RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA

Miércoles 10 de septiembre de 2014 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Jueves 11 de septiembre de 2014 • 7:00 p.m.Armenia, Auditorio Colombia del Armenia Hotel.

Viernes 12 de septiembre de 2014 • 7:00 p.m.Florencia, Auditorio Ángel Cuniberti de la Universidad de la Amazonia

Lunes 15 de septiembre de 2014 • 7:00 p.m.Leticia, Auditorio Banco de la República

CUARTETO MANDELRING, cuarteto de cuerdas (Alemania)

Foto: Uw

e Arens

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o

fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga

apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e

intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

Los conciertos realizados en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango están autorizados por laDirección Administrativa de la Secretaría de Gobierno de Bogotá, mediante la Resolución 071 del 14 de

febrero de 2014.

1

Piensa diferente

Hace algunos años una reputada empresa fabricante de computadores lanzó una campaña en la que mostraba un video con grandes personalidades, incluyendo científicos y artistas a los cuales agrupaba bajo el slogan Think different (piensa diferente). Claramente lo que pretendía esta campaña era asociar los pensamientos de avanzada con la marca del computador y, por transitividad, hacerle sentir al comprador que si él quería ser como estas personas, debería tener un computador de la empresa anunciante. La campaña hacía uso de videos en blanco y negro y presentaba a personas como Alfred Hitchcock, Jim Henson (creado de los Muppets), Bob Dylan, John Lennon, la coreógrafa Martha Graham y María Callas.

El Cuarteto Mandelring visita Colombia con dos programas diferentes en los que harán una demostración de por qué el cuarteto de cuerdas es quizás uno de los aportes más grandes que se hicieran al desarrollo de la música. El formato, consolidado por Joseph Haydn (1732-1809) ha sido una plataforma para el desarrollo de ideas musicales que crecen, se transforman y permean no solo a otras composiciones para cuarteto de cuerdas sino a estructuras musicales más grandes como son sinfonías, oratorios u óperas. La economía de las cuatro voces del cuarteto ofrece una practicidad que no tiene una orquesta sinfónica a la hora de experimentar, al tiempo que la riqueza de sus texturas y colores ofrece algo que trasciende al piano o a cualquier otro instrumento solo.

Los compositores de las obras que el Cuarteto Mandelring va a interpretar durante su visita a Colombia podrían, sin lugar a duda, haber aparecido en el comercial de Think different si hubiese existido video de ellos o, en el caso de Ligeti y Shostakovich, si sus rostros fueran tan conocidos como los de Ghandi o Einstein. Beethoven rompió con la estética clásica, equilibrada y respetuosa para infundir criterio, ímpetu y decisión propia en sus obras. Mendelssohn le dijo a sus contemporáneos que se podía aprender del pasado y encontrar en la música de Bach un legado que hoy sigue brindando lecciones de ingenio en la composición. Shostakovich aguantó la represión del régimen soviético y fue una voz disidente que daba a entender que el sentimiento de impotencia de muchos de sus compatriotas era compartido. Schubert, muerto a la corta edad de 31 años, nos legó una inmensa colección de música de cámara que hoy día sigue siendo de obligatorio estudio para cantantes, pianistas y otros instrumentistas. Finalmente, Ligeti, compositor vanguardista del siglo XX, que fácilmente podría haber sido un compositor protegido por el círculo de compositores dodecafonistas o por el círculo de músicos fieles a Stockhausen, decidió ser él mismo con voz propia, forjando una música que lentamente ha ido consolidándose como una de las más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

El cuarteto de cuerdas, legado de Haydn, sigue siendo hoy, de manera paradójica, una plataforma para que muchos compositores encuentren la manera de pensar diferente. La solidez de esta tradición es la que escucharemos en los dos conciertos del Cuarteto Mandelring.

2

Sebastian Schmidt y Nanette Schmidt, violines; Roland Glass, viola y Bernhard Schmidt, violonchelo

Años atrás, en 2008, el periódico Frankfurter Allgemeine declaró que el Cuarteto Mandelring era tan talentoso que lograba ser un digno sucesor del Cuarteto Alban Berg. Al escribir sobre su ciclo de Shostakovich en el Festival de Salzburgo, la revista de artes líder en Austria, Die Bühne, lo designó como el heredero del legendario Cuarteto Borodin; y la renombrada revista musical Fono Forum lo cuenta entre uno de los seis mejores cuartetos de cuerdas del mundo.

