CONTEXTO DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORANEO PAOLA BELTRAN GRANADOS

LIC. EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Vincent Willem van Gogh

Vincent Willem van Gogh nació en Groot-Zundert, Holanda, el 30 de marzo de 1853. Su padre fue un pastor protestante, Theodorus van Gogh, y su madre, Anne Cornelia, quienes tuvieron seis hijos, entre ellos Vincent.

Vincent Willem van Gogh realizó sus primeros estudios en su pueblo, y luego en el internado privado en Zevenbergen en 1864 y más adelante en Tilburg de 1866 a 1868, en que regresa a su tierra natal.

En 1969 fue a La Haya a trabajar en una galería de arte, y continúa sus trabajos en Bruselas. Más adelante viaja a realizar labores en Londres, donde se enamora de Ursula Loyer, pero es rechazado y se sume en tristeza, se vuelca a la religión y descuida su trabajo.

Continúa trabajando en París, pero es despedido en 1876 por abandonar sus responsabilidades laborales. Van Gogh tuvo una personalidad bohemia, apasionado y de mal carácter, reconocido por él mismo en cartas familiares.

La pintura lo ayudó a sobrellevar su soledad, que lo atormenta durante su vida. Así buscó refugio en sus pinceles, el tabaco y el alcohol. No logró formar una familia. Se supone que se relacionó con prostitutas de burdeles.

Fue internado por propio pedido, en el manicomio de Saint-Paúl-de-Mausole, después de haberse cortado la oreja izquierda. Sufría de epilepsia. Alrededor de 1885 comienza a manifestarse una psicosis, que va gradualmente en aumento.

Su vida es costeada por su hermano Théo, quien pagó sus deudas. El pintor, en vida no obtuvo dinero de sus obras, exceptuando 400 francos que se lograron con la venta de "La viña roja". Más adelante estuvo atendido por un médico de Auvers, a quien retrató "El doctor Paúl Gachet", en 1890.

En ese mismo año, 1890, luego de terminar su obra "Cuervos sobre el trigal", se disparó un tiro el 27 de julio de 1890 y falleció dos días más tarde. Escribió más de 700 cartas a su hermano Théo, las que fueron publicadas en 1911, y completan su biografía y la nómina de su obra, cuantiosa, unos 750 cuadros y 1600 dibujos.

En 1973 se inauguró en Amsterdam el Museo Vincent Van Gogh, en donde se pueden observar alrededor de un millar de pinturas, dibujos y cartas del artista.

PABLO PICASSO

(Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.

Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería su marchante por siempre, Daniel-Henry Kahnweiler.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo. A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de

flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominó collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

IMPRESIONISMO

El impresionismo es una corriente artística surgida en el siglo XIX. Su corriente más famosa está vinculada a la pintura: los pintores impresionistas retrataban objetos de acuerdo a la impresión que la luz produce a la vista y no segú n la supuesta realidad objetiva. El movimiento impresionista se desarrolló en Francia y luego se expandió a otros países europeos. Al plasmar la luz en los cuadros, se dejaba de lado la identidad de aquello que la proyectaba.

El impresionismo muestra una preponderancia de los colores primarios, utilizados sin mezcla. Los tonos oscuros, en cambio, no son usuales. Los impresionistas postularon los principios del contraste cromático, que suponen que cada color es relativo a los colores que le rodean.

Los artistas impresionistas, por otra parte, solían pintar sin intención de ocultar las pinceladas fragmentadas. De esta forma demuestran cómo, bajo ciertas condiciones, la perspectiva permitía que distintas partes inconexas dieran lugar a un todo unitario. Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Armand Guillaumin y Edgar Degas son algunos de los máximos exponentes de la pintura impresionista. Cada uno, sin embargo, mantuvo un estilo personal dentro de las características de estilo compartidas por todos los integrantes del movimiento.

Fuera de la pintura, se conoce como impresionismo al estilo musical o literario que refleja una cierta experiencia a través de una selección subjetiva de algunos de sus componentes. En el caso de la música, el impresionismo surgió entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX en Francia, con compositores que desarrollaron distintas combinaciones de instrumentos para ampliar la riqueza tímbrica.

JEAN-LÉON GÉRÔME

Nació en Vesoul, Alto Saona, Francia. Se fue a París en 1841 para estudiar en la Académie Julian donde trabajó para PPaul Delaroche a quien acompañó a su viaje por Italia (1844-1845). A su regreso a Francia exibió su obra Pelea de gallos con la que ganó una medalla de tercera clase en 1847. Fue su primer premio. En los años venideros su popularidad y prestigio fueron agrandándose, consiguiendo un gran reconocimiento por sus obras.

En 1854 Gérôme hizo un viaje a Turquía y a las orillas del Danubio. En 1857 visitó Egipto. Bastantes de sus obras están inspiradas e impregnadas de lugares y entornos que el artista visitó en sus viajes.

Con su obra César (1859), Gérôme intentó volver a los orígenes de su trabajo, pero la pintura no recibió demasiado interés por parte del público. Cuadros posteriores del pintor, no sólo no le devolvieron su reputación perdida, sino que además consiguió que parte del público se escandalizara por los temas que el artista seleccionaba para sus obras. Esto le trajo como consecuencia algunos ataques por parte de Paul de Saint-Victor y Maxime Du Camp. Jean-Léon Gérôme fue elegido miembro del Institut de France en 1865. Murió en 1904 y fue enterrado en el Cementerio de Montmartre, París.

