Director: Grímur Hákonarson (2015).

Producción: Netop Films, Profile Pictures, FilmFarms, Aeroplan Film.

Guión: Grímur Hákonarson.

Fotografía: Sturla Brandth Grevien.

Diseño de producción: Bjarni Massi.

Música: Atli Örvarsson.

Montaje: Kristján Loamfjora.

Actores: Siguraur Sigurjónsson (Gummi), TheodórJuliusson (Kiddi), Charlotte Beving (Katrin), JonBenonysson (Runólfur), Gunnar Jónsson(Grímur), Porteifur Einarsson (Sindri), SveinnOlafur Gunnarsson (Bjami).



Festival de Cannes: premio “Una cierta mirada”.Festival de Transilvania: premio especial delJurado. Festival de Valladolid: espiga de oro a lamejor película.

En una granja de un valle islandés remoto, dos hermanos solteros que nohan tenido contacto en 40 años se ven obligados a unirse para salvar subien más preciado: sus rebaños de ovejas. Por un lado se encuentra Kiddi,un hombre rudo, alcohólico y amigo de las armas; por otro, Gummi, algomás tranquilo y sobrio.

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Parece inevitable iniciar este comentario aludiendo a Islandia y alcine islandés. Cualquier persona medianamente culta sabe que Is-landia se encuentra en Europa y eso la convierte, de manera natu-ral, en un elemento integrante de la cultura europea, a pesar deque, con mucha probabilidad, casi nadie sabe nada de qué ocurreallí, cómo o de qué viven, quienes lo gobiernan o, si entramos enintimidades, cuales son sus escritores o artistas más destacados.Tiene una población mínima (no llega a 500.000 habitantes) peroes el tercer país más desarrollado del mundo, con un altísimo niveltecnológico y un maravilloso sistema de protección social. De ahínos llega una pieza cinematográfica que podríamos considerarexótica, si no fuera porque en realidad hace ya varios años que elcine islandés se va asentando en los circuitos internacionales, to-mando el relevo de otros de su ámbito (el sueco, el danés) tradi-cionalmente bien valorados en el conjunto de la cinematografíamundial. Pero desde fechas recientes títulos como De caballos yhombres (Benedikt Erlingsson, 2013), o Sparrow (Rúnar Rúnars-son, 2015) han conseguido varios premios en festivales, mientrasque Baltasar Kormákur se ha asentado en Hollywood como Di-rector. Con estos antecedentes, no debe sorprendernos en exceso

los reconocimientos recogidos por Rams. El valle de los carneros,que viene a ser la presentación entre nosotros de Grímur Háko-narson (nacido en 1977), con una experiencia literaria previa quepronto compartió con el cine, rodando varios cortos y, en 2010,su primer largometraje, el documental Summlerland, seguido deotro del mismo género, Hreint hjarta (2012). Rams es su primerapelícula de ficción, término aquí relativo porque en ella hay ungran componente documental, basado en la utilización generosadel bellísimo paisaje islandés y una eficaz intromisión en las cos-tumbres populares, con el añadido de la peculiar relación entreesos dos hermanos que no se hablan ni se relacionan, hasta que lanecesidad les hace romper ese aislamiento. En torno a esa situa-ción de partida se estructura la película que sorprende tanto por laoriginalidad ambiental y sociológica en que se desarrolla comopor su acertada planificación en la que se van ofreciendo las ne-cesarias dosis de información para ayudarnos a comprender el des-arrollo de la trama, en la que no faltan momentos realmentedivertidos, que podrían incluso llegar a ser hilarantes, aunque ten-gamos en cuenta que el humor al estilo nórdico no tiene nada quever con el concepto mediterráneo.

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el abrazo de la serpienTe18 de mayo de 2016 - sesión número 1524

Nacionalidad: Colombia, Venezuela, Argentina.

Director: Ciro Guerra (2015).

Producción: Ciudad Lunar Producciones, DagoGarcía Producciones, Caracol TV, NortesurProducciones, MC Producciones, BuffaloProducciones.

