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Fotografía comercial Fotografía de retratos, fashion, pin ups, estilismo gastronómico,
bebidas, editorial, portada, afiche de películas.
VERSION UNIVERSITARIA
2014
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INTRODUCCIÓN
Bienvenido(a). Tu esfuerzo ha dado frutos y es ahora cuando chile verde has de darle sabor al caldo.
Este nuevo curso le da continuidad a los conocimientos adquiridos durante su curso de Fotografía básica digital, será como construir un segundo piso sobre conocimientos previamente adquiridos y sobre el dominio de la herramienta de trabajo desarrollado durante el primer curso de fotografía. Los proyectos y ejercicios aquí cubiertos se apoyan en el hecho que ya conocemos las funciones de una cámara de fotografía DSLR, cuyos mandos o controles son manuales para el enfoque, y la exposición, que dominamos los principios de la composición visual, que sabemos las mínimas reglas para retratar personas, control sobre la profundidad de campo, el uso de la lámpara de destellos así como otros accesorios.
Para dominar estas competencias te motivo a solicitar una copia del texto de Fotografía (búscalo en Scrib) que te ayudará muchísimo a estar al tono con éstas. Dedicaremos brevemente algunas horas de clase durante la primera semana para nivelarnos y el resto del curso será según lo anteriormente descrito.
Tu creatividad, tu capacidad de visualizar proyectos, de producir según diseño, administrar los tiempos de entrega puntual y oportuna, la presentación y el nivel de acabado y detalle serán algunas de los puntos a valorar para tu calificación. Es un reto entre la máxima calidad posible y el tiempo y las más altas exigencias creativas que cualquier diseñador gráfico y publicitario deberá de resolver diariamente en el ejercicio real de su profesión.
Sobre tu profesor, éste ha sido Director Creativo, copywriter, ha supervisado producciones fotográficas profesionales en Honduras, México, y otros países de la región junto a destacados fotógrafos comerciales, sumado a lo anterior cerca de 22 años enseñando fotografía.
Espero que dispongas lo mejor de ti, de manera que tu trabajo hable elocuentemente de tu esfuerzo, responsabilidad, capacidad y creatividad.
Mauricio Pineda
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¿Por dónde iniciar? La fotografía -como apoyo visual dentro de una pieza
publicitaria impresa o bien para un spot de TV o aplicada al desarrollo de
contenidos para la Internet o medios impresos y multimediales es una imagen
muy solicitada actualmente- a razón de su alto nivel de verosimilitud dada
también la credibilidad que le atribuyen a la imagen fotográfica los lectores y
observadores de la misma.
Esa cualidad de ser una imagen confiable
para los lectores y observadores, ha sido
adoptada con mucha fuerza en la industria
editorial, publicitaria y de los soportes
multimediales como CD interactivos,
blogs, sitios web, las redes sociales, por tal
razón se solicita frecuentemente los
servicios de los fotógrafos comerciales
para satisfacer esta creciente necesidad de imágenes producidas a la medida de las
necesidades de los anunciantes y de sus agencias. En este contexto podemos notar
como los mismos medios impresos; revistas de contenido general y temático, así
como los diarios de mayor circulación y sus revistas gratuitas utilizan a la
“fotografía solicitada a la medida” con una gran frecuencia y cada vez se demanda
de mayor profesionalismo. Los catálogos de ofertas, o las renovaciones de línea, la
industria del turismo, la industria de bienes de consumo, los restaurantes de
comida rápida, los restaurantes a la carta, tiendas de ropa de moda, distribuidores
de vehículos, hoteles, líneas áreas, escuelas y colegios, el sector gubernamental y
demás organizaciones que trabajan en programas de desarrollo, en fin existe gran
demanda de fotografías hechas a la medida en tiempos de respuesta cada vez más
cortos.
Empezaremos describiendo en forma general el proceso de la producción de una
fotografía comercial solicitada a medida. La cual surge de un criterio profesional
y a solicitud de un director creativo o de un diseñador creativo -como se les llama
hoy a los antiguos directores de arte- éste es quien define qué tipo de imagen o
apoyo visual se le requiere para acompañar al texto que el copywriter ya ha
redactado o está trabajando. Lo mejor sería que esta decisión surja del consenso
entre la dupla creativa y aprobado siempre por el anunciante. Una vez definido
que lo más correcto será resolver el apoyo una fotografía que ilustre o bien que
cuente una historia, o que muestre un fragmento de la vida diaria de un usuario,
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o presentar el producto como si se tratara de un súper héroe, o mostrar cómo se
usa o funciona un servicio o máquina, etc. Se prepara un layout que es finalmente
aprobado por el cliente, deberemos ahora seleccionar quien será el fotógrafo
idóneo para este proyecto a realizar. Los fotógrafos a través de su experiencia y
labor diaria van desarrollando y acumulando sensibilidad especial por algunos
temas o tipos de proyectos en particular -retratos, modas, retratos institucionales,
espontáneos, en locación interior o exterior, en estudio, deportes, product shot,
ambientación, efectos de producción, maquillaje profesional, food styling, bebidas, snaks,
postres fríos, panadería, carros, aviones, instalaciones industriales, edificios, paisajes,
niños, animales, aves, peces, anfibios, ancianos, bodegones, composiciones para portadas,
catálogos, portadas de CD, muebles, Hollywood glamour, calendarios, etcétera.- más que
en otros tipos de proyectos, por esa razón será básico revisar, verificar y validar el
portafolio reciente o álbum de proyectos de cada fotógrafo para así saber si
cuentan con experiencia necesaria para resolver el tipo de proyecto que tenemos
en mente realizar.
Algunos fotógrafos también disponen en Internet de catálogos actualizados de sus
proyectos más recientes y de los más destacados, ésto agilizará la toma de
decisiones, cuando definamos en la etapa de preselección a cuales fotógrafos
considerar, cada vez que se pueda y si el tiempo lo permite, deberemos visitar su
estudio o plató y conocer su capacidad instalada sobre las dimensiones del estudio
en sí, la iluminación con luz continua, con luz de sol, flashes de estudio, escenarios,
vestidores, cocina para alimentos, los objetivos u ópticas, asistencia de producción,
salas de espera, mesas de disparos, u otros detalles que el proyecto requiera. Un
factor importante es la agenda o timing del proyecto, aquí deberemos tomar en
cuenta la agenda del fotógrafo, los modelos y otros especialistas tanto como si
cuenta con equipo digital de marco completo, sensores de alta calidad, monitores
de estudio, pos procesos de edición y de retoque digital y HDR.
Bancos de imágenes. Los plazos de entrega muy cortos suelen
ser el motivo principal para acudir a un repositorio de imágenes
en internet como Getty, Corbis, Shutter stock, Flickr o Photo
community, etc. En el pasado se solicitaban por fax o correo a
The Image bank o de la Biblioteca internacional de fotografía, se
trata de almacenes en internet con imágenes digitales genéricas
listas para su uso, solamente compras los derechos de uso y en minutos tienes una
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foto en la mano, aunque existe el riesgo que a ésta
también la compre la “tienda de enfrente”. En el otro
sentido esto mismo se convierte en una oportunidad
para el fotógrafo, pues con solo crear una cuenta y subir nuestras fotos, así éstas
pueden ser compradas en línea por alguien más que tenga limitaciones de tiempo
y/o para viajar. Es una oportunidad que espera por tu talento, creatividad y hasta
completar tu ingreso mensual.
Flickr. Es un sitio web gratuito o pagado, según, que permite
almacenar, ordenar, buscar, vender y compartir fotografías y
vídeos en línea. Actualmente Flickr cuenta con una importante
comunidad de usuarios que comparte las fotografías y vídeos
creados por los usuarios mismos. Se organiza a través de normas y
de condiciones de uso que favorecen a quien mantiene una buena
gestión de sus contenidos. Parte de su éxito está en su capacidad para administrar
imágenes mediante herramientas que permiten al autor o dueño de la cuenta en
etiquetar sus fotografías digitales, también explorar y comentar las imágenes de otros
usuarios. Flickr Pro es la versión de pago. Actualmente, los suscriptores de cuentas
gratuitas pueden subir vídeos en calidad SD y hasta 100 MB en fotos cada mes, con un
máximo de 200 imágenes como límite por cada cuenta gratuita. Luego de alcanzado
este límite, sólo permanecen visibles las últimas 200 imágenes subidas, es decir, las
primeras cargas pasan a estar ocultas, pero no son eliminadas. Esto se remedia
actualizando la cuenta a una Pro. De igual manera, un usuario con cuenta gratuita sólo
puede cargar imágenes con una resolución máxima de 1024 x 768 píxeles, lo que
sucede si el usuario carga una imagen de mayor resolución, el sitio la redimensiona a
la resolución anteriormente señalada durante la ingesta. Por otro lado, los suscriptores
de cuentas Flickr Pro, disponen de espacio de almacenamiento y ancho de banda
ilimitada, así como la opción de subir vídeos en formato HD y la posibilidad de cargar
y visualizar imágenes en su resolución original. Hoy, una cuenta Pro tiene un costo los
24 dólares americanos.
Picasa. La empresa que lo originó, Picasa, Inc. nació como
una compañía de fotografía digital con sede en Pasadena
(California), que produjo el programa organizador
de fotos del mismo nombre, una adaptación o versión para Microsoft Windows del
servicio iPhoto de Apple. El nombre Picasa, es una mezcla del apellido del pintor
español Pablo Picasso, la frase en español de "mi casa" y pic de pictures o imágenes
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debería sonar a algo como el arte personalizado. Picasa, nos permite a través de una cuenta en
Google almacenar y compartir hasta 1 GB de fotos de gran tamaño de forma gratuita. El
almacenamiento es ilimitado para fotos de 2048x2048 píxeles o menores para usuarios Google+ y
800x800 para las fotos para todos los demás usuarios. Los vídeos de menos de 15 minutos de
duración tampoco cuentan para el límite. Después de que se alcance el límite, las fotos se
redimensionan automáticamente. Los usuarios pueden subir sus imágenes a través de una
variedad de formas: a través de la interfaz web de Álbumes web de Picasa en los navegadores
compatibles, Picasa Help. Picasa 2.5 o posterior en Microsoft Windows, utilizando el exportador de
iPhoto, el complemento Aperture para Álbumes Web de Picasa, el subidor en Mac OS X, o bien F-
Spot en Linux. En ambas cuentas, gratuitas o de pago, la resolución real de la foto se mantiene, a
pesar de que se puede mostrar una resolución de la foto más pequeña en la interfaz de la web.
Valiéndonos de los layouts -documentos
creativos gráficos en donde se suelen colocar
temporalmente fotos en baja resolución
tomadas de Internet o archivos de librería sin
licencia, antes se acostumbraba una buena
ilustración, a manera de ejemplo- nos
reunimos en sesión de pre producción con
el cliente (empresa anunciante), agencia
publicitaria y él/la fotógrafo(a), para
discutir a manera de pre‐producción el proyecto a realizar, aquí el timing y el
estimado de costos y presupuestos serán parte importante de la agenda de la
reunión. Si fuere necesario -por la complejidad del proyecto mismo- habrá más
reuniones de este tipo o bien pasaremos directamente a definir la cotización y
detalles de dummies o muck ups, scasting, props (atrezzo), outfit, scouting y otros.
Cada vez que el proyecto involucre talento; modelos, actores, o personas, se deberá
crear un contrato individual amplio de cesión de derechos de uso de la imagen, se
debe firmar éste por cada modelo y tomar una foto donde aparece el modelo con
su contrato firmado como evidencia
Cuando cada personaje de la fotografía ha sido descrito correctamente y se tienen
ya preseleccionados a los candidatos habrá que aprobar los modelos propuestos,
el vestuario, el tipo de maquillaje, o lo que se requiera usar en la sesión de cada
una de las fotos. Será valioso también contar con personal autorizado de la
institución anunciante con capacidad de toma de decisiones para aprobar cambios
surgidos de última hora.
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De la sesión de fotografía –photoshoot- saldrá
una cantidad enorme de imágenes digitales
en formatos Raw y JPEG, unas pasaran a pos
proceso y otras no, en esta etapa vamos a
preseleccionar las imágenes con mayor
potencial de resolver los solicitado por el
cliente, y hacer lo pertinente en el programa
de edición de imágenes digitales; corrección
de color, corrección de iluminación, saturación de tonos y contrastes, texturas,
HDR y demás correcciones creíbles y razonables dentro de los marcos y límites
legales que ahora regulan el retoque digital.
Según lo acordado en la reunión de pre producción se entregaran –finalmente- a
la agencia publicitaria, medio de comunicación, o al anunciante las imágenes
digitales corregidas en archivos de formato PSD, JPEG, TIF o GIF, a través de un
servicio de descarga en la nube (repositorio en línea) o también a través de un
soporte físico como un CD profesionalmente identificado y hasta un álbum
profesional de imágenes impresas. Si el proyecto es aprobado por el cliente se
entregaran las facturas del proyecto e iniciará el proceso de pago del mismo, éste
no debería de exceder los 20 días, recibido el pago en firme entrega un documento
legal donde conste que cedes tu copyright los derechos de uso de las imágenes por
un año.
Breve historia de la fotografía comercial en América Latina. El desarrollo
tecnológico que se produjo en estos años, los fenómenos económicos ‐ sociales
ocurridos y los modelos culturales incorporados en el país durante ese período son
un modo de entenderlos.
