Download - Programa mensual julio 2009
ÍNDICEProgramación julio 2009
PROGRAMAS DOBLESMonstruos cuadro x cuadro 52
Virginia Woolf y las horas de Orlando 53
Pasiones y provocaciones 54
El blanco humano 55
Ladrones con sentido del humor 56
HiStORiA DEL cinE MuDOHuérfanas de la tormenta 59
Érase una vez 59
El hombre mosca 60
El jorobado de Nuestra Señora de París 60
EStREnOSTres monos: no escucho, no veo, no hablo 6
Reprise: vivir de nuevo 8
Los bastardos 10
cicLOSEl banquete 13
Homenaje Nacional a José Emilio Pacheco 24
Bandas sonoras 30
Escenarios ‘09
José Luis Guerín 36
Godfrey Reggio 37
Retrospectiva Andres Veiel 40
Cine Vasco 44
MAtiné infAntiLLa isla del cangrejo 51
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Abreviaturas
D: DirecciónP: País, añoG: GuiónF en C: Fotografía en colorF en B/N: Fotografía en blanco y negroM: MúsicaE: EdiciónProd: ProducciónDur: DuraciónDist: DistribuciónPC: Procedencia de copia
Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y el día viernes en Diario Monitor, Reforma, Milenio y La Crónica de Hoy.
Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su proce-dencia y a su antigüedad.
El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones. Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite.
impresión:Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.VAv. Plutarco Elías Calles # 1321Col. Miravalle
Portada: Cartel para el ciclo El banquete. Ilustración de Érika Magaña y Haydeé Pichardo.contraportada: Fotografía de José Emilio Pacheco tomada de La Jornada Semanal.
Programación sujeta a cambios. Para mayor información, consulte la página Internetwww.cinetecanacional.neto llame al teléfono 4155 1190.
CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES
Lic. consuelo SáizarPresidenta
CINETECA NACIONAL
Leonardo García tsaoDirector General
Susana López ArandaDirectora de Difusión y Programación
Ángeles Sánchez GutiérrezDirectora de Acervos
nelson carroSubdirector de Programación
Ricardo cázaresSubdirector de Acervos
catherine Bloch GerschelSubdirectora de Investigación
Abel Muñoz HénoninSubdirector de Documentación
Ernesto favela EscalanteSubdirector de Salas y Apoyo Técnico
Melina Diazmercado DelfínJefa de Programación y Enlace Internacional
Programa Mensual de la Cineteca
Roberto Garza iturbideSubdirector de Publicaciones y Medios
Agustín Gendron ZárateJefe de Redacción
Mauricio Matamoros DuránJefe de Información
Jorge Martínez MicherJefe de Publicaciones
érika Magaña EurozaDiseño editorial
Haydeé Pichardo MonroyDiseño de anuncios
Mariana Ruvalcaba RougerioDiseño de encarte
Miriam Jiménez HernándezJorge Magaña MolinaJose Luis Ortega torresOrianna Paz EsmorisJosé Antonio Valdés PeñaInvestigación
Patricia talancón SolorioInvestigación iconográfica
Javier Rodríguez AlmarazExposiciones y montajes
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ulio trae a las pantallas de la Cineteca Nacional varios ciclos relevantes: En primer
lugar, la primera parte de El banquete, extensa degustación fílmica dedicada a la
relación entre el cine y la comida, con filmes agrupados según los tiempos de todo
gran menú que se respete. Asimismo, esta institución se suma al Homenaje Nacio-
nal a José Emilio Pacheco, con cinco de sus colaboraciones cinematográficas junto
al director Arturo Ripstein, así como una adaptación a una de sus novelas. Por su
parte, Bandas sonoras, organizado en conjunto con la estación radiofónica Inter-
ferencia 7DIEZ del IMER, representa una experiencia inédita, en la que un grupo
de reconocidos rockeros mexicanos musicalizarán en vivo cuatro clásicos del cine
silente proyectados en sus versiones originales. También se exhibirán tres programas
que forman parte del Encuentro Internacional bianual Escenarios ‘09, organizado
por el Centro de Capacitación Cinematográfica: Una función especial del filme En
construcción, dirigido por José Luis Guerín, así como dos retrospectivas dedicadas
a Godfrey Reggio y al director alemán Andres Veiel. Los tres realizadores visitarán
la Cineteca Nacional. Por último, se ha programado una completa selección de Cine
Vasco, con nueve filmes recientes representativos de dicha cinematografía. La Mati-
né infantil también forma parte de este ciclo, con la cinta de animación La isla del
cangrejo, de los realizadores Txabi Basterretxea y Joxan Muñoz.
En cuanto a los estrenos, se presentarán Tres monos: No escucho, no veo, no
hablo, filme dirigido por el realizador turco Nuri Bilge Ceylan, y que fue el más visto
dentro de la 50 Muestra Internacional de Cine; Reprise: vivir de nuevo, película
danesa del joven realizador Joachim Trier, y Los bastardos, cinta mexicana dirigida
por Amat Escalante, ganadora de varios premios nacionales e internacionales.
Por su parte, los cinco Programas dobles de julio se dedican a Ray Harryhausen,
dos adaptaciones a obras de Virginia Woolf, Stephen Frears, películas de asesinos
seriales, y un par de cintas de ladrones de alta escuela. Finalmente, el programa
Historia del Cine Mudo presenta Huérfanas de la tormenta (D.W. Griffith, 1921),
Érase una vez (Carl Theodor Dreyer, 1922), El hombre mosca (Fred Newmeyer
y Sam Taylor, 1923) y El jorobado de Nuestra Señora de París (Wallace Worsley,
1923).
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Tres monos: no escucho, no veo, no habloUna película de suspenso psicológico, aparentemente rutinaria dentro del estilo de los films noir,
se convierte en fuerte contendiente en el reino del gran arte en competencia: se trata de Tres
monos: no escucho, no veo, no hablo. En el pasado, Cannes ha sido generoso con el turco Nuri Bilge
Ceylan; sus filmes Uzak y Climas consolidaron sus cartas
de presentación como “autor” en 2003 y 2006. Esta nueva
película representa un cambio brusco ante su estilo anterior:
pudiera ser descrita como un melodrama introspectivo; sin
embargo, tanto visualmente como tonalmente sigue siendo
la quintaesencia de Ceylan.
Ésta es la primera vez que el cineasta se involucra
en una narrativa compleja, dándole vuelo a una historia
complicada que recuerda a las de escritores de novelas
policiacas como Georges Simenon y James M. Cain. Tres
monos consolidará la reputación de Ceylan entre los asistentes a los cines de arte, al mismo
tiempo que, seguramente, logrará atraer nuevos fans. Su inclinación hacia este género lo hará
más atractivo para su exportación, cosa que ni Uzak ni Climas lograron.
El tema de la película, como sucede frecuentemente en el cine negro, es la culpa, así como
el efecto que tiene en quien la acepta o trata de alejarse de ella. El título del filme hace alusión
a la proverbial tercia de primates que tienen fama de no ver, no oír y no hablar, y su narración
comienza en un tono de intranquilidad, durante una noche donde todo está mojado. Vemos
a un hombre de edad mediana dormirse al volante, provocar un grave accidente y huir del
sitio del percance (el que la víctima no se vea a cuadro forma parte del enfoque elíptico de
la película).
Üç maymun
D: Nuri Bilge Ceylan. P: Turquía-Francia-Italia, 2008.
G: Ebru Ceylan, Ercan Kesal y Nuri Bilge Ceylan. f en
c: Gökhan Tiryaki. E: Ayhan Ergürsel, Bora Gök ingöl y
Nuri Bilge Ceylan. con: Yavuz Bingöl (Eyüp), Hatice As-
lan (Jacer), Ahmet Rifat Ungar (Ismail), Ercan Kesal (Ser-
vet), Cafer Köse (Bayram), Gürkan Aydin (el niño). Prod:
Pyramide Productions, Zeynofilm, Nuri Bilge Ceylan, Va-
lerio De Paolis, Cernal Noyan, Zeynep Özbatur, Fabienne
Vonier. Dur: 109 mins. Dist: Cineteca Nacional.
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El culpable es Servet, un político teme-
roso de que el accidente pueda tener un
efecto negativo sobre sus posibilidades de
éxito en las próximas elecciones. Es por ello
que convence al chofer Eyüp (personalizado
por Yavuz Bingöl, un famoso cantante folkló-
rico en Turquía) para que asuma la culpa a
cambio de una suma de dinero que proveerá
seguridad económica a su familia. Así, Eyüp
termina en la cárcel, mientras que su hijo Is-
mael cae en manos de gente malvada, hasta
llegar a casa una noche cubierto de sangre.
Deseando ayudar a su hijo, Hacer, esposa de
Eyüp, visita a Servet, terminando más involu-
crada con él de lo que ella esperaba.
Ceylan y sus co-guionistas —su esposa
Ebru y el actor Ercan Kesai— sistemáticamen-
te evitan darnos información vital, mante-
niéndonos así tan ignorantes como lo están
frecuentemente sus personajes. De forma
crucial, gran parte de la película trata acerca
de las sospechas y ansiedades tanto del pa-
dre como del hijo. Como en sus otros filmes,
Ceylan traza una prolongada y dura mirada
hacia los misterios y las auto-destructivas con-
tradicciones del corazón humano, aunque el
tono sombrío de la película, discutiblemen-
te pesimista, también da lugar al sardónico
humor negro de Ceylan, representado aquí
por un chiste recurrente acerca del elocuente
pero involuntario timbre de un celular.
Habiendo filmado en alta definición, con
tonos acerados y deslavados, Ceylan y el fo-
tógrafo Gökhan Tiryaki aportan hermosas
composiciones de paisajes urbanos que se
han convertido en el sello del director, así
como varios estudios faciales que resultan
más elocuentes que los close-ups para expli-
carnos las emociones de los personajes. La
última escena, —particularmente hermosa—
fue manipulada digitalmente, dotando al
filme de un final abierto que seguramente
impulsará la discusión y provocará que el es-
pectador regrese a verlo por segunda vez.
Jonathan Romney
Revista Screen International
Mayo 16 de 2008
Traducción: Catherine Bloch
A partir del martes 30 de junio
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Reprise: vivir de nuevo
Reprise
D: Joachim Trier. P: Noruega, 2006. G: Joachim Trier y
Eskil Vogt. f en c: Jakob Ihre. M: Ola Fløttum y Knut
Schreiner. E: Olivier Bugge Coutté. con: Anders Daniel-
sen Lie (Phillip), Espen Klouman-Høiner (Erik), Viktoria
Winge (Kari), Henrik Elvested (Henning), Christian
Rubeck (Lars), Odd Magnus Williamson (Morten), Rebe-
kka Karijord (Johanne). Prod: Filmlance International AB,
Spillefilmkompaniet 4 ½, Karin Julsrud. Dur: 105 mins.
Dist: Cineteca Nacional.
Es refrescante ver Reprise: vivir de nuevo, un quijotes-
co y encantador filme noruego cuyos protagonistas
saben exactamente hacia dónde van. Sin embargo, el
drama y el humor salen a flote cuando sus planes defini-
tivos se vuelven incontrolables.
En la escena inicial, los amigos de la infancia Phillip
(Anders Danielsen Lie) y Erik (Espen Klouman-Høiner),
están parados frente a un buzón de correo a punto de
enviar sus primeras novelas a un editor. Y aunque Repri-
se: vivir de nuevo se desarrolla en el Oslo contemporáneo, la idea de que dos jóvenes aspiren
a escribir la gran novela noruega parece más del siglo XX que del XXI. ¿No deberían de estar
creando más bien el gran guión o blog noruego?
De primera mano, Reprise… es una reflexión acerca de la fama y su capacidad para
ocasionar desgracias. Phillip y Erik idolatran a un escritor, quien se vuelve un retraído social
después de que su novela es aclamada. Cuando el libro de Phillip es publicado con éxito, el
joven se convierte en una discreta celebridad; no obstante, los efectos de la fama en él son tan
contraproducentes que sufre un desequilibrio mental. Sin embargo, esto no desmotiva a Erik
para lanzar otra novela, pese a que su primer trabajo había sido rechazado.
El director Joachim Trier, quien escribió el guión junto con Eskil Vogt y está emparentado
con Lars von Trier, juega con el público del filme al ir y venir en el tiempo. Mientras Phillip
y Erik bosquejan sus primeros manuscritos, Trier avanza rápidamente en el tiempo para vis-
lumbrar posibles futuros.
9
Posteriormente, un mesurado Phillip apa-
rece en escena con cicatrices en su rostro,
mientras en un flashback, vemos cómo intenta
suicidarse. Su arte no es la causa, sino el amor
que le tiene a una empleada de telemarketing.
Convencido de que Kari (la adorable Viktoria
Winge, quien se asemeja a una joven Sissy
Spacek) es su musa, se obsesiona con ella.
Una vez que es dado de alta del hospital,
regresa a su departamento y descubre que su
madre ha removido todas las fotos de Kari, a
quien busca otra vez pese a que sus amigos
le advierten que es una chica problemática.
Al igual que la mayoría de los integrantes
del joven elenco, Lie tiene poca experiencia
en la actuación; de hecho, en la vida real es
médico. Aún así, es capaz de comunicar los
deseos prohibidos de Phillip. Hay una inten-
sidad, muchas veces aterradora, en el modo
en que observa a Kari.
Por otra parte, Winge dota a Kari de una
inocencia encantadora. Ella quiere genuina-
mente a su acechador, pero se ve sobrepa-
sada por su comportamiento extremo. Las
escenas más conmovedoras de Reprise: vivir
de nuevo se dan entre ellos dos, más aún por
la visible evocación de los problemas emo-
cionales de Phillip, plasmados en su rostro.
Su relación con Erik es tan complicada
como la que tiene con Kari. Es muy difícil
cuando dos amigos cercanos comparten las
mismas ambiciones y sólo uno las materizali-
za. Si a eso le añadimos el precio que Phillip
tuvo que pagar, es aún más sorprendente
que Erik quiera conseguir el premio.
Hay una breve escena que revela mu-
cho sobre los dos: Erik visita a Phillip en el
psiquiátrico, pero cuando ve a su amigo a
través de la puerta, desaliñado en una bata
de hospital, no es capaz de entrar. Súbita-
mente queda en evidencia la fragilidad de su
amistad.
Trier, quien es escasamente mayor que
sus personajes, es capaz de capturar el sen-
timiento de estar en el precipicio de la vida
adulta y querer aquello que apenas se puede
expresar. Erik y Phillip son miembros de un
grupo más extenso de amigos, menos inte-
resantes pero igual de egoístas. El inteligente
guión de Reprise: vivir de nuevo obligará así
a cierto sector del público a recordar los días
en los que tenían esa edad.