Guión: Ciro Guerra y Jacques Toulemonde Vidal,según los diarios de Theodor Koch-Grunberg yRichard Evans Schultes.

Fotografía: David Gallego, en color y blanco ynegro.

Dirección artística: Angélica Perea.

Música: Nascuy Linares.

Montaje: Eitenne Boussac.

Actores: Jan Biljvoet (Theo), Brionne Davis (Evan),Antonio Bolívar Salvador (Karamakate), NilbioTorres (Karamakate, joven), Miguel DionisioRamos (Manduca), Nicolás Cancino (Anizetto),Luigi Sciamanna (Padre Gaspar)

Duración: 125 minutos.

Una nueva visión del efecto del colonialismo sobre la cultura indígena, através de dos historias paralelas que suceden con cuatro décadas de dife-rencia (concretamente en 1901 y 1940), en que dos exploradores, uno ale-mán, otro americano, surcan los caminos del Amazonas en busca de unaextraña flor que sería muy útil en la lucha contra las enfermedades.

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Esta no es, estrictamente, una película sobre el colonialismo y losdaños que la brutal explotación irracional de la naturaleza, inclui-das las personas, produjo durante siglos en el hábitat propio delconteniente suramericano. Lo es, también, porque esa situaciónreal está presente en todo el desarrollo del film, pero no es el temaque más interesa al joven Director colombiano Ciro Guerra, sinola inmersión en los extraordinarios matices que ofrece todavía lacultura indígena, a caballo entre la espiritualidad mágica y el man-tenimiento de unas estructuras ancestrales que son elementos con-dicionantes, sobre los que ha recaído también, como es lógico, lapresión de los colonialismos, desde los primeros invasores hastalos explotadores de materias primas. Para desarrollar su plantea-miento, el Director cuenta dos historias paralelas y entremezcla-das. Una de ellos tiene como protagonista a Theodor Koch-Grünberg, un explorador alemán que atraviesa el Amazonas paraencontrar una extraña flor que ayudaría a superar una terrible en-fermedad; en ese propósito, necesita la ayuda del último supervi-viente de una tribu ya colonizada: el chamán Karamakate, unindígena cansado de la presencia de los europeos en el Amazonas,que decide no ayudar al explorador a menos que prometa servirle

de guía hasta encontrar a más miembros de su desaparecida tribu.En la otra historia, muchos años después, un explorador americanollamado Richard Evans Schultes es conducido por un anciano Ka-ramakate en la búsqueda de la apreciada planta. Pero esta vez elpaisaje es muy distinto, ya que las antiguas regiones que rodeabanel río se han visto brutalmente dañadas por el negocio del caucho.Ciro Alfonso Guerra (Río de Oro, Colombia, 1981) cursó estudiosde cine y TV en la Universidad Nacional de Colombia, entrandopronto en la prometedora industria cinematográfica que se vienedesarrollando en ese país desde hace unos años. Rodó varios cor-tometrajes (Silencio, 1998; Alma, 2000); Intento (2001), y un do-cumental sobre Jairo Pinilla, como pasos previos a sus primeraspelículas largas: La sombra del caminante (2004), Los viajes delviento (2009) y El abrazo de la serpiente, nominada al oscar comomejor película de habla no inglesa y que ofrece una extraordinariavisión de la naturaleza colombiana incluida la riqueza etnográficay cultural del mundo indígena, circunstancias envueltas en una fo-tografía de increíble belleza en blanco y negro y una música fas-cinante, factores que hacen de ella una de las más gratificantesexperiencias cinematográficas conocidas en los últimos años.

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langosTa25 de mayo de 2016 - sesión número 1525

Título original: The Lobster / O astakos.

Nacionalidad: Reino Unido, Irlanda, Grecia,Francia, Holanda.

Director: Yorgos Lanthimos (2015).

