fichas artistas

¿Querés conocer más sobrelos artistas y las obras de

nuestro Premio?

Florencia Almirón 5

Daniel Basso 6

Viviana Blanco 7

Erica Bohm 8

Marcos Calvari 9

Laura Códega 10

Alfio Demestre 12

Juan Der Hairabedian 13

Bruno Dubner 14

Leopoldo Estol 15

Faivovich & Goldberg 16

Mariana Ferrari 17

Estanislao Florido 18

Dolores Furtado 19

Marcelo Galindo 20

Max Gómez Canle 21

Silvia Gurfein 22

Miguel Harte 24

Guillermo Iuso 25

Celina Jure 26

Cynthia Kampelmacher 27

Irina Kirchuk 29

Federico Lanzi 30

Inés Marcó 31

Hernán Marina 32

Celeste Martínez 33

Nicolás Mastracchio 34

Julia Masvernat 35

Pablo Julián Méndez 36

Jorge Miño 37

Agustina Núñez 38

Sol Pipkin 39

Rosa Chancho 40

Marisa Rubio 41

Juanita Sánchez 42

Alejandro Somaschini 44

Virginia Spinelli 45

Lena Szankay 46

Alejandra Tavolini 47

Guido A. L. Triboulard 48

Nicolás Vasen 49

Tamara Villoslada 50

Verónica Virasoro 51

Índice

ARTISTAS SELECCIONADOS


5

Florencia Almirón (Buenos Aires)Otras realidadesBuenos Aires, 20111’ 52’’ loopVideo 1 canal SD, color y sonido

Acerca del artistaActualmente vive y trabaja entre Buenos Aires y Berlín. Realizó la Licenciatura en Artes Visuales con Orientación en Escultura en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). Se desempeñó como docente adjunta, en la misma Institución, en la Cátedra de Edgardo Madanes, Proyectual de Escultura, entre los años 2005 y 2007. Recibió la Beca DAAD 2008/09 para realizar un perfeccionamiento en la Universidad de Arte de Berlín UDK, junto a la Beca MM-SEN 2008 para la producción artística. Durante su residen-cia en Berlín asistió al artista Ming Wong (1971 Singapur) y al dúo artístico Libia Castro (1969 Madrid) - Ólafur Ólafsson (1973 Reykjavik), con quienes produce el pabellón islandés en la recién inaugurada Bienal de Venecia 2011. En 2011 participó de “Nada Es Personal” en el CIA (Centro de In-vestigaciones Artísticas), dictado por Tomás Espina y José Luis Landet. Fue seleccionada para el Premio Fundación Andreani 11 - 12 y para la exhibición anual internacional de artistas emergentes de la Galería Luis Adelantado, en Valencia. Actualmente trabaja en su proyecto como artista residente en Estambul.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Un desfile con los más exóticos trajes y deformacio-nes, formas irreconocibles e indescifrables, mode-los utópicos de ropa, tiempo y espacio totalmente al servicio de la sorpresa y la expansión sensorial. Ese sería tan sólo el comienzo de mi proyecto ideal. No lo realicé aún porque está en proceso.

2) ¿Que querías ser cuando eras chica?

Cantante de rock

Página web: www.floralmiron.blogspot.com

Acerca de la obra“Otras realidades” documenta una cadena de acciones que construyen y deconstruyen constantemente una escultura /forma, de la cual el espectador sólo recibe indicios de su existencia. Decidí documentar una lista interminable de verbos / acciones, manipulando mi propio universo de ma-teriales y cosas.

Durante 1 minuto 50 segundos y exhibido en loop (sin prin-cipio y ni final) el video reflexiona acerca de la materiali-dad, la combinación de diferentes materiales, el tiempo y el accionar como motor del cambio. Precisamente, se trata del momento de transición entre causa y efecto, en estado infinito.


6

Daniel Basso (Mar del Plata)Sin título, muebleMar del Plata, 201158 x 210 x 35 cm.Mixta

Acerca del artistaEn 2002 obtuvo la beca de “Análisis y producción de obra” en la ciudad de Tandil con los artistas Pablo Siquier y Luis Wells. Al año siguiente participó del proyecto TRAMA con la artista belga Annes-mie Van Kerckoven y Pablo Siquier. En 2006 realizó su primera muestra individual en Mar del Plata y fue becado por Fundación Telefónica para su pro-grama Intercampos II, con la coordinación de los críticos Justo Pastor Mellado, Valeria González, el teórico Lucas Fragasso y los artistas Arthur Lescher y Leandro Erlich. En 2007 intervino las fachadas del Museo de Arquitectura de

Página web: www.mundo-dios.blogspot.com

Buenos Aires. En 2008 obtuvo la “Beca nacional a la crea-ción” del Fondo Nacional de las Artes y realizó su segunda muestra individual en la galería Appetite de Bs As. En 2009 funda junto a Juan José Souto y el espacio “Mundo Dios” en Mar del Plata, fue convocado por Rafael Cippolini para la muestra ‘Argentrash’ en el Fondo Nacional de las Artes y fue seleccionado en la 2da edición del Premio Fundación Andreani. En 2010 realizó una clínica con Ernesto Balleste-ros, participó de la semana del arte contemporáneo en Mar del Plata y fue jurado del mismo en su edición 2011.


7

Viviana Blanco (Bariloche)VértigoBuenos Aires, 2011Díptico, 107 x 77 cm. c/uCarbonilla sobre papel

Acerca de la obraEl dibujo funciona en mi obra como un elemento unificador, integrando ideas y experiencias. Lo que me rodea o me in-quieta encuentra en el dibujo su primera materialización. En el encuentro de las ideas con la práctica y el material, surge el dibujo como acto espontáneo y caprichoso de la imagina-ción. “Vértigo” surge de la noción de cambio y mutación. En este caso, la representación del instante rápido y fugaz del pasaje de un estado o de un mundo a otro. Desde la mate-rialización propone el juego de un simple círculo negro que otorga el valor de un espacio infinito a una superficie plana. En resumen, “Vértigo” alude a ser consciente del cambio y protagonista del mismo.

Breve entrevista1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? La obra que están viendo es la resultante de un pro-ceso interno y externo. De factores que van desde lo más íntimo de mis pensamientos y que intenta lograr en ellos un eco, una resonancia; a eventos que no depen-den de mi sino del propio trabajo, de su autonomía y su capacidad de trasmitir cosas que ni siquiera imaginé. Si logra llevarlo a una asociación particular o personal, me siento agradecida.

2) ¿Qué obra de otro artista colgarías en tu casa? Tengo mucha obra de amigos y colegas en mi casa. Creo que el intercambio, de obras entre artistas es una señal de agradecimiento y de reconocimiento. Admiro a mucho de mis pares y maestros. Tener la suerte de colgar sus obras trasciende las palabras. Ellos son Pablo Siquier, Tulio de Sa

gastizábal, Dina Roisman, Isabel Peña, Leticia Obeid, Da-niel Roldan, Leila Tschopp, Laura Spivak Magdalena Jitrik, Fernado Lamarque, Diego Perrotta, Marcela Sinclair, Diego Haboba, entre otros.

3) ¿Qué otras cosas te gustan hacer que no tengan que ver con el arte? La vida y el arte están internamente relacionadas. Su separación excluiría a los que observan, a los que lo disfrutan, a los que trabajan desde diferentes lugares de la cultura. Cocinar es un arte y me encanta, patinar es una arte y me encanta.

4) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Quería ser un Hada.

Página web: viviblanco.blogspot.com

Acerca del artistaNació en Bariloche. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.Es licenciada en Artes Visuales del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). Realizó análisis de obra con Tu-lio de Sagastizábal y expuesto recientemente de forma in-dividual y colectiva en Buenos Aires, Méjico, El Salvador, Francia y Nueva York. En 2009 participó en el programa de Residencias Artísticas para Creadores de Iberoamérica y Haití en México y ha recibió la “Beca de creación” del Fon-do Nacional de las Artes.


8

Erica Bohm (Buenos Aires)De la serie Galáctica (Chapter IV / NASA - Cápsula II)Houston, EE.UU - Buenos Aires, Argentina, 2009 - 201072 x 100 cm.Fotografía digital color, copia lamb-da en papel metálico

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1976. En 2001 egresó de la Es-cuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón con orientación pintura. Cursó estudios de fotografía con Gabriel Valansi y dibujo con Pablo Siquier. En 2004 y 2005 recibió la “Beca Trama de encuentros regionales”. En 2008 recibió la “Beca de creación” del Fondo Nacional de las Artes y en 2009 par-ticipó del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Ese mismo año participó de la residencia Mapping Exchange: Artists Residency Programs, del Jack S. Blanton Museum of Art, Austin, Texas, Estados Unidos. En 2011 recibió una mención especial del jurado en el Premio Itaú Cultural. Realizó muestras individuales en San Pablo (Bra-sil) y Rosario (Argentina).

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Viajar al espacio, contemplar el silencio de la no-atmósfera y realizar experiencias que tengan que ver con la ausencia de gravedad.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Astronauta.

Acerca de la obraEl trabajo titulado “Galáctica” busca pensar nuevos modos de interactuar con la luz y el tiempo. Esta búsqueda de paisajes mentales y escenarios sci-fi está relacionada con la investigación de la luz emitida por distintos fenómenos astronómicos y el tiempo que tarda esa luz en llegar a no-sotros. Se busca construir una ficción a través de diferentes capítulos que giran en torno a la astronomía y a la ciencia, la literatura y el cine de ciencia ficción, la idea de viaje en el tiempo, como así también vincular el concepto de paralaje, anacronismo y de multiplicidad de tiempos.

La fotografía de esta serie que presento en esta oportu-nidad fue realizada dentro de las instalaciones de la Na-tional Aeronautics and Space Administration (NASA) en la base de Houston, Texas. Este trabajo fue realizado dentro del contexto y gracias a la Residencia Mapping Exchange Residency, Jack S. Blanton Museum of Art, Austin, Texas, U.S.A. y el Proyecto Nexar de Argentina.


9

Marcos Calvari (Mar del Plata)Compresión a noventa y nueveveces de lo irreversibleMar del Plata, 201057´Video

Acerca del artistaNació en 1980 en Bahía Blanca, donde comenzó sus estudios musicales. Luego, estudió arquitectura en Mar del Plata.Expuso en Argentina, Estados Unidos, España, Siria y próximamente realizará una muestra en San Pablo, Brasil. Recibió becas en clínicas de artes visuales junto a Rodrigo Alonso, Patricia Rizzo y Cristian Segura en Tandil, y participó en encuentros de diálogo con artistas a cargo de Fabián Burgos.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Le diría que la incomodidad de lo que ve es una forma de diálogo entre la obra y el espectador.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Lo que soy. Aunque me di cuenta de grande.

Página web: www.outsider.com/marcoscalvari

Acerca de la obraTodo lo que históricamente necesitaba de un proceso de asimilación minucioso y comprometido se alcanza hoy casi inmediatamente: el mundo está comprimido.

De esta manera, la serie “XL L M S” utiliza obras de una larga duración, de un degustamiento costoso o de una reflexión ardua, para “arruinarlas” acelerándolas (compri-miéndolas) hasta resignificarlas.