Ruthe Stein
Diario San Francisco Chronicle, Estados Unidos
Mayo 23 de 2008
Traducción: Jorge D. Martínez Micher
A partir del viernes 10 de julio
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Los bastardosUn golpe de guitarra eléctrica sobre la pantalla en
rojo total es la obertura de este nuevo filme de
Amat Escalante. Esa única nota, chirriante, que altera los
sentidos, pone al espectador en guardia. Lo que verá a
continuación será un relato de contenida violencia, que al
estallar tendrá consecuencias inesperadas.
En 2005, Escalante, cineasta mexicano nacido en
Barcelona en 1979, obtuvo con Sangre, su ópera prima,
el premio Fipresci de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes, dentro de la sección Una
cierta mirada. Dicho filme llamó la atención por su sobriedad, tanto en la puesta en escena del
cineasta (basada en extensos planos fijos que retratan los angustiantes tiempos muertos en los
que se mueven los personajes), como por su elección de actores (encarnados por personas
que aceptaron participar en el filme sin ningún antecedente en la actuación), sin olvidar el rigor
narrativo, que más que plantear una historia convencional con su principio, nudo y desenlace,
apuesta por un relato en apariencia nulo, capaz de atrapar la atención por la inquietud que su
inmovilidad provoca.
Escrita en mancuerna por el director y su hermano Martín Escalante, Los bastardos es un
acercamiento a la dolorosa realidad de nuestros paisanos en el país del dólar. Sus personajes son
un par de inmigrantes ilegales: el obrero Jesús y Fausto, su compañero adolescente, interpreta-
dos por los migrantes mexicanos Jesús Moisés Rodríguez y Rubén Sosa. En el filme, ambos pro-
vienen de Guanajuato (estado de la República en el cual creció Escalante) y parecen condenados,
como muchos otros connacionales, a vivir las consecuencias de estar en un país que no es el
suyo, en el que no se habla su idioma y en el cual están expuestos a la constantes crueldades
Los bastardos
D: Amat Escalante. P: México-Francia-Estados Unidos,
2008. G: Amat Escalante y Martín Escalante. f en c:
Matthew Uhry. E: Ayhan Ergürsel y Amat Escalante.
con: Jesús Moisés Rodríguez (Jesús), Rubén Sosa (Faus-
to), Nina Zavarin (Karen), Kenny Johnston (contratista),
Aaron Briggs (adolescente racista), Trevor Glen Campbell
(Trevor). Prod: Mantarraya Producciones, No Dream
Cinema, Tres Tunas, Foprocine, Le Pacte, MCM Produc-
tions, Ticoman, BAC Films, Jaime Romandía, Carlos Rey-
gadas. Dur: 85 mins. Dist: Mantarraya Films
11
e injusticias de los güeros, representados aquí
por contratistas y amas de casa, quienes ha-
cen uso de sus servicios laborales, sexuales o
de cualquier tipo, con una actitud en la que
privan la soberbia y el racismo. La menciona-
da situación de ilegitimidad en la que viven
los personajes sustenta el título del filme.
La puesta en escena de Escalante sufre
un cambio notable en Los bastardos, aten-
diendo a las necesidades del relato. Sangre
era un filme claustrofóbico, hecho a la me-
dida del formato académico 1:85, mientras
que en Los bastardos los personajes se mue-
ven sin cesar, por lo que el formato panorá-
mico era más que necesario. Escalante apro-
vecha este recurso con fortuna, al conseguir
composiciones que no desperdician el gran
tamaño de la pantalla, como el plano ini-
cial que retrata el canal de Los Ángeles con
los personajes caminando hacia la cámara,
o aquél en el cual los trabajadores ilegales
laboran en un terreno baldío, con la urbe
amenazante ante ellos.
Pero no es Los bastardos un filme de
tesis sobre la realidad social de los paisanos
en Estados Unidos, sino que gira violenta-
mente hacia una reflexión sobre la miseria
moral, las víctimas que se tornan victimarios
y la venganza de los oprimidos hacia aque-
llos que, en apariencia, “todo lo tienen”.
Escalante no toma partido: tan triste es la si-
tuación de los paisanos como la de la familia
norteamericana que el filme retrata, asfixia-
da por su desamor y falta de comunicación.
Con seguridad, contemplación y sobriedad,
Amat Escalante orquesta uno de los clímax
más escalofriantes del cine nacional recien-
te, no apto para espectadores sensibles.
JoSé antonio ValdéS Peña
Cineteca Nacional
A partir del viernes 3 de julio
12
Una comilona de 40
películas
13
Las primeras apariciones cinematográficas de la comida y el acto de comer se dieron desde los
inicios mismos del arte fílmico. Auguste Lumière se retrató acompañado por su esposa mientras
alimentaban a su hija Andrée en una breve “vista” titulada Le repas de bébé en 1895. Poco después,
el pionero inglés James Williamson hizo sentir al espectador la sensación de ser devorado en su
cortometraje The Big Swallow (1901), en el que un caballero, al ser fotografiado sin permiso, abre la
boca al tamaño del cuadro cinematográfico y se come a la cámara con todo y operador.
En ocasiones, la comida funciona como un acto social, a la manera de un ritual que convoca a va-
rios personajes y en el cual se puede desarrollar una historia de secretos bien guardados y mentiras
dolorosas, como sucede en la primera cinta filmada bajo las reglas del Dogma ’95: La celebración
(1998). También puede ayudar a conocer el carácter de un grupo social de una época determinada,
como lo hacen los platillos que se degustan en La edad de la inocencia (1993) de Martin Scorsese.
Comer es un placer. Basta recordar El festín de Babette (1987) de Gabriel Axel, donde la anfi-
triona prepara un banquete de alta cocina, disponible para todo aquel que desee disfrutarlo. Porque
cierto es que en algunas películas la comida, o la ausencia de ella, es un símbolo de poder o miseria.
Ahí están las reales comilonas con las que se agasajaba Charles Laughton en La vida privada de
Enrique VIII (1933) de Alexander Korda. En el extremo opuesto, el vagabundo de Chaplin se veía
obligado a devorar sus propios zapatos en La quimera del oro (1925), en medio de la locura provo-
cada por el hambre y el frío de Alaska. Y hambre es la perenne sensación de los protagonistas en El
discreto encanto de la burguesía (1972), condenados por Buñuel a vagar sin la posibilidad de cenar.
Cocina es identidad. Los gángsters italoamericanos de Buenos muchachos (1990) permanecen
cerca de sus raíces gracias a las pastas, salchichones, vinos y carnes que comen, incluso tras las rejas,
pero, por otra parte, la modernidad provoca que el paladar se ajuste a los sabores de la aldea global,
como sucede a las hijas del protagonista de Comer, beber y amar (1994) de Ang Lee, que dan la es-
palda a los tradicionales platillos orientales preparados por su padre para entregarse a la Fast-food.
El sexo y la comida también se han unido en la gran pantalla. Mantequilla, leche, frutas y cubos
de hielo poseen alto contenido erótico en El último tango en París (1973) de Bernardo Bertolucci, 9½
semanas (1986) de Adrian Lyne y Luna amarga (1993) de Roman Polanski, pero ninguna supera la
combinación de salsas, mariscos y yemas del yakuza en Tampopo (1985) de Juzo Itami.
El comer tiene un lado oscuro. Deglutir hasta morir es la meta de los protagonistas de La gran
comilona (1973) de Marco Ferreri, mientras que en El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante
(1989) de Peter Greenaway, la infidelidad lleva al canibalismo. Asimismo, muerte y comida se combi-
nan en Sweeney Todd (2007) de Tim Burton, donde el hombre devora (literalmente) a su prójimo.
Este ciclo no existiría sin los cocineros y cocineras que han inspirado a los cineastas. Artistas de
la parrilla y el sartén, pueden ser hasta ratas de campo. Son ellos y ellas quienes en la mesa nos
brindan un placer que este ciclo lleva a la pantalla grande, y de ahí al paladar cinéfilo.
¡Bon appétit!
JoSé antonio ValdéS Peña
Cineteca Nacional
El banqueteNo hay amor más sincero que el amor a la comida.
George Bernard Shaw
14
Filme ganador del León de Plata de la Muestra
Cinematográfica de Venecia en 1988, en el
que la preparación y ejecución de un fastuoso
banquete, servido en honor de la matrona de
un decadente castillo italiano y sus invitados,
es el pretexto para que el cineasta Ermanno
Olmi reflexione sobre los vicios privados de
la alta burguesía. Todo mientras su joven
protagonista, quien funge como mesero en
dicha ocasión, recorre soñadoramente los
inmensos pasillos de la cocina, a manera de
rito de iniciación.
Martes 7
Larga vida a la señora
Lunga vita alla signora
D y G: Ermanno Olmi. P: Italia, 1987. f en c: Maurizio Zaccaro.
E: Giulia Ciniselli y Ermanno Olmi. con: Marco Esposito (Libenzio),
Simona Brandalise (Corinna), Stefania Busarello (Anna), Simone
Dalla Rosa (Mao), Lorenzo Paolini (Ciccio), Tarcisio Tosi (Pigi), Ma-
risa Abbate (La Señora). Prod: Radiotelevisione Italiana (RAI-UNO),
Cinemaundici, Alitalia, Giampietro Bonamigo. Dur: 115 mins. Pc:
Cineteca Nacional.
un banquete de bodas
Wai Tung y Simon, su pareja de origen
occidental, ponen a prueba su relación cuando
Wai se ve obligado a casarse con una chica
inmigrante ilegal para ocultar a sus padres la
realidad de su preferencia sexual. En este filme
de Ang Lee, inspirado en una historia verídica
ocurrida a un amigo suyo, la planeación y
ejecución de un banquete nupcial, en el marco
de una suntuosa fiesta, marca la diferencia
entre el mantener intactas las convenciones
sociales, o romper con ellas, aun a costa de
poner en riesgo el honor familiar.
Miércoles 8
Xi yan
D: Ang Lee. P: Taiwán-Estados Unidos, 1993. G: Ang Lee, Neil Peng
y James Schamus. f en c: Jong Lin. M: Mader. E: Tim Squyres.
con: Winston Chao (Wai-Tung Gao), Mitchell Lichtenstein (Simon),
May Chin (Wei-Wei), Ah Lei Gua (señora Gao), Sihung Lung (señor
Gao), Dion Birney (Andrew), Chung-Wei Chou (cocinero). Prod:
Central Motion Pictures Corporation, Good Machine, Ted Hope, Ang
Lee, James Schamus. Dur: 106 mins. Pc: Cineteca Nacional.
El banquete / Los preparativos
15
Vatel
Un arruinado aristócrata pretende ganar los
favores de Luis XIV ofreciéndole un suntuoso
banquete. François Vatel, su hombre de
confianza, es el encargado de que fuentes de
frutas, faisanes, brebajes deliciosos e increíbles
postres lleguen sin parar a la mesa del
monarca. Destaca en este filme de Roland Joffé
la utilización dramática del color (rojo para la
realeza, verde para los sirvientes) y la dirección
de arte, que reconstruye al mismo tiempo la
decadencia y exquisitez del siglo XVII francés.
Jueves 9
Vatel
D: Roland Joffé. P: Francia-Gran Bretaña-Bélgica, 2000. G: Jean-
ne Labrune, traducido al inglés por Tom Stoppard. f en c: Robert
Fraisse. M: Ennio Morricone. E: Noëlle Boisson. con: Gérard Depar-
dieu (François Vatel), Uma Thurman (Anne de Montausier), Tim Roth
(Marqués de Lauzun), Timothy Spall (Gourville), Julian Glover (prín-
cipe de Conde), Julian Sands (Luis XIV), Murray Lachlan Young (Phi-
lippe d’Orleans). Prod: Gaumont, Canal+, Nomad Films, Timothy
Burrill Productions, TF1 Film Productions, Légende Enterprises, Alain
Goldman, Roland Joffé. Dur: 103 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Le charme discret de la bourgeoisie
D: Luis Buñuel. P: Francia-Italia-España, 1972. G: Luis Buñuel y
Jean-Claude Carrière. f en c: Edmond Richard. E: Hélène Ple-
miannikov. con: Fernando Rey (Rafael Acosta), Paul Frankeur (señor
Thévenot), Delphine Seyrig (Simone Thévenet), Bulle Ogier (Flo-
rence), Stéphane Audran (Alice Sénéchal), Jean-Pierre Cassel (Henri
Sénéchal), Julien Bertheau (Dufour). Prod: Jet Films, Greenwich Film
Productions, Dean Film, Serge Silberman. Dur: 102 mins. Pc: Em-
bajada de Francia en México.
El discreto encanto de la burguesía
Un grupo de refinados personajes busca cenar
sin conseguirlo. Las causas que lo impiden
son cada vez más insólitas, desde un comedor
transformado en escenario teatral hasta un
ataque terrorista. En este magistral filme,
repleto de humor negro y reminiscencias
surrealistas, y ganador del Oscar a la mejor
película extranjera, Luis Buñuel pone en
boca de un personaje la receta del Buñueloni,
cocktail derivado del Dry Martini, a base de
Campari, ginebra, hielo a -20º y Carpano.
Viernes 10
16
Este filme de Ettore Scola ocurre en una
trattoria (palabra italiana cuya raíz, trattore,
significa “preparar”). El cineasta se instala
en uno de estos tradicionales locales
—embajadores de la cocina italiana en el
mundo, de ambiente informal y que ofrecen
una rica variedad de platillos a bajo costo—,
para crear un mosaico de la sociedad italiana
actual. Todo a través de los variopintos
personajes que degustan las delicias que
ofrece el local, propiedad del personaje
interpretado por Fanny Ardant.
Domingo 12
La cena
La cena
D: Ettore Scola. P: Italia-Francia, 1998. G: Ettore Scola, Furio Scar-
pelli, Giacomo Scarpelli y Silvia Scola. f en c: Franco Di Giacomo.
M: Armando Trovajoli. E: Raimondo Crociani. con: Fanny Ardant
(Flora), Vittorio Gassman (maestro Pezzullo), Giancarlo Giannini
(profesor), Stefania Sandrelli (Isabella), Riccardo Garrone (Diomede),
Antonio Catania (Adam), Francesca d’Aloja (Alessandra). Prod: Les
Films Alain Sarde, Medusa Produzione, Filmtel, France 3 Cinéma,
Massfilm, Franco Committeri. Dur: 126 mins. Pc: Cineteca Nacio-
nal.
Delicados vinos, exquisitas ensaladas
y solamente carne de la mejor calidad.
Prohibidos el queso y el pescado. Ésta es
la dieta a la que un mesero se somete
diariamente al aceptar ser el catador exclusivo
de un alto ejecutivo francés que vive
obsesionado, entre otras muchas cosas, con ser
envenenado. Entre ambos surge una dinámica
de amo y esclavo que tendrá inesperadas
consecuencias, y con la cual el director francés
Bernard Rapp orquesta una perversa reflexión
sobre las relaciones de poder.