Producción: Film 4, Scarlet Films, Element Pictures,Greek Film Center, Faliro Hourse Productions,Haut et Court, Eurimages, Nederlands Fonds voorde Film, Lemming Film.

Guión: Yorgos Lanthimos, Etthymis Filippou.

Fotografía: Thimios Bakatakis.

Diseño de producción: Jacqueline Abrahams.

Montaje: Yorgos Mavropsaridis.

Actores: Colin Farrell (David), Rachel Weisz (Lachica corta de vista), Jessica Bardem (La chicacon hemorragia nasal), Olivia Colman (LaDirectora del hotel), John C. Reilly (El hombreque cecea), Léa Seydoux (La líder solitaria),Ashley Jensen (La mujer de la galleta), ArianeLabed (La criada), Ben Whislaw (El cojo),Angeliki Papoulia (La mujer cruel)



En un futuro próximo donde no está permitido vivir sin pareja, los solterosson detenidos y llevados a un hotel espeluznante donde tendrán un plazo de45 días para encontrar una pareja. Si no lo consiguen, serán transformadosen el animal que previamente hayan elegido. A David le ha abandonado sumujer, de manera que no tiene más remedio que dirigirse a ese hotel paracumplir con su obligación social o convertirse en langosta.

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El cine de Yorgos Lanthimos (Atenas, 1973) no es fácil de digerir.Tras cursar estudios de Dirección de Cine y TV en la Escuela deCine Stavrakos de Atenas, su ciudad natal, comenzó su carreraprofesional durante la década de los 90, dirigiendo vídeos para di-ferentes compañías de danza, alternando con la dirección y mon-taje de obras teatrales y el rodaje de spots publicitarios. Tras esaprimera etapa de preparación, en 2001 dirigió, junto a Lakis La-zopoulos, su primera película, My best friend, a la que siguió elcortometraje Uranio disco y, cuatro años más tarde, su primerapelícula como Director en solitario, Kinetta, que se estrenó en elfestival de Berlín pasando luego por otros muchos festivales. Fuemiembro del equipo creativo que diseñó la apertura y cierre de lasceremonias de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004. En 2009, supelícula Canino (Kynodontas) ganó el Premio Una ciertamirada en el Festival de Cine de Cannes y el Premio CiudadanoKane y Jurado Joven en el Festival internacional de Cine de Sitgesde 2009. En 2011 dirigió Alps y ahora presenta su tercera película,Langosta que, más allá de lo explicado en el argumento llega car-gada de sugerencias y provocaciones pues en ello reside el atrac-tivo esencial del trabajo de este Director, en su capacidad para,desde las metáforas simbólicas intentar ofrecer explicacionessobre los comportamientos de los seres humanos y el valor decuestiones básicas de nuestra existencia: la soledad, el amor, lasrelaciones sociales, la búsqueda de lo incógnito, las coordenadas

que rigen las decisiones de un poder tan omnímodo como oculto,la importancia del orden establecido y el valor de romperlo. Noes Lanthimos el primero que se plantea semejantes cuestiones. Enel imaginario colectivo se cuentan George Orwell o Aldous Hux-ley, que también presintieron unos mundos futuros sujetos a deci-siones incomprensibles. Aquí, ya lo saben, se trata de encontrarpareja a toda costa, en un plazo determinado e improrrogable, yahí aparece la primera transgresión de Lanthimos, puesto que enla actualidad, la tendencia es exactamente la contraria. Aquí no.Por un lado está el bando de los casados y por otro el de los solte-ros, que son denostados y perseguidos, obligados a vivir clandes-tinamente en un bosque en el que, algunos, ironía suprema, seemparejan por su cuenta y al margen de los canales establecidos.Como podemos presentir, el Director rompe todos los códigos es-tablecidos tanto en el cine como en los comportamientos de la vidanormal y ahí reside el principal atractivo de esta extraña película,original en su planteamiento, atrevida en la plasmación visual, in-cómoda por muchos de los conceptos que emite. El más impor-tante de todos, el que suelen plantear todas las aproximacionesfuturistas: ¿y si esto fuera verdad, y si esto resultará finalmenteposible?