En los años 70 se consolida la actividad como una especialidad dentro del mercado
fotográfico y de las agencias de publicidad. Definir esta etapa, es un intento que
puede encararse desde diversas perspectivas. Elegimos las dos que nos parecen
esenciales: la expansión de la actividad de los fotógrafos en la comunicación de
mensajes comerciales por los medios gráficos masivos y al mismo tiempo como
fenómeno estético.
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A partir de ese momento, los años 70, tenemos la sensación de
que las imágenes fotográficas ocupan todo el espacio de los
anuncios en los medios gráficos. Como reemplazo de la
ilustración, la fotografía otorga más realismo a los mensajes y su
estética se ubica en una línea de comunicación basada en las
grandes campañas que se construyen con series de avisos sobre
un mismo producto.
Esta modalidad hace que la estética se vea condicionada por un elemento que es
central en esta década, el relato como soporte y el eje de la comunicación basado
en lo afectivo, en lo sentimental. La fotografía publicitaria de esa época y de esos
avisos expresan metáforas siempre vinculadas al núcleo familiar, a la pareja y a
una relación sentimental como elemento vinculante con el producto.
Esto, sin embargo, aparece en los avisos en forma de viñeta la
mayoría de las veces. De esa época, recordemos las campañas de
los vinos referidas a la familia desde los escarpines hasta el
crecimiento de los niños, el tío
francés, o los cigarrillos viajando por
el mundo con la pareja de LM, la
juventud y los pantalones jeans, etc.
Grandes relatos y extensas campañas de avisos
distintos, podría decirse en paralelo con los comerciales
que se hacían para TV.
Para esa época gran parte de los profesionales que ejercían la Dirección de Arte en
las Agencias de Publicidad provenían de las Escuelas de Bellas Artes y muchos de
ellos además eran artistas plásticos. Los redactores eran potenciales escritores. Este
hecho favorecía el establecimiento de una relación muy fructífera entre fotógrafos
y agencias.
La intuición del otro, del receptor, de ʺalguien como yoʺ informaba de modo
particular a los objetivos de comunicación y a las piezas que se elaboraban. Los
altibajos de la economía, crisis en algunos sectores, fueron haciéndose cada vez
más frecuentes, no obstante ello, nuestra comunicación con el exterior se hizo más
fluida e instituciones como la Asociación de Fotógrafos Publicitarios de la
Argentina brindaron cuantiosa información a los profesionales sobre la fotografía
publicitaria en otras partes del mundo.
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Así comenzaron a nacer los grandes estudios que tuvieron su etapa de apogeo en
los años 80. Este período de los 80 a los 90 fue el que presentó las más importantes
alternativas de cambio cultural y también económico. Quizás éste sea el tramo más
dinámico en ese sentido.
Cambios en la concepción del mensaje publicitario, por
lo tanto cambio en la estética y también cambio en la
asignación de los presupuestos. Definir el rumbo a seguir
se tornó una permanente preocupación de los estudios
tratando de identificar correctamente, como planteamos
al principio, el cambio y la crisis. Interpretar en un
sentido orientador de decisiones cada uno de estos
componentes fue la gran tarea. Cada vez más el
marketing y el resultado de sus investigaciones
orientaban los mensajes.
En lo estético de la mano de David Ratto, creativo de gran influencia en esos años,
conocimos a Bernbach, también escuchamos los consejos de Ogilvy y las fotografías
cambiaron. Ya no se hacían campañas con una cantidad importante de piezas sino
que la comunicación se hizo más breve.
Carlos David Ratto, nació en Buenos Aires, Argentina en el año 1934. A sus catorce
años comenzó a trabajar en una agencia de publicidad – Pueyrredón Propaganda–
como cadete de sala de arte. Años más tarde, formó su propia compañía: la famosa
empresa David Ratto, mediante la cual estableció una sólida relación con la red
internacional BBDO. En 1963 conoció en los Estados Unidos a Bill Bernbach, quien
le enseñó las últimas tendencias en publicidad. Ratto las adaptó y aplicó en
Argentina: juntó la redacción de textos publicitarios con la sala de arte y conformó
el primer equipo creativo en Argentina –Manuel Antín como redactor y él como
director de arte. Participó en la conformación de la imagen de algunas campañas
políticas, desatacándose su trabajo para la de Raúl Alfonsín, en 1983. Manejó las
cuentas Volkswagen y Pepsi, entre otras; y la década del noventa resultó la más
creativa e importante de toda su carrera. David Ratto fue uno de los socios
fundadores y también el primer presidente del Círculo de Creativos Argentinos.
Era un ferviente admirador de Groucho Marx.
El producto del que se hablaba pasó a primer plano, los espacios blancos se
valoraron como soporte que permitían destacar el mensaje del conjunto de la
información visual que el público recibía. ʺLa simple complejidadʺ o ʺLos 20
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Caminos Creativosʺ. Estas frases definían teorías que los más importantes
creativos hicieron suyas en esos tiempos.
Así fueron las cosas hasta los años finales de la
década del 80 y principios de la de los 90. El país
sufre en esos tiempos una de las más severas
crisis económicas, que desembocan en una
apertura al mundo y al proceso de inserción en la
sociedad global. Las
empresas internacionales se
instalan en el país y traen
desde sus países de origen sus patrones de comunicación y
muchas veces sus fotografías. Los bancos de imágenes
proliferan generando un mercado de imágenes disponibles
para la publicidad.
Es obvio que para los fotógrafos publicitarios argentinos, todas estas situaciones
generaron grandes cambios. Algunos pretendieron persistir en el modelo que
venían practicando hasta el momento, otros advirtieron esta situación nueva y
trataron de adecuarse a ella. La pieza gráfica o sea la metáfora integrada por
fotografía y texto cambió. Es más infrecuente hoy día.
El marketing directo creció y el uso de fotografías publicitarias en ese
medio tiene un carácter catalogal, informativo, no hay otra apelación
que el precio, las cuotas y una mera visualización del producto como
objeto, su intervención es casi accesoria.
En las fotografías que ilustran los grandes avisos, perfumes, cervezas, vinos y los
nuevos protagonistas: ‐los servicios‐, generalmente se apela a sugerir sensaciones
muchas veces no vinculadas directamente al producto.
Entonces la fotografía opera como una alegoría. ʺSi tengo esto, puedo ser aquelloʺ.
Podríamos vincular este perfil estético a los cambios culturales, la crisis de la
modernidad, el universo postmoderno donde el sujeto hace descansar sus deseos
en la autonomía económica y simbólica.
Las fotografías deben significar las expresiones más pretenciosas de ser uno mismo
aunque esto implique la mayor dificultad de ser uno mismo. En el ámbito de los
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cambios tecnológicos, los medios digitales permiten hoy recrear la instantánea
fotográfica.
Cientos de imágenes verosímiles como reproducción de una situación real son
construidas. Esta es la nueva estética donde conviven al mismo tiempo todos los
estilos, todas las técnicas.
De construcción del universo de la imagen. La idea actual es que la fotografía
puede brindarnos un acercamiento objetivo a los temas que queremos comunicar.
Desde esta perspectiva la fotografía publicitaria debería salir de estrechas
definiciones de antaño y entenderse conceptualmente como Fotografía Aplicada.
A partir de considerar a la fotografía como una herramienta para registrar
información, la que con los medios adecuados ‐todas las que la tecnología actual
brinda‐, la estética y el estilo que se elija, posibiliten una mejor interpretación del
mensaje a transmitir.
Pictorialismo, Fotografía objetiva, Fotografía Documental, Dinamismo,
Estructuralismo y Abstracción, Metaforismo y Simbolismo, Romanticismo y
Dramatismo, Surrealismo, etc. Las posibilidades de expresión del fotógrafo crece
día a día, pero es necesario evitar los fundamentalismos que pretenden que la
tecnología más reciente eche por tierra a otras anteriores. Analógico vs. Digital.
Película vs. Registro Electrónico, no es verdad.
Sí, es cierto que cada día conviven más y más instrumentos que posibilitan nuevas
formas de expresión del fotógrafo, que siempre pinta con luz, ya sea
complementando las técnicas tradicionales con las nuevas o no. Al fin y al cabo,
con dificultades, con esfuerzo, dentro de este marco de referencia se define nuestra
realidad de hoy. Es difícil resumir treinta años. Treinta años no es nada, pero
mucho camino recorrido. Esperemos que nuestro país se recupere, para que una
vez más surja toda la creatividad contenida que, sin duda, nuestros fotógrafos
publicitarios guardan como la mejor reserva. (Edgardo Filloy.)
En la actualidad, la fotografía se ha desarrollado principalmente en tres sectores,
al margen de otras consideraciones científicas o técnicas. Por un lado se encuentran
el campo del reportaje periodístico gráfico, cuya finalidad es captar el mundo
exterior tal y como aparece ante nuestros ojos, y el de la publicidad. Por otro
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tenemos la fotografía como manifestación artística, con fines expresivos e
interpretativos.
El reportaje comprende la fotografía documental y la de prensa gráfica, y por lo
general no se suele manipular. Lo normal es que el reportero gráfico emplee las
técnicas y los procesos de revelado necesarios para captar una imagen bajo las
condiciones existentes. Aunque este tipo de fotografía suele calificarse de objetiva,
siempre hay una persona detrás de la cámara, que inevitablemente selecciona lo
que va a captar.
Respecto a la objetividad, hay que tener en consideración también la finalidad y el
uso del reportaje fotográfico, las fotos más reales, y quizás las más imparciales,
pueden ser utilizadas con propósitos publicitarios; decisiones que, en la mayoría
de los casos, no dependen del propio fotógrafo.
Por el contrario, la fotografía artística es totalmente subjetiva, ya
sea manipulada o no. En el primer caso, la luz, el enfoque y el
ángulo de la cámara pueden manejarse para alterar la apariencia
de la imagen; los procesos de revelado y positivado se modifican
en ocasiones para lograr los resultados deseados; y la fotografía
es susceptible de combinarse con otros elementos para conseguir
una forma de composición artística, o para la experimentación
estética.
La fotografía se ha utilizado para inspirar e influir opiniones políticas o sociales.
Asimismo, desde la década de 1920 se ha hecho uso de ella para impulsar y dirigir
el consumismo, y como un componente más de la publicidad. Los fotógrafos
comerciales realizan fotos que se utilizan en anuncios o como ilustraciones en
libros, revistas y otras publicaciones. Con el fin de que sus imágenes resulten
atractivas utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas. El impacto de esta
clase de imágenes ha producido una fuerte influencia cultural. La fotografía
comercial y publicitaria ha representado también un gran impulso en la industria
gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran
calidad. Destacaron en este campo Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta
sociedad; Richard Avedon, que consiguió fama como fotógrafo de moda, y Helmut
Newton, controvertido fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen con
frecuencia un gran contenido erótico.
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El retrato. Latín: retractus. Un retrato es una fotografía, pintura, u otra representación
artística de una persona, también se entiende por retrato la descripción de la figura o
carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona. A menudo se captan
los rasgos de la cabeza del retratado, sin muchas pretensiones artísticas. La intención
es representar la apariencia física de la persona, y sólo a veces intentan representar su
personalidad.
El arte del retrato floreció en las esculturas romanas, en las que
los retratados demandaban retratos realistas, incluso si no les
favorecían. Durante el siglo IV, el retrato cedió terreno en favor
de la idealización del aspecto del retratado. Basta comparar los
retratos de Constantino I el grande y Teodosio I. Los retratos que
realistas reaparecieron en la Alta Edad Media, en Burgundia y
Francia. En Occidente uno de los retratos más famosos es La
Gioconda de Leonardo da Vinci, que es de hecho el retrato de una mujer
desconocida.
Entre los retratos más antiguos de gente particular, que no fueran reyes ni
emperadores, son los retratos funerarios que han sobrevivido en el clima seco del
distrito de Fayum en Egipto. Son los únicos retratos de la era Romana que han
sobrevivido hasta nuestros días, aparte de los frescos.
El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas
artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales
de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas. También existe el
retrato fotográfico con propósitos de identificación para pasaportes, carné y
credenciales, éste no pretende más que eso identificar y validar quien es el
portador del mismo. Su práctica –el retrato- se encuentra ya en los inicios de la
fotografía donde destaca la labor realizada por los fotógrafos ambulantes, los
fotógrafos comerciales de los estudios parisinos, los primeros retratos
psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicista, así como
la obra documental de David Octavius Hill. Los representantes principales del
retrato fotográfico en sus inicios son Nadar, Disdéri, Julia Margaret Cameron,
Lewis Carroll, Gustave Le Gray, Etienne Carjat, Antoine Samuel Salomon, Pierre
Petit o Lady Clementine Hawarden.
Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la
historia de la fotografía razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en
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exclusiva a lo que podríamos entender como la forma más ortodoxa del retrato
fotográfico, nos encontramos con fotógrafos adscritos a movimientos concretos
que se acercan al retrato fotográfico con el empleo de las ideas y técnicas propias
de estas corrientes. Figuras de interés en el campo del retrato fotográfico son
Richard Avedon, Brassaï, Walker Evans, August Sander, entre otros.
Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con fuerza, durante el siglo
XIX y principios del siglo XX, un subgénero propio conocido como la fotografía de
difuntos, en la que destaca la obra del fotógrafo español Fernando Navarro.
Según Hugh Marshall, “Los retratos encajan, a grandes rasgos en dos categorías: los de
carácter subjetivo y dramático, y los de la variedad objetiva, realista. Algunos
fotógrafos famosos (por ejemplo Norman Parkinson y Karsh) han desarrollado la primera
categoría hasta una fórmula artística altamente sofisticada, utilizando el tema como paisaje
humano. Otros, como lord Snowdon, adoptan un enfoque más distante.”