Martes 14
El banquete / Los comensales
cuestión de buen gusto
une affaire de goût
D: Bernard Rapp. P: Francia, 2000. G: Bernard Rapp y Gilles Tau-
rand, basados en el libro Affaires de goût de Philippe Balland. f en
c: Gérard de Battista. M: Jean-Philippe Goude. E: Juliette Welfling.
con: Bernard Giraudeau (Frédéric Delamont), Jean-Pierre Lorit (Ni-
colás Rivière), Florence Thomassin (Béatrice), Charles Berling (René
Rousset), Jean-Pierre Léaud (juez), Artus de Penguern (Flavert), Lau-
rent Spielvogel (doctor Rossignon). Prod: Catherine Dussart Produc-
tions, Canal+, CNC, Studio Images 6, Rhône-Alpes Cinéma, Procirep,
Chantal Perrin. Dur: 90 mins. Pc: Cineteca Nacional.
17
La última cena
A finales del siglo XVIII, en un ingenio de La Ha-
bana durante la Semana Santa, un conde invita
a doce esclavos para que sean partícipes de una
singular representación de la Última Cena. Los
invitados y el amo degustan juntos una serie de
manjares que incluyen platillos con carne, una
gran variedad de frutas, arroz, vino y pan, todo
con el único fin de convertirlos a la cristiandad.
Filme ganador —entre otros reconocimientos—
del Premio del Jurado como mejor largometraje
en el Festival de Cine Iberoamericano de Huel-
va en 1976.
Miércoles 15
La última cena
D: Tomás Gutiérrez Alea. P: Cuba, 1976. G: Tomás Gutiérrez Alea,
Tomás González y María Eugenia Haya, basados en la novela ho-
mónima de Moreno Fraginals. f en c: Mario García Joya. M: Leo
Brouwer. E: Nelson Rodríguez. con: Mario Acea, Mario Balmaseda,
Francisco Borroto, Samuel Claxton, Andrés Cortina, José Díaz. Prod:
Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficas, Santiago
Llapur, Camilo Vives. Dur: 120 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Menú de amor
Garçon
D: Claude Sautet. P: Francia, 1983. G: Claude Sautet y Jean-Loup
Dabadie. f en c: Jean Boffety. M: Philippe Sarde. E: Jacqueline
Thiédot. con: Yves Montand (Alex), Nicole Garcia (Claire), Jacques
Villeret (Gilbert), Rosy Varte (Gloria), Marie Dubois (Marie-Pierre),
Dominique Laffin (Coline). Prod: Renn Productions, Sara Films,
Claude Berri, Alain Sarde. Dur: 102 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Alex es un hombre maduro que trabaja como
mesero en un lujoso restaurante parisino,
donde los comensales disfrutan de la más
exquisita comida francesa. A pesar de su edad,
el protagonista aún llama la atención de las
mujeres; no obstante, se enamora de una
joven comprometida a la que no está dispuesto
a dejar escapar. Nominado a un Premio César
por su actuación, Montand vuelve a trabajar
por tercera ocasión con Sautet, después de
Ella, yo y… el otro (1974) y Tres amigos, sus
mujeres… y los otros (1974).
Jueves 16
18
Sweeney todd: el barbero diabólico de la calle fleet
Quinta colaboración de Burton con Johnny
Depp, quien interpreta a un barbero en busca
de venganza, cuyo negocio se especializa
en el corte de cabello y gargantas. Aquellos
que se interpongan en su camino terminarán
convertidos en la nueva especialidad culinaria
de su cómplice, la señora Lovett: pastelillos
de carne humana que harán las delicias hasta
del más exigente gourmet del vecindario.
Inspirado en el musical de Stephen Sondheim,
el filme obtuvo un Oscar a la mejor dirección
artística, entre otra veintena de premios.
Viernes 17
Sweeney todd: the Demon Barber of fleet Street
D: Tim Burton. P: Estados Unidos-Gran Bretaña, 2007. G: John
Logan y Stephen Sondheim. f en c: Darius Wolski. M: Stephen
Sondheim. E: Chris Lebenzon. con: Johnny Depp (Sweeney Todd),
Helena Bonham Carter (señora Lovett), Alan Rickman (juez Turpin),
Sacha Baron Cohen (Adolfo Pirelli), Timothy Spall (alguacil Bamford),
Jamie Campbell Bower (Anthony Hope). Prod: DreamWorks SKG,
Film IT, Parkes/MacDonald Productions, Warner Bros. Pictures, Wal-
ter Parkes, Richard D. Zanuck. Dur: 116 mins. Dist: Videocine.
El banquete / Los entremeses
Delicatessen
Delicatessen
D: Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet. P: Francia, 1991. G: Jean-Pierre
Jeunet, Marc Caro y Gilles Adrien. f en c: Darius Khondji. M: Car-
los D´Alessio. E: Hervé Schneid. con: Marie-Laure Dougnac (Julie
Clapet), Dominique Pinon (Louison), Karin Viard (señorita Plusse),
Jean Claude Dreyfus (carnicero), Ticky Holgado (señor Tapioca),
Anne-Marie Pisani (señora Tapioca), Jacques Mathou (Roger). Prod:
Constellation, Union Générale Cinématographique (UGC), Hachette
Première, Sofinergie Films, Claudie Ossard. Dur: 99 mins.
Ganadora de cuatro premios de la Academia
Francesa de Cine —mejor edición, mejor
diseño de producción, mejor guión original
y mejor ópera prima—, Delicatessen retrata
una sociedad dividida en dos bandos: los
vegetarianos y los carnívoros. Los primeros,
exaltados por el deseo de comer un pedazo de
carne, luchan a muerte con seres de su propia
especie convertidos en ratas de alcantarilla que
atesoran granos y semillas. Debut de Marc
Caro y Jean-Pierre Jeunet, quienes conjugan
ironía, sátira, burla y crueldad.
Domingo 19
19
the cook the thief His Wife & Her Lover
D y G: Peter Greenaway. P: Francia-Gran Bretaña, 1989. f en c:
Sacha Vierny. M: Michael Nyman. E: John Wilson. con: Richard
Bohringer (Richard Borst), Michael Gambon (Albert Spica), Helen
Mirren (Georgina Spica), Alan Howard (Michael), Tim Roth (Mit-
chel), Ciarán Hinds (Cory). Prod: Allarts Cook, Elsevira, Erato Films,
Erbograph Co., Films Inc. Vendex, Kees Kasander. Dur: 120 mins.
El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante
Cada noche, un restaurante es visitado por un
gángster con gusto culinario refinado: pavo
con limón y albahaca, aguacate con vinagreta
y camarones, ensalada de cigala… Pero
cuando éste descubre el engaño de su mujer,
decide matar a su rival, lo que provoca que ella
prepare el más tabú de los ingredientes como
base de un guiso que obligará a su esposo a
comer. Filme rodado íntegramente en estudio,
donde Greenaway dejar ver su pasión por la
pintura; ejemplo de ello, un cuadro de Frans
Hals que se observa en la película.
Miércoles 22
Súper engórdame
Super Size Me
D y G: Morgan Spurlock. P: Estados Unidos, 2004. f en c: Scott
Ambrozy. M: Folkfoot. E: Stela Georgieva y Julie Bob Lombardi.
con: Morgan Spurlock, Ronald McDonald, Dr. Daryl Isaacs, Dr. Lisa
Ganjhu, Alexandra Jamieson, Dr. Stephen Siegel, Bridget Bennett.
Prod: Kathbur Pictures, The Con, Studio On Hudson, Morgan Spur-
lock. Dur: 100 mins. Dist: Gussi-Artecinema.
Morgan Spurlock, heredero del estilo
hiperrealista inaugurado por Michael
Moore con sus documentales Masacre en
Columbine (2002) y Fahrenheit 9/11 (2004),
se convierte aquí en el conejillo de indias de
un experimento: Tres veces al día, durante
un mes completo, el director —quien se
asesoró por médicos especialistas que
midieron los cambios en su organismo— se
alimentó solamente del menú McDonald’s:
Cheeseburgers, Big Macs y McNuggets, con la
finalidad de registrar las consecuencias.
Martes 21
20
Melodrama romántico y realismo mágico
son los principales ingredientes de este filme
que narra una historia de amor prohibido
por la tradición, en medio del torbellino
revolucionario de 1910. Ternura, erotismo y
melancolía, además de una sentida reflexión
sobre la cocina mexicana y la femineidad, se
perciben en los abundantes primeros planos
de comida que hay en la cinta, capaces de
extraer el místico poder que se esconde tras
unas codornices en pétalos de rosa o unos
deliciosos chiles en nogada.
Jueves 23
como agua para chocolate
como agua para chocolate
D: Alfonso Arau. P: México, 1991. G: Laura Esquivel, basada en su
novela homónima. f en c: Emmanuel Lubezki y Steve Bernstein. M:
Leo Brower. E: Carlos Bolado y Francisco Chiú. con: Lumi Cavazos
(Tita), Regina Torné (Mamá Elena), Marco Leonardi (Pedro), Mario
Iván Martínez (doctor John Brown), Yareli Arizmendi (Rosaura), Clau-
dette Maillé (Gertrudis), Ada Carrasco (Nacha). Prod: Imcine, Arau
Films, S.A., Alfonso Arau. Dur: 140 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Gabriel Axel, apasionado de la obra de
Karen Blixen, adaptó con lujo de detalle esta
breve historia donde la espiritualidad y la
gastronomía se unen para retratar la juventud
perdida, la humildad y la frustración de tres
mujeres. Este filme ganador del Oscar a la
mejor película extranjera en 1988, desnuda
el alma de los protagonistas, en su mayoría
religiosos, incitándolos al placer de las carnes y
ensaladas, las aromáticas trufas y el burbujeo
de los vinos, en un festín que alimentará no
sólo su cuerpo, sino también su espíritu.
Viernes 24
Babbettes gæstebud
D y G: Gabriel Axel, basado en la novela Skaebne-Anekdoter de
Karen Blixen P: Dinamarca, 1987. f en c: Henning Kristiansen. M:
Per Nørgaard. E: Finn Henriksen. con: Stéphane Audran (Babette
Hersant), Bodil Kjer (Filippa), Birgitte Federspiel (Martine), Jarl Kulle
(General Lorens Löwenhielm), Jean-Phillipe Lafont (Achille Papin),
Ghita Nørby (narradora). Prod: Panorama Film A/S, Det Danske
Filminstitut, Nordisk Film, Just Betzer, Bo Christensen, Benni Korzen,
Pernille Siesbye. Dur: 102 mins. Pc: Cineteca Nacional.
El banquete / Las entradas
El festín de Babette
21
Politiki kouzina
D y G: Tassos Boulmetis. P: Grecia-Turquía, 2003. f en c: Takis
Zervoulakos. M: Evanthia Reboutsika. E: Yorgos Mavropsaridis.
con: Georges Corraface (Fanis lakovidis), leroklis Michaelidis (Sawas
lakovidis), Renia Louizidou (Soultana lakovidou), Tamer Karadagli
(Mustafa), Basak Köklükaya (Saime), Tassos Bandis (abuelo Vasilis),
Stelios Mainas (tío Aimilios). Prod: Village Roadshow Productions,
Harry Antonopoulos, Lily Papadopoulos. Dur: 108 mins. Pc: Ci-
neteca Nacional.
Los sabores de la vida
Con la atmósfera de cuento oriental que
encierra Estambul como escenario, y el
atractivo exótico de la comida mediterránea,
Boulmetis recupera su propia historia en su
tercer largometraje. Estructurado a semejanza
de un menú, con viñetas que representan
entremeses, el plato fuerte y el postre, el filme
sigue con nostalgia y humor la historia de
Fanis, marcada tanto por el exilio como por
la filosofía gastronómica de su abuelo, quien
le enseñó el arte de utilizar las especias para
sazonar los platillos y la propia vida.
Martes 28
Ratatouille
Ratatouille
D: Brad Bird. P: Estados Unidos, 2007. G: Brad Bird, Jan Pinkava y
Jim Capobianco. M: Michael Giacchino. E: Darren Holmes. Voces:
Sergio Bonilla (Remy), Víctor Ugarte (Linguini), Edith Serrano (Colet-
te), Jorge Arvizu (Skinner), Édgar Vivar (Gusteau), Germán Robles
(Ego). Prod: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures, Brad
Lewis, John Lasseter. Dur: 111 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Berenjena, tomate, calabacín, cebolla, pimiento
verde y rojo, aceite de oliva, hierbas provenza-
les, sal y pimienta son los ingredientes de un
guiso llamado Ratatouille, que ya era popular
en la Edad Media, y que da nombre a esta
producción de Disney. Por la sencillez del plato,
el chef Keller —asesor de la película— sugirió
la Confiti Byaldi para que Remy, una rata de
campo con olfato y gusto súper desarrollados,
impresione al crítico Anton Ego y así demostrar
la máxima de su mentor Gusteau: “cualquiera
puede cocinar”.
Domingo 26
22
Los fideos: cómo prepararlos, cortarlos,
cocinarlos, acercarse a ellos, olerlos, comerlos
y recordarlos. Estas parecen ser las obsesiones
del director japonés Juzo Itami en este
auténtico spaghetti western, su segundo
largometraje tras el éxito de El funeral (1984).
Por medio de viñetas repletas de humor, Itami
narra las peripecias del antihéroe Goro y de
Tampopo, una inepta cocinera, en la búsqueda
del fideo perfecto, añadiendo a su platillo
pizcas de picante con curiosas situaciones en
torno a esta típica comida japonesa.
Miércoles 29
tampopo
tampopo
D y G: Juzo Itami. P: Japón, 1985. f en c: Masaki Tamura. M:
Kunihiko Murai. E: Akira Zuzuki. con: Tsutomo Yamazaki (Goro),
Nobuko Miyamoto (Tampopo), Ken Watanabe (Gun), Kôji Yakusho
(hombre de blanco), Rikiya Yasuoka (Pisuken), Isao Hashizume (me-
sero). Prod: Itami Productions, New Century Productions, Seigo Ho-
sogoe, Juzo Itami, Yasushi Tamaoki. Dur: 114 mins.
La venezolana Fina Torres (Oriana, 1985;
Mecánicas celestes, 1995) construye en esta
comedia romántica un cuento de hadas con
tintes de realismo mágico, donde los sabores
se confunden con la sensualidad y el placer, al
ritmo del bossa nova. Penélope Cruz da vida a
Isabella, una chef brasileña que tras el engaño
de su marido emigra a San Francisco, donde
su talento gastronómico ejerce un embrujo
sobre los hombres, quienes sucumben ante los
seductores aromas que despiden sus picantes
platillos.
Jueves 30
Woman on top
D: Fina Torres. P: Estados Unidos, 2000. G: Vera Blassi. f en c:
Thierry Arbogast. M: Luis Enríquez Bacalov. E: Leslie Jones. con: Pe-
nélope Cruz (Isabella Oliveira), Murilo Benício (Toninho Oliveira), Ha-
rold Perrineau (Monica Jones), Mark Feuerstein (Cliff Lloyd), John de
Lancie (Alex Reeves), Anne Ramsay (directora de televisión). Prod:
Fox Searchlight Pictures, Alan Poul. Dur: 92 mins.