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luCes de parís2 de junio de 2016 - sesión número 1526

Título original: La Ritournelle.


Director:Marc Fitoussi (2014).

Producción: France 2 Cinéma, Vito Films.

Guión: Marc Fitoussi.

Fotografía: Agnès Godard.

Música: Tim Gane, Sean O’Hagan.

Sonido: Olivier Le Vacon.

Montaje: Laure Gardette.

Actores: Isabelle Huppert (Brigitte Lecanu), Jean-Pierre Darroussin (Xavier Lecanu), MichaelNyqvist (Jesper), Pio Marmaï (Stan), Jean-Charles Clichet (Régis), Marina Fois (Christiane),Audrey Dana (Laurette), Anaïs Demoustier(Marion), Clemente Metayer (Gregory),Lakshanta Abenayake (Apu)



Brigitte y Xavier son agricultores en Normandía. Los negocios van muybien, la vida familiar está correctamente ordenada, los hijos acaban de li-berarse. La insatisfacción va por dentro, sobre todo en la mujer, que sientecómo el desgaste del tiempo pone en peligro su matrimonio. Para reani-marlo, piensa en algún medio que vuelva a encender la llama del amor y dela pasión, algo que puede resultar muy peligroso.

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Marc Fitoussi (nacido en 1974) es un guionista y Director francésque, pese a su juventud y todavía escasa obra, está avanzando apasos muy sólidos en el escalafón del prestigio y la popularidad.Después de haber realizado estudios universitarios en Historia delArte, formó parte de la primera promoción del Conservatorio eu-ropeo de escritura audiovisual, donde se especializó en la escrituradel guión cinematográfico y de forma paralela comenzó a realizarvarios cortometrajes, figurando entre ellos uno, Ilustre descono-cida Pimienta Candy que le valió una nominación a los premiosCésar en 2007. Ese mismo año dirigió su primer largometraje, Lavida del artista, con el que obtuvo el premio Michael d’Ornanootorgado por primera vez a una película francesa de ficción. En2010 presentó su segunda película, Copacabana y en 2012, El de-tective Pauline. Ninguna de esas películas ha sido proyectada co-mercialmente en España por lo que la presencia ahora de Lucesde París significa la llegada a nuestro país de la primera obra deun autor que, como se dice al principio de esta nota, ha ido con-solidando de forma notable una valiosa consideración a partir desus anteriores trabajos y cuya línea estilística se inscribe hastaahora en una problemática muy del gusto francés, la comedia dra-mática, con amplio espacio para la consideración de los caracteresy comportamientos humanos, en busca de los siempre insondablesmatices del sentimiento. El punto de partida puede parecer tópico:

la prolongada convivencia entre dos personas deviene en rutina,aburrimiento, monotonía, cansancio. Algo que, probablemente, lamayoría acepta como cosa normal, acostumbrándose a ello, sinadvertir que un remedio a tiempo podría alterar el rumbo de lascosas lo que puede conducir a que uno de ellos piense que el modode corregir la situación es buscar nuevas emociones, explorar po-sibilidades diferentes que lleven a una más placentera sensaciónvital. Que es el camino emprendido por la protagonista. “Fitoussiconfecciona el retrato de una mujer necesitada de aventuras yque, movida por la curiosidad, decide emprender un viaje a nin-guna parte (con destino París) con el firme propósito de conocersea sí misma. Se inicia aquí una interesante reflexión acerca de laexploración de los límites personales, abordando la necesidad desoltar el timón que guía la vida (sensación de libertad) para vol-verlo a agarrar con mayor determinación” (Daniel Reigosa, enCaimán, núm. 98) para dar, como resultado, una comedia agri-dulce, amable, con el necesario toque de escepticismo, en tono ala insatisfacción personal y la infidelidad como vía de escape, unengranaje que siempre necesita de la complicidad de dos grandesactores y aquí están, sin duda, en las personas de Isabelle Hupperty Jean-Pierre Darroussin.