PIEDRA LITOGRAFICA

Para este tipo de impresión se utiliza una piedra caliza pulimentada sobre la que se dibuja la imagen a imprimir (de forma invertida) con una materia grasa, bien sea mediante lápiz o pincel. Este proceso se basa en la incompatibilidad de la grasa y el agua. Una vez la piedra humedecida, la tinta de impresión solo queda retenida en las zonas dibujadas previamente.

Para cada color debe usarse una piedra distinta y, evidentemente, el papel tendrá que pasar por la prensa de imprimir tantas veces como tintas se empleen. En los carteles impresos mediante el sistema litográfico, tan frecuentes en la segunda mitad del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX, se utilizaban quince, veinte o más tintas. Entre ellos son de destacar los que anunciaban las corridas de toros, los de las Semana Santa, y los diseñados durante la Guerra Civil española.

En una imagen litográfica las letras no pueden ser retiradas y reutilizadas en otro sitio: son únicas y precisan redibujarse, o copiarse, para cada uso. El litógrafo podía reproducir una

imagen «única» dibujada, combinando texto e imagen en complicadas disposiciones formales del color. El proceso cromolitográfico alcanzó su cima durante el siglo XIX. La mejora en los métodos del fotograbado (el grabado de una imagen fotográfica en una plancha metálica recubierta con una capa sensible y «mordida» después con ácido, obteniéndose así una imagen impresora en relieve) amenazó la supervivencia de la litografía, conduciendo a su progresivo declive a partir de la década de 1890.

El inventor de este sistema de impresión fue el tipógrafo alemán Alois Senefelder (1771-1834). Aunque este procedimiento fue extensamente usado con fines comerciales, la mayor parte de los grandes pintores de los siglos XIX y XX también lo emplearon ya que facilitaba obtener un cierto número de copias de un mismo trabajo: Picasso, Toulouse-Lautrec, Joan Miró, Piet Mondrian, Ramón Casas, Antoni Tàpies, Alphonse Mucha, Federico Castellón, etc.

PLANCHAS DE CHARLES BARGUE

Plancha 1

PLANCHA 2

PLANCHA 3

PLANCHA DE MANOS

ODD NERDRUM

Odd Nerdrum (nacido el 8 de abril de 1944 en

Helsingborg, Suecia), es un pintor figurativo noruego.

Los temas y el estilo en el trabajo de Nerdrum hacen

referencia a la anécdota y la narrativa, mientras que

las influencias primarias de los pintores Rembrandt y

Caravaggio colocan su obra en conflicto directo con la

abstracción y el arte conceptual considerados

aceptables en gran parte de su Noruega natal, y en

oposición al arte de la época.

Nerdrum crea de seis a ocho cuadros al año. Estos

incluyen bodegones de pequeños objetos de uso

cotidiano como ladrillos, retratos y autorretratos

cuyos temas están vestidos como de otro tiempo y lugar, y pinturas de gran formato, de

naturaleza alegórica que presentan un sentido de lo apocalíptico y de nuevo referidas a

otro tiempo.

Nerdrum dice que su arte debe ser entendido como kitsch en lugar de arte como tal. "On

Kitsch", un manifiesto compuesto por Nerdrum describe la distinción que hace entre

kitsch y arte.

ARTE KITSCH

Palabra alemana de uso universal. Cursi, de mal gusto. Se denomina así a objetos

caracterizados por supuesta inautenticidad estética y su formalismo efectista, que

persigue una gran aceptación comercial.

El kitsch, como categoría artística, funciona dentro del

contexto aristocrático -enjuiciador que determina un “buen”

y un “mal” arte... cuanto más productos kitsch hayan, más

brillará la apreciación de la autenticidad del arte, como sello

de garantía del mismo.

De este modo, se establece que el kitsch no es algo

simplemente alejado del arte, sino su antítesis: este estilo

posee las características extrínsecas de aquél, pero funciona

como su negación.

La esencia del kitsch, para los moralistas del arte, consiste en la sustitución de la categoría

ética con la categoría estética: el artista o realizador se impone generar no “un buen

trabajo”, sino un trabajo “agradable” , dado que lo que más importa es el efecto.

El kitsch, según el concepto común que se tiene del mismo, no pretende ni pide nada más

a los espectadores que su dinero, ni siquiera su tiempo

(tiempo aplicado a la reflexión de la obra, por ejemplo).

Aunque, aún hoy en día, todavía a la producción de kitsch se

le mira en menos, considerándosele una forma de mentira

artística, cabe resaltar que los intelectuales se encuentran en

un proceso de re valoración de este estilo, preguntándose si

existe efectivamente una diferencia real entre arte y kitsch;

esto a raíz de, por ejemplo, la constatación de paralelos tales

como que las vanguardias funcionan imitando los procesos

del arte, y el kitsch imitando sus efectos, y de que el kitsch sería la otra cara de la moneda

artística: en una sociedad en la que el único lenguaje estético que reciben las masas está

modulado ‘en clave kitsch’, se debe reflexionar profundamente sobre su reivindicación.

De este modo, el “arte” y el “kitsch” comienzan a olvidarse como dos polos opuestos y

antagónicos.

Einstein, Albert: "El arte es la

expresión de los más

profundos pensamientos por

el camino más sencillo."