Comencé comprimiendo “32 sonatas para Piano de L.V. Beethoven” (de una duración original de aprox. 8 horas) a menos de un minuto; continué con la película “el Arca Rusa”, donde más de doscientos actores se ven apenas en segundos; pasé por “El hombre mediocre, de José Inge-nieros” llevándolo a una página, los aplausos superpuestos de siete mil millones de personas, y continué la fórmula en

base a listas, estadísticas o récords que me seducen hasta el punto donde me es inevitable su compresión.

En esta ocasión, es el título lo que me atrajo más que el resultado formal: compresión a noventa y nueve veces de la duración original de la película “Irreversible”, de Gas-par Noé.

Lo irreversible es una marca a fuego.

Desde la modernidad fue un tópico, una puja unívoca don-de una causa-efecto totalitaria y magnífica aplastaba cual-quier desconcierto. Sin embargo, es en nuestros tiempos donde este propósito heroico se ve tergiversado, haciendo de lo irreversible algo embalsamado, imposible y completa-mente descartable.


10

Laura Códega (Campana)Alrededor del TronoBuenos Aires, 2011Díptico, 76 x 106 cm. c/uJugo de limón sobre papel revela-do por exposición al calor del fuego y dripping de lavandina

Acerca de la obra Si tuviese que elegir un único material para trabajar toda mi vida elegiría el limón. El limón es transparente y muta con el calor. Es la revelación.

Cuando Jesucristo murió y luego resucitó, los racionalistas dijeron que su aparición era un artificio, una ilusión. Pero el limón, a través del calor resucita y se revela sin artificio. El limón es religioso por excelencia. Por su transparencia es puro y tiene propiedades que mejoran la salud. Limpia.La iglesia limpiaba a los fieles de sus pecados y el limón limpia el cuerpo de grasas y bacterias.

La lavandina también tiene características religiosas simi-lares. Me obsesiona la idea de limpieza y advierto conno-taciones totalitarias de la limpieza en exceso. La lavandina limpia en exceso. La lavandina al fuego se pone negra , no tiene tintes medios. La lavandina es agresiva.

El limón revelado recuerda a un proceso alquímico. La transfor-mación de la materia que obsesionó a los primeros científicos sigue siendo misteriosa. En “La rama dorada”, James George Frazer habla de la estrecha relación entre magia y ciencia.

Me seducen el limón y la lavandina porque son económicos. Me atraen desde la cocina y desde el almacén y cualquier persona los puede comprar y tener en su casa. Pienso mu-cho en el limón y en la religión. Trato de captar una idea oculta, algo detrás de ese amarillo profundo de la cascara. Quiero hacer un descubrimiento y percibo que una fuer-za se me opone intentando guardar el secreto. Intuyo un significado primordial en la frase bíblica “El verbo se hizo carne”. Qué misterio huidizo.

El limón revelado es una profecía. Paracelso era un alqui-mista. En sus profecías hallo muchas imágenes inspirado-

ras. En su época pregnaba la idea de que se acercaba el fin del mundo y él dibujó unas cuantas escenas que relatan sus visiones del futuro.

El medioevo es una cuestión. Las imágenes de perspectiva rebatida capturan todo mi interés.

El fuego es mediador, agente de la revelación. Agentes. Los cristianos en la hoguera.

¿ Y qué hay con la modernidad y la hoguera medieval? Bruno Latour en “Nunca fuimos modernos” entiende que al final nunca fuimos modernos. Suficiente de luces estrobos-cópicas. Busco la verdad. “La revelación es la revelación de la verdad”, así dice el “Manual de la Fe” que encontré, uno de primer grado.

La revelación es una prueba de la existencia de algo que ya existía aunque no se veía. Magia ciencia religión.

Las visiones de los místicos, lo sobrenatural, el limón cris-talizado. “Cuanto más se progresa en el estudio de los fe-nómenos materiales, tanto más misteriosos aparecen en su complejidad” , rezaba el mismo libro de la fe.

El dios del fuego Prometeo, Júpiter, tiene un rol fundamen-tal en todo. Es el sol mismo. Es la cultura , el desarrollo de la industria. Todo lo que se utiliza. Un soplete es igual a siglos de civilización.

El fuego es interior…la espiritualidad y la inmortalidad son como el plomo y el oro. ¿La lavandina es agresiva? Es apa-rentemente inocente pero puede intoxicar y dejar todo blanco.


11

Acerca del artistaNació en Campana en 1977. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Es Licenciada en Periodismo. Durante dos años fue becaria en el Centro de Investigaciones Artísticas (CIA). En 2006 recibió un subsidio a la creación artística otorgado por el Fondo de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. En 2007 obtuvo una beca en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). Participó del programa Tec-en-arte en Fundación Telefónica y realizó talleres y clínicas de obra junto con Diana Aisenberg, Tulio de Sagastizábal y Ernesto Ballesteros, entre otros. Fue seleccionada en los premios “Banco Central”, “Ernesto Catena de Fotografía Contemporánea” y “Fundación Williams de Arte Joven”. En 2008 obtuvo un subsidio del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias y el Primer Premio Holz de Pintura. Participó en muestras individuales y colectivas en Fundación Proa, Oficina Proyectista, Centro Cultural Recoleta, Periférica, Estudio Abierto y en las Galerías Mite y Holz entre otras. Es parte del Grupo Cooperativa Guatemalteca que realiza acciones artísticas dentro de la Villa 31.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Le diría que en mi obra exploro distintas formas, proce-sos y estéticas y he realizado por ejemplo instalaciones, pintura y fotografía. Realicé imágenes con limón, que re-velo exponiendo el papel al calor de una llama. También hice pinturas colocando aceite de automóvil sobre una tela que, al exponer a la intemperie, se cubre con po-lución ambiental y luego realizo imágenes sobre la tela mediante la técnica de esgrafiado que consiste en retirar parte de la polución. En la instalación “Allanamiento”, co-loqué semillas de hortalizas que fueron creciendo dentro de impresoras y teclados en desuso.

El factor común entre toda mi producción podría ser la búsqueda del momento de transformación de la ma-teria, la preponderancia de los híbridos en el mundo contemporáneo, la ciencia y sus leyes como la discipli-na que estandariza los procesos de cambio volviendo contingente lo incontingente. Me interesa trabajar con materiales orgánicos, económicos y que están al al-cance de cualquiera. Me interesan los materiales que forman parte de la vida cotidiana.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Siempre quise ser artista, también quería ser fotógrafa de Natio-

nal Geographic o corresponsal de guerra.

Página web: lauracodega.com


12

Alfio Demestre (Buenos Aires)Arquitectura virtualBuenos Aires, 2011VariablesInstalación

Acerca del artistaNació en 1976. Se formó en los talleres para las artes visuales del Cen-tro Cultural Rojas, Beca Kuitca y en el área de escultura en la escuela de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”. En 2008 asistió a Antonio Muntadas en la presentación de sus obras en el MAMBA. En 2010 realizó talleres de ilumina-ción para artistas, ganó los premios “Fundación Williams” e Itaú Cultural a las Artes Visuales Banco. Actualmente forma parte de la Legal Art Residency FL en Estados Unidos y del grupo OLIGATECA NUMERIC con el que realiza distintas exposiciones en el país y en el exterior.

Página web: alfiodemestre.com.ar

Acerca de la obraEsta es una instalación de luz. El espectador se pone un casco especialmente diseñado para observar estas luces y puede experimentar la instalación en un recorrido por otra dimensión espacial.

El casco tiene en su frente un polarizador de luz que trans-forma las luces en haces multicolores flotantes en el es-pacio.

Es un espacio creado a partir de la inmaterialidad.Cuando uno se coloca el casco se pierden las nociones espaciales reales y uno queda sumergido en un espacio sin piso ni techo, las referencias espaciales se pierden y el espectador solo tiene referencia de las luces, los reflejos y las distorsiones lumínicas.


13

Juan Der Hairabedian (Córdoba)Cosas de sobremesa ICórdoba, 2010-201185 x 150 x 95 cm.Instalación (envoltorios de bombón sobre mesa)

Acerca de la obraAlgunos sábados a lo largo de un año, durante ese es-pacio de tiempo comprendido entre el fin del almuerzo y la dispersión de la reunión, alenté a familiares a arriesgar formas con los envoltorios de bombón.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Yo ya he hecho todo lo posible, ahora le toca a usted.

2) ¿Qué artista admiras e invitarías a cenar a tu casa? Y ¿sobre qué te gustaría conversar? El artista que admiro ya falleció. Tuve la oportunidad de visitarlo en dos oportunidades en su casa de la calle Juncal del barrio Recoleta (Buenos Aires) en la época que recibía a pocas personas o casi ninguna. Entonces yo era muy joven y la comunicación la lograba no me-

diante palabras, ya que las palabras no eran mi fuerte por ese entonces, más bien se producía observando, escuchando y siendo permeable, viendo su mesa de trabajo. Para mí (valga la redundancia) fue humanizan-te ver la humanidad de quien yo admiraba por su obra y consideraba quizás el más grande de los artistas ar-gentinos en ese momento. Momento donde el mundo del arte, por cierto, no lo miraba a él.

3) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Creo que quería divertir a las personas

Acerca del artistaNació en Córdoba en 1971.Es Licenciado en Escultura de la Universidad Nacional de Córdoba. Desde 2000 es docente de dicha Universidad y desde 2005 co-dirige el taller de análisis, producción y pen-samiento en artes visuales ‘Lectura de Obra’ junto a Lucas Di Pascuale. En 2000 y 2001 participó de clínicas de obra con Tulio de Sagastizábal y Alejandro Puente. Sus proyec-tos abarcan los más diversos lenguajes y han sido expues-tos en Argentina y el exterior. Recibió una mención en el Premio Itaú Cultural Artes Visuales 2010/11 y en el Premio Fundación Andreani Artes Visuales 2009/10, entre otros.


14

Bruno Dubner (Buenos Aires)Sin títuloBuenos Aires, 2010123 x 103 cm.Fotografía sin cámara

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1978.Se formó en filosofía con Luis Jalfen. Estudió fotografía en la Escuela de Fotografía Creativa (EFC). Realizó talleres con Juan Travnik , el seminario “Solocolor” con Karina Pei-sajovich y el Programa de Tutorías del Centro Cultural Ri-cardo Rojas. Ha exhibido su trabajo de manera individual y colectiva, en las fotogalerías del Centro Cultural Ricardo Rojas y del Teatro San Martín, en VVVGallery, en la galería Foster Ca-tena y en el Centro Cultural Recoleta, entre otros.En 2005 recibió el Primer Premio Adquisición en el Salón Nacional de Artes Visuales, y en el año 2006 recibió una mención en el Premio Platt. En 2009 participó del Premio ArteBA Petrobras.

Breve entrevista

1) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Arqueólogo

Página web: www.brunodubner.com

Acerca de la obraLa obra es una fotografía obtenida sin la mediación de la cámara. Sostuve la película fotosensible con mi mano y la expuse en mi casa, durante la noche, a la luz proveniente del exterior.Revelé el negativo y lo amplié manualmente en el labora-torio.


