el renacimiento
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Musica en el RenacimientoTRANSCRIPT
EL RENACIMIENTO
Introducción
• Renacimiento: siglos XV y XVI• Exaltación de lo humano frente a lo divino: antropocentrismo• Interés renovado por la Antigüedad Clásica• Organización de los estados:base de la organización política
europea actual• Gran avance en las ciencias: Galileo Galilei, Copérnico, da
Vinci• Desarrollo de los centros urbanos y la burquesía• Invención de la imprenta:
– Petrucci. Uso de la “triple impresión”– Attaignant. Impresión a una sóla plancha
Características de la música renacentista
• Polifonía a cuatro voces mixtas• Acercamiento a nuestro sistema tonal• Dos texturas preferidas
– Homofónica (vertical o de acordes)– Imitativa (contrapuntística)
• Numerosas obras teóricas sobre práctica instrumental, notación e instrumentos musicales
• Unión entre la música y el texto. Empleo frecuente de “madrigalismos”• Empleo de las reglas de la Música Ficta• Comienza a diferenciarse la música vocal de la instrumental. Aparición de las
primeras partituras impresas de conjunto
La música inglesa del Renacimiento
La escuela Inglesa
• En el siglo XV aparece en Inglaterra un nuevo estilo musical, diferente a la música continental
• Recursos:– Predilección por la textura homofónica– Empleo de la sonoridad del acorde de 3ª y 6ª– Tendencia a la tonalidad mayor
• John Dunstable (1390-1453)– Su servicio al Duque de Bedford, regente de Francia,
justifica su presencia en el continente– Uso del fauxbordon (6ª paralelas)– Estilo brillante, alegre y consonante– Compone principalmente antífonas votivas y carol
La polifonía inglesa del XVI• POLIFONÍA RELIGIOSA
– 1540. Enrique VIII provoca la ruptura entre Inglaterra y el papado
– 1549. Eduardo VI adopta el Protestantismo y se crea el Common Prayer como único libro litúrgico
– Las principales formas religiosas son el Anthem (motete) y los Servicios (equivale a la misa)
– Los principales compositores son Orlando Gibbons y William Byrd
• POLIFONÍA PROFANA– El género más cultivado es el madrigal, de estilo homofónico,
melodía sencilla en la voz superior y ritmo de danza. Los estribillos suelen ser vocalizaciones sobre las sílaba “fa-la” (Now is the month of maying). Los principales cultivadores son T. Morley, T. Weelkes y J. Wilbye
– Otro género son los Ayres, canciones para solista con acompañamiento de laúd. El principal compositor es Dowland.
La escuela franco-flamenca
La escuela franco-flamenca• Domina el panorama musical europeo entre 1450 y 1550
• Primera generación:
– Guillaume Dufay• Miembro de la capilla papal• Compone:
– Motetes: a cuatro voces, isorrítmicos, tenor sacado del gregoriano y texto religioso
– Chanson: canción de amor, a tres voces– Misas: Ordinario: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei, todos
unificados por el mismo cantus firmus que puede ser sacado de la música profana (“L’homme armé”)
– Guilles Binchois• Estilo similar a Dufay:
– Textura a tres voces– Influencia de la música inglesa– Estilo arcaico del motete isorrítmico para las ceremonias religiosas
solemnes
• Segunda generación:– Características:
• Textura a cuatro voces• Ocasional empleo del contrapunto imitativo
– Representantes:• Busnois (1430-1492):
– Añade una cuarta voz en el grave a la chanson– Compone los textos de sus piezas– Misa de L’homme armé
• Ockeghem (1425-1497):– Maestro de capilla del rey de Francia– Profesor de Busnois y Des Prez– Estilo bastante conservador, compone sobre todo
misas y motetes– Como Busnois amplia el registro grave
• Tercera generación– Características:
• Domina la textura de contrapunto imitativo• Odhecaton es una de las principales antologías de música vocal de
este periodo• Relación con la polifonía italiana
– Autores:• Jacob Obrecht
– Compositor en las cortes de Amberes, Brujas y Ferrara• Josquin Des Prez (1450-1521)
– Principal compositor de comienzos del s. XVI– Admirado por Lutero, trabajó para los Sforza en Milán, para la capilla papal
y para la corte de Ferrara– Recursos usados en sus misas
» Parodia» Soggeto cavato
» Paráfrasis» Cantus firmus
La chanson francesa en el XVI
• Auge de la chanson a mediados de siglo por influencia del renacimiento italiano y del crecimiento de la clase burguesa.