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respira8 de junio de 2016 - sesión número 1527

Título original: Ein atem.

Nacionalidad: Alemania.

Dirección: Christian Zübert (2015).

Producción: Senator Film Produktion, CLProductions.

Guión: Christian Zübert, Ipek Zübert.

Fotografía: The Chau Ngo.

Montaje: Mona Bräuer

Actores: Jördis Triebel (Tessa), Chara MataGiannatou (Elena), Benjamin Sadler (Jan), AkilasKarazisis (Tiberios Laskari), Richard Van Weyden(Bohm), Apostolis Totsikas, Nike Maria Vassili.



Elena, una chica griega joven y cualificada, pero con pocas perspectivas defuturo en su país natal, decide marcharse a Frankfurt en busca de una vidamejor. Allí empieza a trabajar de niñera para Tessa, una directiva de éxito,Elena empieza a disfrutar del tiempo que pasa con el bebé e incluso se haceamiga de Tessa. Pero un descuido hace que Elena pierda un día de vista a lapequeña Lotte. A partir de ese momento sus vidas cambiarán para siempre.

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No debemos considerar como una casualidad que la joven emi-grante sea griega y que el lugar de destino sea la casa de otramujer, en este caso bien acomodada, y alemana. De manera simpley directa, el Director nos sitúa ante la dicotomía que se viene alen-tando en la Europa unida, la de la antigua prosperidad, entre dosde los extremos sobre los que pivota la crisis en que se encuentrasumergido el continente, apagados los sueños de hacer coexistiresos dos puntos hasta eliminar diferencias entre ellos y conseguiruna armonía económica y social. Al contrario, asistimos cada díaa cuestiones preocupantes que nos van alejando de aquel sueñoideal. La gravísima crisis de los refugiados (en todo su apogeocuando se escriben estas líneas) viene a ser el detonante que hapuesto en crisis total la estructura del sistema, que se quiebra pre-cisamente por el sector oriental, con Grecia en el punto de lanza,añadiendo a su propia crisis anterior la que ahora sufre comopuerta de entrada a Europa de cuantos vienen huyendo de territo-rios en conflicto. En el otro extremo de la balanza, la rica Alema-nia, la poderosa Alemania, que decide qué y cómo hay que hacerlas cosas y que Zübert muestra como un ente social totalmente in-diferente hacia lo que está sucediendo. En ese contexto, que noaparece explícito pero sí subyacente, se forja el conflicto entre dos

mujeres que, en un momento ciertamente fatídico, cruzan susvidas, unen sus destinos y se ven inmersas en una profunda crisisde identidad emocional, a partir de la pérdida del hijo de una deellas, un hecho que, paradójicamente, las empareja e iguala, por-que el dolor y los sentimientos no son diferentes de un país a otro,ni entre ricos o pobres. De tal forma que el planteamiento inicial,en torno a la emigración o las dificultades sociales, deriva en lasegunda parte de la película hacia lo que el propio Zübert calificacomo un thriller, una intriga basada en la búsqueda del bebé, porlo que la lucha de Tessa por recuperar a su hijo se convierte en eleje argumental. “Me interesaba, dice el Director, que la perspec-tiva cambiase para que también lo hiciera el sentimiento de em-patía del público. Tienes a esta chica pobre que emigra y seenfrenta a esta mujer rica y egoista, pero luego te das cuenta deque también tiene problemas aunque sean de distinta naturaleza”.Christian Zübert (Wurzburg, 1973) estudió en la Universidad desu ciudad natal y luego empezó a trabajar como guionista, espe-cialmente para TV, de donde pasó al cine, debutando con Lamm-bock (2001); dirigió una película para niños y jóvenes, El tesorode los halcones blancos (2004), continuando después en TV, dedonde regresó a la pantalla grande con Dreiviertelmond (2011).