15

Leopoldo Estol (Mar del Plata)

Díptico fantásticoMar del Plata, 2011Díptico, 52 x 66 / 54 x 41 x 19 cm.Óleo pastel, lápiz, tinta y acrílico

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1981.Estudió con diferentes artistas (Ballesteros, Kuitca, Siquier) y participó como profesor asistente en el Programa de Artistas de la Universidad Di Tella y como becario junto a Carlota Beltrame en el Centro de Investigaciones Artísticas. Realizó proyectos instalativos en Ruth Benzacar, la galería Alberto Sendrós y también en Belleza y Felicidad de Alma-gro. Realizó muestras en Salta, Tucumán y Córdoba y dio charlas de arte en Montevideo y Asunción del Paraguay.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Quiero hacer una bienal nómade en el norte del país. Invitando a artistas talentosos a viajar juntos en medios de locomoción económicos, el primero sería ir en tren a Tucumán. Recorrer pueblitos y urbes de Catamarca y el valle Calchaquí. Haciendo arte en plazas públicas y picnics por doquier. Hacer algún desembarco en algún museo pero más que nada, tomar desprevenidos espa-cios públicos y charlar con gente, mirar las estrellas.

2) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le di-rías para enriquecer su experiencia? Que dibuje siem-pre que tenga que elaborar algo que le cueste. Amplitud que va desde hacer un plano para poner un estante a ir olvidándose de un amor fallido.

3)¿Qué querías ser cuando eras chico?Ingeniero como mi abuelo

Acerca de la obraPergeñado, compuesto y dibujado en un arranque de inspi-ración el “Díptico fantástico” da precisamente en su nombre su clave interpretativa más importante: es pura fantasía. Es por ello que no elegí una sola pieza para esta convocatoria, sino dos, porque juntas logran emanar un clima tergiver-sado, de un aire raro e intenso. Considerar los ladrillos de la construcción celestes en el lugar en donde el burro ha detenido su paso. Su bufanda verde, su pelaje verde -cuasi bigote de Charly- que es arrastrado por el viento. Detrás, la montaña mágica donde su jinete ha ido a buscar nada menos que la piedra filosofal.

Un marciano con aires cariocas levanta la mirada, mueve sus tenazas de crustáceo pero aún más rápido sus pies. Mitad hombre, mitad ser imposible baila sobre las brasas. Otro ritual de iniciación que pone foco en el cuerpo como un todo que se transforma, que forma parte de un ser co-lectivo más grande que todas las individualidades.

Página web: www.boladenieve.org.ar/node/43


16

Faivovich & Goldberg (Buenos Aires/ París)

Meteorit „El Taco” con espectadorFrankfurt, 2010152 x 114 cm.Fotografía color

Acerca de la obraLuego de casi cuarenta y cinco años, las dos mitades de “El Taco”, Teil II (895,80 kg.) y Teil IV (677,85 kg.) fueron reuni-das por primera vez en Portikus, Frankfurt (Alemania) entre el 24 de septiembre y 14 de noviembre de 2010, para luego ser regresadas a sus locaciones originales.

Hace cuatro mil años, una lluvia de meteoritos cayó sobre una región del noreste argentino. Los habitantes originarios nombraron a la zona Pinguem Nonraltá, “Campo del cielo” en la lengua guaycurú. “El Taco”, de 1998 kg., es un frag-mento de un gran cuerpo metálico de unas 800 toneladas, más antiguo que la propia Tierra, procedente del Cinturón de Asteroides localizado entre Marte y Júpiter. Descubierto en 1962 por un granjero que araba la tierra, el meteorito fue colectado por una expedición científica binacional (Es-tados Unidos y Argentina), y luego presentado al Smithso-nian Institution. Dado que los científicos estadounidenses no disponían de la tecnología necesaria para seccionar especímenes de gran tamaño, el meteorito fue enviado al Instituto Max Planck de Química, en Mainz, Alemania. “El Taco” fue dividido en dos mitades mediante un complejo procedimiento de corte que insumió más de un año. Desde entonces, una parte se conserva en el Smithsonian Insti-tution de Washington D.C., y la otra en el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirían para enriquecer su experiencia? Que conozcan el contexto de la obra a través de la explicación ofrecida en la primera hoja.2) ¿Qué querían ser cuando eran chicos? Astronauta, economista, colectivero, tenista, médi-co forense, geógrafo.

Acerca del artistaGuillermo Faivovich nació en Buenos Aires en 1977 y Nico-lás Goldberg en París al año siguiente. Desarrollan desde 2006 el proyecto “Una Guía a Campo del Cielo”, una investigación sobre el impacto cultural de los meteoritos de Campo del Cielo a través del estudio, re-construcción y reinterpretación de su historia visual y escri-ta, identificando las problemáticas históricas y contemporá-neas. En 2007 concibieron la estampilla 3D que reproduce al meteorito El Chaco de 37 toneladas, segundo meteorito más grande encontrado en la tierra, que fue emitida por Co-rreo Argentino. En 2010, Faivovich & Goldberg realizan la exhibición Meteorit “El Taco”, en Portikus, Frankfurt, donde logran reunir entre el 24 de septiembre y el 14 de noviem-bre, las dos masas principales de “El Taco” luego de haber sido separadas por casi 45 años. En 2011, los artistas son invitados al MIT a participar de la serie de conferencias “Collision 2: When Artistic and Scientific Reserach Meet” del programa “Art, Culture and Technology” en Cambridge, Massachusetts, y actualmente se encuentran trabajando en un etapa avanzada del proyecto, la cual será presen-tada en DOCUMENTA (13) en Kassel, Alemania, en junio de 2012.


17

Mariana Ferrari (San Miguel de Tucumán)

NegroBuenos Aires, 2010129 x 145 cm.Acrílico sobre papel

Acerca del artistaNació en Tucumán en 1975. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.Estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Tu-cumán. En el año 2000 realizó una Clínica de obra con Jor-ge Gumier Maier y Claudia Fontes y en 2009 asistió a las clínicas de Ernesto Ballesteros. Durante 2005 y 2006 asis-tió al taller de escultura de Miguel Harte y Marcela Cabutti. En 2004 recibió una mención especial del jurado en el Pre-mio Petrobras. En 2008 obtuvo la Beca Nacional para Artes Visuales otorgada por el Fondo Nacional de las Artes. En 2010 realizó diferentes muestras individuales en galerías de Tucumán y Buenos Aires.

Breve entrevista

1) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Siempre quise ser artista o algo que tuviera que ver con desafiar algunas costumbres y modos de posi-cionarnos frente a lo dado.

http://www.flickr.com/photos/55060509@N02/

Acerca de la obraMe interesan las superposiciones, el cruce de iconografía que proviene de fuentes muy distintas tanto de la historia de los géneros artísticos como de la gráfica publicitaria, o cualquier otra usada caprichosamente, más allá del estilo o los formatos.

Considero estos trabajos como una especie de registro im-puro, atravesado por múltiples influencias, un terreno de montaje mental donde podría cruzar estéticas como el pop y el rococó, la pintura popular y doméstica ,un tráfico icono-gráfico que desvía toda misión y en su deriva reemplaza el lugar de lo valioso.

El tacto y el color son los vehículos preferidos de mi traba-jo, como también la materialidad más inmediata, los sopor-tes crudos, las técnicas directas.


18

Estanislao Florido (Buenos Aires)

“El Guardián”2011153 x 194 cm.Instalación de video (animación digital), pintura (Óleo sobre papel entelado) y fotografía digital

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1977. Es Profesor Nacional de Pintura y brinda talleres de pin-tura, animación digital y clínica de obra. En 2006 recibió una mención de honor del Jurado del Premio MAMBA Fun-dación Telefónica. En 2009 recibió el segundo premio en el LXIII Salón Nacional de Rosario y en 2007 el premio al mejor artista de video otorgado por la Asociación Argentina de Cine de Animación. En 2010 recibió la “Beca a la Crea-ción” del Fondo Nacional de las Artes. Realizó muestras individuales en Fundación Klemm, 713 Arte Contemporá-neo, Galería SIcart, Kiosco Galería, Casona de los Olivera y Alianza Francesa de Buenos Aires.

Breve entrevista

1) ¿Cual sería tu proyecto ideal? Trabajar con la colección de un gran museo y reali-zar con sus cuadros una gran instalación de videos y pintura. 2) ¿Que querías ser cuando eras chico? Arqueólogo.

Acerca de la obraEl guardián consiste en una instalación de video, pinturas y fotografías digitales que tiene a la historia del arte como protagonista. La obra se sitúa entre los intersticios de la historia y produce un desvío en la línea del tiempo que nos da la posibilidad de transitar nuevas realidades y ficciones.

La obra nos presenta como hipotéticos testigos de este co-loso (formado a partir de los desechos del Monumento a la Tercera Internacional de Tatlin y fragmentos del Gran Vidrio de Duchamp), en el cual fotos, bocetos, dibujos y pinturas tratan de dar cuenta de las intenciones de este personaje. La obra funciona simultáneamente como campo de experi-mentación de sentidos y le da al espectador la posibilidad de editar su propia versión de la historia.

La pieza en video está construida por medio de animación digital y utiliza obras de artistas como Roberto Aizemberg, De Chirico, Tatlin, Niemeyer, Xul Solar y Duchamp como plataforma e hipotéticas locaciones en donde se desarrolla este relato. Un recorrido que se sitúa en un espacio fronte-rizo entre los lenguajes, con un anclaje en los géneros de la pintura, la arquitectura y el video.

Las pinturas (realizadas al óleo sobre papel entelado) y fotografías (imágenes de creación digital) funcionan como stills pictóricos y fotográficos que acompañan la película y aportan escenas que nunca existieron en la pieza en video, brindando más datos o pistas para desentrañar el misterio.


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Dolores Furtado (Buenos Aires)

VolcánBuenos Aires, 2010 - 201194 x 70 x 60 cm.Resina, fibra de vidrio y cemento

Acerca del artistaNació en 1977 en Buenos Aires.Estudió Diseño de Indumentaria en la ORT y participó en diversos talleres de dibujo y pintura. Desde 2007 se volcó de lleno a la escultura: asistió al taller de Hernán Rojo y al de Miguel Harte durante casi tres años. Ese mismo año fue seleccionada para participar del Programa para Artis-tas de la Universidad Torcuato Di Tella. Su primera muestra individual fue en el 2009 en la galería miaumiau y luego en La Casona de los Olivera. En 2011 fue seleccionada en el Premio Estímulo Bonifacio del Carril de la Academia Nacional de Bellas Artes.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Que intente perderse en experimentar el momento sin sacar ninguna conclusión, como cuando escu-cha música.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Bailarina, peluquera y cajera.

Página web: www.doloresfurtado.blogspot.com

Acerca de la obraLa obra se llama “Volcán”. Es difícil explicarla porque inten-ta no tener palabras, sino por el contrario, aludir al instinto y a lo sensorial. Pienso esta obra como la imagen de la explosión.

La irrupción de la frutilla como erupción volcánica , el na-cimiento, brote.

Veo una ambigüedad de forma, que remite tanto a la idea de energía sexual en tanto fuerza vital como a la de órgano.

Habita un mundo de fantasía, creado desde una ingenui-dad aparente. Pero algo latente acecha, se intuye: lo subte-rráneo, lo oculto, tras lo cual sobreviene la erupción.