La persona: el centro de interés. El principio de un
retrato suele consistir en ubicar el sujeto. Es conveniente
emplear fondos no demasiado llamativos ni recargados
que puedan distraer la atención ‐el sujeto es lo más
importante‐ y, si es posible, mostrar los fondos fuera
de foco. Si hacemos la toma en exteriores es
conveniente situar al sujeto de forma que la luz del sol
no incida directamente en su cara. Un ángulo de unos
45 grados entre el sol y el modelo puede contribuir a
generar unas sombras agradables en su rostro. Una
iluminación muy picada, sin embargo, puede dar
lugar a alargadas y antiestéticas sombras bajo los ojos
y la barbilla. Resulta un ejercicio también interesante
colocar el sujeto ante el sol, quedando así iluminados los bordes de la silueta a modo
de halo de luz. Es imprescindible, entonces, rellenar la sombra de su rostro con un
flash, dedicando, eso sí, una especial atención a las sombras creadas por atuendos
como gafas o sombreros.
En este tipo de fotos es también relevante la elección de la hora. Resulta recomendable
realizarlas al comienzo o al final del día, cuando la luz solar incide muy angulada con
respecto al suelo y no genera sombras fuertes. Por otro lado, es especialmente
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recomendable elegir días parcialmente nublados, pues así podremos aprovechar un
tipo de luz más homogéneo y blando. El mejor horario para aprovechar la luz solar
son el amanecer hasta cerca de las 10 de la mañana, por la tarde después de las 3 de la
tarde y sacar lo mejor de la luz inclinada y de su dominante más cálida, hay que evitar
–sí es posible- la luz vertical que rodea a las horas del mediodía.
La posición de las manos, los brazos y el tronco del
sujeto fotografiado son otros de los elementos
preponderantes en un retrato. Del mismo modo que el
punto de vista frontal no es el mejor para capturar un
rostro, un cuerpo erguido dista de ser la mejor postura
para quedar inmortalizado. De hecho, muchas
personas se esfuerzan por adoptar una pose atractiva,
logrando generalmente un resultado opuesto al
deseado. Para obtener una composición estéticamente agradable, es bastante útil
sugerir al modelo que sujete algún objeto o que se apoye en algún lugar, pudiendo
adoptar así distintas posturas que no resulten incómodas o forzadas. Sin embargo, hay
que tener cuidado de que estos elementos no interfieran en el resultado final de la
toma.
La principal parte del retrato se encuentra ‐en la mayoría de
ocasiones‐ en el rostro del sujeto, ya que en él se concentran una
parte sustancial de las expresiones corporales. Así pues, debemos
tener en cuenta que la cámara y los ojos del sujeto han estar, para
lograr un retrato estándar, a la misma altura. Cualquier punto de
vista diferente podría implicar posturas forzadas que, en un
principio, es preferible evitar.
Además, tenemos que prestar atención al enfoque. Aunque lo
normal es no tener problemas de profundidad de campo ‐
máxime si empleamos pequeñas compactas digitales‐ es
posible, aunque poco
probable, que el enfoque
pueda perderse ligeramente,
sobre todo si utilizamos objetivos con distancias
focales largas. Para evitar que la profundidad de
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campo se convierta en un error, lo mejor es mantener el punto de enfoque en los ojos
del sujeto o, si no está de frente, en el ojo más cercano o próximo a nuestro objetivo,
segunda opción será enfocar los labios cuando no podamos ver los ojos.
Ciertamente, tendemos siempre a emplear las mismas técnicas al fotografiar a todo
tipo de ̋ personajesʺ; unas técnicas que, si bien se basan en conceptos aplicables en todo
tipo de retratos, están pensadas para personas de una edad determinada, con unas
facciones determinadas y con una actitud determinada. Pensemos, si no, cómo le
diríamos a un perro ʺsonríeʺ, o cómo le pediríamos a un bebé que nos mire, o a un
anciano que no se gire porque se le ven las patas de gallo.
Hemos de distinguir, pues, unos cuantos tipos de retrato que se apartan de lo que todo
el mundo entiende –valga la redundancia‐ por retrato. Hay, por ejemplo, el retrato de
animales, el de niños o bebés, el de personas mayores, y el retrato que no incluye el
rostro o que se aleja de la línea general.
Si, en la primera parte de este tema, comentábamos la importancia del punto de vista
en la fotografía de retrato general, ahora vamos a descubrir que hay un tipo de retrato
en que el punto de vista es mucho más importante: el de niños. Es evidente que los
niños tienen un concepto del mundo diferente al nuestro; por lo menos, lo ven todo
un metro ‐aproximadamente‐ por debajo de la mayoría de adultos. Por este motivo,
siempre que hagamos fotografía de niños hemos de rebajar nuestro punto de vista
hasta sus ojos. Esto, que parece sencillo, puede convertirse un caos si nuestro modelo
está en actitud de libre albedrío. El hecho de tener el suelo tan a su alcance provoca
que cualquier detalle de éste se lleve su atención, moviéndose imprevisiblemente y
agachándose cada dos por tres.
Si conseguimos tener controlado a nuestro modelo, tendremos la ocasión de realizar
excelentes tomas ‐cuidado con el flash, sus ojos son muy sensibles. La expresividad de
un niño es terriblemente fuerte en cualquiera de sus vertientes enfado, alegría, etc.‐,
por lo que no es necesario, o no suele serlo, forzar al niño con sonajeros o adminículos
similares que lo único que suelen conseguir es distraer y estresarlo ‐esto también es
aplicable al flash, insistimos, si abusamos de él. La mejor solución, aunque suene a
verdad de Perogrullo, es dejarle hacer, y disparar y disparar. Siempre será mejor llenar
una tarjeta que perder una toma. Utilizaremos focales largas, encuadrándole a una
cierta distancia, dejando que el niño tenga libertad de movimientos y no se sienta
agobiado.
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Los retratos de personas mayores también son especiales. La experiencia de toda una
vida se refleja fácilmente en la mirada, por lo que la fuerza
expresiva es relativamente fácil hallarla. El problema, si es que
podemos llamarlo así, es encontrar la combinación de luces
adecuada. El rostro de una persona trasluce el paso de los años.
Aparecen arrugas, las imperfecciones se acentúan y los rasgos
faciales toman más intensidad. Este tipo de retratos ganan
mucho en blanco y negro, con luces duras y un alto contraste.
Los microsurcos entre las arrugas generan una excelente
combinación de luces y sombras, y la luz dura refuerza las
señales propias de cada rostro.
Los estudios son espacios especialmente acondicionados para la producción
fotográfica y su principal valor radica en su posibilidad de ejercer control total o
dominio de todas las variables; ya que se encuentra disponible para producir
independientemente del clima lo cual para las agendas de las agencias publicitarias
tiene gran valor. En el caso de las localizaciones o locaciones; representan mayor nivel
de riesgo, estas suelen estar ocasionalmente limitadas por el clima o los horarios, pero
su mayor fortaleza y valor está en que es real e incrementa la verosimilitud y la
confianza del observador añadiendo gran fuerza a la imagen resultante; deberemos
distinguir entre locaciones interiores y exteriores. Los tiempos de entrega del proyecto
fotográfico suelen ser una variable importante para decidir sobre alguna de las
opciones anteriores. La selección de la locación correcta o ideal se realiza a través de
un scoutting que puede además ser contratado a un asistente de producción
independiente (freelance) o al mismo estudio fotográfico.
Si deseas dirigir mejor al talento o mejorar la forma en la que has salido hasta hoy en
los retratos, debes tener presente estos 15 consejos.
Actitud. El modelo debe confiar en el fotógrafo y su crew y entregarse, dejarse llevar,
que no es fácil porque la cámara impone. Los modelos no son precisamente una belleza
perfecta, no cumplen siempre el canon de belleza establecido o el idealizado. ¿Y
porque están ahí entonces? Expresividad, ahí vive su secreto, son capaces de transmitir
pasión; desde rabia hasta alegría, desde el odio más desaforado hasta el amor más
tierno, son capaces de desenvolverse delante de una cámara igual que lo harían ante
su grupo de amigas más íntimas. Con su cuerpo y sus expresiones son capaces de
transmitir, ahí es donde está la parte escénica del modelo.
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Seguridad en ti mismo. Estos elementos son una gran clave para ser más atractiva a la
cámara, pues una vez más la seguridad llama nuestra atención, y nuestro cuerpo
también tiene las armas para proyectar esa seguridad, así que no dudes mostrarte
seguro. “Hay que relajarse, para ser uno mismo. Las manos, una en el bolsillo, si no
sabes qué hacer con ellas, y deja el peso en una pierna”. Sólo faltará que el fotógrafo
dispare en el instante preciso.
Vístete con los colores que te favorecen. Ciertos colores complementan
agradablemente ciertos tonos de la piel, mientras que otros la hacen ver menos
agradable. Puedes tener una sensación de con cuales colores luces mejor, pero si no lo
sabes todavía, descúbrelo probando con varios colores.
Ocultar tus defectos. No será posible mostrar todo lo bueno que posees en una sola
imagen, pero sí puedes mostrar lo mejor de ti. También puedes ocultar fácilmente
aquellas que no te gustan. Por ejemplo muestra el lado de la cara que más te favorece.
Determinar tu mejor ángulo. Usa el semi-perfil que mejor te haga ver. Mostrar un ojo
y medio a la cámara, crea misterio e interés, no siempre es fácil salir bien de frente o
de perfil completo. La actitud del modelo clásico es poner tu cuerpo 3/4 hacia la cámara
fotográfica con un pie delante del otro y un hombro más cercano a la cámara
fotográfica que el otro.
Líbrate de la papada (barbilla doble). Inclinar tu cabeza abajo levemente e intenta
colocarte de modo que la cámara fotográfica esté un poco más arriba de tu nivel del
ojo, ésto ocultará la papada eficazmente. Puedes también poner una mano debajo de
tu barbilla como si estuvieras reclinando tu cabeza en tu mano (apunta el lado del
pulgar de tu mano hacía ti). No reclines realmente peso sobre la mano. También
puedes intentar poner la lengua en tu paladar de tu boca. El tipo de cuello de tu escote
ayuda para que se vea más alargado y más delgado. Si tienes un cuello corto, evita
usar collares cortos, pues que acortaran más el cuello, acentuar el escote en V con
collares largos.
Levanta tu cuello. Un tip de los modelos es presentar una pose a 3/4 ante la cámara -
esto es dar vuelta a tu cabeza para exponer 3/4 de ella a la cámara fotográfica, y no una
foto frontal- y entonces levanta tu cuello e inclina levemente tu cabeza abajo. Esto
mejora la definición facial y ayudarás a mejorar las arrugas y la piel flácida. Evita subir
demasiado la cara y estirar el cuello de más, prueba a bajar un poco los hombros. Para
ser fotogénico baja siempre un poco la cara al nivel de la cámara y recuerda que no
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debes exagerar -sobre actuar- los gestos faciales (ésto incluye la sonrisa) pues el punto
es lucir bien y natural.
Relájate. Muchas personas salen mal en las fotos debido a que congelan su cuerpo y
ésto les hacer ver "poco espontaneas". Si sabes que te van a tomar una foto, respira
profundo y exhala naturalmente, relajando tus brazos y hombros. Sonreír o tener una
actitud es favorable. Contener la respiración mucho tiempo te hace aparecer muy tensa
y sofocada en la foto. Entre más relajada estés mejor será la foto.
Piensa en momentos felices. Imagina algo realmente divertido o pensar en alguien
cómo tu novia(o), tu esposa(o) o niño, así pues, conseguirás una sonrisa genuina. Si no
te gusta tu sonrisa o tus dientes, intentar una sonrisa más cerrada o de la parcialmente
cerrando tu boca. Abrir ligeramente tu boca puede hacer que tu expresión luzca más
natural.
Sonríe con la mirada. Mira a la cámara y piensa en un ser amado, olvida que es una
herramienta, ahora es una persona querida. Nada proyecta más felicidad y belleza
como unos ojos alegres. Sonreír, seducir, ser misteriosa, divertida o seria… Mejor con
los ojos que con la boca. Practica frente al espejo abriendo los ojos y una sonrisa
relajada hasta lograr una mirada sonriente. “Ríe o no, pero que te brillen los ojos,
interioriza la sensación que haga que se te ilumine la cara”.
Buena postura. Inclina muy ligeramente todo el cuerpo a la cámara, acerca un poco tu
rostro. La buena postura puede mejorar dramáticamente tu aspecto en las fotos. El
sentarse o estar parado de forma recta hace tu mirada más sana, más alerta y más
atractiva. Recuerda respirar normalmente y relajar tus hombros. Especialmente si
tienes mala postura, puede ser difícil estar de pie y recto y no parecer tieso, practica
ésto frente al espejo. Las manos relajadas y con los dedos algo separados.
Ama y disfruta la cámara. Para iniciar enfoca tu atención en ésto: la cámara te ama.
Muchas personas se ven muy fotogénicas porque disfrutan estar frente a la cámara y
que les tomen fotos, y es por eso que siempre se miran relajadas y lucen naturales, si a
ti te produce temor la cámara expresa un gesto natural de agrado y gusto y así
sonreirás siempre a la cámara.
Cerciórate de salir bien en las fotos. Si eres de las que a cada instante están viendo la
cámara para ver si saliste bien en las fotos harán que estés insatisfecho y en lugar de
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mejorar tu aspecto parecerás incómodo. Espera al final de la sesión, las mejores fotos
se logran normalmente hasta el final de la sesión.