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45 años15 de junio de 2016 - sesión número 1528 (17:00 y 22:00 horas)

Título original: 45 Years.

Nacionalidad: Reino Unido.

Director: Andrew Haigh (2015).

Producción: The Bureau.

Argumento: Un relato de David Constantine.

Guión: Andrew Haigh.

Fotografía: Lol Crawley.

Diseño de producción: Sarah Finlay.

Música: Connie Farr.

Montaje: Jonathan Alberts.

Actores: Charlotte Rampling (Kate Mercer), TomCourtenay (Geoff Mercer), Dolly Wells(Charlotte), Geraldine James (Lena), RichardCunningham (Sr. Watkins), David Sibley(Geroge), Sam Alexander (Chris), Michele Finch(La sobrina).



Festival de Berlín: mejor actor, mejor actriz. Premiosdel cine europeo: mejor actriz. Festival deValladolid: mejor actriz.

Falta sólo una semana para el 45º aniversario de su boda, y Kate Mercerestá muy ocupada con los preparativos de la fiesta. Pero entonces llega unacarta dirigida a su marido, en la que se le notifica que, en los glaciares delos Alpes suizos, ha aparecido congelado el cadáver de su primer amor.Todo será diferente a partir de ese momento.

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Esta es una película absolutamente ejemplar. No es vanguardista,no rompe moldes, no es políticamente atrevida ni socialmenteabrupta. Es, sencillamente, un perfecto modelo narrativo, en elque todo está encajado en su punto justo, en que cada movimiento,cada encuadre, cada sonido, están donde deben estar, tan cuida-dosamente estudiados y filmados que no queda el menor resquiciopara que penetre la duda o el desconcierto. Es una película dirigidadesde el sentimiento reposado, desde la inteligencia, sin sobresal-tos. Andrew Haigh (Harrogate, North Yorkshire, 1973) se graduóen Historia en la Universidad de Newcastle pero pronto se orientóhacia el cine, trabajando como ayudante del montador en variaspelículas. En 2009 dirigió su primer largometraje, sobre la prosti-tución masculina al que siguió Fin de semana (2011) tambiénsobre una relación homosexual; nada que ver esta temática con laque forma el entramado básico de 45 años, organizado esencial-mente en torno a la pareja protagonista, los muy veteranos Char-lotte Rampling y Tom Courtenay, en verdad en estado de graciainterpretativa. La acción ocupa seis días, en que la pareja se ha re-tirado a su casa de campo, en Norfolk, para llevar a cabo la fiesta

familiar con la que van a celebrar sus 45 años de matrimonio. Cadauno de los días empieza del mismo modo: Kate sale a pasear conel perro, a primera hora de la mañana. El ritual se rompe el jueves.Algo nuevo ha pasado, algo de evidente dureza como para alterarel suave ritmo de las cosas. La apacible vida de la pareja recibe lanoticia inesperada de un antiguo amor de Geoff y de esa manerala sombra de una infidelidad pasada se interpone de manera bruscaalterando severamente el sosegado discurrir de la vida familiar,abriendo un panorama que ofrece diversas alternativas y ese re-pertorio de opciones enriquece notablemente el desarrollo de lahistoria. En todo ello juegan importantes papeles los elementossimbólicos que Haigh utiliza en apoyo del relato. Por ejemplo, laserie de imágenes que se proyectan al inicio de la película, acom-pañando a los títulos de crédito, corresponden a las diapositivasque Kate descubrirá más adelante en la buhardilla de la casa. O laforma en que el Director utilizar las diversas músicas oyéndoseen lugares distintos de donde se encuentran los protagonistas hastaculminar con la canción de The Platters que se oye en el amargoplano final de la película.

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¿ángel o diablo?15 de junio de 2016 - sesión número 1528 (19:30 horas)

Título original: Fallen Angel.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Otto Preminger (1945).

Producción: 20th Century Fox.

Argumento: La novela de Mary Holland.