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Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1973. Se formó en las clínicas a cargo de Ernesto Ballesteros y de Pablo Siquier. Entre sus muestras más destacadas se pueden mencionar “mmmmini retrospectiva” en la Galería Nora Fisch y “1/2 naked” Filmtage Frankfurt, en Frankfurt en 2010. En 2008 fue parte de “Morir por el video” (Marcelo Galindo, Eugenia Calvo) en Caixa Fórum de Barcelona y en 2009 participó de “Borderless Generation: Contempo-rary Art in Latin America” a cargo de la curadora Shinhee Park, Korea Foundation Cultural Center en Seúl. En 2008 participó con la obra “Cotton man”, Frieze Art Fair en Lon-dres y ganó el premio “Rosa Chancho a las artes visuales” de ArteBA en 2007.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Me encantaría hacer filmaciones con algunos de mis actores preferidos Elijah Wood, Penélope Cruz, Javier Bardem, Jim Carey, Gena Rowlands y mezclarlos en escena con mis mejores amigos.

2) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Creo que lo más interesante sería observar cómo se

relacionan algunos elementos de mi obra que en prin-cipio nada tienen que ver el uno con el otro pero que al estar juntos crean un sentido. Por otra parte haría hincapié en dos puntos: los gestos espontáneos y la economía de recursos.

3) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Quería ser el dueño de un zoológico

Página web: www.mmmmgalindo.com

Marcelo Galindo (Buenos Aires)

“Polinización y nuevos desastres del amor”Buenos Aires, 20111’ 47” loopVideo Monocanal

Acerca de la obra“Polinización y nuevos desastres del amor” es un loop de video compuesto por cinco películas cortas que combina performances para la cámara y animaciones. Pone en jue-go el contenido de cada uno de los fragmentos, sus disimi-litudes y resonancias dentro de la totalidad.


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Max Gómez Canle (Buenos Aires)

M. G. C. x R. A. x B.Buenos Aires, 201080 x 60 cm.Óleo sobre tela

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1972. A mediados de los años 90 se especializó en pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes ‘Prilidiano Pueyrredón’. Recientemente ha sido pre-miado en el concurso “50ª Aniversario del Fondo Nacional de las Artes” y en el “Salón Nacional de Rosario”. Recibió el segundo premio en el certamen “10 años de Bola de Nieve” votado por artistas y el premio “Ignacio Pirovano” al artista joven en 2007 otorgado por la AACA/AAICA. En 2009 fue seleccionado para exhibir su obra “Ventana” cubriendo la fachada del Edificio Del Plata sobre la avenida 9 de Julio en Buenos Aires. Expuso de forma individual en galerías de Buenos Aires, Rosario y San Pablo.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Mi proyecto ideal sería pensar y realizar una mues-tra como si fuese una catedral. Me encargaría del volumen arquitectónico, el mobiliario, las obras, pin-turas, esculturas, videos y piezas sonoras.

2) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expues-ta ¿qué le dirías para enriquecer su experien-cia? Que piense en qué relato se le ocurre que puede contener la imagen que ve.

3)¿Qué querías ser cuando eras chico? Arqueólogo.

Página web: www.maxgomezcanle.com

Acerca de la obraLa torre de Babel en construcción que pintó Brueguel exis-te y ha sido completada en este cuadro de Roberto Aizem-berg que pinté yo, Max Gómez Canle.

En esta cadena de amores y apropiaciones yo como último eslabón me permito quinientos años después continuar las líneas en fuga de las torres de Babel pintadas por B. gra-cias a los recursos tomados de R. A. por mi, M. G. C.


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Silvia Gurfein (Buenos Aires)El libro de las excepciones (microscopía)Buenos Aires, 2011Políptico, 280 x 250 cm., 23 piezasÓleo sobre tela y lápiz sobre papel

Acerca de la obraReunidas bajo la lente del microscopio se hacen visibles aquí, no los objetos, sino las relaciones de este conjunto de obras. Se revelan las paradojas de actuar sobre fuen-tes apartadas, alejadas entre sí, tensadas al borde de lo incongruente.

En “El libro de las excepciones” me aparto de mis habitua-les reglas de trabajo y me permito ciertos desplazamientos de sus leyes: desde la incorporación de un componentes narrativo hasta la inclusión de dibujos claramente figura-tivos, pasando por la inspiración en fuentes alejadas de la esfera del arte.

Recorro, elijo y reedito lo excepcional en la historia del arte, aquello que se aparta de la condición general de su especie, pinturas del grupo de Bloomsbury, curiosidades manieristas, el salvaje Vlaminck, la intimidad familiar de Hockney, grabados del siglo XVI y la iconografía popular sobre ciertos pájaros.

Habilito una zona de laboratorio donde experimento con el cuerpo de los pigmentos acumulados sobre la tela: la casi escultórica reunión de los trabajos desechados, los ensa-yos con despojos de empastes multicolor y los huesos de las paletas que descargo sobre lienzos. Son menos gestos que restos de la propia pintura; colisiones que guardan el ADN conceptual y la estratigrafía material de mis obras.

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1959.Artista multidisciplinaria, estudió filosofía y artes escénicas y es autodidacta en pintura. Antes de dedicarse a la plástica realizó innumerables trabajos en el campo del teatro, el vi-deo y la música. Entre 1999 y 2000 participó de las clínicas de Tulio de Sagastizábal. Desde 2004 da clases en su taller. Fue docente de Arte Digital en el Posgrado de la F.A.D.U/UBA. En 2005 obtuvo una mención especial del jurado en el Concurso de Pintura Fundación Deloitte y en 2010 reci-bió el Premio Itinerancia Andreani con PintorAs. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales y expuso individualmente en diferentes espacios de Buenos Aires y San Pablo.


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Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? El cruce entre el mirar contemporáneo y la práctica his-tórica de la pintura es un eje reconocible de mi trabajo. Al pintar me sitúo en la intersección de dos tiempos, el de mi mente digital y el tiempo ancestral del óleo. Allí se produce mi obra.

Pienso la historia del arte como un palimpsesto, una escritura sobre otra, una imagen sobre otra y, en un mundo dónde hay una gran saturación de imágenes, juego con la paradoja de no poder ver, no por ausencia sino por acumulación y superposición.

La conversión y la transformación son mecanismos que exploro en todos mis trabajos.

Convencida de que el cuerpo del óleo contiene resu-mida toda la información de la historia de la pintura, busco adentrarme en la materia investigando todos sus estados. Aún cuando no me aparto del oficio tradicional

de la pintura, mi concepción del arte está permeada por la manipulación tecnológica de la imagen, trabajo como una máquina que procesa las imágenes sin curvas. No sólo abstraigo los campos del color del cuadro sino su estructura, que “comprimo” alineando la información cromática.

Actualmente examino lo pequeño buscando el ADN de mi pintura, de tal forma que extraído de una totalidad pueda ser incluido en otra manteniendo su identidad. Hago visibles los objetos de estudio que por su peque-ñez, están fuera del rango de resolución del ojo normal. Trabajo con los restos, los vestigios, la parte que queda del todo. Sigo los rastros deteniendo mi mirada en lo microscópico, en aquello que parece haber quedado fuera de la vista, en aquello que no ha sido tratado, que ha sido desechado pero que arrastró el sentido del cuerpo de obra inconscientemente.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? En distintos momentos de la infancia quise ser cocine-ra, astrónoma, azafata y sabia.

Página web: www.silviagurfein.com


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Acerca del artistaNació en la Ciudad de Buenos Aires en 1961.Se formó con artistas como Pablo Suárez, Alberto Heredia, Emilio Renart, Víctor Grippo, y Roberto Jacoby. Vivió casi ocho años en Rio de Janeiro. Expuso allí y en Buenos Aires desde comienzos de los ochenta. En 1988 regresó a Argentina definitivamente. En 1989 realizó en la galería del Rojas junto a Suárez y a Pombo la inicial de cuatro muestras juntos. Su primera muestra individual en la galería Ruth Benzacar fue en 1998 y la última en 2008. En 2003 expuso una selección de 15 años de trabajo en el Museo Nacional de Bellas Artes. Obtuvo entre otros, el premio Klemm 2008, Konex 2002, el Premio Fortabat de Escultura, el Premio Leonardo al Artista del Año en 1999, el Premio Barón de Ramefort al artista joven más promisorio de 1990, un subsidio de la Fundación Antorchas y una beca del FNA en 1996. En los últimos años expuso individualmente en la galería Fernando Pradilla de Madrid y en la Casa Rivadavia, en Cádiz, España.

Miguel Harte (Buenos Aires)

Perdido en el más alláBuenos Aires, 2006 - 2011128 x 90 cm. Hierro, resina poliéster con fibra de vidrio, pintura bicapa, esmalte sintético, vidrio, luz eléctrica

Breve entrevista

1) ¿Qué obra de otro artista colgarías en tu casa? Benito Laren y Pablo Suarez

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico?

Colectivero, cura, futbolista y astronauta.

Página web: www.miguelharte.com.ar

Acerca de la obraEn 2002, con un proyecto para una escultura similar a ésta, que se llamaba “El Monstruo de la Reserva” o algo por el estilo y que tenía la misma forma pero de cinco metros de altura, fui premiado en un concurso promovido por ArteBA y la Fundación Puerto Madero. La obra fue emplazada en el paseo escultórico de ese barrio, frente a la Reserva Ecológica.

Ese espacio natural de la Costanera Sur, recargado de historias, que nació entre las ruinas de los años negros y a la vez es capaz de evocar el dolor del pasado y también ofrecer vivencias alucinantes o al menos placenteras; lu-gar de recovecos secretos, refugio canuto, de escapes; la-boratorio de la basura, del trash natural; lugar de perdidos y encontrados, planeta animal de bichos refugiados. En

ese mítico lugar, que frecuenté al comienzo de los años noventa, fue que me inspiré. Entonces me gustaba imagi-narlo como un lugar donde alguna combinación acciden-tal generase una forma de vida propia, híbrida, extraña y mutante. Algo del plástico industrial, con partes de cuer-pos, de animal y de planta.

Por falta de respuesta financiera la obra nunca se realizó en ningún espacio público y para evocarla tuve necesidad de realizar esta condensada criatura. Este hijo, tal vez el hermano menor, el más pequeño del Gran Monstruo de la Reserva, aparece finalmente en la ciudad, con su forma de agujero entronizado, comunicán-dose a través de su luz interior, tentador como un fruto, peligroso como una flor.


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Guillermo Iuso (Buenos Aires)PodioBuenos Aires, 201160 x 160 x 18 cm.Silicona, pintura relieve, esmalte sintético, gel médium, lápiz, plás-tico y madera

Acerca de la obraEn mi obra, la tensión entre texto y plástica lleva al públi-co a lugares muy amplios desde la identificación hasta el rechazo.

Breve entrevista

1) ¿Qué querías ser cuando eras chico? El 9 de BOCA.

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1963. Expuso en Buenos Aires, Londres, Madrid y Los Ángeles.Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y del Museo de Arte Contempo-ráneo de Rosario. Vive y trabaja en Buenos Aires.