En ese deseo que comparten de hallar el punto más íntimo de la música y de permanecer siempre abiertos a la verdad misma de ella, los cuatro miembros de Mandelring llegan a convertirse en uno solo. Estos artistas exploran muy a fondo cada obra y, por tanto, logran revelar las múltiples capas de significado inherentes a ellas. Su acercamiento a la música es siempre personal y emocional. Su expresividad e increíble homogeneidad de sonido y estilo se volvieron sus características distintivas.

El éxito que obtuvieron al ganar algunos concursos importantes —El ARD en Múnich y el Evian y Reggio Emilia (Premio Paolo Borciani) — fue el impulsor de su carrera internacional. Además de varias presentaciones en Alemania, las giras de concierto del Cuarteto Mandelring los ha llevado alrededor de Europa —Ámsterdam, Bruselas, Londres, París y Viena—; anualmente a Norteamérica —Nueva York, Washington D. C., Chicago, Los Ángeles y Vancouver—; a Japón —Osaka y Tokio—; a Suramérica —Buenos Aires, Lima, Bogotá y Montevideo—, al Medio Oriente y Asia.

3

Así mismo, ha realizado presentaciones altamente exitosas en festivales internacionales, entre los que se destacan los de Lockenhaus, Montpelier, Montreal, Ottawa, el Festival de Música Schleswig-Holstein, el Festival Enescu (en Bucarest) y el Festival de Salzburgo.

Numerosas grabaciones en discos compactos, la obtención del Premio de la crítica discográfica alemana en repetidas ocasiones y la nominación al Premio de Música Clásica Internacional confirman la calidad excepcional del Cuarteto Mandelring y su amplio repertorio. Su grabación de los cuartetos de cuerdas de Shostakovich ha sido alabada por la prensa como una de las grabaciones integrales más excepcionales de nuestros tiempos. Los discos de obras de Schubert y Schumann fueron seleccionados para marcar un nuevo estándar o punto de referencia en las presentaciones musicales, y su disco compacto de los cuartetos de cuerdas de Leos Janáček ha recibido varios premios. En la actualidad, el cuarteto se encuentra terminando la grabación de la música de cámara para cuerdas de Mendelssohn, con tres de los cuatro discos compactos de la colección ya lanzados.

Desde 2010, el cuarteto ha presentado periódicamente series de conciertos en el Salón de Música de Cámara de la Filarmónica de Berlín, y en su ciudad natal, Neustadt, en la Ruta del vino de Alemania. También ha presentado ciclos completos de los quince cuartetos de Shostakovich en Berlín y en el Festival de Salzburgo, entre otros.

4

INTERMEDIO

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)

FELIX MENDELSSOHN (1809-1847)

DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975)

Cuarteto No. 2 en sol mayor, Op. 18 No. 2

AllegroAdagio cantabileScherzo. Allegro

Allegro molto, quasi Presto

Cuarteto No. 6 en fa menor, Op. 80 Allegro vivace assai

Allegro assaiAdagio

Finale: Allegro molto

Cuarteto No. 2 en la mayor, Op. 68Obertura: Moderato con motoRecitativo y Romanza: Adagio

Vals: AllegrettoTema y variaciones: Adagio-Moderato

con moto

CONCIERTO No. 59

PROGRAMA

5

NOTAS AL PROGRAMA

Por Jaime Ramírez

El cuarteto de cuerdas se ha definido progresivamente como el género más sofisticado en el ámbito de la música de cámara. Desde finales del siglo XVIII, junto con la sinfonía, ambos géneros acompañaron los cambios estéticos y sociales de Europa, convirtiéndose en estandartes de la emancipación de la música instrumental y reclamando especial atención tanto de compositores como de audiencias. A medida que el cuarteto se alejaba de predecesores como el divertimento, el género se consolidó dejando de ser un evento social de entretención privada para transformarse en un modelo de interacción dramática donde la música supliría todas las necesidades sintácticas de cualquier libreto.