• Sus temas son el amor y las cosas cotidianas• Características estilísticas:
– Armonía sencilla y estilo homofónico– Melodía silábica, muy rítmica y binaria– Música programática y descriptiva– Melodía en la voz superior– Versos de diez sílabas
• Principales compositores:– Sermisy– Janequin– Verdelot
La polifonía religiosa
POLIFONÍA RELIGIOSA• LA MÚSICA EN LA REFORMA
– Lutero incide en la importancia de la música en la educación
– Era un gran admirador de la polifonía franco-flamenca de Jusquin des Prez
– Instauró la “misa alemana” que facilitaba la participación del pueblo
– El principal canto religioso de la iglesia reformada es el coral
• Está basado en una melodía gregoriana• Primero monódico y luego a varias voces• El texto se divide en versos que acaban en calderones o
reposos• Su forma habitual es AAB• Su estilo es sencillo y silábico
• LA MÚSICA EN LA CONTRARREFORMA– Problemas de la música religiosa:
• Creciente espíritu profano (uso de melodías populares)• La polifonía compleja no permite la comprensión del texto• Uso de instrumentos en la iglesia• Relajo de los cantores
– Nuevas normas introducidas por el Concilio de Trento (1545-1563)
• Homofonía →textos largos / contrapunto→textos cortos• Se prohiben los cantus firmus profanos• Uso del órgano como único instrumento
– Representantes:• Giovanni Pierluigi da Palestrina:
– Estilo silábico y respeto por la acentuación de las palabras– Melodía cantabile y fluida– Ámbito que no excede la 9ª– Polifonía a cuatro voces– Timbre a capella
• Tomás Luis de Victoria• Cristobal de Morales
El Renacimiento italiano
Polifonía profana italiana
• EL MADRIGAL ITALIANO DEL XVI– El madrigal había surgido en el s. XIV pero su forma y
estilo se modificarán– En el XVI el madrigal es un poema bucólico o
amoroso con una sola estrofa de varios versos (10 a 16) endecasílabos y heptasílabos de rima libre
– Alternan la textura homofónica y contrapuntística– Es muy importante la expresión del texto– Su textura suele ser a 4 o 5 voces– La evolución del madrigal del XVI marcará el paso al
estilo Barroco
• ETAPAS DEL MADRIGAL– El madrigal temprano (1530-1550)
• Usan textos de calidad con pausas al final de cada verso• Su armonía es sencilla y su textura homofónica• La voz superior es la principal, la que lleva la melodía• Algunos representantes: Verdelot, Arcadelt y Willaert
– El madrigal clásico (1550-1580)• Tiene efectos más dramáticos y madrigalísticos• Los textos suelen ser de Petrarca, más extensos y con mayor
número de voces (hasta 8) de la misma importancia• Entre los principales autores: Cipriano de Rore y Orlando di Lasso (
Matona mia cara)– El madrigal tardío (1580-1620)
• Preludian el estilo barroco, con una expresividad exagerada y algunos son dialogados
• Representantes:– Carlo Gesualdo (1560-1613), se preocupa principalmente de la
experimentación armónica– Claudio Monteverdi (1567-1643), principal compositor italiano de
madrigales, (8 libros, en el 5º ya usa el bajo continuo), que enlazan el Renacimiento con el Barroco. Usa la armonía con libertad y su música refleja fielmente el texto (Cruda Amarilli)
EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
LA ÉPOCA DE LOS REYES CATÓLICOS
• La “capilla” real se nutre de músicos españoles y extranjeros, influenciados por el contrapunto franco-flamenco y las formas populares italianas
• Cancionero de Palacio: reúne casi 400 obras– Melodía en la voz superior– Armonía sencilla– Tratan sobre el amor cortés o temas populares– Melodía silábica y cantábile en todas las voces– Forma principal: el Villancico
• Existen 4 cancioneros con música de este periodo• Los polifonistas más destacados son Juan del Enzina y
Francisco de Peñalosa
LA MÚSICA BAJO EL REINADO DE CARLOS I Y FELIPE II
• Alcanza su plenitud el Renacimiento musical español (1516-1598)
• Música vocal– Cristóbal de Morales– Tomás Luis de Victoria
• Música instrumental– Escuela organística: Antonio de Cabezón
• Influencia de Flandes y Londres• Compone diferencias y tientos