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Acerca del artistaNació en Jujuy en 1963. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “ Prilidiano Pueyrredón”, en la Ecole des Beaux Arts en Nîmes, Francia y en la Kunstakademie Düs-seldorf con Gotthard Graubner en Alemania.Expuso individualmente Argentina, Alemania y Suiza. Desde 1997 vive entre Buenos Aires, Jujuy y Düsseldorf.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Le diría que mire, que mire mucho y además, que lea los textos. Quizá le contaría de dónde sale esa expre-sión. Le contaría que mi trabajo sale de la necesidad, que trabajo con el cuerpo, que busco un momento es-pecífico para expresarme. Son expresiones únicas e

irrepetibles. Busco una posibilidad de expresar formas y órdenes que se forman por sí mismos. En esos ac-tos, con gran concentración, aparecen manifestaciones impregnadas por la experiencia, el conocimiento, las vivencias, etc.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Empaquetadora

Celina Jure (San Salvador de Jujuy)Sin títuloBuenos Aires, 2011198 cm ØAcrílico sobre tela

Acerca de la obraLOS COLORES QUE SON“Estas pinturas representan completamente lo contrario de abstracción; de hecho ellas no representan, ellas no abstraen: las secuencias de color transportan pura emo-ción – pero nada más. El proceso de pintura permanece transparente para el espectador, dando así una dimensión humana a la forma estricta. Los colores SON, no más no menos. Ellos no son la manifestación de alguna otra cosa, ellos no son un signo, ellos no significan nada, ellos no es-conden nada ni expresan algo ( un sentido profundo etc.). Los colores son la cosa en sí misma, ellos son únicos; lo que ellos son, no puede ser expresado o manifestado de otra forma. Ellos son una FORMA DE VIDA. Ellos existen en sí mismos. Ellos son activos no pasivos.”

Christian Ebert


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Cynthia Kampelmacher (Buenos Aires)Nunca se sabe / You Never KNowBuenos Aires, 2011190 x 110 x 110 cm. Instalación formada por un placard desarma-do y apilado recostándose sobre una pared y fotografía sobre pared

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1968. Cursó la carrera de Socio-logía de la Universidad de Buenos Aires y luego la ENBA “Prilidiano Pueyrredón”, donde actualmente es docente.Realizó numerosas muestras individuales y colectivas en galerías, museos e instituciones de Washington, Córdoba, Bahía Blanca, Rosario, Panamá y Montevideo. En 2010 ob-tuvo becas y subsidios para la producción y residencias para artistas del Fondo Nacional de las Artes y en 2008 la Línea Creadores del Fondo Metropolitano GCBA. Recibió en 2009 entre otras distinciones el premio de la Bienal Na-cional de Arte Contemporáneo, MAC de Bahía Blanca. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas en Argentina y otros países.

Acerca de la obraA través de las huellas (vestigios y registros) de un objeto cotidiano, se explora la desmaterialización, el juego y las pérdidas en las traducciones de un lenguaje a otro, la posi-bilidad o no de lo visible y el deseo a través de la obstina-ción o lo ilusorio de encontrar una respuesta que siempre retorna en una ficción a pérdida, pretexto para explorar el campo visual y de la representación.

Un placard que ha perdido su función (ya no se puede utili-zar para guardar, proteger, etc.) es desmantelado. Las pie-zas estructurales aparecen apiladas sobre paredes negras que absorben la luz del entorno, “negadas” por la película negra en un intento por borrar sus huellas. En el fondo del ángulo interior, se detecta el cerrojo con la llave y fetiches místicos. Al costado de la pieza, una fotografía fantasma documenta el espacio que ocupa el mueble a través del lleno de luz. Un plano blanco sobre neutro da idea de tri-dimensionalidad en la imagen plana y un cuerpo oscuro sobre planos oscuros desdibuja su volumen. El título alude a la incertidumbre y la palabra know contie-ne al mismo tiempo saber y ahora como una imposibilidad conformada x una traducción torpe de un idioma a otro: “nunca saber ahora”.


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Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia?Trabajo con distintos materiales o imágenes, que pro-vienen del entorno cotidiano y realizo instalaciones, ob-jetos y obras gráficas con ellos o bien tomo un espacio dado y con los objetos y materiales hallados modifico la percepción del mismo interviniendo el espacio espe-cífico. Durante los últimos años he realizado una vasta cantidad de obras gráficas en torno al dibujo y la foto-grafía, las primeras de estas imágenes tenían relación con una residencia que hice en una isla en Panamá y por lo tanto eran mi entorno cotidiano: la selva tropical. Fui tomando a la fotografía como un resto que me lleva hacia adentro o hacia fuera de la imagen. Buscando en los intersticios, en los espacios intermedios, exca-vando, velando, interviniéndolos con diferentes mate-riales hasta que retornaban en dibujos y encontrarme otra vez con una sombra del vacío o su reiteración, su ocultamiento o expansión que me trae nuevamente a la superficie de la imagen. Del plano bidimensional pasar al tridimensional o viceversa como en el caso del pla-card de esta instalación de la muestra. Una mirada en negativo que utiliza al papel como filtro negando cierta información y dejando pasar cierta sombra. El papel

tanto como la madera provenientes del árbol. Es como si le dijese a la foto: yo jamás te podré atrapar. Enton-ces, tomo un resto, del dibujo, de la forma intangible al espacio tangible, siempre retorna una imposibilidad, una ficción a pérdida. Es un pretexto para explorar el campo visual y de la representación. Detrás de todas estas producciones el factor común se encuentra en la desmaterialización ya sea de las imágenes o de los ob-jetos, esa imposibilidad de capturarlos en su totalidad y al mismo tiempo una obstinación que me lleva a in-tentar atrapar ese algo, esa posible imagen del mundo, una y otra vez.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Quería ser una de esas mujeres que cosen, tejen, bor-dan perfectamente, como las de los fascículos de “Mis Labores” pero nunca tuve la paciencia para seguir ese perfeccionismo, esa prolijidad necesaria, en el senti-do de producir algo práctico, algo utilitario. En fin, tejo, coso pero no puedo seguir un patrón prefijado o unas instrucciones al pie de la letra. En mi producción ar-tística sí hay un patrón metafórico, unos motores que hacen que la selección de mis temas, materiales, imá-genes y procedimientos giren siempre en torno a un mismo núcleo, a una misma problemática.

Página web:

cynthiakampelmacher.blogspot.com


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Irina Kirchuk (Buenos Aires)Salto en largoBuenos Aires, 201194 x 232 x 51 cm.Ensamble, madera, pies de silla de metal y plástico

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1983. Realizó la licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA) con orientación Escultura. Fue seleccionada por el CIA (Centro de Investigaciones Artísticas) como parte del grupo de becarios 2011 y fue invitada a participar a la 11º Bienal de Lyon, ha nacido una belleza terrible en Francia. Participó del Programa de Artistas de la Universidad Di Te-lla en 2009 y asistió durante dos años a la Clínica de obra con Fabián Burgos. Desde comienzo de 2008 hasta hoy asiste al artista Jorge Macchi. Realizó muestras individuales en Buenos Aires, Rosario, Salta y Santiago de Chile.En 2009 fue seleccionada en el XIII Premio Fundación Fe-derico Klemm en el Premio Fundación Andreani. Formó parte del grupo de coordinadores del Pabellón Norteameri-cano en la 52º Bienal de Venecia y fue miembro del equipo de educadores de la Fundación Arte Viva, dentro del Pro-grama de Pensamiento Visual del MOMA.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Le diría que piense que las formas , los objetos que lo rodea y sus combinaciones son igualmente deli-rantes que el arte en sí, es decir, a veces no se nece-sita del arte para llegar a momentos de incertidum-bre y magia. También le diría que la configuración del universo propio se enriquece muchísimo con la imaginación y el invento de carácter inmediato.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Escultora.

Página web: www.irinakirchuk.tumblr.com

Acerca de la obraLa obra intenta plantear una operación extremadamente simple entre tres elementos. Dos soportes de sillas con ruedas y una especie de letra “M” de madera , donde el ensamble entre ellos es simplemente por apoyo, sin usar otros materiales aglutinantes o de unión. De este manera el resultado es un planteo escultórico elemental , donde se puede observar una situación similar a la de un esquema de salto en largo ( donde la curva hace un rebote en el medio, y así es un esquema en forma de M). Sin embargo este esquema se ríe de sí mismo al tener ruedas en sus dos extremos, y así se transforma en un esquema móvil, una especie de personaje/esquema.Por otro lado, la obra está realizada a partir de objetos en-contrados y utilizados sin modificación, salvo por la pintura con esmalte sintético. La elección de los colores tiene que ver con el mismo razonamiento simplista que el ensamble, es decir, el objetivo fue elegir una combinación con carác-ter de “ obviedad” , por eso el azul y el rojo. A su vez, los es-quemas gráficos en general se representan con color rojo para visualizarlos mejor, por eso su utilización.


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Federico Lanzi (La Plata)Sin tituloBuenos Aires, 2011245 x 245 cm.Acrílico, tinta, crayón al óleo y fibras

Detalle 1 Detalle 2

Acerca del artistaNació en La Plata y vivió en Paraná.Estudió artes visuales y música. En 2005 participó de las clínicas de obra para jóvenes artistas del Centro Cultural Ricardo Rojas y durante 2010 fue becario de CIA (Centro de Investigaciones Artísticas). Actualmente asiste al Pro-grama de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Ob-tuvo becas para formación de la Fundación Antorchas en 2002 y 2004. En 2006 asistió al taller de Marina de Caro. Desde ese mismo año asistió a las clínicas de obra que dic-tó Diana Aisenberg y durante 2009 asistió a clínicas a car-go de Ernesto Ballesteros. Participó en muestras conjuntas en Argentina y en el exterior y expuso individualmente en Buenos Aires y Paraná.


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Inés Marcó (Concordia)Mancha de lápizBuenos Aires, 2010 -2011154 x 223 cm.Grafito sobre papel

Acerca del artistaNació en Concordia, Entre Ríos en 1984. Es Licenciada en Artes Visuales por el Instituto Universi-tario Nacional de Arte (IUNA). Participó en los seminarios de arte de Ernesto Ballesteros, Juan Doffo, Gabriel Baggio, Pablo Siquier y Luis F. Noé entre 2006 y 2011. Participó en diversas exhibiciones colectivas desde 2008 hasta la actualidad. En 2011 realizó su primer exhibición individual en el Centro Cultural Recoleta.

Breve entrevista

1) ¿Cual sería tu proyecto ideal? El proyecto que me interesaría realizar se llama “Los cie-los y los mares”. Me gustaría pintar cielos y mares de formatos gigantescos e intentar realizar una pintura con clima pero hecha en témpera. La dificultad de la utiliza-ción de la témpera reside en el rápido secado y la casi imposibilidad de generar pasajes de luces y sombras. Eso hace que donde se espera un pasaje haya que ge-nerar un sinnúmero de planos y pequeños detalles para “simular” la transición. Este conjunto de pinturas atmos-féricas estaría acompañado por una marea hecha en madera. El principal obstáculo para realizar este proyecto es el tiempo que me lleva hacer cada obra, mi manera de trabajar es extremadamente minuciosa y trabajar en grandes formatos agudiza el problema. La otra dificultad es la falta de recursos para poder producir la obra y un espacio adecuado para realizarla (pienso en la totalidad

de las obras como una sola obra, los cielos, los mares y la marea no podrían disociarse).

2) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta, ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? En relación a mi cuerpo de obra diría que el planteo que la atraviesa es que lo que parece no es lo que es. De una u otra forma este planteo se cuela de distintas formas en mi producción, me interesa marcar la distancia de la repre-sentación. También le diría que se detenga a mirar en detalle, la manufactura de la obra es clave.

3) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Increíblemente conservo un escrito de cuando tenía 7 años en el que digo que quiero pintar y dibujar cuando sea grande.

Acerca de la obraLa obra busca señalar la distancia entre un acto espon-táneo como una mancha y el tiempo lento y detenido del sombreado de la obra. Asimismo, el título encierra una con-traposición, el lápiz no genera manchas sino que define contornos. En esta obra me interesó retardar el tiempo de la mancha, en principio fugaz y huidizo, y generar un nue-vo tipo de mancha, con una temporalidad mediada por el pensamiento y el trabajo minucioso del sombreado capa sobre capa.


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Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1967. Es artista visual y soció-logo. Durante los últimos años, su obra fue presentada en San Pablo, Rotterdam, Castilla y León, Madrid y Atenas. Expuso individualmente en Rotterdam, Bogotá, San José de Costa Rica, Buenos Aires, y Barcelona.Fue distinguido con las becas de Pollock-Krasner, del Fon-do Nacional de las Artes y de la Fundación Antorchas. Fue galardonado con el Premio Konex, el premio Leonardo y el Primer Premio en el Concurso de Arte Digital Experimental del Premio Fundación Telefónica- Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? He realizado todos los proyectos que consideré que debían ser hechos, incluso los más ambiciosos. En al-gún momento me gustaría integrar lo performático con la intervención espacial y el sonido.

2) ¿Qué artista admiras e invitarías a cenar a tu casa? ¿Sobre qué te gustaría conversar? A Elmgreen & Dragset, para conversar sobre The Co-llectors y otras de sus obras; a Liam Gillick para hablar

de política y representación; a Doug Aitken para hablar sobre sus visiones del tiempo y la narrativa no lineal; a Steve McQueen para hablar sobre cómo hacer cine y arte audiovisual al mismo tiempo y de forma tan preci-sa; a Marina Abramovic para hablar de su concepto de performance como partitura, y a varios otros.

3) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Dibujante, pintor y actor.

Hernán Marina(Buenos Aires)

“El camino brillante parece sombrío”Buenos Aires, 2011150 x 185 cm.Tinta china sobre papel de fibra de algodón de 300 gramos

Acerca de la obraLa obra forma parte de un conjunto de piezas que muestra dibujos y situaciones de sufrimiento extremo que son aso-ciadas a textos tomados de tradiciones espirituales orien-tales (taoísmo y budismo, principalmente). Las situaciones de poder y hasta de sometimiento entre los personajes de los dibujos son metáfora de relaciones de poder en el mun-do real, más allá de que en muchos casos los dibujos remi-tan a prácticas concretas. La connotación filosófica taoísta, en el sentido de que cada elemento encierra a su contrario, agrega otro elemento paradojal a la comprensión a la pie-za. Asimismo, la factura del dibujo en tinta con pincel, de trazo libre y a la vez contenido, remite a ciertos lenguajes de la caligrafía oriental.


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Acerca del artistaNació en 1973 en Villa María y actualmente reside en la ciudad de Córdoba.Es Licenciada en Pintura de la Universidad Nacional de Córdoba. Actualmente es profesora de “Historia del Arte Moderno y Contemporáneo”, de la Tecnicatura en Artes Vi-suales, de la Escuela Provincial de Bellas Artes Emiliano Gómez Clara, de Villa María.Realizó exposiciones colectivas e individuales desde 1998 en Madrid, Buenos Aires y Córdoba.En 2009 ganó la beca del Centro Cultural Ricardo Rojas para realizar el Laboratorio de Investigación en prácticas artísticas contemporáneas. Sus obras forman parte de di-ferentes colecciones públicas y privadas.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? La información que me interesa destacar para el es-pectador de la exposición, es que esta obra exhibida no se concibe como una pieza única y cerrada , sino que está enmarcada dentro de un proyecto general, que consta de una producción seriada de objetos, y que tienen por objetivo su funcionalidad cotidiana. Además,

a través de los diversos diseños incorporan imágenes provenientes del ámbito de las ciencias médicas. Estos objetos se inscriben bajo la marca maladie (marca en su doble acepción: identificación / estigmatización)

La series producidas hasta ahora son: vajillas, joyas, zapatos, vestimentas, mobiliario.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Artista

Celeste Martínez (Villa Maria)Maladie, juego de téCórdoba, 201170 x 186 x 33 cm.Porcelana impresa con imágenes de estudios dermatoscópicas, caja de vidrio con sistema de iluminación

Página web: www.maladie.com.ar

Acerca de la obraEsta obra presentada forma parte de un proyecto deno-minado maladie, en el cual trabajo desde hace varios años. Este proyecto tiene por objetivo abordar el concep-to del cuerpo y la enfermedad como metáfora social. Se desarrolló a partir de la apropiación y re-significación de imágenes producidas con finalidad de diagnóstico clínico. Específicamente en esta obra utilicé fotografías derma-toscópicas de enfermedades de la piel, que son utilizadas para el diseño y fabricación de estos objetos relacionados con el uso cotidiano.


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Nicolás Mastracchio (Buenos Aires)

Futuro PredecibleBuenos Aires, 201178 x 103 cm.Fotografía toma directa, c-print

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1983.Estudio en el Instituto Universitario Nacional de Artes y en la Escuela de diseño y comunicación. Realizó clínicas de obra con Ernesto Ballesteros y Leopoldo Estol. En 2009 formó parte del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella y en 2010 recibió la Beca Kuitca de la misma universidad. Realizó exposiciones individuales en diferentes galerías de Buenos Aires y participó de exposiciones colectivas en Misiones, Buenos Aires, Valencia, Nueva York y Frankfurt.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Podría serle de muchísima utilidad el texto de la obra. Si es que no quiere interpretar cualquier cosa.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico?

Quería ser un actor de películas de acción. Llevaba una cámara en mis ojos que filmaban absolutamente todas las escenas. Aparte de este rubro también era deportis-ta profesional, músico (cantante y guitarrista), inversio-nista en emprendimientos inmobiliarios y discográficos y por último presidente.

Acerca de la obra“Desde el siglo XV la perspectiva lineal creó la ilusión de una vista cuasi-natural del “exterior”, como si la imagen plana fuese una ventana abriéndose hacia el mundo “real”. La perspectiva lineal ignora la curvatura de la tierra, decla-rando como regla la visión de un espectador inmóvil con un solo ojo, así asumiendo ser natural, científica y objetiva.” (1)

“Sin embargo la perspectiva lineal está basada en abstrac-ciones y no corresponde a ninguna percepción subjetiva. En cambio calcula matemática, llana, infinita y continuamente un espacio homogéneo, declarando ser la realidad. Este es-pacio definido por la perspectiva lineal es calculable, nave-gable, y predicable. Nos permite calcular los riesgos a futuro. Como consecuencia, la perspectiva lineal no solo transforma el espacio, además introduce la noción de tiempo lineal, per-mitiendo predicciones matemáticas, y con esta, progresos lineales. Generando un futuro calculable.” (2)

Para realizar esta pieza construí una escena bajo las re-glas de la perspectiva lineal: que se visualice en un ángulo inmóvil y con un solo ojo. Creando una ilusión cuasi natural del mundo.Una de mis primeras intenciones en este trabajo es insi-nuar que la imagen que vemos es una ficción completa-mente plana dentro de la realidad.Por otro lado intenté acercarme a la idea de que la pers-pectiva lineal introduce la noción tiempo lineal. Permitiendo generar predicciones de riesgos a futuros.

Remarqué esta noción con el elemento simbólico que se sostiene en la escena. El espectador puede garantizar que tarde o temprano la manzana se va a descomponer y que luego se va a caer. El motivo no sólo remite las vanitas, también funciona como una alegoría bíblica.

Notas: 1-Erwin Panofsky “La Perspectiva como Forma Simbólica”. 2-Hito Steyerl “In Free Fall: A Thought Experiment of Vertical Perspective”


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Julia Masvernat (Buenos Aires) SuperficiesBuenos Aires, 2011Díptico, 73 x 103 cm. c/uSerigrafía sobre papel

Acerca del artistaEs artista plástica, diseñadora multimedia y docente en ambas áreas. Desde hace varios años trabaja en diferentes medios, técnicas y entornos. Explora el ámbito pictórico en diversas materialidades: objetos, pinturas, collages y rea-liza juegos interactivos sonoro-visuales digitales. Estudió Diseño gráfico en UBA y pintura con Tulio de Sagastizábal. En 2006, su proyecto Luciérnaga sonora (cd-rom interac-tivo) ganó el primer premio Mamba-Limbø-F. Telefónica en multimedia experimental. Participó como artista en la beca de perfeccionamiento Rojas-UBA-Kuitca de 2003 a 2005. Ha realizado diversas exposiciones individuales y grupa-les. Actualmente forma parte del Laboratorio Audiovisual Comunitario (Colectivo de realizadores, artistas y comuni-cadores que desarrolla talleres de producción audiovisual comunitaria). Es docente de dibujo y experimentación grá-fica en el proyecto artístico y social Yo no fui, organización social que trabaja con mujeres privadas de libertad y libe-radas acompañándolas en su proceso de inclusión social.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? No tengo un proyecto ideal. Sin embargo, hay varias ideas que me gustaría llevar adelante. Me gustaría pin-tar un gran mural en algún edificio público. Me gustaría hacer una película de animación. Me gustaría cons-truir una mediateca ambulante. Me gustaría hacer un videojuego sonoro para jugar en la web. Son todas ideas que llevan tiempo, trabajo y recursos, que de a poco se pueden ir concretando.

2) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia?Que conozcan la obra gráfica de Andy Warhol y la de Félix René Mederos Pazos, dos artistas que usaron la serigrafía en los años 60. De maneras muy diferentes, uno en Estados Unidos, otro en Cuba.

3) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Pintora

Página web: http://terrazared.com.ar/taller_julia

Acerca de la obraEs una obra gráfica donde la imagen es el resultado de la acumulación de pequeños fragmentos de color impresos unos sobre otros, generando una imagen por la sumatoria de capas. La serigrafía es una técnica de estampado que me interesa porque oscila entre lo artesanal y lo industrial, lo calculado y el azar, lo premeditado y el caos, el arte y la artesanía.


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Pablo Julián Méndez (Buenos Aires)

Sin título VI de la serie esoBuenos Aires, 201055 x 82 cmFotografía digital. Impresión sobre papel de algodón

Acerca del artistaNació en 1988. En 2006, cursó la carrera de Fotógrafo Profesional en la A.F.P.R.A. Luego decidió realizar un ta-ller de especialización fotográfica con Verónica Mauhourat, quien lo orienta para formarse en Arte y Filosofía con Lucas Soares en el Centro Cultural Ricardo Rojas. Cursó el ta-ller de curaduría en fotografía con José Antonio Navarrete. Realizó un taller de producción fotográfica contemporánea con Fernando y Gerardo Montiel Klint. Se recibió como fo-tógrafo profesional y técnico superior en imagen fotográfica de la Escuela Argentina de Fotografía. Realizó su primera exposición en 2007 en la Casa de la Cultura de la ciudad de Buenos aires, elegido por Ana María Battistozi. Actualmen-te cursa la carrera de Artes en la Universidad de Buenos Aires.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia?Hay que dejar que las imágenes hablen por sí mis-mas. Nadie necesita conocer mi producción para saber ver que todo, es lo que pasa cuando no pasa nada. Y se tiene que encontrar a sí mismo en ella. Espero causar cierto placer del tipo estético acu-ñado al precepto: no entiendo nada y no hay nada que entender…

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico? De infante -a los cinco años- médico. Después pasé a querer ser biólogo marino (hasta los 15 años). Me interesó luego la psicología, la dirección de fotogra-

fía en cine y -ya en la adolescencia- la filosofía.