Guión: Harry Kleiner.

Fotografía: Joseph LaShelle.

Música: David Raksin.

Efectos especiales: Fred Sersen

Actores: Dana Andrews (Eric Stanton), Alice Faye(June Mills), Linda Darnell (Stella), CharlesBickford (Mark Judd), Anne Revere (Clara Mills),Bruce Cabot (Dave Atkins), John Carradine(Profesor Madley), Percy Kilbride (Pop), OlinHowlin (Joe Ellis)

Duración: 95 minutos.


Eric Stanton se ve obligado a bajar del autobús en que viaja porque no tienedinero para todo el trayecto. Es así como llega a un pueblo desconocido,donde empieza a frecuentar un local de comidas, cuya principal atracciónes una hermosa camarera llamada Stella.

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Otto Preminger (Viena, 1906-Nueva York, 1986) es uno de losgrandes nombres del cine americano y, a la vez, uno más de losmuchos que gracias a Hitler y el nazismo se vieron obligados ahuir de Europa para enriquecer la producción de Hollywood.Cursó estudios de Filosofía y de Leyes pero pronto mostró una in-vencible atracción hacia el teatro, en el que trabajó como actor.Licenciado en Derecho en la universidad de Viena, su interés porel teatro le llevó a colaborar con Max Reinhardt y dirigir obras degran éxito. En 1925 se trasladó a Hollywood para dirigir Liebel,permaneciendo ya en Estados Unidos de manera definitiva a partirde 1935. Amigo y colaborador de Lubitsch, en 1954 formó su pro-pia compañía productora. Títulos como Laura (1944), Ángel o dia-blo (1945), Al borde del peligro (1950), Cartas envenenadas(1951), Cara de ángel (1953), Río sin retorno (1954), CarmenJones (1954), Porgy and Bess (1958), Éxodo (1960), Tempestadsobre Washington (1962), El Cardenal (1963) forman el soportedel prestigio de Preminger, desgraciadamente arruinado por suspelículas siguientes, en las que hay títulos de muy bajo nivel, hastacerrar la filmografía con una frustrante El factor humano (1980),rodada seis años antes de su muerte. Pero si esta es una carrerairregular, con altibajos muy considerables, no es menos cierto queentre los títulos que hemos citado hay algunos de inevitable refe-rencia al hacer un balance del cine estadounidense en torno a lamitad del siglo XX, entre ellos la poderosa Anatomía de un asesi-nato, que pudimos ver en nuestro Cine Club el 13-06-2007 como

cierre de la temporada de aquel año. ¿Ángel o diablo? (El ángelcaído, en su traducción literal) es cine negro en estado puro; ro-dada al año siguiente de Laura sirve a Preminger para profundizaren muchos de los aspectos que había expuesto en aquél film his-tórico y modélico, como la observación de los rincones más tur-bios de la sociedad americana, aún convulsionada por losestertores de la II Guerra Mundial. Fiel a un esquema clásico, lallegada de un desconocido a una pequeña sociedad rural producirála alteración de las rutinas consolidadas, sobre todo en el ánimode dos mujeres de características contrapuestas, dando lugar a laaparición de personalidades ambivalentes y situaciones conflicti-vas, hasta formar el tradicional triángulo. Entre ellas está el hom-bre, un desconocido, el mismo Dana Andrews que había triunfadoen Laura, cínico, egoísta, un buscavidas sin aparente pasado y ala búsqueda de un futuro a cualquier precio, que encuentra en lasensualidad de June la oportunidad de conseguirlo, aún pasandopor el crimen. Todo ello tiene un espacio muy concreto, el sórdidobar Pop’s, convertido por la habilidad de Preminger en un perso-naje más de la acción, como también lo es la canción Slowly queemite una máquina de discos. Puro cine negro, para disfrute deaficionados en general y nostálgicos en particular.