– Escuela vihuelística: Luis de Milán, Luis de Narváez y Diego Pisador
• Componen fantasías, diferencias y canciones influidos por los laudistas italianos
LA MÚSICA INSTRUMENTAL RENACENTISTA
• Papel de los instrumentos en el Renacimiento:– Duplicar las voces– Sustituir la voz en algún fragmento– Acompañar improvisando– Interpretar danzas
• Danzas: por grupos: – pavana-gallarda– Pasamezzo- saltarello
• Improvisaciones:– Toccata– Fantasía
• Piezas basadas en modelos vocales:– Ricercare (motete)– Canzona (chanson)
• Variaciones– En España tientos o diferencias
INSTRUMENTOS RENACENTISTAS
chirimias cornetas flautas
sacabuches cromornos flautas bajón
laúd tiorba
Violas de gamba vihuela
clavicordio espineta virginal
Clavicembalo/clave/clavecín órgano
LA DANZA EN EL RENACIMIENTO
CARACTERÍSTICAS DE LA DANZA RENACENTISTA
• Se inicia la enseñanza y la teoría da la danza en el norte de Italia
• Se diferencia entre danza popular y danza cortesana
• La danza cortesana tendrá sus movimientos reglados y pierde el carácter pantomímico
• Curt Sachs:– Danzas corales– Danzas de pareja
• Grupos de danzas: rápidas y lentas, de pasos y de saltos
Tratados de danzaSiglo XV
• Doménico da Piacenza. De arte saltandi et choreas ducendi. – Clasifica los elementos de la danza: compás, manera o temperamento,
memoria, división del terreno y “aire” (calidad del salto) – Tipo de pasos:
• Naturales: simple, doble, repetición, posición noble, reverencia, vuelta, salto.• Accidentales: entrechant, paso corrido, cambio de pie.
• Giugielmo Ebreo da Pésaro. Práctica o arte de la danza. – Habla de los principios fundamentales de la danza:
concordancia entre movimiento y música; memoria de pasos y encadenamientos; consciencia del espacio; agilidad; expresión
– describe 31 danzas. – Usa por primera vez el término “balleto”
Siglo XVI
• Caroso di Sarmoneta: – Varios tratados– Incluye danzas españolas– No utiliza aún notación coreográfica
• Cesare Negri: La gratia d’amore– Incluye nociones pedagógicas– Los pasos descritos tienen una dificultad técnica
superior• Thoinot Arbeau: Orchesographie
– Incluye pasos y posturas que aún se mantienen en la actualidad en las escuelas de ballet
– Apartado dedicado a la geometría de las danzas
Tipos de danzas
Nombre Compás Tempo Estilo origen
Basse-danse Cuaternario Lento
Deslizada, pasos cortos y alzamientos sobre media punta
La más popular entre 1400 y 1550
saltarello ¾ RápidoSaltada sobre las puntas
italia
Pavana 2/4 o 4/4 lentoDanza baja, deslizada. Apertura
Italiano o español
Gallarda 3/4 rápidaTurdiónGallardaVolta
Italia (romanesca)
alemanda ternaria lentaBailada al principio por hombres
alemania
Nombre Compás Tempo estilo origen
Corrente o courant
ternaria lenta Italia
Branle binario ligeraSencilla
convariantes localesFrancia
Gavota 2/4 rápida
Baile en círculo con pequeños saltosTenía 3 partes, la última: musette
FranciaCampesinos del
GapDeriva del branle
Zarabanda Ternario LentaProhibida por
obscenaEspaña
Canario ligera
Baile por parejas, precedente de la
jotaDos filas
España
Chacona y pasacalle
Ternario alegreSuele estar
compuesta sobre un bajo ostinato
España
• Transición al Barroco• Escritura a 5 voces• Temática bucólico-
amorosa: Il pastor fido de Guarini
• Alternan textura homofónica y contrapuntística
• Versos heptasílabos y endecasílabos de rima libre
• Uso libre de la disonancia para plasmar el significado del texto (madrigalismos)
Cruda Amarilli, che col nome ancora, d’amar, ahi lasso! amaramente insegni;
Amarilli, del candido ligustro più candida e più bella,
ma de l’aspido sordo e più sorda e più fera e più fugace;
poi che col dir t’offendo, i’ mi morrò tacendo.
Cruel Amarilli, que con tu propio nombre,
me has enseñado, ¡ay de mí!, a amar amargamente; Amarilli, más pálida y más bella
que el blanco jazmín, pero más sorda y más fiera y más fugaz
que el sordo áspid; puesto que al hablar te ofendo,
moriré en silencio.
Flandes en la época de Felipe II