El banquete / Los platos fuertes
Las mujeres arriba
23
comer, beber y amar
Ubicado en Taiwán, tierra del laurel, la sopa de serpiente y las aromáticas gambas con jengi-
bre, esta producción nominada a la mejor película extranjera en los Oscares de 1995 explora
el papel de la comida en las relaciones interpersonales, al tiempo que contrasta la tradición
y la modernidad a través de la potestad paterna. Ang Lee elabora un homenaje a la cultura
gastronómica mediante los manjares que cocina el señor Chu, quien ha perdido no sólo el
sentido del gusto sino la comunicación con sus hijas.
Viernes 31
La segunda parte de este menú cinematográfico se presentará durante el mes de agosto.
Yin shi nan nu
D: Ang Lee. P: Taiwán-Estados Unidos, 1994. G: Ang Lee, James
Schamus y Hui-Ling Wang. f en c: Jong Lin. M: Mader. E: Tim
Squyres. con: Sihung Lung (Chu), Yu-Wen Wang (Jia-Ning), Chien-
lien Wu (Jia-Chien), Kuei-Mei Yang (Jia-Jen), Sylvia Chang (Jin-Rong),
Winston Chao (Li Kai). Prod: Central Motion Pictures Corporation,
Good Machine, Li-Kong Hsu. Dur: 123 mins. Pc: Cineteca Nacio-
nal.
24
Homenaje Nacional aJosé Emilio Pacheco
José Emilio Pacheco ha confesado en entrevistas recientes ser un
“dramaturgo frustrado”, y que, para paliar de alguna manera esa caren-cia, escribió varios guiones de cine. En realidad, la actividad como guio-nista de esta gran figura de la litera-tura iberoamericana actual constitu-ye algo más que una sustitución de géneros. De manera especial, resal-ta el desempeño que Pacheco tuvo en colaboración con Arturo Ripstein en varias de sus películas. Una de ellas, El castillo de la pureza, ganó en 1974 los premios Ariel y Diosa de Plata a mejor guión.
Esta institución se une al Home-naje Nacional a José Emilio Pacheco con el presente ciclo, organizado en conjunto con la Coordinación Na-cional de Literatura del Instituto Na-cional de Bellas Artes, e integrado por cinco de los filmes cuyo guión fue escrito por Pacheco y Ripstein. En ellos destacan, además de la lim-pieza del trazo dramático, el exce-lente nivel de los diálogos, uno de los puntos fuertes de la narrativa del autor de Las batallas en el desierto. Precisamente esta última novela es el tema de Mariana, Mariana, cinta que cierra este ciclo, dirigida por Al-berto Isaac en 1987. Como un atrac-tivo extra, en algunas de las funcio-nes se contará con los comentarios del escritor y crítico Guillermo Sam-perio.
Este Homenaje Nacional se reali-za en ocasión del septuagésimo
aniversario de José Emilio Pache-co, con la participación de buena parte de la comunidad cultural de México y el apoyo de diversas insti-tuciones, entre ellas, el Consejo Na-cional para la Cultura y las Artes, el
25
José Emilio Pacheco (Ciudad de México, 1939) es una figura indispensa-ble en la poesía, la narrativa y el periodismo literario mexicano de este
siglo. Su rigor intelectual, su generosa actitud hacia la literatura y su amor por la ciudad y sus personajes son características presentes en cada uno de los géneros que aborda. Además de poeta y narrador, Pacheco es guionista de cine, crítico, tra-ductor, investigador y periodista cultural. En esta última área, su trabajo ha contribuido a documentar capítulos de la literatura mexicana desconocidos o tratados anteriormente sin suficiencia. Este esfuerzo ha sido reunido en su célebre columna semanal Inventario. Dentro de la poesía, la obra No me preguntes cómo pasa el tiempo reci-bió el Premio Nacional de Poesía Aguascalientes 1969 y afianzó a Pacheco como uno de los poetas mexicanos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Sus poemas completos están contenidos en la recopilación Tarde o temprano. Entre sus obras más representativas se encuentran Morirás lejos, El prin-cipio del placer, Las batallas en el desierto, Ciudad de la memoria y Viento distante. Además de los premios ya mencionados, ha sido ganador de, en-tre otros, el Premio Xavier Villaurrutia, el Premio Malcolm Lowry de ensayo, el Premio Internacional Alfonso Reyes y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, este último en 2009.
Instituto Nacional de Bellas Artes, el Gobierno del Distrito Federal, a tra-vés de su Secretaría de Cultura, la Comisión para las Celebraciones del Bicentenario de la Independencia y del Centenario de la Revolución
de la Ciudad de México, el Fondo de Cultura Económica, el Auditorio Nacional, la Universidad Nacional Autónoma de México, la Cineteca Nacional y el Instituto Mexicano de la Radio.
26
El castillo de la pureza
“José Emilio Pacheco hizo de los guiones
literatura”, señala Arturo Ripstein, quien en
cuatro ocasiones más colaboró con el escritor.
“En Clasa Films llamaron a Buñuel para
que adaptara Los motivos del lobo, basada
en hechos reales, al cine, pero lo rechazó;
entonces le pregunté a Pacheco si sabía algo
sobre el tema y me dio datos del hecho en sí:
‘un tipo de clase media, fabricante de raticidas,
encerró en su casa a su familia, bajo rígidas
normas morales’”. Así surgió el argumento de
este filme, mismo que en 1973 obtuvo el Ariel
al mejor guión.
Martes 14
El castillo de la pureza
D: Arturo Ripstein. P: México, 1973. G: Arturo Ripstein y José Emilio
Pacheco. f en c: Alex Phillips. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Eufe-
mio Rivera y Rafael Castanedo. con: Claudio Brook (Gabriel Lima),
Rita Macedo (Beatriz), Arturo Beristáin (Porvenir), Diana Bracho
(Utopía), Gladys Bermejo (Voluntad), David Silva (inspector de salu-
bridad), María Rojo (joven de la tienda). Prod: Estudios Churubusco
Azteca S.A., Angélica Ortiz. Dur: 110 mins. Pc: Cineteca Nacional.
El Santo Oficio
El Santo Oficio
D: Arturo Ripstein. P: México, 1973. G: José Emilio Pacheco y Arturo
Ripstein. f en c: Jorge Stahl Jr. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E:
Rafael Castanedo y Eufemio Rivera. con: Jorge Luke (Luis Carvajal),
Diana Bracho (Mariana), Claudio Brook (Fray Alonso de Peralta), Ana
Mérida (Francisca), Silvia Mariscal (Justa Méndez), Martha Navarro
(Catalina), Arturo Beristáin (Baltasar), Antonio Bravo (rabino Morales).
Prod: Conacine, Cinematográfica Marco Polo, Leopoldo Silva, Mar-
co Silva. Dur: 130 mins. Dist: Imcine.
Tras la lectura del libro Fe, llamas e Inquisición,
de Seymour Liebman, así como de otras
lecturas más, Arturo Ripstein le propuso a José
Emilio Pacheco realizar un guión sobre la difícil
situación de la comunidad judía en México a
finales del siglo XVI. El cineasta y el escritor
ya habían trabajado juntos en la exitosa El
castillo de la pureza, por lo que continuaron su
prolífica colaboración con este acercamiento
a la historia de varios judíos perseguidos por
la Inquisición, injustamente culpados de una
epidemia.
Miércoles 15
27
Lecumberri (El palacio negro)
D: Arturo Ripstein. P: México, 1976. G: Arturo Ripstein, Margarita
Suzan y Miguel Necoechea, con la colaboración de José Emilio Pa-
checo y Tomas Pérez Turrent. f en c: Tomomi Kamata. M: Guiller-
mo Zúñiga, Arturo Casas y Enrique Marín. E: Miguel Necoechea.
narración: Emilio Ebergenyi y Tomás Pérez Turrent. Prod: Centro
de Producción de Cortometraje, Hernán Littin, Carlos Velo. Dur: 105
mins. Pc: Cineteca Nacional.
Lecumberri (El palacio negro)
Este documental inicialmente fue encargado
a Arturo Ripstein como un proyecto de
cortometraje para registrar los últimos meses
de Lecumberri como cárcel preventiva, para
dar paso al Archivo General de la Nación. Al
adentrarse en el lugar, sus entonces habitantes
y su historia, el cineasta comprendió que
era imposible capturar tanta información en
un corto, por lo que propuso convertirlo en
un largometraje documental. Con el nuevo
proyecto, Ripstein contó con la participación
de Tomás Pérez Turrent y José Emilio Pacheco
para darle forma a este testimonio.
Viernes 17
foxtrot
foxtrot (the Other Side of Paradise)
D: Arturo Ripstein. P: México-Gran Bretaña-Suiza, 1975. G: Arturo
Ripstein y José Emilio Pacheco. M: Pete Ruggolo. E: Peter Zinner.
con: Peter O’Toole, Charlotte Rampling, Max von Sydow, Jorge
Luke, Anne Porterfield, Claudio Brook, Max Kerlow, Christa Walker.
Prod: Conacine, Carvold Films, Gerald Green. Dur: 89 mins. Pc:
Cineteca Nacional.
Arturo Ripstein conoció la historia de un grupo
de espías nazis que murieron en las islas
Galápagos al intentar escapar de la Segunda
Guerra Mundial, y la anécdota le pareció
tan interesante como para encargarle una
propuesta de guión a José Emilio Pacheco.
Es así que surge esta película, que habla
del esfuerzo humano por transformar la
naturaleza y el ecosistema a su antojo. El filme
es una coproducción hablada en inglés, para la
cual H. A. L. Craig se encargó de traducir los
diálogos, y el mismo Pacheco de retraducirlos
al español para el subtitulaje.
Jueves 16
28
Mariana, Mariana
D: Alberto Isaac. P: México, 1987. G: Vicente Leñero y José Estra-
da, basados en la novela Las batallas en el desierto de José Emilio
Pacheco. f en c: Ángel Goded y Daniel López. M: Carlos War-
man. E: Carlos Savage. con: Pedro Armendáriz (Carlos), Elizabeth
Aguilar (Mariana), Saby Kamalich (madre de Carlos), Aarón Hernán
(padre de Carlos), Luis Mario Quiroz (Carlos, niño), Fernando Pa-
lavicini (Rosales, adulto), Héctor Ortega (Ferrán, sacerdote). Prod:
Conacite Uno, Héctor López Lechuga. Dur: 85 mins. Pc: Cineteca
Nacional.
Mariana, Mariana
Desde que Las batallas en el desierto fue
publicada en 1981, José Estrada anhelaba
dirigir la versión cinematográfica, pero su
prematura muerte lo impidió. Finalmente
fue Alberto Isaac, junto con Vicente Leñero,
quienes trasladaron a la pantalla la esencia de
la obra de José Emilio Pacheco: la visión de
un México en constante metamorfosis, y en
particular de una ciudad que vio cómo sus
palacios porfirianos se derrumbaron para dar
paso a multifamiliares y ejes viales. El filme
obtuvo nueve arieles, entre ellos el de mejor
guión.
Domingo 19
El lugar sin límites
El lugar sin límites
D: Arturo Ripstein. P: México, 1977. G: Arturo Ripstein y José Emilio
Pacheco, basado en la novela homónima de José Donoso. f en
c: Miguel Garzón. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Francisco Chiu
Amador. con: Roberto Cobo (La Manuela), Ana Martín (Japonesita),
Fernando Soler (don Alejo), Gonzalo Vega (Pancho), Lucha Villa (La
Japonesa), María Clara Zurita, Martha Aura. Prod: Conacite II, Fran-
cisco Del Villar. Dur: 110 mins. Pc: Cineteca Nacional.
La historia de La Manuela, travesti que
regentea un burdel en un pueblo gris junto
a su hija, la prostituta La japonesita, y la
perdición de ambos con la llegada de Pancho,
es ya un clásico del cine nacional. Basado en
la novela de José Donoso, este filme parte de
una adaptación realizada por Manuel Puig,
misma que fue trabajada posteriormente por
José Emilio Pacheco, Cristina Pacheco y Carlos
Castañón. En 1978 obtuvo cuatro premios
Ariel.
Sábado 18
29
30
Musicalizar películas es uno de los
mayores privilegios que puede te-
ner cualquier compositor. Inspirarse “por
encargo” y seguir señas específicas pone en
marcha otros resortes y poleas del proceso
creativo. Lejos del común egocentrismo,
nuestro quehacer responde no sólo a las
visiones de un cineasta y de un guionista;
además debe sumarse a ese origen sutil, a
ese instante previo que con nuestra ayuda
disparará mágicas reacciones frente a una
historia bien filmada.
Haciendo un poco de historia —para el
melómano que no lo sepa o para el cinéfi-
lo que lo haya olvidado—, diremos que las
primeras películas sonoras fueron The Jazz
Singer (1927) y Lights of New York (1928),
mientras que las musicalizadas en vivo son
anteriores, de inicios del siglo XX, cuando
pianos y pianolas sonaban coloreando una
historia cuyos diálogos se ofrecían, más que
como literatura de valor, como síntesis de
guía y apoyo. Pero todo cambió cuando Max
Steiner, en el King Kong de 1933, apostó por
un verdadero soundtrack que no repitiera re-
pertorios conocidos y que no se limitara a
las exigencias del guión en donde alguien
cantaba, azotaba una puerta o encendía la
radio.
Digamos que, finalmente, la partitura
apoyó la acción de los personajes a lo largo
de su historia aumentando el impacto del
evento fílmico, enalteciendo los rudimenta-
rios inicios de quienes complementaban al
cine mudo desde un teclado, respondiendo
espontáneamente a la imagen.
Precisamente en tributo a los tiempos si-
lentes y atendiendo a una actualidad en que
las fronteras pueden desaparecer entre una
y otra disciplina artística, la Cineteca Nacional
une esfuerzos con Interferencia 7DIEZ AM,
estación del Instituto Mexicano de la Radio,
para inaugurar en julio y agosto el ciclo Ban-
das sonoras: cine mudo a todo volumen (eco
de Rock en el cine, organizado en sociedad
con Reactor 105.7 FM desde 2005). Para ello
hemos sido invitados dos solistas y dos gru-
pos cuyo reto, a la manera de aquellos des-
aparecidos músicos que rompían el silencio
como podían, será el de crear ex profeso —o
de improvisar al momento— la banda sonora
de cuatro clásicos del séptimo arte.