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Cine-fórumuna cita mensual para ConoCer, esTudiar, analizar, ComenTar el hecho cinematográfico

Desde el Cine-Club Chaplin promove-mos la realización de CINEFÓRUM conel objetivo de mantener un permanenteámbito de conocimiento y discusión entorno a los diversos matices que ofrece eldesarrollo del cine, mediante el análisisde cuestiones históricas, técnicas, argu-mentales, etc., buscando siempre lavinculación entre el hecho cinematográ-fico y la sociedad en que vivimos.

Las sesiones de CINEFÓRUM tienenlugar una vez al mes, en la sede de laUIMP (plaza de Palafox), a las siete de

la tarde y están abiertas a cualquier per-sona que quiera asistir y participar.

Un especialista propone un tema de aná-lisis vinculado a una película clásica quese proyecta a continuación y sobre la quefinalmente se establece el debate.

Para el segundo trimestre del año 2016, las sesiones previstas son:

13 Jueves, 21 de abril: LA NARANJA MECÁNICA, de Stanley Kubrick.

Intervendrá José Luis Muñoz, escritor y editor, Presidente del Cine-Club Cha-plin de Cuenca; nos acercará a las obsesiones creativas de un director deculto a través de esta controvertida película.

14 Jueves 19 de mayo: CIELo SobRE bERLíN, de Wim Wenders.

Intervendrá Ángel Luis Luján, investigador y poeta; nos invita a esta fasci-nante propuesta cargada de emociones líricas, basada en un guión escritopor Peter Handke en colaboración con el director.

15 Jueves 9 de junio: MÁS DURA SERÁ LA CAíDA, de Mark Robson

Intervendrá José Vicente Ávila, cronista de la intra-historia de Cuenca, arti-culista y comentarista especializado en el ámbito deportivo y taurino;hablará de la corrupción en las diferentes esferas del deporte profesional.

A comienzos de temporada, ladirectiva del Cine Club empezóa desarrollar la idea de publicaruna revista anual que, por unlado, pudiera servir de órganopara recoger la actividad in-terna, dejando constancia es-crita de lo que hacemos, y porotro fuera vehículo de expresiónpara aquellos socios que ten-gan ganas de escribir y expresarsu pensamiento sobre cuestio-nes cinematográficas.

Aquello, que era un propósito,ha ido evolucionando a lo largode la temporada y ahora nosencontramos ya en plena preparación del primer número,que deseamos entregar a los socios coincidiendo con la úl-tima sesión de la temporada.

Tiempos modernos es el título elegido para bautizar estanueva criatura. Nos parece adecuado, por chapliniano y porreflejar perfectamente lo que el cine vino a ser en su apari-ción y sigue siendo, como arte de nuestro tiempo.

Desde aquí invitamos a participar en este proyecto a cual-quier socio del Cine Club que desee hacerlo.

Hay dos caminos: el artí-culo y la carta al director.

El artículo requiere que,previamente, se nos co-munique el tema o asuntoque se desea analizar,con el fin de estudiarlo enel Consejo de Redacción yver su viabilidad teniendoen cuenta los demás artí-culos que se están elabo-rando. basta con dirigirun mensaje al correoelectrónico del Cine Cluby nos pondremos en con-tacto con el autor para co-mentar su proyecto.

En cuanto a otro tipo de comunicados (sugerencias, ideas,quejas, comentarios sobre algún aspecto del Cine Club o delcine en general o en Cuenca en particular) se pueden enviardirectamente también al correo electrónico, siempre conidentificación personal del firmante.

Esperamos y deseamos contar con una amplia participacióncolectiva para llevar adelante este proyecto.

El 15 de junio, en la despedida, podremos ver el resultado.

Cine-Club Chaplin de Cuenca Temporada XLV

Foto portada: Charles Chaplin enTiempos modernos (Modern times, 1935)

Imprime: Imprenta Provincial. Sargal 6 bajo16002 Cuenca.

Depósito legal: CU-1-2014

ESTE PRoGRAMA SE EDITA CoN LA CoLAboRACIÓN DE

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