Página web: www.mendezpablo.com.ar

Acerca de la obra “... en este sentido, lo que mostraría el Cuadrado negro de Malevitch es que un cuadro es, realmente, de verdad, una pantalla que, lejos de abrir al mundo, realmente, de verdad, lo oculta, y al mismo tiempo que sobre esta pantalla se pinta algo, que allí se <<da a ver>>, realmente, de verdad: pintura opaca.” Gérard Wajcman. “El objeto del siglo”.

Supremacía de la nada. Límite de la representación. Fo-tografía opaca. Quise trabajar la superficie fotográfica de igual manera que Maletvitch lo hizo con la superficie de la pintura. Quería crear obras pantalla. Quería ver en quién estaba el límite de la representación…


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Jorge Miño (Corrientes)

Esa misma noche el cuerpo desapareceBuenos Aires, 2011184 x 137 cm.Fotografía

Acerca del artista Nació en Corrientes en 1973.Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Rogelio Yrurtia y en la Escuela Superior de Bellas Artes Carlos Mo-rel. realizó diferentes talles de pintura y fotografía y realizó clínicas de arte y espacio urbano.Participó del Programa Intercampos de Fundación Telefóni-ca. En 2006 ganó el segundo premio de Fotografía y Cien-cia del Centro Cultural Recoleta. Al año siguiente obtuvo el primer premio del Salón Nacional de Rosario y en 2010 obtuvo una mención del jurado del mismo certamen y el tercer premio del Banco Itaú. Realizó diferentes muestras individuales en galerías de Buenos Aires y Chile.

Página web: www.jorgeminio.com

Acerca de la obraEn este trabajo me interesa emprender una exploración sobre la resistencia y versatilidad. Mi procedimiento for-mal es la fotografía y luego la postproducción digital, mul-tiplicidad de soportes técnicos hacen permeables esta imagen a la vista.

Mi estrategia es proponer la reformulación de lo real que provoca, dinamiza y empuja al espectador sobre aspectos alternativos y el reconocimiento de la obra como un terri-torio formal y pictórico. La tensión entre lo figurativo y lo in-forme traslada elusivamente la configuración de la escena hace el interior de una nueva imagen.


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Agustina Núñez (Buenos Aires)

Sin tituloBuenos Aires, 201160 x 60 cm.Serigrafía sobre bronce, copia 3/9

Acerca de la obraA través del dibujo intento alcanzar una suerte de collage entre lo real y lo irreal, buscando lo absurdo como metáfora. Transgrediendo los límites convencionales, los dibujos ape-lan a la memoria colectiva con imágenes de un grotesco realismo, de amenazante naturaleza, pero de factura siem-pre elegante dejando participar de lo ambiguo e inestable de la obra. Continuas referencias a la mente animista del niño nutren mi trabajo, y tomo como característica principal poder representar aquello que permanecía oculto.

Acerca del artistaNació en Buenos Aires en 1980.Es Licenciada en Artes Visuales del Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA). Estudió con el artista Sergio Bazán y teoría y crítica de arte contemporáneo con el Dr. Hugo Petruschansky. Participó del LIPAC- Lab. de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas- Coordinado por Alicia Herrero en el Centro Cultural Ricardo Rojas. Expuso en va-rias muestras individuales y colectivas, tanto en Argentina como en el exterior. Expuso individualmente en Buenos Aires, Madrid, Texas y Rosario y participó de diversas exposiciones colectivas. En 2010 obtuvo la beca en creación otorgada por el FNA. Desde 2005 realiza intervenciones de dibujos murales en diversos espacios públicos y privados, varios de los mis-mos realizados para el Estudio de Arquitectura “Arthur Casas” en San Pablo. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Mi proyecto ideal sería realizar una intervención urba-na, en algún lugar estratégico de la Ciudad de Buenos Aires, no efímero, sino realizado con materiales nobles.No lo he podido realizar por varios motivos. En primer lugar, me es difícil acceder a quien corresponda para presentar mi idea, conseguir la aprobación del proyecto y por sobre todo, contar con el financiamiento necesa-rio para poder llevarlo a cabo correctamente.

2) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? El eje de mi trabajo gira siempre entorno al dibujo como

técnica elegida, en todas sus diferentes manifestacio-nes, ya sea representado en un papel, en un mural, en una serigrafía. Mi interés está puesto en el dibujo como el lenguaje más directo para manifestar una idea. Me dediqué al ABC del oficio y encontré allí un desafío mucho mayor contando sólo con la franqueza de la línea. Tengo particular interés en la línea como presencia sólida y en el dibujo como la forma más primaria de comunicación.El ojo del que mira puede dejarse atrapar en la hipnosis seductora de las formas o intentar develar lo representado.

Página web:

http://www.galeriablancasoto.com/

http://www.norafisch.com/

http://www.boladenieve.org.ar/node/5862


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Acerca del artistaNació en Lago Puelo, Chubut en 1983. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires. Tomó clases de pintura, participó en el taller de pintura de Alejandro Husni, realizó el seminario de color con Karina Peisajovich en 2009 y participó de clínicas de análisis de obra con Ernesto Ballesteros y Carlos Huffmann. En 2010 formó parte del Programa de Artistas de la Universidad Tor-cuato Di Tella, con seminario de análisis de obra anual a cargo de Pablo Siquier.En 2010 realizó una muestra individual en galería Bonjour y participó de diferentes muestras colectivas.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Mi forma de trabajar es ir haciendo lo que el tra-bajo me pide. Desconfío de los proyectos ideales, aunque muchas veces sirven como combustible para ir hacia un lugar nuevo, que casi nunca es el idealizado.

2) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expues-ta ¿qué le dirías para enriquecer su experien-cia? Que piense en el espacio, en el peso… y que confíe en su intuición.

3) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Ecologista.

Página web: www.flickr.com/solpipkin

Sol Pipkin (Lago Puelo)

Sin títuloBuenos Aires, 2011103 x 147 cm.Acrílico sobre papel

Acerca de la obraTrabajé en este dibujo con acrílico sobre un papel muy del-gado y liviano que parece adaptarse a la pintura, más que la pintura al soporte. Hice un fondo en gradiente con pincel suave y lento. Y luego dibujé, siguiendo la sensibilidad de los materiales, pero con gestos más rápidos y decididos.


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Rosa Chancho (Buenos Aires)Este es el hilo que nos sostieneBuenos Aires, 2011163 x 114 cm.Fotografía estenopeica

Acerca del artista Rosa Chancho es un proyecto artístico creado por Julieta García Vázquez, Javier Villa, Mumi, Tomás Lerner y Osías Yanov. Desde el 2006 se constituyó como una Galería de Arte en la que se invitaba a artistas a intervenir el espacio. Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas, las más destacadas fueron “Bola de Lodo” en el CCEBA durante el 2007 y en 2008 Sin Título Stage Diving en Límite Sud entre otras. Dicho grupo desde el año 2008 indaga en las formas primitivas de la representación. En el 2010 recibe la Beca Kuitca de la Universidad Torcuato Di Tella.

Página web: http://www.rosachancho.net/

Acerca de la obraDesde 2008 indagamos las formas primitivas en la repre-sentación, como torcer la cabeza hacia atrás. Esta búsque-da se enmarca y se sostiene en el devenir de las obras que fuimos construyendo. Una performance que se transforma en ritual: el público sostiene con sus manos hacia arriba al público (S/T – Stage Diving). Una sesión de masajes que se transforma en escultura: los artistas con sus manos hacia abajo recorren los cuerpos de los invitados y luego manipulan arcilla hasta construir una caverna (Masajes – Caverna). Una caverna que se convierte en escenario para transmitir un recital por Internet y es pintada a cuatro ma-nos utilizando pigmentos blancos y negros para luego ser fotografiada por una cámara stenopeica.

“Este es el hilo que nos sostiene” es el último registro del suceder de un proceso. Una imagen que por su técnica ofrece una visualización parcial, que encierra layers de ex-ploración; que busca datos hipotéticos entre el contrapunto temporal de las formas primitivas y lo contemporáneo.


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Marisa Rubio (Buenos Aires)

“Los unos y los otros”Televisión de aire, Buenos Aires, 2011160 x 116 x 42 cm.20’ 20’’Video instalación

Breve entrevista

1) ¿Qué artista admirás e invitarías a cenar a tu casa? ¿Sobre qué te gustaría conversar? Admiro a los artistas que dejan que su obra sea atravesada por sus pasiones.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Astronauta y bailarina.

Acerca del artistaNació en 1976 en Buenos Aires.Estudió piano entre 1990 y 1995 en Ushuaia. Cursó los primeros años en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y la Licenciatura en Composición en el Conservatorio de Música C.L.Buchardo. A partir de 2004 asistió a los talleres y clínicas dictados por Miguel Harte, Ernesto Ballesteros y Mónica Girón.En 2004 adquirió un subsidio a la creación artística de la Fundación Antorchas y en 2008 recibió el segundo premio ArteBA - Petrobras para las Artes Visuales por el proyecto Quehué. Durante 2009 y 2010 fue becada para estudiar en el Centro de Investigaciones Artísticas.Participó de diferentes muestras en Buenos Aires. Pueden verse algunos textos publicados en:http://marisarubio-textos.blogspot.com

Página web: www.marisarubio.blogspot.com

Acerca de la obraNaranja Milano Questa es un proyecto con el que me pro-pongo trabajar sobre los márgenes de la interpretación me-diante la representación de un personaje que va llevando a cabo su carrera a la vez que desarrolla su propia teoría sobre actuación. La utiliza en la práctica para desenvolver-se como actriz dentro del medio e interactuar con el circuito del cine, la televisión, etc., obteniendo como resultado un conjunto de películas, cortos, videoclips, programas televi-sivos y publicidades en las que participa.

Aparte de incluir las reflexiones sobre sus incursiones den-tro del circuito de las artes escénicas, el contenido de la

“Teoría del quehacer actoral cotidiano para intérpretes” (próxima a publicarse) es el resultado de sus exploracio-nes y análisis sobre los límites de la actuación fuera del escenario, donde crea y desarrolla personajes (Helena Lín-delen, Clara Smart, Martina Sot, entre otros) con los que opera cotidianamente en el mundo real.

Mi propuesta para esta convocatoria fue presentar la gra-bación de una de las participaciones de Naranja Milano Questa en televisión (América TV, canal de aire), acompa-ñando esta presentación de un texto con la descripción del proyecto.


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Juanita Sánchez (Colombia)

“Querido Diario”Buenos Aires, 201110 x 7,5 cm. c/uDibujo sobre Post-its

Acerca de la obraHace poco (estudiando la obra de Louise Bourgeois, de quien se realizó una muestra en Buenos Aires en re-lación con el psicoanálisis) me di cuenta que mi que-hacer no es tan lejano del quehacer de otros artistas: la obra de arte puede nacer de una mirada introspec-tiva, entre otras cosas, como un proceso de catarsis.