Así las cosas y hablando por todos los
colegas involucrados, diré a manera de con-
cluyente invitación que dialogar con estos
genios de la cámara emociona y tensa los
nervios, pues nadie que guste del cine y se
dedique a la música puede soslayar —o dejar
de envidiar, por un momento al menos— a
paisajistas del aire como Nino Rota, Vangelis,
Bernard Herrmann, Henri Mancini, Maurice
Jarre, Goran Bregovic, Danny Elfman, Ennio
Morricone o John Williams, por mencionar
a algunos de los más notables compositores
que han prestado su talento a la pantalla. Di-
cho esto, esperamos que las musas del rock,
ustedes y “la fuerza” nos acompañen.
Bandas sonoras: cine mudo a ritmo de rock
alonSo aRReola
31
nosferatu, eine Symphonie des grauens
D: F.W. Murnau. P: Alemania, 1922. G: Henrik Galeen, inspirado
en la novela Drácula de Bram Stoker. f en B/n: Fritz Arno Wagner.
con: Max Schreck (conde Orlok), Greta Schroeder (Ellen), Gustav
von Wangenheim (Hutter), Alexander Granach (Knock), G.H. Schnell
(Westenra), Ruth Landshoff (Lucy), John Gottowt (profesor Bulwer).
Prod: Prana Film GmbH, Enrico Dieckmann, Albin Grau. Dur: 94
mins. Pc: Cineteca Nacional.
Primera versión fílmica del Drácula de Bram
Stoker, filmada en escenarios naturales de
Eslovaquia. Al no poseer los derechos de la
novela original, F. W. Murnau tituló a su fil-
me Nosferatu (“no muerto”, en rumano antiguo), modificando algunos personajes y situaciones.
El vampiro sirve al cineasta para reflexionar acerca de la soledad y el trágico destino de vivir
con la muerte siempre al acecho. Esta sinfonía del horror, la cual marcó para siempre la filmo-
grafía vampírica, es una de las obras maestras del Expresionismo alemán.
Sábado 11
Musicalización en vivo a cargo de Los Gatos
nosferatu, una sinfonía del horror
Con una sólida trayectoria de más de veinte años de maullidos estilo rock and roll de los años cincuenta, aderezado con rhythm and
blues y rockabilly, este intemporal trío conformado por El Gato (con-trabajo y voz) Any (batería) y Ricki (guitarra), editó en el 2007 su disco Rockabileando con Los Gatos, mismo que incluye su éxito “Amorcito”, uno de los favoritos del selecto público que escucha las transmisiones rockeras del IMER. Su nuevo disco acaba de ser presentado, y al pare-cer, el Conde Orlok también quiso conocer a Bertha Lou…
Los Gatos
32
El chico
the Kid
D, G, M y E: Charles Chaplin. P: Estados Unidos, 1921. f en B/n:
Rollie Totheroh. con: Charles Chaplin (un vagabundo), Jackie Coo-
gan (el chico), Edna Purviance (la madre), Carl Miller (el hombre),
Jules Hanft (médico), Tom Wilson (gendarme), Charles Reisner (bra-
vucón). Prod: First National, Charles Chaplin. Dur: 50 mins. Pc:
Cineteca Nacional.
Un niño abandonado queda bajo el cariño y cui-
dados de un vagabundo. Mientras ambos luchan
por sobrevivir en las rudas calles del arrabal, la
madre, una actriz famosa, busca recuperarlo. En
su primer filme de larga duración, Charles Chaplin recrea la miseria y desamparo de sus años
de infancia en Londres, al mismo tiempo que reflexiona acerca de la crueldad y la capacidad
del ser humano para sobrevivir. Destaca la actuación del niño Jackie Coogan, quien interpre-
taría en el futuro al Tío Lucas de la serie televisiva Los locos Addams.
Sábado 18
Musicalización en vivo a cargo de Alonso Arreola
Alonso Arreola
Músico y periodista, nació en el Distrito Federal en 1974. Ex bajista de La Barranca, con quienes grabó tres discos, ha colaborado en
numerosas producciones de rock y jazz. Editó recientemente Música horizontal, su primer álbum solista, en el que intervienen Trey Gunn, Michael Manring y David Fiuczynski, entre otros muchos invitados. Desde hace más de una década ha sido editor y colaborador de una gran cantidad de revistas, periódicos y sitios de Internet. En una original vertiente de su brillante y multifacética carrera, ha compuesto varias piezas para bebés, inquietud que tal vez ha influido en la selección de la cinta que musicalizará en este ciclo.
33
El hombre de la cámara
chelovek s kino-apparatom
D y G: Dziga Vertov. P: Unión Soviética, 1929. f en B/n: Mikhail
Kaufman. E: Yelizaveta Svilova. con: Mikhail Kaufman (el camaró-
grafo). Prod: VUFKU, Dziga Vertov. Dur: 68 mins.
Buscando que el cinematógrafo tuviera un
lenguaje propio que lo distanciara del tea-
tro y la literatura, el cineasta Dziga Vertov
realizó este vanguardista documental. Con
ayuda de un excelente montaje visual, el
filme consigue extraer de la realidad de su
momento imágenes de fuertes reminiscencias surrealistas para reflexionar sobre las conse-
cuencias de la modernidad. Así, Vertov convirtió el ojo de su cámara en un instrumento que
captura la esencia misma de la vida.
Sábado 25
Musicalización en vivo a cargo de Alejandro Otaola
Alejandro Otaola
Guitarrista de las agrupaciones Santa Sabina y La Barranca, Ale-jandro Otaola lanzó en 2007 Fractales, su primer material como
solista. Este es un proyecto en el que se fusionan diferentes maneras de componer, registrar, producir y acercarse a la música, ya que inclu-ye “pasajes abstractos” grabados en vivo, con temas/fragmentos que diluyen las fronteras entre el rock, el jazz y la música electrónica. Su trabajo, de naturaleza altamente experimental, complementa de ma-nera excepcional el filme de Dziga Vertov, mismo que abrió nuevas posibilidades de expresión a los cineastas.
34
Metrópolis Metropolis
D: Fritz Lang. P: Alemania, 1927. G: Thea von Harbou, basada en su
novela homónima. f en B/n: Karl Freund, Günther Rittau y Walter
Ruttmann. M: Gottfried Huppertz. con: Alfred Abel (Joh Fredersen),
Brigitte Helm (María), Gustav Fröhlich (Freder), Rudolf Klein-Rogge
(C.A. Rotwang), Fritz Rasp (el hombre delgado), Erwin Biswanger
(1811), Heinrich George (Grot). Prod: Universum Film (UFA), Erich
Pommer. Dur: 123 mins. Pc: Cineteca Nacional.
En medio de un sistema social que divide
en amos y esclavos a los habitantes de una
gigantesca ciudad del futuro, nace el amor
entre el hijo del amo y una maestra de los
obreros. La lucha de clases toca los terre-
nos de la ciencia-ficción, en esta descripción de un mundo inhumano, en el cual las máquinas
rigen la vida de los hombres. Por su importancia narrativa y estética, Metrópolis fue la primera
película inscrita en el programa Memoria del Mundo de la UNESCO en el año 2002.
Sábado 1º de agosto
Musicalización en vivo a cargo de Yokozuna
Yokozuna
Grupo formado en 2004 por los hermanos José Antonio (batería, trompeta, piánica, teclados, violín, armónica y voz) y Arturo Tran-
quilino (guitarras, armónica y voz). El dúo consigue un sonido hard rock con toques psicodélicos. Dotados improvisadores, capaces de construir extensos paisajes sonoros, Yokozuna es considerada una de las mejores bandas en vivo del rock independiente mexicano. En su carrera han conseguido hits de culto, como “Huevos al Motor”. Su elección del clási-co futurista de Fritz Lang no puede ser más adecuada a su feroz estilo.
La Cineteca Nacional agradece al Instituto Mexicano de la Radio y a la estación Interferencia 7DIEZ su colaboración
en la realización de este ciclo.
35
Del 2 al 9 de julio se realiza el Sépti-mo Encuentro Internacional bianual
Escenarios ‘09, organizado por el Cen-tro de Capacitación Cinematográfica, en el que participan realizadores, teóricos, profesores, alumnos, profesionales del medio, la comunidad estudiantil y el pú-blico en general. Durante una semana podrá verse una muestra selecta de las nuevas tendencias del documental inter-nacional, no competitiva, con alrededor de 30 películas nacionales e internacio-nales.
Con la presencia de invitados inter-nacionales, se compartirán reflexiones y se discutirá en torno a la producción, distribución y exhibición del documen-tal, a través de mesas redondas, clases magistrales y proyecciones.
Como parte de este encuentro, se presentan dos ciclos en torno a la obra de Godfrey Reggio y Andres Veiel, para lo cual se contará con la presencia de estos realizadores, así como una función especial de la pelicula En construcción, dirigida por el cineasta espa-ñol José Luis Guerín, quién también hará acto de presencia en la Cineteca Nacional.
Escenarios ‘09
La Cineteca Nacional agradece al Centro de Capacitación Cinematográfica y al Goethe-Institut Mexiko su colaboración
en la realización de este ciclo.
36
José Luis GuerínEn construcción
En construcción
D y G: José Luis Guerín. P: España, 2001. f en c: Álex Gaul-
tier. E: Mercedes Álvarez y Nuria Esquerra. testimonios: Jua-
na Rodríguez, Iván Guzmán, Juan López, Pedro Robles, Santia-
go Segade, Abdel Aziz El Mountassir, Antonio Atar, Pere Lluís
Artigas, Tania Garduño. Prod: Ovídeo TV. Dur: 125 mins.
Esta es la historia de la mutación del Barrio Chino de Barcelona, donde se construye un gran
edificio de viviendas a costa de viejas casas que son demolidas: la cámara registra múltiples
instantes de ese proceso. Sigue los trabajos de hombres y máquinas, los comentarios de los veci-
nos y los obreros durante la erección de un inmueble que alterará el paisaje urbano y humano de
una ciudad en transformación. Guerín filmó más de cien horas de trabajos, vida y conversaciones
durante dos años.
Como en Tren de sombras, Guerín filma el paso del tiempo: el cambio del clima, gente que
muere, jóvenes que crecen jugando en la obra, viejos que rememoran el barrio que se niega a
desaparecer. La presencia del pasado estalla con el descubrimiento de restos arqueológicos de la
época romana, en una escena que perdurará en la memoria. Y mientras las palas derriban todo y un
edificio premoldeado se levanta, la iglesia románica permanece, testigo inalterable de los tiempos.
Una peculiar galería de personajes expresa la sabiduría popular: un viejo marino, los obreros,
un inmigrante marroquí que combina poesía y filosofía con un agudo sentido de la observación;
todos opinan sobre cualquier tema. Rostros, espaldas, palas, escombros, gatos y niños construyen
un documental de gran lirismo y un extraordinario sentido del ritmo, con un permanente juego
de contrastes y acciones que alternan con intermedios descriptivos. Máquinas, sombras tras una
ventana, perfiles entrevistos tras los barrotes de un balcón por una cámara sensible, sutil, que nunca
grita, siempre sugiere. Guerín filma el trabajo en largos y luminosos planos, con unas tomas de
sonido impecables. La película exuda humanidad, porque a pesar del fuerte localismo, las historias
y la problemática del barrio son universales. JoSefina SaRtoRa www.cineismo.com
Diciembre de 2001
Jueves 9función con la presencia del realizador
Este proyecto se ha realizado con la ayuda financiera de la Unión Europea.
37
Godfrey Reggio
Nacido en Nueva Orleans en 1940, entró
a los 14 años a la orden de los Herma-
nos Cristianos, y durante los siguientes tres
lustros su disciplina consistió en ayuno, silen-
cio y oración, así como en la impartición de
clases de nivel básico, medio y medio supe-
rior en instituciones fundadas o cofundadas
por él mismo. Entre éstas se encuentran la
Young Citizens for Action, la Regional Edu-
cation y la Clínica de la Gente, la cual pro-
porcionó servicio médico gratuito a 12 mil
integrantes de la comunidad de Santa Fe,
Nuevo México.
Con el apoyo de Francis Ford Coppola,
Reggio comenzó en 1975 la construcción de
un proyecto audiovisual en el que se contem-
plaría la situación de nuestro mundo a través
del contraste entre la civilización moderna y
el mundo en su estado puro. El resultado de
dicho trabajo es la trilogía QATSI, compuesta
por Koyaanisqatsi, Powaqqatsi y Naqoyqatsi,
para la cual ha contado con la colaboración
sonora de Philip Glass.
Esta obra ha creado un parangón me-
diático, brindando una referencia audiovisual
sobre el mundo y, así, una influyente visión
en el cine moderno. En esta ocasión, el Cen-
tro de Capacitación Cinematográfica y la
Cineteca Nacional unen esfuerzos para pre-
sentar esta trilogía con la mejor tecnología de
audio y video, y para lo cual se contará con la
presencia del propio realizador.
mauRicio matamoRoS
Cineteca Naciona
38
Powaqqatsi
D: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 1988. G: Godfrey Reggio y
Ken Richards. f en c: Graham Berry y Leonidas Zourdoumis. M:
Philip Glass. E: Iris Cahn y Alton Walpole. Prod: Mel Lawrence,
Godfrey Reggio, Lawrence Taub. Dur: 99 mins.
Powaqqatsi
Koyaanisqatsi
Koyaanisqatsi
D: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 1982. G: Ron Fricke, Go-
dfrey Reggio y Michael Hoenig. f en c: Ron Fricke. M: Philip Glass.
E: Ron Fricke y Alton Walpole. Prod: Godfrey Reggio. Dur: 86
mins.
El título significa “vida sin balance”, en
el lenguaje hopi. La realización de este
experimento audiovisual se llevó siete años,
entre 1975 y 1982, y se trata de una visión
apocalíptica de la colisión de la vida urbana
y su tecnología versus el medio ambiente.
Reggio ha dicho que más que una idea
específica, Koyaanisqatsi es un objeto animado
en el tiempo, cuyo significado será distinto en
cada espectador.
Jueves 2 y viernes 3
En el segundo acto de su trilogía, Reggio
muestra, a través de las costumbres y
tradiciones de nativos del tercer mundo, una
celebración del esfuerzo a escala humana, e
igualmente un muestrario de los contrastes
entre culturas y de cómo la tecnología y
mecanización de las ciudades están acabando
con las mismas. El título del filme, después de
todo, se refiere a la “entidad que consume la
vida de otros para subsistir”.
Viernes 3 y sábado 4
39
naqoyqatsi
naqoyqatsi
D y G: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 2002. f en c: Russell
Lee Fine. M: Philip Glass. E: Jon Kane. Prod: Joe Beirne, Godfrey
Reggio, Lawrence Taub. Dur: 89 mins.
“La guerra como vida” nos dice el título,
y parece que ésa ha sido la historia de la
civilización. Presentando así ya a la tecnología
como forma vital, este tercer capítulo de
la trilogía versa sobre la transición de la
“antigua” a la “nueva” naturaleza: la época
tecnologizada. En opinión del cineasta, “hoy
día la tecnología es para el ser humano como
el oxígeno; y como el apetito de la tecnología
es infinito, poco a poco consume el mundo
natural finito, haciendo de aquélla una
agresora constante de la naturaleza”.