Más que una conversación privada en un escenario, el cuarteto de cuerdas se presenta para la audiencia como una partida de ajedrez entre cuatro participantes que, en lugar de derrotarse mutuamente, buscan en conjunto la solución a un conflicto determinado por las reglas de un juego que se desenvuelve en el tiempo. Es así como cada integrante del ensamble hace partícipe a la audiencia de un evento eminentemente comunicativo, todo a través de un lenguaje que, aunque desprovisto de palabras, es intensamente expresivo.

Es indudable la importancia que Ludwig van Beethoven (1770-1827) ha tenido en el desarrollo de la cultura musical desde finales del siglo XVIII hasta nuestros días. Su incursión en los géneros instrumentales del Clasicismo definió los rumbos estéticos y formales que tomaron sus contemporáneos y sucesores; asimismo, sentó a través de su obra las posibilidades armónicas y contrapuntísticas que propiciaron el cambio de estética hacia el Romanticismo. Paradójicamente, en el siglo XIX la constante discusión entre los defensores de la música absoluta y la música programática encontró en Beethoven el modelo a seguir en defensa o detrimento de las dos tendencias. Desde muchos puntos de vista, Beethoven se convirtió en el ideal estético sobre el cual deberían soportarse diversas iniciativas artísticas.

Los Cuartetos de cuerda Op. 18 son una colección de seis cuartetos publicados en 1801 y compuestos entre 1798 y 1800 por una comisión del príncipe Joseph Franz Maximilian Lobkowicz. Se consideran unas de las últimas obras pertenecientes al primer periodo (o periodo de formación) de Beethoven. En las composiciones de este periodo se evidencia la influencia de músicos como Clementi, Dussek y, de manera especial, Haydn. Si bien no se debe considerar que Beethoven imitaba el estilo de este último, la

6

manera particular en que desarrolla los motivos melódicos e incrementa la textura instrumental mediante un controlado proceso contrapuntístico deja traslucir una apropiación de las diferentes técnicas que Haydn cristalizó y con las cuales consolidó uno de los géneros más representativos para el siglo XVIII.

El cuarteto que abre el programa de hoy es conocido popularmente como el Komplimentier quartett “Cuarteto de cortesía”, término heredado en parte del carácter jovial y galante de su primer movimiento. Estructurado en forma sonata, el primer movimiento se podría describir como una amable conversación entre los cuatro instrumentos, que desarrollan en conjunto cada uno de los temas. En él se puede apreciar una de las características que han sido determinantes en el lenguaje musical de Beethoven: las ideas melódicas se generan a partir de pequeños motivos rítmicos que se secuencian progresivamente hasta lograr articulaciones cadenciales.

El segundo movimiento es un adagio cantabile en forma A-B-A. Este movimiento fue modificado por el compositor poco antes de su publicación, pues inicialmente consistía en un pequeño rondó de cinco partes (A-B-A-C-A); en su lugar, Beethoven presenta una sección contrastante al cantabile que abre el movimiento, incrementando el tempo y cambiando tanto la métrica como la tonalidad. Si bien las dos secciones de este movimiento mantienen una relación motívica muy cercana, la sección central (parte B) funciona como una aparición anticipada del carácter del scherzo del siguiente movimiento.

Esta relación entre los movimientos se confirma con la aparición del tercero, que consiste en un verdadero scherzo donde se sintetizan los motivos de los dos anteriores. La obra cierra con movimiento rápido, allegro molto quasi presto, también en forma sonata, donde el protagonismo temático que inicialmente presenta el violonchelo se distribuye entre todos los integrantes del ensamble de manera brillante.