Sumir la panza. Sólo ayuda si estás sentado o con tu cuerpo inclinado sobre el
estómago, si lo exageras hará que parezcas poco atractivo porque tus costillas se
saldrán a través de la camisa, otras veces hará tu mirada levemente incómoda. Para
verse más delgado(a) viene bien ladear o girar de lado el cuerpo.
La fotogenia –según un fotógrafo- es una combinación de físico y actitud. “Lo más
fotogénico es que el fotógrafo encuentre muy atractiva a una persona y saque lo mejor
de ella”. Un solo rasgo bien aprovechado hacer surgir la magia. Con permiso de la luz,
o con su ayuda, a veces se hacen retratos en los que el fotografiado queda tan
favorecido que no se reconoce. “Son sorpresas de la luz, que a veces dibuja como no lo
esperas”.
Las top models aprendieron a
mostrarse de manera favorable a la
cámara, algunas no fueron siempre
como las conocemos hoy, en parte su
éxito está lograr conocerse bien, y saber
de antemano sus mejores ángulos, las
poses y cuál es la iluminación que mejor
les favorece. Puedes iniciar a practicar
desde ya mismo frente a un espejo, y
domina la técnica. Verás increíbles
resultados en poco tiempo.
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La fotografía de modas. Fotografía editorial.
La mejor forma de conocer a los fotógrafos de
moda o fashion será viendo sus proyectos, los
actuales y sus archivos históricos para
formarnos un concepto más amplio, descubrir
que existen puntos de vista distintos de tratar el
producto de un diseñador(a) de ropa, el
entorno, a la y el modelo, la iluminación, el
maquillaje, los colores, la forma, los ejes de
composición, la silueta, las texturas, lo
estilístico, la elegancia, la libertad, lo vulgar, lo
futurista, lo clásico, la época, la geografía, la
cultura, la sorpresa, el impacto visual, la controversia, los valores, los antivalores, la
propuesta creativa, el mensaje, el contenido, el marco, el soporte, en fin hay que tomar
en cuenta varios criterios antes de definir qué hacer, diseñar y visualizar la nueva
propuesta para el proyecto que sigue. Se considera que el primer fotógrafo de modas
fue Pierre-Louis Pierson, y a la primera "modelo" de fashion fue la Condesa
Castiglione; Virginia Oldoini de quien se produjeron 288 retratos fotográficos posando
con sus vestidos de la corte y de esta colección se publicó un libro en 1856. Virginia
Oldoini fue una mujer muy celebre en su época por ser considerada por muchos nobles
y reyes europeos como la mujer más bella del mundo. Su biografía ha inspirado al
menos 4 películas; una italiana en 1942, otra franco-italiana en 1954, una más de la RAI
en 2006 en dos partes (Ver parte I) (Ver parte II), y también hay un corto británico de
13 minutos llamado "La comtesse de Castiglione" del año 2000. Para muchos
el fotógrafo Adolph de Meyer -1868 a 1949- es el padre de la fotografía de moda
moderna en Estados Unidos, se le conoció como el Barón de Meyer y también "el
Debussy de la fotografía". Se trata de un género fotográfico dedicado a ilustrar
vestuario, ropa, y otros artículos o accesorios relacionados con la industria de la moda.
Inicialmente la ilustración se hacía de la mano de ilustradores o artistas de modas. La
fotografía de modas se desarrolló paralelamente con el siglo XX, se originó en París, al
igual que la alta costura. En el inicio, las modelos eran las esposas de los
propios diseñadores o mujeres distinguidas que deseaban lucir sus vestidos. El
retoque a mano con pinturas fue la tendencia de (1891) La Mode Pratique, periódico
donde aparecen publicadas las primeras fotografías de moda. Puedes disfrutar de un
interesante vídeo sobre la historia de la fotografía de modas, hacer click aquí. Estas
fotografías son publicadas, a menudo, en piezas publicitarias gráficas y aparecen
como publicidad o contenidos en revistas especializadas para damas o de la industria
de la moda, como Vogue, Bazaar o Elle, es aquí donde la fotografía de moda tomar
mayor fuerza en los años veinte. Puedes también disfrutar de un vídeo sobre la historia
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de la moda, hacer click aquí. La
fotografía de modas es un espejo de
una sociedad idealizada según los
valores adoptados en cada época, y
transmite la noción del lujo y el
bienestar. Los modelos posan ante la
cámara en un escenario
cuidadosamente planeado mientras el
fotógrafo se convierte en verdadero
artista que transmite emociones a
través de telas, cortes y colores. Para
organizar de manera cronológica
la historia de la fotografía de
moda puedes ver una línea de tiempo
que te facilitará. Ahora podemos
observar desde diferentes y variados
puntos de vista profesionales
y estéticos los vestuarios y accesorios
sobre los modelos. Para ampliar sobre
este tema revisa un interesante
documento redactado por el fotógrafo
español Nacho Suárez.
TAREA: Investigar sobre la biografía y la obra de los siguientes reconocidos
fotógrafos contemporáneos de retrato para fashion. Seleccione usted a 2 fotógrafos.
En una presentación Microsoft Power Point mostrar una biografía breve, y en una
pantalla completa colocar una fotografía (alta calidad) representativa y emblemática
de sus proyectos para retrato fashion, muestre las mejores 20 fotografías de éste(a)
en su presentación.
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1. Jules Séeberger.
2. Adolph de Meyer.
3. Martin Munkacsi.
4. Horst Paul.
5. Man Ray.
6. Irvin Penn.
7. Ellen Von Unwerth.
8. Steve Hiett.
9. Richard Avedon.
10. Guy Buordin.
11. David Lachapalle.
12. Helmut Newton.
13. Albert Watson.
14. Bill Silano.
15. Ara Gallant.
16. Herb Ritts.
17. Matthew Rolston.
18. Ruven Afanador.
19. Mario Sorrenti.
20. Patrick Demarchelier.
21. Russell James.
22. Steve Meisel.
23. Nick Knight.
24. Paolo Roversi.
25. Deborah Turbeville.
26. Bruce Weber.
27. Andrea Giacobbe.
28. Bill King.
29. Sarah Moon.
30. Peter Lindbergh.
31. Jean-Baptiste Mondino.
32. Tyen.
33. Karl Lagerfeld.
34. Annie Leibovitz.
35. Mario Testino.
36. Markus Klinko.
37. Antoine Verglas.
38. Claus Wickrath.
39. Steve Landis.
40. Peter Gowland.
41. Patric Shaw.
42. Serge Barbeau.
43. Béla Adler y Salvador
Fresneda.
44. Alfonso Ohnur.
45. Sergi Pons.
46. Outumuro.
47. Antoni Bernad.
48. Miguel Reveriego.
49. Eugenio Recuenco.
50. José Manuel Ferrater.
51. Txema Yeste.
52. Javier Vallhonrat.
La industria de la moda y del fashion han desarrollado un matrimonio muy fuerte
con la fotografía comercial, ese tipo de unión es tan fuerte que impacta en el
standard de belleza que adoptamos visualmente en nuestras campañas
publicitarias, y en los otros usos y aplicaciones de estos iconos de belleza
contemporánea.
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La fotografía de fashion o de modas, también clasificada como alta costura y
catálogos abre un amplio mundo de posibilidades y estilos diferentes para
desarrollar proyectos que muestran estilos de vida, estados de ánimo, distintos
niveles de elegancia y contrastantes forman de percibir el buen gusto o la forma
en que nos podríamos vestir para diferentes eventos y ocasiones especiales. El
modelaje está ligado a la moda, a la industria del buen vestir. Para lograr vender
piezas de ropa habrá que verlas puestas en alguien más para imaginar cómo se
luce y viste.
Top models. Para atender esta
necesidad publicitaria se deberá
mostrar la ropa en la pasarela de los
diseñadores de moda, y en
publicaciones impresas a través de
fotografías y ahora también de vídeos,
así que finalmente se demanda de
modelos que trabajen bien la pasarela
en persona y la fotografía; poseer
cualidades ópticas fotogénicas, lograr
que la cámara te vea bien, que te haga lucir favorablemente. Esta elevada
demanda por modelos que garanticen ser vistos, sirvió en los años 80 para acuñar
el termino Top Model otros dicen que surgió antes, en los 40- para mencionar a las
modelos que eran más cotizadas por los diseñadores de alta moda y que se
beneficiaban con los mejores contratos dentro de esta industria. Este prestigio les
abre puertas para otras industrias como la de la televisión y la del cine. Ahora es
más común verles entrando en otras esferas o industrias que antes no les miraban
bien o que estaban lejos de la alta costura, como el cine de Hollywood, la TV,
industria editorial, música. Para la alemana Claudia Schiffer, sólo en el caso de
Gisele Bündchen se podría utilizar correctamente el término top model de una
forma similar. Las supermodelos fueron un fenómeno único gracias al cual Linda
Evangelista, Naomi Campbell, Christy Turlington, Eva Herzigova o Cindy
Crawford trascendieron el ámbito de influencia de su profesión para convertirse
en estrellas del mundo del espectáculo. Salían con actores, músicos, deportistas
o magos, protagonizaban películas y vídeos musicales, abrían cadenas de
restaurantes y se emprendían gracias a los vídeos de aeróbics. Una modelo
española opina que fueron un grupo aparte. Aunque el término se utiliza desde
los años cuarenta, antes de ellas, sólo maniquíes puntuales (piensen en modelos
como Twiggy) conseguían hacerse un hueco en el imaginario colectivo. No hay
en la historia de la moda precedentes de un grupo de mujeres que salten de la
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pasarela para meterse en tromba –y
de la mano– en los salones del
mundo a la hora de cenar. En ese
sentido, el milagro es
probablemente irrepetible. Como
sucede cada año, la lista de los
ingresos por modelaje de las Top
Models de Forbes se roba la mirada
de todas y todos. Nadie debería de
extrañarse que la modelo brasileña
de 32 años Gisele Caroline
Nonnenmacher Bündchen (oriunda
de Horizontina, Brasil, 1980) esté
colocada en el primer lugar de
ingresos por su actividad como
modelo de fotografía, de vídeo, y de
pasarela. Existen 42 millones de
dólares (3 menos que en 2012) que le
respaldan y el favor de millones
de fans alrededor del mundo. El
segundo lugar lo ocupa en esta
oportunidad la modelo australiana Miranda May Kerr (Nueva Gales del sur,
Australia, 1983) de 30 años que captó ingresos por 7.2 millones de dólares en el
último año, anunció también su deseo de no continuar colaborando como ángel
de Victoria's Secret. La también brasileña Adriana Lima (1981, Salvador de Bahía,
Brasil) se quedó en el tercer lugar con 6 millones de dólares por ingresos como
modelo, mientras el cuarto lugar fue alcanzado por la inglesa Katherine Ann
Moss (Londres, Inglaterra, 1974) logró ingresos por 5.7 millones. La novedad la
dio este año 2013 la entrada de la primera modelo asiatica a la famosa lista en la
quinta posición; Liu Wen de 25 años (1988, Hunan, China) y con ingresos de 4.3
millones logró desfilar por primera oportunidad para Victoria's Secret en este año
y ser la imagen de Estée Lauder. Con 26 años (1987, Maryland, EUA) e ingresos
por 4 millones, esta chica de los Estados Unidos aparece en la sexta posición de
la lista Forbes 2013; Hilary Rhoda (Hilary St. Claire). A partir de 2007 logró ser la
imagen para Estée Lauder con un contrato muy jugoso. Carolyn Murphy (1974,
Florida, EUA)) con 3.6 millones es la séptima de la lista, esta modelo americana
había dejado de estar entre las 10 pero ha regresado este año nuevamente. Otra
nueva cara en la lista Forbes es la puertorriqueña Joan Smalls Rodríguezcon una
estatura de 1.79 m. (1988 Hatillo, Puerto Rico), ocupa el octavo lugar con 3.5
millones de dólares. Candice Swanepoel (1988, Mooi River, Suráfrica) ha logrado
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ocupar un noveno lugar de la lista Forbes con sus ingresos por 3.3 millones de
dólares. En el décimo lugar -reaparece en la lista Forbes- Lara Catherina Stone
(1983, Geldrop, Holanda) con ingresos por 3.2 millones de dólares durante 2013.
Los pronósticos –elaborados en 2013- por Forbes sobre su lista 2014 ya están en
construcción y posiblemente podrían agregar a la próxima lista a Karlie Elizabeth
Kloss (1992, Missouri, EUA), y reaparecer a Katherine Upton (1982, Míchigan,
EUA), Doutzen Kroes (1982, Frisia, Holanda), y Alessandra Ambrosio (1981, Río
grande del sur, Brasil).
Chicas de calendario, las Pin Ups. Este es el nombre -Pin Up-
que se acuñó en los Estados Unidos para los
retratos idealizados de jóvenes blancas muy guapas y en
apuros o situaciones comprometedoras, ellas vestían de
forma sensual vestidos, blusas y faldas, y trajes de baño de la
época entre 1930 a 1960, miraban y sonreían a la cámara,
siempre haciendo contacto visual con el observador. Los
retratos surgían muchas veces a partir de fotografías previas,
y otras veces de modelos en un estudio. Las modelos de estos simpáticos retratos
reciben el nombre de Pin Up Girls. Estas imágenes llenaban las páginas de los
calendarios y literalmente "colgaban" de la pared, y de allí su nombre pin up.