Sábado 4 y domingo 5
CORTOMETRAJES
Según estadísticas, en Estados Unidos un niño
asiste 40 horas a clases durante la semana, y
ese mismo periodo de tiempo lo pasa frente
al televisor. A través de la presentación de
diversos niños que ven Dumbo, el clásico
de Walt Disney, Evidence busca generar
preguntas sobre la influencia de este medio.
Jueves 2 y viernes 3
Este corto se construye en base a pietaje
preexistente, al cual Reggio le dio una
secuencia acompañada por la música de Philip
Glass. Diseñado para la campaña de diversidad
biológica de la World Wide Fund, busca evocar
el principio de armonía que controla las leyes
de la vida desde tiempos inmemoriales.
Viernes 3 y sábado 4
Anima MundiAnima Mundi
D y G: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 1992. M: Philip Glass.
E: Miroslav Janek. Prod: Institute For Regional Education, Lawrence
Taub. Dur: 28 mins.
EvidenceEvidence
D: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 1995. f en c: Graham Berry.
M: Philip Glass. E: Miroslav Janek. Prod: Fabrica SpA. Dur: 8 mins.
40
Nacido en Stuttgart en 1959, Andres Veiel
es uno de los cineastas alemanes de ma-
yor éxito en la actualidad. Psicólogo de pro-
fesión, entre 1985 y 1989 estudió dirección
y dramaturgia en el marco de los seminarios
internacionales del Künstlerhaus Bethanien,
bajo la batuta de Krzysztof Kieslowski.
Veiel nunca ha tenido reparos en cruzar
las fronteras entre lo político y lo privado, y
aunque la mayoría de sus filmes transcurren
en Alemania, trata temas universales. Por el
conjunto de su obra, obtuvo el premio Konrad
Wolf en 2005 y en 2006 el de la Fundación
DEFA.
La Cineteca Nacional, en conjunto con
el Centro de Capacitación Cinematográfica
(CCC) y el Goethe-Institut Mexiko, se com-
place en presentar seis de los documentales
del muchas veces llamado sismógrafo del cine
alemán, para quien su cámara “detecta cosas
que normalmente permanecen invisibles: la
verdad profunda e interior de una persona.
Esos son los momentos cuando siempre digo:
sí, está bien hacer este tipo de películas”.
Retrospectiva
Andres VeielCuanto más descubro, menos me parece saber. Así que hasta cierto punto puedes llamar ‘caja negra’ a mi cine. Cuanto más profundizo en un tema o en una biografía, más grande llega a ser la caja negra.
andReS Veiel
JoRge maRtínez micheR
Cineteca Nacional
41
Sueño de una noche invernal
A raíz de la primera puesta en escena de Veiel
en 1991, nació este documental que retrata los
sueños de juventud y el intento de realizarlos
en la vejez. Inka Köhler-Rechnitz termina
su formación de actriz a finales de los años
veinte y enseguida le ofrecen un papel teatral
en Görlitz, que no acepta porque su marido
se opone. Tiempo después corre peligro de
ser deportada a un campo de concentración
por tener sangre judía. Setenta años después,
vuelve a las tablas que debían haber sido el
primer peldaño de su carrera.
Martes 7
Winternachtstraum
D: Andres Veiel. P: Alemania, 1992. G: Andres Veiel y Peter Weiss. f
en c: Lutz Reitemeier y Hans Rombach. E: Bernd Euscher con: Inka
Köhler-Rechnitz, Anne Baltzer, Hildegard Delport. Prod: Journal-Film
Klaus Volkenborn KG, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF). Dur: 81
mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.
caja negra RfA
Black Box BRD
D y G: Andres Veiel. P: Alemania, 2000. f en c: Jörg Jeshel. M:
Jan Tilman Schade. E: Katja Dringenberg. testimonios: Traudl He-
rrhausen, Rainer Grams, Dr. Thomas R. Fischer, Hilmar Kopper, Dr.
Rolf E. Breuer, Werner Grams. Prod: Zero Film GmbH, Thomas
Kufus. Dur: 100 mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.
Ganador del Premio del Público en Berlín
2004, Caja negra RFA retrata las vidas de
Alfred Herrhausen (Presidente del Deutsche
Bank, quien fue asesinado en un atentado)
y Wolfgang Grams, presunto miembro de la
Fracción de la Armada Roja (organización a la
que se le atribuye el asesinato de Herrhausen)
y muerto en un sospechoso tiroteo cuatro años
después. Veiel consigue involucrar a estos dos
representantes de ideologías antagónicas, sin
sugerir que haya un cierto tipo de conexión
entre los crímenes.
Miércoles 8
42
Balagan
Un actor judío ortodoxo, la hija de un
superviviente de un campo de concentración
y un palestino son miembros del grupo de
teatro judío-palestino Akko, que escenificó
una polémica obra —de nombre Arbeit macht
frei— sobre la presencia del Holocausto en la
sociedad israelí. El documental, ganador del
premio de la paz en el Festival de Cine de
Berlín en 1994, mezcla extractos de escenas
de la obra con entrevistas a los actores, al
tiempo que brinda una mirada a la situación
en Oriente Medio.
Jueves 9
Balagan
D: Andres Veiel. P: Alemania-Francia, 1993. G: Smadar Jaaron, Da-
vid Maayan, Andres Veiel. f en c: Hans Rombach. E: Bernd Euscher.
con: Kahled Abu Ali, David Maayan, Madi Maayan, Na’ama Mam-
ber, Madi Smadar Maayan, Moni Yosef. Prod: Journal-Film Klaus
Volkenborn KG. Dur: 90 mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.
Pasión por actuar
Die Spielwütigen
D y G: Andres Veiel. P: Alemania, 2003. f en c: Pierre Bouchez,
Claus Deubel, Johann Feindt, Rainer Hoffmann, Jörg Jeshel, Lutz
Reitemeier, Hans Rombach. M: Jan Tilman Schade. E: Inge Schnei-
der. con: Karina Plachetka, Constanze Becker, Prodromos Antonia-
dis, Stephanie Stremler, Jochen Becker, Jutta von Zitzewitz. Prod:
Klaus Volkenborn, Journal Filmproduktion. Dur: 108 mins. Dist:
Goethe-Institut Mexiko.
Ganador del Premio del Público en el Festival
Internacional de Cine de Berlín en 2004, y
del de la Crítica Alemana un año después,
Pasión por actuar acompaña a cuatro jóvenes
a lo largo de sus estudios en la escuela de
arte dramático Ernst Busch de Berlín, y en sus
primeras experiencias profesionales después de
concluir con éxito su carrera. A pesar de sus
notables diferencias en cuanto a trayectoria,
mentalidad y conducta social, hay una similitud
entre todos ellos: su enorme pasión por el
teatro.
Viernes 10
43
Die Überlebenden
D: Andres Veiel. P: Alemania, 1996. Prod: Journal-Film Klaus Vo-
lkenborn KG (Berlín), Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF). Dur: 88
mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.
Los sobrevivientes
Dieciséis años después de haber salido del
Instituto, Andres Veiel y sus ex compañeros
intentan recrear una fotografía generacional,
la cual queda incompleta, ya que tres de ellos
se han suicidado. El documental, ganador en
1998 del Premio Adolf Grimme, indaga en las
historias de los ausentes a través de entrevistas
y recuerdos de amigos, padres y hermanos,
pero sobre todo de los integrantes de una
generación que vive entre el idealismo, la
desesperación y el pragmatismo.
Domingo 12
El golpe
Der Kick
D: Andres Veiel. P: Alemania, 2006. G: Gesine Schmidt y Andres
Veiel. f en c: Jörg Jeshel. E: Katja Dringenberg. con: Sussane-Ma-
rie Wrage, Markus Lerch. Prod: Journal Filmproduktion, Nachtaktiv
Film, ZDFtheaterkanal, Brigitte Kramer. Dur: 82 mins. Dist: Goethe-
Institut Mexiko.
En la noche del 13 de julio de 2002, los
hermanos Marco y Marcel Schönfeld, junto
a su amigo Sebastian Fink, golpearon y
asesinaron a Marinus Schöberl, de 16 años.
Basado en investigaciones detalladas, Andres
Veiel escribió una obra de teatro sobre el caso
y después la convirtió en película. Con una
vieja nave industrial berlinesa como escenario,
los diferentes papeles fueron adoptados por
sólo dos actores, con alteraciones de luces y
diferentes emplazamientos de cámara que
logran transformar el lugar.
Sábado 11
Este proyecto se ha realizado con la ayuda financiera de la Unión Europea.
44
Cine Vasco
Mucho se ha debatido acerca de lo que
es —o deja de ser— cine vasco, así como
del papel que juega el idioma en el que se
habla, sea éste euskera, español o francés. Sus
orígenes se encuentran en la serie de cortome-
trajes silentes Eusko Ikusgayak (1923-1928),
así como en la obra de los hermanos Azcona,
sobre todo su largometraje El mayorazgo de
Basterretxe (1928), una mirada al país vasco
rural y sus valores. En cuanto al documen-
tal, destacan Au pays des basques (1939) de
M. de Champreux, donde por vez primera
se oyó el euskera en una banda sonora, así
como Euzkadi (1933), largometraje de propa-
ganda política producido en España destruido
durante la Guerra Civil, y Guernika (1937) de
Nemesio Sobrevila.
El franquismo, mediante la represión de
su férreo aparato de censura, provocó la au-
sencia de cine vasco en España hasta la déca-
da de los años 60. En aquéllos años, algunas
iniciativas privadas, todas ellas amparadas en
instituciones culturales, produjeron una serie
de cortometrajes —en su mayoría documen-
tales— acerca del País Vasco. Así comenzaron
sus carreras Elías Querejeta, Antonio Ezeiza,
Xabiert Agirre, Pedro Olea, José Ángel Rego-
lledo y algunos más.
Este movimiento casi subterráneo conclu-
yó con el estallido provocado por el popular
filme documental Ama Lur (Tierra madre,
1968), cuyo objetivo era plasmar la realidad
del país en sus aspectos históricos, artísticos,
costumbristas y socio-políticos desde una óp-
tica nacionalista.
A partir de ese momento, las películas
que se hicieron o eran militantes o no eran
tomadas en cuenta, tal como lo que sucedió
con Ikuska (1977-1985), serie promovida por
Antonio Ezeiza, así como los filmes Ikusmena
(1980), de Montxo Armendáriz y Ez (1977),
de Imanol Uribe. De este último también
destaca el documental El proceso de Burgos
(1979), mismo que, además de provocar una
fuerte polémica en torno a la búsqueda de
una definición de cine vasco, más tarde lleva-
ría a Uribe a filmar La fuga de Segovia (1981),
con el apoyo del Gobierno Vasco.
La muerte de Franco en 1975, junto con
la aprobación del Estatuto de Autonomía del
País Vasco —o Estatuto de Guernica— en di-
ciembre de 1979, provocaron una progresiva
45
ampliación de horizontes, temáticas y esté-
ticas en el cine de la región. Asimismo, la
política de subvenciones instituida a inicios
de los años 80 dio lugar al nacimiento de la
figura del productor-realizador, y entre ellos
destaca Pedro Olea, quien en 1983 dirigió
Akelarre. Más tarde, concretamente en 1984,
se consolidó una asociación entre los produc-
tores vascos y la televisora Euskal, misma que
hizo posible una mayor producción fílmica.
Por otra parte, el apoyo del Gobierno Vasco
permitió la realización de filmes como Ander
y Yull (1988) de Ana Díez; Todo por la pasta
(1992) de Enrique Urbizu, y Acción mutante
(1993) de Alex de la Iglesia. En 1994, fue crea-
da la Fundación Euskal Media, con el objetivo
de apoyar la producción fílmica en el país.
Rechazada en un principio, y presionada
por directores y críticos, la fundación tuvo que
abrirse a una temática más amplia e incluyen-
te. A su vez, los jóvenes realizadores buscaron
nuevas modalidades de financiamiento para
sus proyectos, por lo que se acercaron a pro-
ductoras dentro y fuera de España en busca de
coproducciones.
Todo este esfuerzo produjo un cine definiti-
vamente abierto a todos los géneros, realizado
por directores todavía jóvenes pero ya madu-
ros, como Aitzpea Goenaga, Pablo Maso y José
Marí Goenaga, quienes hoy día nos hacen ver
que en la actualidad el término cine vasco signi-
fica en muchas ocasiones, más que una simple
denominación de origen, un sinónimo de cine
de gran calidad.
catheRine Bloch
Cineteca Nacional
46
nömadak tX
nömadak tX
D, E y f en c: Raúl de la Fuente. P: España, 2006. G: Raúl de
la Fuente, Pablo Iraburu, Harkaitz Martínez de San Vicente e Igor
Otxoa. M: Harkaitz Martínez de San Vicente. E: Raúl de la Fuente.
con: Harkaitz Martínez de San Vicente, Igor Otxoa, Mikel Laboa,
Rappai Potokaren. Prod: Txalap Art, Arena Comunicación Audiovi-
sual, Planeta Med, Igor Otxoa. Dur: 93 mins. Pc: Gobierno Vasco.
La txalaparta es un instrumento musical
vasco que se toca entre dos personas, y la
música que de él emerge es el resultado de
un encuentro. Multipremiado documental de
Raúl de la Fuente, realizador especializado en
grupos musicales, que retrata el viaje de dos
hombres acompañados por la txalaparta en
busca de otros sonidos, pueblos, paisajes y
culturas. El grupo lleva su sueño a la India, a
Laponia, al Sahara y hasta a Mongolia, lugares
donde su música se fusiona con la de antiguos
pueblos nómadas.
Jueves 16 y sábado 25
La fuga de Segovia
Segoviako ihesa
D: Imanol Uribe. P: España, 1981. G: Imanol Uribe y Ángel Lertxun-
di, basados en la novela Operación Poncho de Ángel Amigo. f en c:
Xavier Aguirresarobe. M: Xabier Lasa y Amaya Zubiria. E: Julio Peña
Heredia. con: Xabier Elorriaga, Mario Pardo, José María Muñoz,
Ramón Balenciaga, Imanol Gaztelumendi, José Pedro Carrión. Prod:
Frontera Films, Ángel Amigo. Dur: 108 mins. Pc: Gobierno Vasco.
En este filme, Imanol Uribe (La muerte de
Mikel, 1984) documenta un hecho real
ocurrido en 1976 en la tristemente célebre
cárcel de Segovia “una prisión anti-fuga”,
según el gobierno español franquista. Los
protagonistas fueron cerca de treinta presos
políticos vascos, miembros de ETA, que
pasaron ocho meses construyendo un túnel
que los llevaría a la libertad. Filmada cuando
la lucha de ETA todavía era idealizada, fue
presentada en el Festival de San Sebastián,
donde obtuvo el premio de la FIPRESCI.