Félix Mendelssohn (1809-1847) fue uno de los músicos más favorecidos por el destino en el siglo XIX. Niño prodigio en una familia acomodada, tuvo acceso a la mejor educación tanto humanística como musical de su época. En una posición privilegiada, el joven Mendelssohn logró desarrollar sus capacidades artísticas impresionantemente rápido y consolidarse como uno de los mejores y más completos músicos del momento. Charles Rosen describe su genialidad prodigiosa:

Mendelssohn fue el más grande niño prodigio que la historia de la música occidental haya conocido. Ni Mozart ni Chopin a los 19 años podrían igualar la maestría que

7

1 Charles Rosen, The Romantic Generation, Cambridge: Harvard University Press, 1995, p. 569.

Mendelssohn ya poseía a los 16. Más impresionante aún es la naturaleza de su precioso talento: no solo un don para las líneas melódicas líricas y delicadas y las texturas transparentes, sino sobre todo un control de las estructuras a gran escala, que no pueden ser igualadas por ningún músico de su generación.1

Entre los compositores que ejercieron mayor influencia en la vida de Félix Mendelssohn, su propia hermana, Fanny Cäcille (1805-1847), ocupó un lugar particularmente especial: su relación transcendía los límites de una conexión fraternal. Cuatro años mayor que Félix, Fanny fue su acompañante y mentora, con quien mantuvo continuamente profundas discusiones musicales e intelectuales. Fanny murió de manera inesperada en mayo de 1847 a causa de un derrame cerebral; la noticia de su muerte afectó enormemente a Félix, quien debió suspender todas sus actividades y retirarse a Suiza, donde compuso su último cuarteto en homenaje a su hermana. El estreno del Cuarteto No. 6, en fa menor Op. 80, considerado un “Réquiem para Fanny Mendelssohn”, estuvo a cargo de Ignaz Moscheles en una presentación privada en octubre de 1847. La salud de Félix continuó deteriorándose rápidamente, hasta su muerte en Leipzig, un mes después, el 4 de noviembre de 1847.

Organizado en cuatro movimientos, el Cuarteto No. 6 es claramente autobiográfico y describe la agitación interna que vivía el compositor. El primer movimiento se caracteriza por un contrapunto constante en el cual, retomando la reiteración motívica de Beethoven, Mendelssohn logra desarrollar un intenso tejido instrumental que de manera irrefrenable lleva la música hasta el final del movimiento sin permitir la sensación de resolución o reposo por parte del oyente.

El segundo movimiento está escrito a la manera de un scherzo oscuro; allí, las síncopas entre el primer violín y el resto del cuarteto desembocan en impactantes bloques de unísonos y octavas. El trío de este movimiento genera una impresión aún más siniestra, rompiendo la textura del ensamble en dos registros que progresivamente generan la tensión necesaria para retomar el inicio del movimiento, pero sin proporcionar todavía sentimiento alguno de resolución o sosiego emocional.

Como un momento de inesperada claridad, el tercer movimiento presenta el carácter de una “canción sin palabras” y adquiere la connotación de una elegía mientras toma de nuevo gestos entonativos de los movimientos anteriores. El movimiento final cierra el cuarteto de manera cíclica, retomando la intensidad rítmica del movimiento inicial pero intensificando un carácter eminentemente trágico.

8

2 Malcom Hamrick Brown, A Shostakovich Casebook, Bloomington, Indiana: Indiana University Press, 2004, p. 340.

La vida y obra de Dimitri Shostakovich (1906-1975) se caracterizaron por fuertes contrastes: paradójicamente, momentos cargados de gran intensidad visceral eran acompañados por situaciones contradictoriamente sarcásticas. Considerado uno de los más talentosos compositores soviéticos de inicios del siglo XX, Shostakovich vivió constantemente sometido a las presiones políticas y sociales del régimen de Stalin; las situaciones de su entorno, contrapuestas a sus ideales altruistas de humanismo y servicio, fueron la motivación para desarrollar un lenguaje musical abrumador con un enorme contenido emocional.

Gran parte de las obras de Shostakovich han sido consideradas representaciones del profundo sufrimiento de su sociedad. Relatos de emociones, de actitudes e incluso de ideas políticas revolucionarias se han interpretado a través de un sistema de alusiones que transmitían a las audiencias mensajes de esperanza y de protesta; algunos musicólogos llamaron a este sistema de comunicación “notas en la botella”, emulando la imagen de un náufrago que trata de comunicarse con el mundo exterior en busca de ayuda. Malcom Brown hace referencia a este tipo de comunicación especial que Shostakovich generó con su audiencia:

La música de Shostakovich hablaba solamente a las audiencias soviéticas, a las que ayudó a hacer tolerables unas condiciones que sobrepasaban cualquier posibilidad de ser toleradas; ofreció consuelo espiritual en medio de la acumulación de situaciones indignantes en las vidas degradadas por la propaganda política y la corrupción de los empleados oficiales.2

Shostakovich compuso el Cuarteto en la mayor No. 2, Op. 68 en septiembre de 1944, en una residencia de retiro creativo en Ivanovo, pequeña ciudad a unos 300 kilómetros al noreste de Moscú. Para entonces ya había compuesto ocho de sus quince sinfonías y cinco óperas, incluyendo la controversial Lady Macbeth. Gran cantidad de las obras de Shostakovich compuestas durante la Segunda Guerra Mundial se caracterizaron por la reutilización de temas nacionalistas con una fuerte carga emocional; al mismo tiempo, elementos derivados de la tradición musical judía fueron fuente de gran interés temático.

A medida que las tropas soviéticas entraron a los territorios ocupados por el régimen nazi, se dieron a conocer las atrocidades causadas en contra de la comunidad soviético-judía. Como una voz de solidaridad hacia la tradición judía y un marcado rechazo a diferentes posturas antisemitas, Shostakovich mantuvo en sus obras constantes referentes a la música judía. Durante su estadía en Ivanovo, compuso el Trío para piano No. 2 y el Cuarteto No. 2; en ambas obras se desarrollan por igual los elementos derivados del nacionalismo ruso y de la tradición judía. Las dos fueron estrenadas el 12 de noviembre de 1944 en Leningrado.

9

El Cuarteto No. 2 mantiene algunas de las características formales que han sido tradicionalmente conservadas en este género: cuatro movimientos, empleo de la forma sonata en el movimiento inicial, un movimiento interno en tempo lento y cantabile, y otro movimiento en forma de danza. Por otro lado, al tiempo que mantiene estas convenciones formales, la obra presenta un lenguaje avasalladoramente innovador; los compuestos tímbricos y rítmicos generados entre los miembros del cuarteto exponen una paleta de expresiones interminable al tiempo que el lenguaje armónico desafía los límites funcionales.

La Obertura es el primer movimiento; como se mencionó anteriormente, se encuentra en la forma sonata tradicional. En esta forma, el primer tema es característicamente enérgico y entra en conflicto con uno secundario que, en esta ocasión, reemplaza el lirismo tradicional por una alusión al vals; este último reaparecerá en el tercer movimiento.

El segundo movimiento es un recitativo a cargo del primer violín, que es acompañado por los demás instrumentos en registros particularmente graves; este recitativo enmarca a la romanza, la sección del movimiento, la cual pierde gradualmente su carácter reflexivo para desembocar en la recapitulación del recitativo inicial.

El tercer movimiento retoma el material del vals de la obertura pero se caracteriza por un timbre siniestramente oscuro. El movimiento final consiste en un tema guturalmente soviético y desarrollado a través de trece variaciones. Desde el primer movimiento y a medida que la obra se desenvuelve, el vigor y la energía de la tonalidad de la mayor se desfiguran progresivamente y la vitalidad inicial se cambia por una profunda melancolía que resuena en la tonalidad de La menor del último movimiento. Esta constante introversión parece robustecer el espíritu de una manera que solo Shostakovich podría lograr a través de su música.

Biblioteca Luis Ángel ArangoCalle 11 # 4 - 14

Ahora usted puede Red de BibliotecasLa Red de Bibliotecas está compuesta por la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, 20 bibliotecas, 10 áreas culturales y 5 centros de documentación y presencia en 28 ciudades del país.

sociosblaa@banrep.gov.co • www.banrepcultural.org

generales

Horario: Lunes a sábado de 8:00 a.m. a 8:00 p.m. • Domingos de 8:00 a.m. a 4:00 p.m. • No hay servicio los días festivos

Biblioteca Luis Ángel Arango @banrepcultural

• Bibliotecas, con excepción de los de consulta limitada.

• • Descuento en boletas para conciertos realizados en la BLAA.• Acceso remoto a algunos recursos electrónicos (bases de datos

especializadas, revistas electrónicas y libros electrónicos) suscritos por la Red de Bibliotecas del Banco de la República.