Estas chicas hábilmente ilustradas con sus formas curvilíneas y lencería
sugerente pronto superaron al pastel de manzana en términos de popularidad e
incluso desarrollaron un potencial
considerable como exportación cultural
durante los años 1940. Nunca mostrar
todo fue siempre el lema. Sonriendo
preciosas a la cámara, las modelos rebosaban
la cantidad justa de atractivo sexual, evitando
parecer demasiado sofisticadas o avispadas.
Su cutis rosado y atractivos inocentes todavía
arrebatan, incluso en esta época. Los gestos
de sus rostros suelen mostrar inocencia,
ingenuidad, hasta mejillas sonrosadas por la
sorpresa y la vergüenza, con algo de picardía.
Bajo sus faldas había lencería que propone,
pero no muestra, ésto es parte de la fórmula
de éxito, no mostrar más. De su amplia
utilización se desarrollaron expresiones
como las "cheesecake" -1934- y, "girl of your
dreams" y las "girl next door". Durante el conflicto bélico de la segunda guerra
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mundial sus imágenes acompañaron a los soldados de los E.U.A. para subir la
moral de las tropas en los escenarios de guerra. También se les ha llamado
las 'chicas de calendario' éstas han avivado el deseo masculino no solo desde
calendarios colgados en las paredes, sino también de portadas de revista,
pósteres de páginas centrales o incluso juegos de cartas. Lo que empezó siendo
una forma de practicar con óleos, pronto se extendió a muchos otros ámbitos: las
chicas pasaron a dar un toque elegante a los fuselajes de los medios de transporte
del ejército y se convirtieron en toda una marca de identidad de los talleres
mecánicos y las barracas militares. Han pasado muchos años y ni la época de la
corrección política les ha restado encanto. De este estilo de ilustración sobresalen
más de veinte importantes pintores, y sus mayores exponentes fueron los
pintores e ilustradores publicitarios Gillette A. Elvgren (1914-1980)
norteamericano, y el peruano Joaquín Alberto Vargas Chávez (1896-1982). Gil
Elvgren, inicia su trabajo a mediados de los años 30's, se le considera el mayor
exponente de este tipo de retratos.
Vargas, se vuelve una figura importante en los años 40 al
publicar varios de sus retratos en la revista Esquire y al ser
adoptadas y copiadas sus imágenes en los fuselajes de aviones
por los pilotos, llamando a su estilo de pin up como las "Varga
girls". Las técnicas usadas por Vargas eran la acuarela y el
pincel de aire o aerógrafo (airbrush). Vargas, es hijo del pionero
de la fotografía arequipeña Max T. Vargas, la situación
económica de su familia le permitió estudiar en Suiza y
Londres, y vivir luego la bohemia del París de antes de la
primera Guerra Mundial. Su matrimonio con Anna Mae duró hasta la muerte de
ella en 1974, él murió años más tarde a los 86 años de un accidente cerebro
vascular.
En el verano de 1933, durante un curso en el Minneapolis Art
Institute, Gillette A. Elvgren decide ser ilustrador y abandona
sus estudios de arquitectura, y también en ese otoño se casó
con Janet Cummins. Para 1938 llegó su primer trabajo
importante de ilustración publicitaria fue para Royal Crown
Soda, ese año también nació su primera hija; Karen. Años más
adelante -dos- y desde el Stevens/Gross Studio haría las
ilustraciones publicitarias para la Coca-Cola de las cuales se
sintió muy orgulloso. También realizó artes publicitarias para Naranja Crush,
Cerveza Schlitz, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania, y Napa Auto Parts.
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Su técnica, que le valió una reputación como el Norman Rockwell de las pin-ups,
sus ilustraciones se servían de fotografías de pin up girls que luego él pintaba,
creando un espléndido realismo o hiper-realidad.
Para completar el grupo de los más destacados pintores de Pin Ups hay que
sumar a Haddon Hubbard "Sunny" Sundblom (1899-1976), cuyos proyectos
publicitarios para Coca-Cola redefinieron al icónico Santa Claus o "Santa" para
los niños, también pintó portadas para revistas, "Sunny" fue un pintor
norteamericano de origen sueco, para el proyecto Coca-Cola su modelo fue un
vendedor jubilado -su vecino y amigo- de nombre Lou Prentice, Sunny produjo
varios cuadros navideños para este anunciante entre los años de 1931 y 1966. Las
chicas de sus pinturas poseían figuras muy femeninas con largas piernas, cabello
exuberante y pechos que desafían a la gravedad. En definitiva, ese estímulo
moral que, -por aquellos días- alegraba la vista de los reclutas. Estos ilustradores
y pintores -a través de sus obras- influyeron la cultura popular en casi todo el
mundo, en la publicidad, el cine, fotografía, y editoriales de revistas. En la
mayoría de los países del mundo sus pinturas no suelen clasificarse hoy como
pornografía, pero si hay todavía algunos lugares donde su trabajo está limitado
en su uso y su publicación, para otros son parte importante de otra época recién
pasada y por tanto vistas como vintage art.
Iluminación. Se parecen, pero no será lo mismo alumbrar una habitación para
uso personal, que "iluminar" para una fotografía la misma locación. La fotografía
del griego (photo=luz) es grabar (graphos=dibujar o grabar) con luz, la materia
prima de una foto es la luz, pero realmente no podemos ver la luz como tal, pues
ésta es energía electromagnética, podremos ver parte de sus efectos y reacciones
de los cuerpos ante su presencia. La luz al chocar con algún cuerpo se convierte
en calor y en color, de ahí que el color no está en las cosas en sí, sino en la misma
luz blanca. De hecho, los colores como los conocemos no existen son sólo un
código que nuestra mente le asigna a ciertas bandas de esta misma
radiación lumínica. La luces no son tampoco todas iguales; las
hay artificiales como las que usamos en casa cada noche, y las hay
también naturales como la bóveda celeste -con luna y estrellas- durante la noche
y el sol durante el día. Las luces -por su tono dominante- se suelen medir para
uso en fotografía y de vídeo a través de un aparato que
llama temocolorímetro que mide la luz por su temperatura en grados Kelvin,
para medir la intensidad de la luz se utiliza un aparato llamado luxómetro, y
trabaja con unidades en lux. Desde aquí se hará el balance a blancos o balance de
blancos (WB), que sirve para decirle a la cámara cual es el tono exacto de blanco
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que domina la escena. Así es como se suele definir la iluminación en la escena a
fotografiar, las cámaras poseen internamente un medidor de iluminación -
exposimetro- que nos permite previsualizar el valor de exposición (EV)
adecuado para los propósitos del fotógrafo, generalmente ese valor será EV0.
Para obtener una lectura de la iluminación de la escena se utiliza también
un flashimetro, éste mide luz continua y luz de destellos perfectamente. Las
luces para estudio podrán ser continuas o de destello; mejor conocidas como
flashes. La manera más práctica para medir la iluminación, será estimar el brillo
que la luz refleja sobre los elementos de la escena. Importante tomar en cuenta
que la velocidad máxima de sincronización para flashes de estudio suele ser de
1/250 y la más común 1/200.
Para esto vamos a necesitar algo de equipo en nuestro estudio o plató de
fotografía. Una cámara DSLR, trípode o tripie, zapata, un cable sincronizador,
flashes de estudio, pies o trípodes de luces, flashimetro y algunos accesorios de
las luces, ventilador, fondos de papel o tela, también vendrá bien contar con
modelos, vestuario, peinado y maquillaje, calzado, entre otros detalles a incluir
en la escena. Las lámparas de estudio suelen poseer en realidad 2 tipos de luz;
una lámpara de luz continua llamada luz modeladora-piloto- y otra lámpara de
destellos; el flash en sí, la primera nos ayuda a visualizar mejor las zonas de alta
luz y las zonas de sombra, mientras preparamos nuestro montaje pero no es una
referencia exacta, más bien es algo aproximado. La iluminación de la
escena podrá ser de clave alta (High Key) cuando predominan las altas luces, o
bien de clave baja (Low Key) o claro-oscuro según nuestra idea de lo que será
mejor para nuestro mensaje. Disfruta al máximo de la sesión fotográfica, antes
organiza con antelación y mucha dedicación el diseño de la iluminación para
obtener resultados satisfactorios a tu plan de trabajo recuerda crear una plantilla
o diagrama que muestre como vas a instalar el montaje de tu equipo de
iluminación al inicio de la sesión y ahórrate muchas molestias y contratiempos,
o bien descarga una versión para hacer tus diagramas de iluminación que
puedas utilizar desde tu computadora sin estar conectado en línea a través de
Adobe Photoshop [Descargar ahora]. Otra opción para crear esquemas
disponibles en línea gracias a Photo Diagrams. La manera más básica para iniciar
a iluminar será desarrollar un esquema llamado el triángulo básico de la
iluminación que incluye una luz principal(Key), una luz de relleno(Fill) y una luz
trasera(Back) según lo deseemos éstas podrán ser suaves, rebotadas o
duras. También tenemos que definir la temperatura de la luz; en este caso será
luz de flash (6,000K) Para previsualizar el EV –valor de exposición o nivel de
exposición- debemos ahora colocar el flashimetro con el ISO (sensibilidad) que
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tiene asignada la cámara DSLR, orientamos el flashimetro hacia la cámara a unos
5 cm. del modelo hacemos un destello de prueba y nos dará una combinación de
diafragma (f) y una velocidad de obturación igual o menor a 1/200. Hacemos
éstos nuevos ajustes en la cámara y ahora planificamos (encuadramos) a nuestro
modelo, dirigimos correctamente la pose deseada, hacemos foco en su ojo más
próximo y listo. Ahora resta tomar muchas fotos y mantener fluida la
comunicación con tu modelo. Espero que disfrutes de tu sesión fotográfica y
logres muchas y mejores imágenes.
Prácticas de retrato:
Proyecto No.1
Objetivo: Proyecto individual. Replica de 2 pinturas reales de pin
ups en estudio. Selecciona dos cuadros pintados por algunos de los
ilustradores que desarrollaron este estilo. Verifica que nadie más
en tu clase tiene los mismos 2 cuadros. Implementa el casting para
seleccionar el talento idóneo para este proyecto, escoge a 1 o 2
chicas guapas, delgadas, que deseen pasar un buen rato en tu
sesión. Construye el inventario de los props, accesorios de la
época, maquillaje, calzado y vestuario –outfit- según la ilustración
y asegúrate de tener todo listo para la hora y fecha de tu photoshoot.
Utiliza un sistema de diagramación de la iluminación para tu set en digital, y recuerda
llevarlo impreso a tu sesión, será tu pase de entrada al laboratorio
de fotografía. Verifica el color de fondo que debe utilizar cada uno
de tus proyectos, deberás asegurar contar con el fondo correcto –
el estudio cuenta con varios, si necesitas uno especial deberás
proveer tú mismo o cambiarlo a través un pos proceso digital-.
Finalmente deberás hacer corrección de color, editar los errores y
defectos, preparar el archivo para impresión en papel fotográfico
en la medida correcta; formato vertical 7”x10”. Emularas la
portada de VOGUE Honduras, incluirá además al estilo del
contenido de una portada la leyenda; (Nombre de la modelo) por
(Nombre del fotógrafo), y en la esquina inferior derecha coloca un
código de barras.
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Proyecto No.2
Objetivo: Proyecto colectivo. Organizar equipo de trabajo 4-5
estudiantes. Desarrollar un photoshoot de fashion con roles específicos para
cada miembro del equipo. Presentar –como equipo- 10 fotografías
impresas en papel fotográfico 7”x10” poli cromáticas en formato vertical.
Deberá incluir fotografías en planos; (5) full shot, (3) bust shots y (2) planos
de detalles. La entrega se hará en un álbum con excelente presentación,
incluir un CD y copia firmada del contrato de cesión de derechos de sus
modelos.
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Fotografía de Productos. Actualmente el desarrollo de las campañas BTL y el
Internet han creado una gran demanda de fotografías que apoyen la
visualización de los productos ofrecidos para que éstos sean fácilmente
reconocidos por los consumidores, además la publicación periódica de catálogos
de productos de temporada, descuentos, lanzamientos de campañas,
relanzamientos y demás suelen ir apoyados visualmente a través de fotografías
que muestren de manera convincente lo que vamos a encontrarnos en los puntos
de venta. De allí que exista actualmente una gran oferta de fotografías
digitalizadas disponibles ya con todo y derechos de publicación y aplicaciones
de Internet, acudir a estas es como buscar un traje en un almacén, nunca quedará
igual de bien como uno hecho a la medida.
Lo anterior muestra de alguna manera que para el comprador final la fotografía
de los productos o Product Shot resulta vital a la hora de tomar decisiones sobre
el producto o servicio a elegir para satisfacer una necesidad dentro de todas las
opciones que dispone el mercado. Este tipo de fotografías se concentran en
contestar la pregunta ¿qué es esto? Las fotos de productos se pueden separar en
dos grupos importantes; los Product Shot donde el producto se muestra tal cual
será hallado en los supermercados, farmacias, tiendas especializadas u otras, y
las fotos que muestran al producto o servicio en pleno uso o mostrando la manera
en nos beneficiaran o nos harán disfrutarlos; a estos se les llama fotografía de
Dispersión Creativa o de producto en uso.