Viernes 17
47
Akelarre
Akelarre
D: Pedro Olea. P: España, 1984. G: Pedro Olea y Gonzalo
Goikoetxea. f en c: José Luis Alcaine. M: Carmelo A. Bernaola.
con: Silvia Munt (Garazi), José Luis López Vázquez (inquisidor),
Mary Carrillo (Amunia), Walter Vidarte (Don Fermín de Andueza),
Patxi Bisquert (Unai). Prod: Amboto. Dur: 93 mins. Pc: Gobierno
Vasco.
Akelarre es uno de los títulos fundamentales
del Nuevo Cine Vasco, realizada por el
director, productor y guionista Pedro Olea (El
maestro de esgrima, 1992). El filme cuenta una
historia ubicada en un pueblo de Navarra a
fines del siglo XVII, donde el señor feudal de
la región desata una implacable persecución
contra la brujería local ayudado por un
inquisidor, símbolo de la autoridad castellana.
La pelñicula puede ser calificada como ua
eficaz alegoría del país vasco en los años
ochenta.
Sábado 18
todo por la pasta
D: Enrique Urbizu. P: España, 1991. G: Luis Marías. f en c: Car-
les Gusi. M: Bernardo Bonezzi. E: Ana Murugarren. con: Antonio
Resines (Ángel), María Barranco (Azucena), Kiti Manver (Verónica),
Pepe Amezola (David), Pepo Oliva (Pereda), Caco Senante (Casares).
Prod: Creativideo, Joaquín Trincado. Dur: 94 mins. Pc: Gobierno
Vasco.
todo por la pasta
El segundo largometraje de Enrique Urbizu (La
caja 507, 2002) es un thriller con estructura
de road movie, con el cual el cineasta fue
reconocido con el premio al mejor director
en el Festival de Cartagena en 1992. El filme
narra con gran eficacia la historia del robo
cometido por una banda de ladrones, quienes
desconocían que el dinero del botín había sido
etiquetado previamente por la policía para
pagar un crimen político. Ficción que retrata
verazmente el ambiente social en el país vasco
a fines de los años ochenta.
Domingo 19
48
El invierno en Lisboa
El invierno en Lisboa
D: José A. Zorrilla. P: España-Francia-Portugal, 1990. G: Antonio
Muñoz Molina, José A. Zorrilla y Mason Funk, basados en la nove-
la homónima del primero. f en c: Jean-Francis Gondre. M: Dizzy
Gilespie. E: Ivan G. Aledo y Pablo G. del Amo. con: Christian Va-
dim (Jim Biralbo), Hèléne de Saint-Père (Lucrecia), Dizzy Gillespie
(Bill Swann), Eusebio Poncela (Floro), Fernando Guillén (Malcolm),
Michel B. Duperial (Morton), Carlos Wallenstein (Ramírez). Prod:
Igeldo Zine Produkzioak, Impala, Jet Films, Ángel Amigo, Alfredo
Matas, José Antonio Sáinz de Vicuña, Alain Sarde. Dur: 100 mins.
Pc: Gobierno Vasco.
Un joven pianista de jazz se ve envuelto
en una trama policial, al enamorarse
perdidamente de la mujer de un mafioso
que se dedica al tráfico de obras de arte.
Tercer largometraje de José A. Zorrilla,
quien reemplaza la alegría característica
de Donostia por un ambiente melancólico,
donde prevalecen los atardeceres color añil,
las casonas viejas y los rincones inéditos de la
ciudad. Destacan la actuación del trompetista,
cantante y compositor Dizzy Gillespie y la
banda sonora original, autoría de éste.
Martes 21
frío sol de invierno
frío sol de invierno
D y G: Pablo Malo. P: España, 2004. f en c: Pablo Rosso. M:
Aitor Amézaga. E: Antonio Pérez Reina. con: Unax Ugalde (Adrián),
Javier Pereira (Gonzalo), Marisa Paredes (Raquel), Marta Etura
(Mimo), Raquel Pérez (Carmen), Andrés Gertrúdiz (primo). Prod:
Canal+ España, Euskal Irrati Telebista (EITB), Televisión Española
(TVE), Zine1, Arkaitz Gioia, Patxi San Miguel. Dur: 104 mins. Pc:
Gobierno Vasco.
Debut cinematográfico del donostiarra
Pablo Malo, quien obtuvo por este filme un
premio Goya como mejor director novel.
Con locaciones en Irún, Oiartzun, Donostia
y Lisboa, Frío sol de invierno describe el viaje
interior de Adrián, un joven de 25 años quien,
tras ser dado de alta del sanatorio mental
en el que se encontraba, decide buscar a su
padre. Para dotar de mayor credibilidad a su
interpretación como Adrián, el protagonista
Unax Ugalde visitó, junto con el director,
diferentes hospitales psiquiátricos.
Miércoles 22
49
Zeru horiek
Zeru horiek
D: Aitzpea Goenaga. P: España, 2005. G: Bernardo Atxaga y Aitz-
pea Goenaga, basados en la novela homónima del primero. f en c:
Joan Benet. M: Francesc Gener. E: Guillermo S. Maldonado. con:
Nagore Aramburu (Irene), Joseba Apaolaza (policía 1), Airtor Merino
(policía 2), Loli Astorka (monja 1), Nadala Batiste (monja 2), Teresa
Calo (Antonia), Ainhoa Aierbe (Margarita). Prod: TVE, Televisió de
Catalunya, Compañía Vasca de Audiovisuales, Factotum Barcelona.
Dur: 87 mins. Pc: Gobierno Vasco.
Después de permanecer cuatro años en
prisión, Irene, una ex integrante de ETA,
decide viajar en autobús de Barcelona a
Bilbao. Durante el trayecto, la protagonista
repasa parte de su vida y reflexiona acerca
de su futuro. Primer largometraje de Aitzpea
Goenaga, quien también se ha desempeñado
como actriz de teatro, cine y televisión,
además de tener una reconocida carrera como
dramaturga. Cabe mencionar que esta película
fue la primera que Televisión Española filmó
originalmente en euskera.
Jueves 23
Mi querida Bamako
D: Omer Oké y Txarli Llorente. P: España, 2007. G: Joanes Urkixo.
f en c: Gaizka Bourgeaud. M: Pascal Gaigne. E: Iván Miñambres y
Haritz Zubillaga. con: Djédjé Apali (Moussa), Esther Vallés (Khady),
Gorsy Edu (Justin). Prod: Joxe Portela. Dur: 98 mins. Pc: Gobierno
Vasco.
Mi querida Bamako
Su experiencia como Director de Inmigración
del Gobierno Vasco entre 2001 y 2006 llevó
a Omer Oké a realizar —junto con Txarli
Llorente— este falso documental acerca de
los inmigrantes africanos en España. El filme
sigue la odisea de Moussa, un joven que se ve
obligado a dejar a su familia para ir en busca
de un futuro mejor. En su recorrido, Moussa
se topará con otros tantos viajeros, quienes
darán testimonio de sus propias vicisitudes y
experiencias, así como de las razones que les
empujaron al éxodo.
Viernes 24
50
Lucio
Lucio
D y G: Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga. P: España, 2007.
f en c: Javi Agirre. M: Pascal Gaigne. E: Raúl López. con:
Lucio Urtubia, Anne Urtubia, Pili Urtubia, Satur Urtubia,
Thierry Fagart, Roland Dumas. Prod: Xabier Berzosa. Dur:
93 mins. Pc: Gobierno Vasco.
Lucio Urtubia, mejor conocido como el Zorro Vasco, nunca abandonó su trabajo como alba-
ñil, a pesar de haberse involucrado en múltiples actividades subversivas desde los 17 años.
Mediante entrevistas que se complementan con imágenes de archivo y recreaciones, este
documental —que obtuvo en el 2008 una Mención Especial del Jurado en el Festival de
Guadalajara— rememora la vida de tan peculiar personaje, a quien, asombrosamente, su larga
“carrera” le costó sólo unos meses de cárcel.
Domingo 26
La Cineteca Nacional agradece al Eusko Jaurlaritza - Kultura Saila
y a la Euskadiko Filmategia su colaboración en la realización de este ciclo.
51
Aunque es uno de los más activos de España,
el cine de animación vasco no ha figurado
desde que El regreso del Viento del Norte gana-
ra el Goya en 1994. Para la crítica especializada,
tanto Megasónicos —primer largometraje español
íntegramente en 3D y producido en 1997— como
Ahmed, el príncipe de la Alhambra (1998), fueron
decepcionantes. Sin embargo, no ha sucedido lo
mismo con La isla del cangrejo, justa ganadora en el año 2001 al Goya en la categoría de
mejor largometraje de animación.
El filme cuenta la historia del capitán Dimitri y su tripulación. A bordo de su barco Caín
y acompañado por un mágico loro dueño de una maravillosa voz, este pirata con pata de
palo, pero buenos sentimientos, se lanza a la búsqueda del tesoro mítico de Macaos, oculto
en un mar infestado de tiburones y grandes peligros. Para encontrarlo, Dimitri deberá luchar
contra varios traficantes de esclavos y obtener no sólo el dinero, sino también la libertad de
los cautivos y, sobre todo, de la joven pirata Loreley.
JoRge magaña molina
Cineteca Nacional
Sábados 18 y 25 de julio, y 1º de agosto, y Domingos 19 y 26 de julio y 2 de agosto
La isla del cangrejoKarramarro uhartea
D: Txabi Basterretxea y Joxan Muñoz. P: España, 2000. G: Joxan Muñoz
e Inazio Mujika. f en c: Eduardo Elósegi. M: Ángel Illarramendi. E: Juan
Bautista Berasategi. con las voces de: Alfredo Landa (Sam, el narrador),
Juan Carlos Loriz (Dimitri), Maribel Legarreta (Loreley), José Mari Moscoso
(Walker), Isabel del Palacio (Ma). Prod: Luis Reneses de la Fuente, Iñaki
Gómez. Dur: 87 mins. Pc: Gobierno Vasco.
Esta película se exhibe como parte del ciclo Cine Vasco.
MATINÉ INFANTIL
52
PROGRAMA DOBLE I: MOnStRuOS cuADRO X cuADRO
El valle de Gwangi
El gran gorila
the Valley of Gwangi
D: Jim O’Connolly. P: Estados Unidos, 1969. f en c: Erwin Hillier.
M: Jerome Moross. E: Selwyn Petterson y Henry Richardson. con:
James Franciscus (Tuck Kirby), Gila Golan (T. J. Breckenridge), Richard
Carlson (Connors), Laurence Naismith (profesor Horace Bromley),
Freda Jackson (tía Zorina), Gustavo Rojo (Carlos dos Orsos). Prod:
Morningside Productions, Ray Harryhausen, Charles H. Schneer.
Dur: 96 mins.
Mighty Joe Young
D: Ernest B. Schoedsack. P: Estados Unidos, 1949. G: Merian C.
Cooper. f en B/n: J. Roy Hunt. M: Roy Webb. E: Ted Chees-
man. con: Terry Moore (Jill Young), Ben Johnson (Gregg), Robert
Armstrong (Max O’Hara), Frank McHugh (Windy), Douglas Fowley
(Jones), Denis Green (Crawford). Prod: Argosy Pictures, Merian C.
Cooper. Dur: 94 mins.
Antes de que la animación se convirtiera en esclava de novedosos efectos especiales por com-
putadora, el ingenio de Ray Harryhausen inundaba las pantallas con mundos fantásticos y
monstruos que parecían cobrar vida gracias a su destreza en la técnica del stop-motion. Admirador
del trabajo que Willis O’Brien —inventor de esta técnica que consiste en utilizar modelos a escala
y animarlos cuadro por cuadro— había realizado en la exitosa King Kong (1933), Harryhausen creó
sus primeros experimentos animados en varios cortometrajes para la Paramount. Su talento llamó la
atención de O’Brien, quien lo invitó a colaborar en El gran gorila, secuela de King Kong —realizada
por el mismo equipo, y que obtuvo el Oscar en 1950 a los mejores efectos especiales— en la que un
ambicioso empresario descubre un inmenso gorila, la criatura perfecta para su show en Hollywood.
Caso similar es el de El valle de Gwangi, filme basado en una idea de O’Brien que Harryhausen
materializó, dando vida a sus monstruos favoritos: los dinosaurios, criaturas que habitan en este valle
al que llega un grupo de vaqueros en busca de aventura.
oRianna Paz
Cineteca Nacional
Martes 30 de junio, miércoles 1º y sábado 4 de julio
Permanencia voluntaria
5353
PROGRAMA DOBLE II: ViRGiniA WOOLf Y LAS HORAS DE ORLAnDO
Las horas
Orlando
Aunque empezó su carrera escribiendo ensayos y crítica literaria, el legado más importante que
dejó Virginia Woolf es su obra como novelista. Destacan, dentro de este género, La señora
Dalloway (1925), ubicada en la Inglaterra de la posguerra y que detalla un día en la vida de Clarissa
Dalloway, quien piensa en quitarse la vida; y Orlando (1928), considerada la novela de mayor éxito
de la autora, con una historia basada en la aristócrata Vita Sackville-West, con quien se dice que
Woolf mantuvo una relación amorosa. Tanto Orlando (1992), adaptación de la obra homónima de
Woolf, como Las horas (2002), inspirada en La señora Dalloway, son protagonizadas por personajes
del sexo femenino, símbolos de la condición de las mujeres de su tiempo, quienes analizan a su
manera el rol asignado a la mujer tanto en la época isabelina como en los albores del siglo XX,
permeadas por una perspectiva feminista, también presente en muchas de las obras de la autora
inglesa, quien se suicidaría en el año 1941.
JoRge d. maRtínez micheR
Cineteca Nacional
Martes 7, miércoles 8 y sábado 11
the Hours
D: Stephen Daldry. P: Estados Unidos, 2002. G: David Hare, a
partir de la novela de Michael Cunningham. f en c: Seamus Mc-
Garvey. M: Philip Glass. E: Peter Boyle. con: Meryl Streep (Clarisa
Vaughan), Nicole Kidman (Virginia Woolf), Julianne Moore (Laura
Brown), Stephen Dilllane (Leonard Woolf), Miranda Richardson (Va-
nessa Bell), George Loftus (Quentin Bell), Ed Harris (Richard Brown).
Prod: Paramount Pictures, Miramax Films, Robert Fox, Scott Rudin.
Dur: 114 mins.
Orlando
D y G: Sally Potter, basado en el libro homónimo de Vir-
ginia Woolf. P: Gran Bretaña-Rusia-Francia, 1992. f en c:
Alexei Rodionov. M: Sally Potter y David Motion. E: Herve
Schneid. con: Tilda Swinton (Orlando), Billy Zane (Shelmer-
dine), Lothaire Bluteau (el Khan), John Wood (Archiduque Ha-
rry), Charlotte Valandrey (Sasha), Heathcote Williams (Nick),
Quentin Crisp (Elisabeth I), Peter Eyre (Señor Pope). Prod:
Adventures Pictures, Lenfilm Studio, Mikado Film, Rio, Sig-
ma Film Productions, British Screen, Christopher Sheppard.