Es como mostrar al súper héroe de un comic cuando hace su brillante aparición
en el momento crucial de la historia y éste aparece mostrando en una pose su
fortaleza, sus cualidades, sus colores identificativos, su vestuario único,
invitando o retando a ser provocado para entrar en acción. Aunque esto
pareciera algo exagerado, de alguna manera nos permite ver una visón que
deberíamos recordar al momento de presentar la imagen de un satisfactor a los
futuros consumidores; el producto es algo aspiracional, vive en el mundo de los
anhelos y de los ideales, y es allí donde debe parecer que está, en otras palabras
debemos mostrar que es algo de otro mundo, debe despertar deseos y motivar o
activar las necesidades latentes y pasivas que llevamos dentro. No perdamos de
vista a los empaques primarios y secundarios, pues deberemos tratar de
mostrarlos para que sean rápidamente reconocidos y evitar cualquier instante de
duda o confusión. En aquellos casos que el mismo envase o empaque limiten la
visibilidad del contenido deberemos optar por mostrarlo. Además de la mera
clasificación de la fotografía de productos, deberemos prestar atención a varias
condiciones técnicas muy relacionadas al Product Shot; la iluminación, las
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texturas, la óptica del objetivo, la temperatura del ambiente, el color y textura de
fondo, etcétera.
Maquetas. Dummies. (Mock‐Up) Son substitutos o
reemplazos de productos reales que suelen usarse
durante la producción de la fotografía, son copias
o replicas tridimensionales, son muy semejantes a
los productos reales. Suelen resolver limitaciones
que el producto real presenta durante la sesión de
fotografía como sus proporciones con respecto al
entorno o bien para lograr mostrar detalles
importantes en mayor escala, o para resolver
problemas de textura o de limitaciones de los
materiales del producto ante la temperatura de las
luces o del clima de trabajo, o simplemente
sustituir vidrio y cristal con algún tipo de material
plástico que resista a las exigencias de
producción. Como Ud. puede ver que resuelven una gran cantidad de obstáculos
razón por la que son muy utilizados. Las maquetas se acostumbran a usar para
presentar productos que se encuentran en construcción o que todavía están en
etapa de diseño y no se ha construido o fabricado una primera pieza todavía. Son
muy usadas para representar una población a pequeña escala o para mostrar un
nuevo residencial o bien una catástrofe natural, en fin cuando el clima o bien la
distancia no permiten hacer una toma de este tipo o simplemente solo existe en
la mente de un creativo de la agencia publicitaria.
Las fotos de productos las podemos separar en grupos que permitan diferenciar
entre estas diferentes técnicas, usos, mercados, iluminación, equipo de
producción, crew de producción, etc. Para el caso podríamos hacer una lista
inicial:
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Estilismo gastronómico:
a. Alimentos listos para su uso y disfrute.
i. Ice Cream o helado.
ii. Panadería típica y tradicional.
iii. Snacks. iv. Asados.
v. Horneados.
vi. Ensaladas y frutas.
b. Alimentos en preparación.
i Pizza y pastas.
ii Aves horneadas.
c. Bodegones de alimentos.
2. Estilismo gastronómico de Bebidas.
a. Bebidas frías.
1 Vinos.
2 Néctares.
3 Cócteles.
b. Bebidas calientes.
1 Café.
2 Chocolate.
3 Té o infusiones.
3. Maquinarias.
4. Vehículos automotores (automóviles).
5. Aviones.
6. Arquitectura.
i. Casas urbanas.
ii. Casa rurales.
iii. Diseño de interiores.
iv. Edificios.
7. Fashion (Vestuario de Moda).
a. Calzado.
b. Maquillaje y perfumería.
8. Objetos metálicos y de vidrio (Texturas).
9. Otros.
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Food styling. Estilismo gastronómico. Es el resultado final de la relación entre
el arte, la elegancia y la
alimentación reunidos sobre
un plano virtual de dos
dimensiones, el producto es
la imagen que ha de seducir,
y estimular; a pesar de ser
ésta mediatizada ingresará a
la mente por una única vía, el
sentido de la vista. Hay en
uso muchos
términos asociados que en
general se refieren prácticamente a lo mismo como el estilismo gastronómico, la
composición culinaria, el diseño gastronómico, el estilismo de alimentos, en fin
y otros que surgen frecuentemente por todas partes. Para hacerlo fácil, me
quedo con food styling, y desde ya le pido las disculpas del caso a Miguel de
Cervantes. El food styling es el heredero del bodegón pictórico de frutas de la
temporada, con verduras, bebidas de la región,
botellas, lácteos, pescado, etcétera. Para
muchos se trata de un arte, el conocimiento
sobre cómo preparar, diseñar, y disponer
alimentos para la
cámara, mostrándolos visualmente apetitosos.
Involucra el dominio de técnicas especiales
para destacar las propiedades de los alimentos
y presentarlos completamente irresistibles -en
su pleno y total esplendor- a través del sentido
de la vista. Los alimentos y bebidas deben lucir
siempre perfectos, higiénicos deseables para comunicar un objetivo comercial
o no, es un producto comunicacional en sí. El food styling busca que los
alimentos y la vajilla sean el material perfecto para poner a volar la imaginación,
el deseo y el apetito del observador. Cada plato deberá mostrar congruencia,
contrastes o armonía de color, texturas interesantes que despierten el antojo de
los espectadores y sobre todo que resalten las propiedades del platillo. Una de
las cosas más importantes en el food styling es ser siempre fieles a la receta
original pero utilizando ingredientes únicos y técnicas que logren una imagen
perfecta. La persona que se especializa en esta labor se le
conoce comúnmente como estilista de alimentos, food stylist, home economist,
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ecónomo, diseñador gastronómico, y en fin con muchos otros más. Su objetivo
es lograr comidas y bebidas atractivas a la vista. Es un creativo apasionado por
la cocina, con habilidades y conocimientos de las técnicas, del comportamiento,
reacciones de la química de los ingredientes. Éste debe dominar distintas
metodologías para atraer y captar la atención del consumidor a pesar de la
mediatización visual limitada a las dos dimensiones de un plano. Se carece de
los estímulos que presencialmente se captan mediante los sentidos del olfato y
del gusto, los protagonistas de nuestra sensación de placer durante la
alimentación. El objetivo de la imagen es que el observador desee comerse la
página o la pantalla que está observando. Esta disciplina se ha ido
expandiendo rápidamente alrededor del mundo entero, y se ha vuelto popular
gracias al papel tan importante que juega la comida dentro de la sociedad. Te
comparto algunas reglas básicas de la fotografía en la composición culinaria:
La simplicidad.
Más cerca, es mejor.
Cuidar el espacio circundante alrededor del centro de interés.
Ley de tercios aplicada correctamente.
Regla de los impares, destacar en grupos de tres unidades.
Contrastar por semejanza; todos son homogéneos menos uno.
Durante la década de los noventas sobre todo
en Australia -Donna Hay- surgieron las nuevas
reglas para el food styling y se estableció una
tendencia que incluye el uso destacado del foco
selectivo en el primer plano y desenfoque total en
los demás planos y fondo, el plato es el
protagonista de la historia, la simpleza, texturas
sensuales -food porn- el uso de luz natural y
lámparas de tungsteno, y de regreso a los
materiales de naturales. La vanguardia en
fotógrafos de alimentos la mantiene por ahora Carl
Warner. El restaurante que marca la vanguardia
culinaria está en Barcelona, España -ElBulli- y su chef más reconocido en todo el
mundo como nada menos que "el mejor" es Ferran Adrià Acosta quien suele
hacer dupla con el fotógrafo francés Francesc Guillamet. En Brasil sobresale el
trabajo de este equipo quienes forman su propio estudio de fotografía de
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alimentos, Studio SC. Además –en la actualidad- el mejor restaurante
de Latinoamérica es Maní, lo dirigen Helena Rizzo y Daniel Redondo y se
encuentra en São Paulo. El crew de un proyecto de food styling involucra en
mucho al cliente, quien es la persona que ha solicitado el mismo, un director de
arte (visualizador gráfico), fotógrafo de alimentos, estilista de alimentos, un chef
asistente, y un prop stylist. Las herramientas de esta actividad son variadas y
muchas, pero siempre es posible definir una lista básica de props o atrezzo.
Superficies y texturas varias.
Fondos.
Platos, cubiertos, vasos, copas, etc.
Tablas para cortar.
Recipientes, botellas, bandejas.
Materia prima, ingredientes originales de la receta.
Adicionalmente el estilista de alimentos -food stylist- deberá dominar
conocimientos previos indispensables para lograr la imagen correcta, conocer
la marca y el producto, conocer su reacción a las luces, reacción a las
temperaturas, reacción al oxígeno, dominio de la psicología del color,
composición visual, diagramación, publicidad gráfica y televisiva, entre otros.
A mi gusto -personal- el vapor deberá lograrse en producción y no en pos
proceso. Las texturas se deberán escoger cuidadosamente para seleccionar los
platos, la cerámica, madera o manteles que se usaran en los fondos, así como el
acabado de los alimentos mismos para lograr representar la frescura, o bien la
temperatura que deben representar, si deseamos un ambiente rural y rustico o
algo mejor acabado y fino. De aquí que el trabajo de la iluminación venga a
complementar las texturas de las superficies. Se acostumbra a trabajar con luces
suaves que producen sombras suaves y la inclinación suele ser muy inclinada a
ras de la superficie de trabajo para proveer de avances tonales ricos en brillos
sutiles y delicados, y sombras suaves. Esta labor de fotografiar alimentos,
incluye también a las bebidas; que tienen como objetivo brindar una sensación
de restauración a quien la consume. Cuando el clima esta frio se recurre a una
bebida caliente para calentarnos y cuando el clima o temperatura es caliente se
recurre a una bebida fría refrescante. O bien “al calor de un café bien conversado”
humeante y espumoso como diría Gabo.
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Bebidas. No hay nada
mejor que tomar un café
caliente una fría tarde,
además de restaurar
nuestra temperatura
interna, nos anima para
terminar la jornada y seguir
adelante. También resulta
restaurador tomarse una
limonada con hielo una
caliente mañana de
primavera o de verano. Las
bebidas, además de
ayudarnos a sentirnos más
a gusto –en nuestro interior-
con el clima que nos rodea
conllevan otros beneficios.
Las fotografías para bebidas
demandan el dominio
técnicas profesionales, para
empezar el uso de
substitutos de materiales
que resistan las rudas demandas de un estudio de fotografía, escalas tonales más
exactas a los procesos de impresión, condensación de agua en las superficies de
los recipientes con líquidos fríos, las gotitas y gotas, la escarcha, cubos de hielo,
espuma y demás que los hacen irresistibles al observador. Fondo blanco
iluminado ligeramente "quemado" o sobre expuesto –clave alta- acompañado de
la materia prima que nos refuerza su original calidad, sobre un tablero de
superficie brillante que duplica en el reflejo la presencia de la bebida. Los cubos
de hielo refuerzan la sensación visual de temperatura baja. La transparencia del
color rojo es vital para atraer la mirada al centro de interés y jugar con los tonos
en las áreas de los hielos. En otros casos la fotografía de bebidas en
envases metálicos, de cartón plastificado, botellas de color oscuro u otros que no
nos permiten ver su interior para verificar su calidad y pureza, para resolverlo se
demanda de otro recipiente transparente que nos deje ver todas estas bondades.
Un poco de hielo y algunas gotas colocadas estratégicamente. La transparencia
deberá ser reforzada en muchos casos, pues algunas bebidas oscuras no tienen
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escala tonal que resulte atractiva para mantener la mirada del observador por
más tiempo sobre la imagen propuesta.
Pero también podríamos fotografiar bebidas calientes para restaurarnos en un
día de mucho frío, o para prepararnos al inicio de una faena de trabajo. Los
elementos que rodean a una taza del café están reforzando todo el aroma, la
tradición, y el ritual de tomarse creo que cada lugar desarrolla algún
acompañamiento local a la hora de disfrutar su café o la hora del té. Importante
resultará observar la manera en que distintas culturas y personas disfrutan del
café, en un cafetín, en una sala de estar, en un cocina, en un lobby, bajo la sombra
del alero o porche de una casa de campo, etcétera.
Repositorio en línea de imágenes digitales de alimentos. Tatespotting.
Fundada en enero de 2007 bajo la idea que comemos primero con los ojos, este
sitio trata sobre una obsesiva y compulsiva colección de imágenes llamativas que
enlazan con algo deliciosamente interesante en el otro lado. Piense en
Tastespotting como una cena muy gráfica de recetas, referencias, experiencias,
historias, artículos, productos, y cualquier otra cosa que inspira un gusto
exquisito. En este repositorio en línea todo el mundo aporta algo a la fiesta donde
la comunidad de usuarios propone y presenta las imágenes / los vínculos de toda
la web y el equipo editorial revisa las presentaciones. Lo que finalmente se
consigue en el sitio es un conjunto armónico y refinado de las contribuciones de
la comunidad.
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Fotografía editorial. Cuentos clásicos.
Recuerdas aquellas noches en que
llegabas a la cama sin sueño y en que
todavía lleno de energía necesitabas
una historia que te transportara a
lugares nuevos y distintos, una historia
de otro mundo, de otra época diferente,
con personajes mágicos, con nuevas
situaciones nunca antes vividas. De
manera personal todos vamos
atesorando en nuestro corazón y
nuestra mente fragmentos de algunos
cuentos clásicos como favoritos, nos
identificamos con algunos de sus
personajes y éstos han dejado una
marca en el imaginario colectivo que
nos resulta imborrable. Traen incluida
al menos una lección, una moraleja que
nos ayuda a entender mejor a los demás y muchas veces a nuestros deseos,
temores y a nosotros mismos. Los cuentos que nos contaban por las noches y que
releímos en la adolescencia fueron redactados por grandes escritores
europeos, árabes y asiáticos otros fueron compilados de la tradición oral de la
edad media y luego escritos por primera vez en proyectos que reunieron las
historias por primera vez. Estas historias no fueron siempre escritas pensando en
los niños pequeños, sino para públicos de mayores, y sus advertencias eran para
evitar caer en riesgos de ataques sexuales. Muchas de las historias originales
también fueron adaptadas para los menores y cambiaron un poco y no sólo para
la pantalla de cine como acostumbra Disney, sino también por los editores de
libros infantiles. Los cuentos clásicos tienen la virtud -algunos- que ahora mismo
están bajo licencia de dominio público. Los cuentos clásicos siguen inspirando a
nuevas generaciones, ahora de
fotógrafos. Algunos
fotógrafos contemporáneos han
asumido el reto de volver a poner ante
los ojos del espectador nuevamente su
visión de cómo se cuentan cuentos a
través de la lente de sus cámaras,
aprovechando las virtudes y
bondades de los actuales
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equipos, apps y software de retoque de imágenes digitales. La prestigiada
fotógrafa Annie Leibovitz desarrolló una serie, muy bien lograda, para la
compañía Disney con resultados asombrosos, la muestra se llama Disney dream.
No es el único proyecto de este tipo, otros fotógrafos europeos también han
desarrollado sus propuestas creativas para varios para los cuentos clásicos. Abajo
algunos proyectos del fotógrafo español Manuel de los Galanes, quien llamó a su
exposición de Madrid "No tan felices". Los cuentos clásicos atribuyen su
calificativo a la tradición que se ha forjado en torno a los mismos, y sobre todo a
cómo se han transmitido desde una generación a otra. La evolución del tiempo
ha supuesto que las historias de carácter mítico pasen a convertirse en leyenda, y
finalmente en cuento. No es de extrañar que ya en el período del "renacimiento"
podamos hallar textos como los de Giambattista Basile, el cual en su
Pentamerone ya alude a clásicos como la Cenicienta, a la cual denominaba La
Gata Cenicienta, y es que Cendrillon, Cinderella o simplemente Cenicienta
representa una determinado valor que se mantiene
constante pese al paso del tiempo y la evolución de las
sociedades: más puede la hermosura que billetes y
escrituras. Con posterioridad, en el siglo XVII, Charles
Perrault nos obsequiaba con una serie de cuentos que
bebían directamente de fuentes primitivas. Así, no
podemos olvidar la famosa Le Petit Chaperon Rouge, en
la cual la hermosa niña desatiende los consejos sociales
y acaba engullida por el lobo, en clara alusión a la advertencia para niños de no
hacer caso a los desconocidos. Con posterioridad, en el Siglo XIX, los
folkloristas Jacob y Wilhem Grimm recopilaban cuentos y nos proporcionaban
nuevas versiones de la ya mencionada Caperucita Roja, de Blanca nieves o de
Pulgarcito. Es muy interesante saber apreciar las diferencias que se establecen
entre distintas versiones de un mismo relato ya que nos proporcionan visiones
diferentes de la realidad y sin duda alguna éstos nos enriquecen en nuestro
constante crecimiento como personas. En este breve recorrido histórico que
incluye a algunos cuentistas de los que se han elaborado versiones para niños –
ya que desde un enfoque más amplio habría que incluir otros clásicos como por
ejemplo, El Conde Lucanor, de Hans Christian Andersen. La aportación del autor
danés al mundo de los cuentos para adultos y que luego se han transpuesto al
mundo infantil es notable y decisiva. Si no, remitámonos a las pruebas: El patito
feo, El soldadito de plomo, El traje nuevo del emperador, la niña de los fósforos,
La Sirenita, etc. Todos estos títulos unidos a los anteriores vienen a conformar un
potente corpus de clásicos que en este caso se han orientado hacia el público
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infantil, y en los cuales podemos encontrar diversos valores relacionados con la
diversidad, con la humildad, con la bondad, con la astucia, etc. Y de igual
manera, hallamos valores menos positivos -antivalores- como son la envidia, el
egocentrismo, el abandono familiar, etcétera. Espero que encuentres algo de
inspiración y que se manifieste en tu propia versión de tu cuento favorito de
hadas, lobos, duendes, dragones, príncipes, castillos, bosques, gatos, en fin.
¿Cuál es tu cuento clásico preferido? ¿Por qué te resulta tan especial?
El cartel (afiche o poster). Jules Chéret, un francés nacido
en París el 31 de mayo de 1836, fue un pintor y litógrafo que
desarrolló las técnicas que permitieron al poster o afiche
moderno desarrollarse al nivel de arte y su primer uso fue
publicitario. Inicialmente sus trabajos fueron a solicitud de
cabarets, teatros, bebidas alcohólicas, productos de
cuidado personal, cosméticos y ferrocarriles. Parte del éxito
está en la creativa forma de unir al texto con la imagen, y
en las técnicas litográficas en base a tres piedras de colores
básicos; rojos, amarillo y azul. Entre los muchos artistas que
estudiaron con él estaba también Henry Mary
Raymond de Toulose-Lautrec-Montfa, quien creó los
afiches para el célebre Moulin Rouge en 1891. Durante
la revolución rusa, los bolcheviques y el grupo que
dirigió Vladimir Ilich Lenin desarrollaron su uso en la
política y nació el afiche propagandístico –heredero
directo del lubok imperial ruso- que se desarrollaría con
formas propias en los países del bloque socialista, los
más sobresalientes artistas rusos del afiche son
Aleksandr Ródchenko, Gustav Klutsis, y El Lissistzki en
los inicios del siglo XX.
El afiche va la guerra, y su papel allí también fue protagónico, desde los ejércitos
alemanes, británicos, rusos y estadounidenses, entre muchos otros que han visto
en el afiche una pieza importante para fortalecer el amor a la patria y para reclutar
voluntarios para las tropas que irán a los escenarios bélicos. Su estreno se dio
durante la I guerra mundial y destaca de esta época el afiche que diseñó James
Montgomery Flagg “I want you for U.S. Army”, el afiche se mantiene en servicio
activo desde la revolución rusa hasta la II guerra mundial.
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Los carteles cinematográficos, son usados por la industria del cine para la
promoción publicitaria de sus películas. En 1895
iniciamos el póster de películas con los hermanos
Lumiére y su corto L’Arroseur arrosé (El regador
mojado). Estas piezas no son un único diseño y tamaño,
se usan en distintos idiomas, mercados y soportes. A
inicios del siglo XX las ilustraciones de algunas escenas
se volvieron el tema del cartel en la gran mayoría de los
casos. En muchas salas de cine podemos ver movie
trailers de los próximo estrenos de manera interminable
en pantallas planas de alta definición, y éstas cada vez
son más, y menos el espacio para el póster.
HDR. High Dynamic Range. Se trata de una técnica para procesar imágenes
digitales sacadas de una cámara digital y que busca abarcar el mayor rango de
niveles de exposición en todas las zonas a través de un pos proceso, a partir de -
al menos tres imágenes digitales- de un objeto o paisaje estático tomadas con
horquillado. Esto se consigue mediante la mezcla de varias fotos de la misma
imagen con diferentes exposiciones. En procesamiento de imágenes digitales en
computadora, las imágenes de alto rango dinámico (HDR) son un conjunto de
técnicas que permiten un mejor rango dinámico de luminancias entre las zonas
de altas luces y las más oscuras de una imagen del que las técnicas de imagen
digital estándar o métodos fotográficos pueden ofrecer de origen (400 tonos). La
fotografía de alto rango dinámico permite obtener imágenes más similares en la
escala de luces y sombras a las visualizadas por el ojo humano (1000 tonos), que
cuando observa el mundo que nos
rodea es capaz de distinguir detalles en
zonas con una diferencia de
iluminación muy superior a la
soportada por otros formatos como la
película o los formatos de imágenes
comprimidas. Este rango dinámico
más extenso permite a las imágenes
HDR representar con más exactitud el
extenso rango de niveles de intensidad
encontrados en escenas reales, que van desde luz solar directa hasta la débil luz
de las estrellas.
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Los dos principales orígenes de las imágenes HDR son el renderizado en
computadora y la mezcla de múltiples fotografías en pos proceso con Adobe
Photoshop. Las técnicas de mapeo tonal o mapeo de tonos, que reducen todo el
contraste para facilitar que las cámaras digitales con menor rango dinámico
muestren imágenes HDR, pueden aplicarse para producir imágenes conservando
o exagerando el contraste localmente para realizar un efecto artístico.
Bancos de imágenes profesionales. Getty Images. Es el repositorio pionero de
los archivos fotográficos de muy alta calidad. Fue fundada en 1995, la empresa
trabaja originalmente con los fotógrafos más conocidos del mundo. La empresa,
con base en Seattle, Washington. La empresa tiene múltiples vías que permiten al
fotógrafo suscribirse a la comprar sus imágenes. Dirige tu comunicación inicial al
departamento correcto. Getty Images tiene –al menos- cuatro departamentos
básicos para las atender al fotógrafo, contacta al correcto:
Creativas/publicitarias.
Realizadores/imágenes en movimiento.
Noticias/deportes/entretenimiento
Archivo.
Cada uno de ellos tiene diferentes procesos de envío. Regístrate con Getty o envía
una solicitud a través correo electrónico. Si buscas vender tu trabajo tanto en el
departamento de imágenes creativas/publicitarias o de realizadores/en
movimiento, deberás registrarte con ellos. Este es un proceso básico para crear un
nombre o clave de usuario y biografía. Si deseas enviar imágenes de noticias,
deportes o entretenimiento a su departamento editorial, primero deberás
establecer una relación con ellos. Para hacerlo, envía una solicitud vía correo
electrónico con una nota de prensa, referencias profesionales y enlaces en línea de
tu trabajo. Si tienes una colección de material de archivo, ponte en contacto y
detalla la lista de tu inventario. Prepara tus envíos. Getty Images, como una de
las mejores agencias de fotografías solicita las mejores imágenes disponibles. El
tipo de imágenes que ellos buscan tienen "fuerte apariencia conceptual" junto con
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un atractivo emocional que "tiene más posibilidades de realizar ventas múltiples
y globales". Como fotógrafo verifica de que tus fotografías no luzcan comúnes,
genéricas, amateur o poco profesionales. Imagina qué directores de arte, agencias
de publicidad y profesionales de la mercadotecnia observarán tu trabajo. Getty,
también detalla una lista de requerimientos técnicos para el envío de las
imágenes. Éstas deben ser enviadas como archivo de imagen TIFF de 47.5-52, sin
comprimir, en paleta de colores RGB de 24 bit en 8 bits por canal. Deberán estar
libres de propiedad y modelo donde se necesite. Las fotografías deberán ser
sacadas con cámaras DSLR aprobadas previamente por Getty. Realizar una
prueba. Luego de registrarse en el sitio, se te solicitará que realices una pequeña
prueba para mostrarte cómo funciona la empresa. Cuando lo completes, podrás
enviarles un enlace a tu trabajo en línea. Envía tu trabajo a través de los
programas especializados de la empresa. Desde el mes de marzo de 2009, el
archico completo de Flickr hizo su debut en Getty Images. Getty misma
seleccionó aquellas imágenes dentro del gran archivo de Flickr. Ahora
simplemente carga aquellas que desees al sitio Flickr y crea un perfil detallado.
Vende a Getty Images. Si tus fotografías son aprobadas por Getty Images,
generalmente te pagarán con respecto a las ventas de las fotografías a otras
empresas. Recibirás regalías-pagos derivados de la venta- que puedes verificar a
través de tu perfil en el sitio web. Si estás buscando vender imágenes a su
departamento editorial, ellos establecerán un contrato separado contigo si te
contratan como fotógrafo independiente.
Composición visual. La imagen
fotográfica es producto de la intención
de un compositor que organizó,
ordenó y diagramó los distintos
elementos icnográficos que comparten
el espacio dentro del visor de la
cámara. Para lograr expresar lo que se
pretende decir a través de la imagen,
el fotógrafo debe conocer y dominar
las técnicas de composición que hemos
venido construyendo como cultura
global a lo largo de la historia. Estas
tienen que ver con los distintos
leguajes visuales que hemos
desarrollado a través de la historia del
arte, los movimientos artísticos, las
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propuestas de maestros y artistas de la plástica y el diseño gráfico, y además de
lo que otras culturas distintas a la nuestra han generado dentro de códigos o
lenguajes o forma de representar imágenes y formas de interpretarles.
Algunas de las herramientas que vamos a utilizar para componer nuestra
fotografía son ya conocidas por nosotros, a través de nuestro andar por el mundo
del diseño gráfico, el dibujo y otras. En una composición debemos buscar la
máxima eficacia comunicativa, impactar visualmente al público observador de la
imagen fotográfica. Realmente no existe una norma específica que nos asegure el
éxito de nuestra composición, pero sí unas pautas, que si se conocen pueden
hacer más eficaz nuestra comunicación.
• Contraste: Permite resaltar el peso visual, lo podemos
conseguir por medio de diversos medios: tonos, colores,
contornos y escala. Contraste de tonos. Se obtiene contraste
entre elementos que poseen tonos (claridad, oscuridad)
opuestos. En este caso, el mayor peso lo tendrá el elemento
más oscuro, destacando el más claro sobre él con más
intensidad cuanto mayor sea la diferencia tonal. Contraste
de colores. El contraste creado entre dos colores será mayor
cuanto más alejados estén en el círculo cromático. Los colores opuestos
contrastan mucho, mientras que los análogos apenas lo hacen, perdiendo
importancia visual ambos. Dos elementos con colores complementarios se
refuerzan entre sí, al igual que un color cálido y otro frío. Contraste de escala. Es el
producido por el uso de elementos a diferentes escalas de las normales o de
proporciones irreales, consiguiéndose el contraste por negación de la percepción
aprendida. Sí es frecuente en fotografía y pintura, consiguiendo atraer la atención
del espectador de forma muy efectiva.