Dur: 92 mins.
54
Permanencia voluntaria
PROGRAMA DOBLE III: PASiOnES Y PROVOcAciOnES
Ábrete de orejas
Mi hermosa lavandería
Prick up Your Ears
D: Stephen Frears. P: Gran Bretaña, 1987. G: Alan Bennett, basado
en el libro de John Lahr. f en c: Oliver Stapleton. E: Mick Audsley.
con: Gary Oldman (Joe Orton), Alfred Molina (Kenneth Halliwell),
Vanessa Redgrave (Peggy Ramsay), Frances Barber (Leonie Orton),
Janet Dale (señora Sugden), Julie Walters (Elsie Orton). Prod: Civil-
hand, Zenith Entertainment, Andrew Brown. Dur: 111 mins.
My Beautiful Laundrette
D: Stephen Frears. P: Gran Bretaña, 1985. G: Hanif Kureishi. f en
c: Oliver Stapleton. M: Ludus Tonalis. E: Mick Audsley. con: Saeed
Jaffrey (Nasser Hussein), Roshan Seth (Ali Hussein), Daniel Day-Lewis
(Johnny), Gordon Warnecke (Omar Hussein), Derrick Branche (Salim
N. Hussein), Rita Wolf (Tania N. Hussein). Prod: Channel Four Films,
SAF Productions, Working Title Films, Tim Bevan, Sarah Radclyffe.
Dur: 97 mins.
Agudo crítico de la sociedad inglesa y provocador innato, para quien los límites son una utopía
—con La reina (2006) puso en tela de juicio nada más y nada menos que a la monarquía
británica—, Stephen Frears es uno de los cineastas más audaces del Reino Unido. Gumshoe (1971)
marcó su debut, pero pasaría más de una década para que Frears abandonara la pantalla chica y
regresara al cine, donde ha construido una sólida carrera. En esa época, el joven Frears realizó un
par de filmes unidos aparentemente por el mismo tema: la homosexualidad. No obstante, tanto Mi
hermosa lavandería como Ábrete de orejas van mucho más allá. La primera —originalmente reali-
zada para televisión— está ubicada en los ochenta, durante la era Thatcher, y analiza, a través de la
relación amorosa entre un pakistaní y un inglés, el racismo, la sexualidad, el conflicto generacional
y la diferencia de clases. La segunda, que está basada en la biografía que John Lahr escribió sobre
el dramaturgo Joe Orton, se centra en la frustración, el odio y la envidia que llevaron a su pareja,
Kenneth Halliwell, a asesinarlo.
oRianna Paz
Cineteca Nacional
Martes 14, miércoles 15 y sábado 18
55
PROGRAMA DOBLE IV: EL BLAncO HuMAnO
Henry: Retrato de un asesino serial
Henry: Portrait of a Serial Killer
D: John McNaughton. P: Estados Unidos, 1986. G: Richard Fire y
John McNaughton. f en c: Charlie Lieberman. M: Ken Hale, Steve
A. Jones y Robert McNaughton. E: Elena Maganini. con: Michael
Rooker (Henry), Tom Towles (Otis), Tracy Arnold (Becky), David Katz.
Prod: Maljack Productions, Lisa Dedmond, Steven A. Jones, John
McNaughton. Dur: 83 mins.
the Boston Strangler
D: Richard Fleischer. P: Estados Unidos, 1968. G: Edward Anhalt,
basado en el libro de Gerold Frank. f en c: Richard H. Kline. M:
Lionel Newman. E: Marion Rothman. con: Tony Curtis (Albert
DeSalvo), Henry Fonda (John S. Bottomly), George Kennedy (de-
tective Phil DiNatale), Mike Kellin (Julian Soshnick), Hurd Hatfield
(Terence Huntley), Murray Hamilton (detective Frank McAffe), Jeff
Corey (John Asgeirsson). Prod: Twentieth Century Fox, Robert Fryer.
Dur: 116 mins.
Una de las figuras que el cine ha mitificado y convertido prácticamente en superestrella, a pesar
de lo pernicioso de su sentido, es la del asesino en serie, a quien se ha trazado como un indivi-
duo peligroso y amoral, aunque atractivo y encantador por su particular visión de la vida. Y pese a
que de forma reciente su presencia prácticamente es la de un antihéroe adorado y aplaudido, existen
igualmente filmes que han buscado penetrar en los oscuros recovecos de la mente criminal, sin
ánimos de exaltación. Así, El estrangulador de Boston es un clásico en el que Tony Curtis realiza una
recordada interpretación como Albert DeSalvo —feminicida que tiñó de sangre las calles de dicha
ciudad estadounidense— y en el que Richard Fleischer ejercita de forma intensa la pantalla dividida.
Un par de décadas después, en Henry: Retrato de un asesino serial, John McNaughton llevó a cabo
de forma marginal una crónica lúgubre y sangrienta de las demenciales aventuras de Henry Lee
Lucas, quien en unos cuantos años asesinó a una cantidad monstruosa de personas. Estos filmes de
culto poco tienen que ver con el oropel que ronda a Hannibal Lecter.
mauRicio matamoRoS
Cineteca Nacional
Martes 21, miércoles 22 y sábado 25
El estrangulador de Boston
56
Permanencia voluntaria
PROGRAMA DOBLE V: LADROnES cOn SEntiDO DEL HuMOR
cómo robar un millón de dólares
topkapi
How to Steal a Million
D: William Wyler. P: Estados Unidos, 1966. G: Harry Kurnitz, sobre
un argumento de George Bradshaw. f en c: Charles Lang. M: John
Williams. E: Robert Swink. con: Audrey Hepburn (Nicole), Peter
O’Toole (Simon Dermott), Eli Wallach (Davis Leland), Hugh Griffith
(Bonnet), Charles Boyer (DeSolnay), Fernand Gravey (Grammont),
Marcel Dalio (señor Paravideo). Prod: 20th Century Fox, World
Wide Productions, Fred Kohlmar. Dur: 123 mins.
topkapi
D: Jules Dassin. P: Estados Unidos, 1964. G: Monja Danischews-
ky, basado en la novela The Light of Day de Eric Ambler. f en c:
Henri Alekan. M: Manos Hadjidakis. E: Roger Dwyre. con: Melina
Mercouri (Elizabeth Lipp), Peter Ustinov (Arthur Simon Simpson),
Maximilian Schell (Walter Harper), Robert Morley (Cedric Page), Jess
Hahn (Hans Fisher), Gilles Ségal (Giulio La mosca humana), Akim
Tamiroff (cocinero). Prod: Filmways, United Artists, Jules Dassin.
Dur: 119 mins.
La planeación, ejecución y consecuencias de un robo han sido siempre de gran atractivo para
el cine, acto que trastoca la moral del espectador al volverlo parte de un grupo de criminales
organizados. En algunos filmes, el destino trágico de sus protagonistas deja en claro que el crimen
no paga. Pero en otros, no solamente el acto criminal se consuma, sino que quienes lo cometen son
personajes de gran simpatía para el espectador. Así sucede en Topkapi (Jules Dassin, 1964), en la
cual una banda de ladrones de joyas, con Melina Mercouri al mando, planea robar un valioso tesoro
de un museo de Estambul. Se dice que este filme de exóticas locaciones inspiró años después de
su estreno un robo verídico en el Museo de Historia Natural de Nueva York. En la misma tónica,
entre el thriller y la comedia, Audrey Hepburn se convierte en una ladrona de arte en Cómo robar
un millón de dólares (William Wyler, 1966) para, irónicamente, mantener limpio el buen nombre de
su padre estafador.
JoSé antonio ValdéS Peña
Cineteca Nacional
Martes 28 y miércoles 29 de julio, y sábado 1º de agosto
57
58
59
Programa 62
Huérfanas de la tormenta
Orphans of the Storm
D y G: D.W. Griffith, inspirado en la novela Les deux orphelines de
Adolphe d’Ennery y Eugène Cormon. P: Estados Unidos, 1921. f en
B/n: G.W. Bitzer, Hendrik Sartov y Paul H. Allen. E: James Smith y
Rose Smith. con: Lillian Gish (Henriette Girard), Dorothy Gish (Louise
Girard), Joseph Schildkraut (Chevalier de Vaudrey), Frank Losee (conde
de Linieres), Sheldon Lewis (Jacques Frochard), Monte Blue (Danton),
Sidney Herbert (Robespierre). Prod: D.W. Griffith Productions, United
Artists, D.W. Griffith. Dur: 150 mins.
Basado en documentos y escritos sobre la Revolución Francesa, D.W. Griffith utiliza este
contexto histórico como lujoso telón de fondo para narrar la turbulenta odisea de dos
huérfanas, criadas como hermanas y separadas por las pugnas entre el pueblo y la aristocra-
cia. Si bien Huérfanas de la tormenta está más cerca del melodrama decimonónico que de
una lección de historia, con este filme, en el cual dirigió nuevamente a las hermanas Lillian y
Dorothy Gish, Griffith obtuvo su último éxito comercial.
Jueves 2
Der var engang
D: Carl Theodor Dreyer. P: Dinamarca, 1922. G: Palle
Rosenkratz y Carl Theodor Dreyer, basados en una pieza
teatral de Holger Drachmann. f en B/n: George Schnée-
voigt. E: Edla Hansen y Carl Theodor Dreyer. con: Clara
Wieth (princesa de Illyria), Svend Methling (príncipe de
Dinamarca), Peter Jendorff (el rey), Hakon Ahnfelt-Rønne
(Kasper Røghat), Mohamed Archer (fraile), Bodil Faber
(ama de llaves), Wilhelmine Henriksen (doctor Dorthe).
Prod: Det Danske Filminstitut, Sophus Madsen. Dur:
75 mins.
Programa 63
érase una vez
Un príncipe se propone conquistar el corazón de una caprichosa princesa, aunque deba
esconderse bajo la apariencia de un plebeyo. Realizado en 1922, cuando Dreyer regre-
saba de una temporada en las filas del cine alemán, este filme se ve envuelto en una onírica
atmósfera de cuento de hadas. En un tono ligero, lejano al dramatismo de sus grandes obras,
el realizador danés reflexiona sobre los amores difíciles y las falsas apariencias, iluminando sus
fantásticos escenarios bajo los claroscuros del Expresionismo alemán.
Jueves 9
60
Programa 64
El hombre mosca
Safety Last!
D: Fred Newmeyer y Sam Taylor. P: Estados Unidos, 1923. G: Tim
Whelan, Sam Taylor, H.M. Walker y Jean C. Havez. f en B/n: Walter
Lundin. E: T.J. Crizer. con: Harold Lloyd (el muchacho), Mildred Davis
(la chica), Bill Strother (el amigo), Noah Young (policía), Westcott Clarke
(señor Stubbs), Mickey Daniels (niño voceador). Prod: Hal Roach Stu-
dios Inc., Hal Roach. Dur: 74 mins.
the Hunchback of notre Dame
D: Wallace Worsley. P: Estados Unidos, 1923. G: Edward T. Lowe
Jr. y Perley Poore Sheehan, basado en la novela Nuestra Señora de
París de VIctor Hugo. f en B/n: Tony Kornman y Robert Newhard.
M: Heinz Roemheld. E: Edward Curtis, Maurice Pivar y Sydney
Singerman. con: Lon Chaney (Quasimodo), Patsy Ruth Miller (Es-
meralda), Norman Kerry (Febo), Kate Lester (Madame de Gonde-
laurier), Ernest Torrance (Clopin), Winifred Bryson (Flor de Lis), Nigel
de Brulier (don Claudio). Prod: Universal Pictures, Irving Thalberg,
Carl Laemmle. Dur: 99 mins.
Programa 65
El jorobado de nuestra Señora de París
La trágica historia de amor entre el jorobado campanero de Notre Dame y una gitana,
surgida de la imaginación del escritor francés Victor Hugo, llegó a la pantalla en esta super-
producción de Universal Pictures, misma que desplegó a miles de extras y necesitó a cientos
de profesionales del cine para su realización. Uno de los elementos que hacen memorable
este espectacular filme es la conmovedora interpretación de Lon Chaney como Quasimodo,
con el rostro desfigurado y una prótesis de 44 kilos en la espalda.
Jueves 23
Considerado el tercer genio de la comedia silente norteamericana, Harold Lloyd interpreta
a un ingenuo provinciano en busca de fortuna en la gran ciudad. Para atraer más clientes
al almacén donde trabaja, el protagonista se ofrece a trepar por las paredes del edificio hasta la
cima; sin embargo, las cosas no serán tan sencillas como él piensa. La imagen del comediante
colgando peligrosamente de las manecillas de un reloj a gran altura, con la ciudad a sus pies,
se volvió una clásica del cine mundial.
Jueves 16
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64
Recuerda que martes y miércoles la entrada general es de $ 25 pesos.
La Cineteca Nacionalagradece el valioso apoyo de
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ÍNDICEalfabético julio 2009
Ábrete de orejas 54Akelarre 47Anima Mundi 39Balagan 42Bastardos, Los 10Caja Negra RFA 41 Castillo de la pureza, El 26Cena, La 16Cocinero, el ladrón, su esposo y su amante, El 19Comer, beber y amar 23Como agua para chocolate 20Cómo robar un millón de dólares 56Cuestión de buen gusto 16Chico, El 32Delicatessen 18Discreto encanto de la burguesía, El 15En construcción 36Estrangulador de Boston, El 55Érase una vez 59Evidence 39Festín de Babette, El 20Foxtrot 27Frío sol de invierno 48Fuga de Segovia, La 46Golpe, El 43Gran gorila, El 52Henry: Retrato de un asesino serial 55Hombre de la cámara, El 33Hombre mosca, El 60Horas, Las 53Huérfanas de la tormenta 59Invierno en Lisboa 48Isla del cangrejo, La 51
Jorobado de Nuestra Señora de París, El 60Koyaanisqatsi 38Larga vida a la señora 14Lecumberri (El Palacio Negro) 27Lucio 50Lugar sin límites, El 28Mariana, Mariana 28Menú de amor 17Metrópolis 34Mi querida Bamako 49Mi hermosa lavandería 54Mujeres arriba, Las 22Naqoyqatsi 39Nömadak TX 46Nosferatu 31 Orlando 53Pasión por actuar 42Powaqqatsi 38Ratatouille 21Reprise: vivir de nuevo 8Sabores de la vida, Los 21Santo Oficio, El 26Sobrevivientes, Los 43Sueño de una noche invernal 41Súper engórdame 19Sweeney Todd 18Tampopo 22Todo por la pasta 47Topkapi 56Tres monos: no escucho, no veo, no hablo 6Última cena, La 17Un banquete de bodas 14Valle de Gwangi, El 52Vatel 15Zeru horiek 49