• Formas y siluetas: Línea que da forma o figura a un cuerpo. La forma es el más
importante de todos estos elementos: Para reconocer un
objeto nos basta su silueta. Es una de las características
físicas de los objetos. La silueta o forma de un objeto basta
en muchos casos para reconocerla a primera vista. De
hecho la silueta del perfil bastara para reconocer y
distinguir a una persona. Para fortalecer este concepto se
deberá agregar contraste entre el fondo y la silueta. La
proporción de las formas establecerá la relación visual
entre ellas definiendo la perspectiva.
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• Simetría y asimetría: Muchos de los temas que se
fotografían habitualmente tienen uno o varios planos de
simetría. Personas, animales, objetos, incluso la línea del
horizonte pueden actuar en tal sentido. La imagen
resulta agradable si los motivos situados a ambos lados
del eje de simetría tienen el mismo ʺpeso visualʺ. La
composición simétrica es sencilla, solemne y formal; pero
fría y demasiado mecánica. La composición asimétrica,
posee numerosas las variantes que pueden incluirse en
este apartado. Se las conoce con el nombre de las formas
de letras o figuras que adoptan. Las más utilizadas son
la triangular y las realizadas en forma de S, L, o C., que parece ser que son las
que más a gusto recorre nuestra vista.
• Ley de tercios: Es la norma más clásica en la
composición, tanto en pintura como en fotografía. Se
basa en dividir el formato rectangular en tres bandas
iguales, tanto vertical como horizontalmente. Existen
variantes más complejas basadas en la utilización de la
sección o zona áurea clásica, pero sus resultados son similares.
Las dos líneas verticales u horizontales, con que imaginariamente dividimos el
encuadre, determinan la posición principal de los elementos alargados
(horizonte, edificios, etc.) y en los cuatro puntos de intersección de estas líneas se
sitúan los puntos de interés de la imagen. No es necesario ocupar todas las líneas
ni los puntos, sino situar sobre cualquiera de ellos el elemento principal. De esta
regla se desprende la conocida norma en fotografía de paisajes, de no situar
nunca el horizonte en el centro del fotograma.
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• Ritmo: El ritmo es un componente esencial en casi cualquier imagen.
Entendemos el ritmo plásticamente en la relación que establecemos entre forma
y espacio con un orden determinado. El ritmo es el resultado de la repetición de
líneas, formas, volúmenes, tonos y colores. La repetición de un motivo aumenta
la armonía de una escena. El ritmo permite además unir los diferentes elementos
de la escena para conferirles unidad y
fluidez. Las composiciones con ritmo
excesivamente rígido, como las olas,
cartones de huevos, campos de dunas,
terrenos de cultivo, etc., conviene
romperlas con algún pequeño objeto
discordante que atenúe su rigidez y
proporcione un centro de interés.
• P.O.V. Punto de vista. Lo normal es fotografiar colocado frente al motivo, de pie,
con la cámara a nivel de los ojos y con el plano focal perpendicular al suelo. El
tema se puede captar así sin distorsiones y de forma clara y descriptiva, pero se
obtienen imágenes estandarizadas y poco originales. Una de las formas de
conseguir encuadres originales de temas vulgares, consiste en saltarnos esta
norma a la torera y cambiar el punto de vista. Cuando optamos por un punto de
vista elevado (picada o vista de pájaro), podemos excluir la línea del horizonte y
utilizar el suelo como fondo. Esto proporciona imágenes muy originales pero,
por lo general, el sujeto principal queda poco destacado sobre el fondo y, si se
fotografían personas, se verán con la cabeza enorme y distorsionada. Si
fotografiamos a nivel del suelo y hacia arriba (vista de hormiga), el horizonte e
incluso el suelo pueden no aparecer en la foto. El sujeto, principal resalta mucho
más que en el caso anterior, pero pueden aparecer luces parásitas si se utiliza
iluminación cenital. En retrato destaca demasiado la mandíbula y los agujeros de
la nariz, por lo que está totalmente desaconsejado. Todos los defectos y
deformaciones producidas la variar el ángulo de la toma, pueden exagerarse
intencionadamente utilizando objetivos de corta distancia focal (gran angulares).
También pueden amortiguarse las distorsiones e incluso suprimirse, empleando
cámaras de gran formato y efectuando descentramientos del objetivo o del
respaldo.
Texturas. La sensación de textura se logra mediante una adecuada iluminación.
En general con una iluminación oblicua directa al sujeto se incrementará la
textura de los detalles más pronunciados. Con una iluminación oblicua difusa
se revela la textura de los detalles más finos. Combinando ambas iluminaciones
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mediante reflectores convenientemente ubicados de mostrará no solamente los
detalles más evidentes sino también los finos. Mediante la luz oblicua muchas
texturas aparentemente sin interés se transforman en temas muy decorativos,
por ejemplo la rugosidad de una montaña, un tronco de árbol, o la arena
modelada por el agua. El primer análisis que realiza el ojo en la percepción,
queda reafirmado o contrastado a través del tacto, que nos transmite otra
información.
La textura está relacionada con la
composición de una sustancia a través de
variaciones diminutas en la superficie
del material. Con la luz, es el elemento
clave en la percepción del espacio por su capacidad para orientar la visión
estereoscópica. Se produce mediante la repetición de luces y sombras en un
espacio gráfico, motivos iguales o similares que se repiten en el soporte. Con
todo, la mayor parte de nuestra experiencia textural es óptica, no táctil. Mucho
de lo que percibimos como textura está pintado, fotografiado, filmado...
simulando una materia que realmente no está presente. Es un hecho que se da
también en la naturaleza, ya que muchos animales adoptan o tienen aspecto de
lo que les rodea para defenderse de los enemigos, se confunden con la textura
de contexto.
La perspectiva: La representación de la profundidad en
una superficie plana siempre fue el problema de
pintores y dibujantes. El procedimiento más conocido, la
perspectiva lineal, utiliza una serie de principios geométricos
para lograr las proporciones correctas entre objetos a medida
que su tamaño aparente disminuye al aumentar la distancia y
para hacer que las líneas paralelas parezcan converger a
medida que se alejan. La cámara produce estos efectos automáticamente. El
enfoque selectivo de sujetos en diferentes planos también logra este efecto. En
ciertas ocasiones vasta cambiar un poco el ángulo de la toma para incrementar
aún más la sensación de la perspectiva lineal. Esto se logra mediante lo que se
conoce como punto de fuga, es decir dejando fuera del fotograma el punto de
convergencia de las líneas paralelas.
Volumen: Lo que da a los objetos fotografiados su aspecto sólido, es sobretodo el
juego de luces y de sombras. La fotografía es capaz de reproducir con
extraordinaria fidelidad la textura y el volumen ya que es muy sensible a las
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ligeras variaciones de luz y de sombra, medio utilizado para poner en relieve
dichas cualidades. La calidad y dirección de la luz son determinantes a la hora de
representar el modelado mediante sombras y texturas. Mediante la yuxtaposición
de los elementos contrarios como lo blando y lo rígido; lo suave y la inclinación
son cualidades que toman más fuerza si se presentan juntas.
PSICOLOGIA DEL COLOR
El color desprende diferentes expresiones del ambiente, que pueden
transmitirnos la sensación de calma, plenitud, alegría, violencia, maldad, etc. La
psicología de los colores fué estudiada por grandes maestros a lo largo de
nuestra historia, como por ejemplo Goethe y Kandinsky.
Aquellos colores que escogemos a la hora de vestir no sólo hablan
de nuestra alegría, estado anímico, de nuestros deseos de
impresionar o lucir atractivos; sino que también reflejan lo que
somos, anhelamos, pensamos. Son la viva expresión de nuestra
psiquis. El uso estudiado de cualquiera de los colores fríos (azules,
violetas y verdes) y los cálidos (rojos, amarillos y naranjas) produce
reacciones psicológicas que uno debe aprender a manejar a favor de
lo que quiera transmitir. El color es uno de los elementos que ha
recibido mucha atención por psicólogos y publicistas. Daniel Starch, uno de los
pioneros en el campo de la investigación publicitaria, sostuvo que en primer
lugar hay que señalar que la reacción ante un color es la mezcla de mecanismos
instintivos del aprendizaje social. Como ejemplo tenemos el color rojo que acelera
la circulación sanguínea y la respiración (perspectiva fisiológica) y al mismo
tiempo posee un valor simbólico desde una perspectiva cultural (el matrimonio
en China). Bams, otro autor interesante, indica que el color es un factor vital que
ejerce influencia, emociona y aun puede perturbar el estado de la conciencia, por
él se estimula la tensión y el interés, se impulsa un deseo, se crea una sensación
de ambiente, actúa la imaginación y se produce un sentimiento de simpatía o
repulsión. Durante la II Guerra Mundial los alemanes realizaron experimentos
con los colores. En uno de ellos construyeron ambientes circulares pintados de
rojo, los individuos sometidos a ese encierro resultaron dementes en pocos días
debido a la influencia de la forma y especialmente del color. La vista está
acostumbrada a diferenciar formas y colores, frente a esa experiencia se
produjeron alucinaciones que trastornaron sus mentes. Otro experimento que
realizaron fue el de obligar a las personas a levantar pesos mientras colocaban
cartulinas de diversos colores frente a ellas; los hombres levantaban con facilidad
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los pesos cuando tenían frente a ellos colores fuertes como el rojo, pero no podían
levantarlos cuando se les presentaba el verde. El color es algo más que una simple
moda, es un recurso psicológico y maravilloso de manifestar la personalidad. Los
colores emiten radiaciones y algunas personas son más susceptibles que otras a
ellas, pero todos tienen características peculiares que influyen en nuestras
reacciones. La cultura que poseen las diversas sociedades juega un rol importante
en la apreciación de los colores, así el luto se representa con negro en la cultura
occidental, pero en Japón el blanco es el que transmite el dolor ante la pérdida de
un ser querido. Como convención cultural también encontramos el color en la
codificación que hacen los enamorados, quienes para expresar amor lo
representan con rojo; el desprecio, con amarillo; la esperanza, con verde.
Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Es la suma
o síntesis de todos los colores, y el símbolo de lo absoluto, de la
unidad y de la inocencia, significa paz o rendición. Mezclado con
cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas, la del blanco
es siempre positiva y afirmativa. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza
y modestia. El blanco crea una impresión luminosa de vacío, positivo infinito.
Negro. Símbolo del error, del mal, el misterio y en ocasiones simbólica
algo impuro y maligno. Es la muerte, es la ausencia del color. También
transmite nobleza y elegancia.
Gris. Es el centro de todo ya que se encuentra entre la transición entre el blanco
y el negro, y el producto de la mezcla de ambos. Simboliza neutralidad,
indecisión y ausencia de energía. Muchas veces también expresa tristeza, duda y
melancolía. El color gris es una fusión de
alegrías y penas, del bien y del mal. Da la
impresión de frialdad metálica, pero también
sensación de brillantez, lujo y elegancia.
Amarillo. Es el color más intelectual y puede ser asociado con una gran
inteligencia o con una gran deficiencia mental; Van Gogh tenía por él una especial
predilección, particularmente en los últimos años de su crisis. Este primario
significa envidia, ira, cobardía, y los bajos impulsos, y con el rojo y el naranja
constituye los colores de la emoción. También evoca satanismo (es el color del
azufre) y traición. Es el color de la luz, el sol, la acción, el poder y
simboliza arrogancia, oro, fuerza, voluntad y estimulo. Mezclado
con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que
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sugiere enemistad, disimulo, crimen, brutalidad, recelo y bajas pasiones.
Mezclado con blanco puede expresar cobardía, debilidad o miedo y también
riqueza, cuando tiene una leve tendencia verdosa. Los amarillos también suelen
interpretarse como joviales, afectivos, excitantes e impulsivos. Están relacionados
con la naturaleza. Psicológicamente se asocia con el deseo de liberación.
Rojo. Se lo considera con una personalidad extrovertida, que
vive hacia afuera, tiene un temperamento vital, ambicioso y material, y se deja
llevar por el impulso, más que por la reflexión. Simboliza sangre, fuego, calor,
revolución, alegría, acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza,
destrucción e impulso, así mismo crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos
y de marte, y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la
guerra, el diablo y el mal. Como es el color que requiere la atención en mayor
grado y el más saliente, habrá que controlar su extensión e intensidad por su
potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. Mezclado con
blanco es frivolidad, inocencia, y alegría juvenil, y en
su mezcla con el negro estimula la imaginación y
sugiere dolor, dominio y tiranía. Expresa sensualidad,
virilidad y energía, considerado símbolo de una pasión
ardiente y desbordada. Por su asociación con el sol y el
calor es un color propio de las personas que desean
experiencias fuertes.
Naranja. Es un poco más cálido que el amarillo y actúa como
estimulante de los tímidos, tristes o linfáticos. Simboliza entusiasmo y
exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y pasión.
Utilizado en pequeñas extensiones o con acento, es un color utilísimo,
pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión
impulsiva que puede ser agresiva. Posee una fuerza activa, radiante y expresiva,
de carácter estimulante y cualidad dinámica positiva y energética. Mezclado con
el negro sugiere engaño, conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro,
opresión.