Desde siempre mi obra ha hablado sobre la manera en que, en nuestra cultura contemporánea, ciertos ideales de belleza, éxito y estilo son impuestos por los medios masi-vos y la manera en que las personas los incorporamos en nuestras vidas cotidianas. A mí personalmente me conflic-tua el hecho de desear objetos (tangibles e intangibles) que sé innecesarios o superfluos, y que aunque conscien-temente identifico como imposiciones mediáticas, no pue-do evitar desear.

Pensando en mis hábitos de consumo aparece “Querido Diario”. En papelitos post-it, los mismos que se usan para pegar frente a la compu o en la heladera anotaciones de aquello que no debemos olvidar, dibujé cuidadosamen-te todos los productos consumidos durante un día de mi vida. La obra es un proceso, pero a diferencia de las obras conceptuales donde lo más importante es la acción en sí misma, para mí el resultado material es muy significativo. El procedimiento fue anotar meticulosamente las marcas de los productos que consumí el 11 de Abril del 2011 (solo los que tenían la marca visible; una lechuga o una silla por ejemplo no fueron incluidos) y después las fui di-bujando. La idea es continuar con este sistema de registro durante un año (o más) todos los días once de cada mes.

A pesar de venir de una circunstancia propia, considero que esta obra puede generar vínculos personales con el espectador, pues compartimos el momento histórico y cul-tural y muchos de los referentes iconográficos.

El carácter reflexivo de la obra de arte contemporáneaLa imagen, al igual que el texto, también se puede leer. Independientemente de tener o no una intensión crítica “Querido Diario” habla de nosotros mismos, evidenciando:- La memoria, el hecho de llevar un registro de una acción cotidiana y reiterativa (el consumir), recordarla y dejar una especie de “archivo” de esta acción.- El consumismo, el alto número de productos (y la posibilidad de pensar que existen más que no fue-ron incluidos) evidencia un hábito consumista que re-percute en muchas otras instancias de nuestra vida. - El contexto socio- cultural en que vivimos, esta obra pue-de ser un detonante para reflexiones más profundas, tal vez con sustentación teórica, sobre la posmodernidad, so-bre la sociedad.

La importancia del objeto plásticoLas características formales, como el soporte y el tipo de dibujo y la condición delicada, frágil y minuciosa de la obra puede ser útil para hablar de la importancia del resultado material del ejercicio artístico, es decir el objeto en sí mis-mo. Se pueden discutir aspectos como:-El cambio de las últimas décadas en cuanto al abor-daje de lo “conceptual”: cómo del extremo de la des-materialización nombrada por Lucy Lippard en los 60’s los artistas hemos retornado a la valoración del objeto. - La obra como fetiche y la institucionalidad: que tan impor-tante es la factura, la técnica, la “belleza”, su costo econó-mico (lo que vale el material) o su “valor” impuesto por el circuito, cómo o quién determina ese valor, etc.


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Acerca del artistaJuanita Sánchez nació en Bogotá en 1979.Es Licenciada en Artes Plásticas y realizó una maestría en diseño en la Universidad de Palermo. Entre otras distin-ciones, fue seleccionada en el Premio Fundación Williams de Arte Joven, en el Concurso Nacional de Pintura UADE y en el Salón Nacional de Artes Visuales. Realizó varias muestras desde 2008 en Buenos Aires y participó de diversas exposiciones colectivas.

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Tengo una obra que de hecho habla de mis proyectos ideales. Es un cuaderno de escuela, barato, de los Ri-vadavia, voy anotando y haciendo planos de obras que (creo) no llegaré a realizar, básicamente por costos. Concibo el cuaderno en sí mismo como una obra. Pero tengo allí también otras ideas.

Una es una instalación pública, en base al empa-que de plástico de las masas (yo las llamaba plasti-linas) para niños “Play-Doh” (con las que yo jugaba de chica, de origen norteamericano, de unos tarros amarillos). Las copiaría agrandándolas a una escala mucho mayor, como de 3 metros de alto x 3 de diá-metro aproximadamente, como una especie de silos con una puerta cada una, para que la gente entre. Tengo otra obra que es nuevamente una intervención urbana, el guardarropa ideal. Exhibiría las prendas que anhelo tener en mi placard (todas de marcas caras y reconocidas) pero solidificadas con resina de poliéster (técnica que utilicé para mi tesis de grado de la univer-sidad en Colombia). La ropa se endurece y queda como

una armadura y como molde utilizo mi propio cuerpo, lo cual de la una apariencia más orgánica, alejada del cuerpo del maniquí… solo que la prenda solidificada es imposible de usar.

2) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Que relacione la obra con su propia cotidianidad. Que compare los gustos, elecciones, acciones del artista con los suyos propios. Que, para encontrar un sentido para sí mismo, pretenda que tiene que explicársela a otra persona.

3) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Mi primer recuerdo es querer ser enfermera por los mu-ñequitos animados japoneses Candy- Candy. A los 8 ó 9 años mi mamá me regaló un libro que se llamaba “Cuando sea mayor construiré casas”, porque ya había cambiado a querer ser arquitecta.

Blog: juanitasanchezm.blogspot.com


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Alejandro Somaschini (Buenos Aires)Arquivo Carpe Diem, Cera *4Lisboa - Buenos Aires, 2010 - 2011165 x 90 cm.Transfer sobre azulejos, cera de abejas

Acerca de la obraArquivo Carpe Diem cera* 3 se encuentra enmarcada den-tro de la exposición “Arquivo Carpe Diem“ realizado de julio a septiembre 2010 en Carpe diem, arte e pesquisa, bajo la curaduría de Paulo Reis y Lourenzo Egreja en el Palacio Pombal, Lisboa-Portugal y en co-producción con la galería Progetti.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Para que la obra se complete es necesario saber el contexto en que fue creada y la investigación que hay detrás de cada una de las piezas.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Astrónomo

Página web: www.alejandrosomachini.com

Acerca del artistaNació en 1977 en Argentina y trabaja entre Argentina, Bra-sil y Portugal. Ha participado en muestras colectiva e indi-viduales como así también en la bienal del MERCOSUR en Porto Alegre, en Arquivo Geral en Río Janeiro, y en la Bienal Cerveira en Portugal. Sus trabajos repliegan y abor-dan diferentes situaciones experimentales, de sistemas y exploración de materiales.


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Virginia Spinelli (Buenos Aires)

e.e.v (expuestos a extraños virus)Sarandí, 20112’ 22’’Video

Acerca del artistaNació en Lomas de Zamora en 1977.En 2004 se graduó como Licenciada en Artes Visuales en el Instituto Universitario Nacional de Arte. Es Profesora Nacio-nal de Bellas Artes, egresada de la Escuela Nacional Prili-diano Pueyrredón y realizó seminarios de arte textil y graba-do en la Escuela Ernesto De La Cárcova. En 2005, becada por Fundación Telefónica, participó en “Intercampos”. Ese mismo año, participó del programa de becas para análisis y clínica de obra, que otorga el Centro Cultural Rojas con diferentes docentes. Desde 2004 hasta 2008 realizó clínica y análisis de obra con Diana Aisemberg. Actualmente se desempeña como docente en la Universidad Nacional de Lanús, en la carrera de diseño gráfico. Desde 2003 hasta 2009 trabajó en el Museo de Arte Latinoamericano de Bue-nos Aires (Malba). En 2011 obtuvo el “Premio Especial Es-tímulo del 6° Concurso Nacional UADE de Pintura”. Desde 1998 participa de muestras colectivas e individuales en dis-tintas galerías de Buenos Aires.

Breve entrevista

1) ¿Cual sería tu proyecto ideal? Desde hace algunos años estoy trabajando en un proyecto que incluye dibujos y texto, como una suer-te cuento ilustrado que ha ido mutando de formato, de medio y al mismo tiempo ha sido origen de otras obras (los videos, por ejemplo).

Comenzó siendo un conjunto de papeles en una ca-jita para un espectador único, (amigo generalmente) que podía llevárselo a la casa, tenerlo por unos días y luego devolvérmelo sugiriendo un próximo especta-dor. La cajita incluía guantes para la manipulación. Ese dispositivo a pesar de la intimidad que implica con el espectador, es complicado, por lo que decidí que me gustaría convertirlo en el más convencional, pero efi-caz formato: un libro. Todavía no se concretó porque está en permanente edición, (que es ya una cualidad de este trabajo), y también por razones económicas, ya que editarlo como me gustaría es costoso.

A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Le diría que no soy video-artista, solo que miro mucho cine en inter-net, que espero que mejore la piratería para mejorar la calidad de los videos y me pregunto si esta otra forma de ver películas no las modifica. El video es un medio ocasional, lo que en realidad me interesa es la rela-ción entre lenguajes. Cualquier cosa que me ayude a explorarla me viene bien: dibujos, ilustraciones, libros, páginas web, etc. Me fascinan los niveles cada vez más complejos de esta relación en el cine, en internet, en el arte contemporáneo. También me pregunto si estas nuevas alianzas entre imagen y texto, o imagen y soni-do, o las diversas posibilidades de interacción y diálogo no redefinen el límite de lo decible, lo que me produce una especie de excitación.

¿Qué querías ser cuando eras chica? No me acuerdo.

Página web: http://www.flickr.com/photos/virginiaspinelli http://boladenieve.org.ar/node/96

Acerca de la obra“Expuestos a extraños virus” es parte de un proyecto con-formado por una serie de videos en proceso, cada uno de ellos de poca duración (de 3 a 5 minutos aproximada-mente). En este título está implícito el concepto de la serie; es una referencia irónica sobre el modo de construcción de los videos. Cada uno está construido con retazos per-tenecientes a una variedad de películas que van desde “Fantasía” de Disney, “Monster vs Aliens”, “8 y ½” de Fellini, un documental sobre osos polares, “Nikita” de Besson, etc. Los fragmentos fueron bajados de internet, de sitios como Cuevana, Moviezet, Taringa etc. y son películas de proce-dencia dudosa, de irregular calidad, potenciales portadoras de virus informáticos. Un modo de ver cine, sin embargo.


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Lena Szankay (Buenos Aires)

Seré tu Espejo / I´ll be your mirrorWashington DC, EEUU, 201092 x 69 cm.Fotografía digital

Acerca de la obra“Seré tu espejo” nos muestra una puerta cerrada reflejada en la superficie de un espejo. Esa puerta puede ser abier-ta en cualquier momento e invitarnos a adentrarnos en un espacio desconocido o en un nuevo cuarto, o en una nueva dimensión. El título de la obra hace alusión a la canción de la banda newyorkina de los años ´60, los Velvet Underground titula-da en inglés “I´ll be your mirror”. La letra de la canción es una interpelación a un ser amado diciéndole que en caso de no saber lo valioso que es, se debería reflejar en sus ojos, sus ojos como proyección de su propia imagen. Me gusta pensar esta foto en varias capas, el espejo como narciso, el espejo como reflejo, el espejo de Alicia en el País de las Maravillas, la puerta como un impedimento, como una posibilidad o como un desafío. El empapelado romántico nos transporta a épocas más victorianas donde los secretos de alcoba se desperdigaban en susurros. De-finitivamente, asocio esta foto a un mundo mágico, el del amor y el del misterio.

Acerca del artistaNació en 1965 en Buenos Aires y creció en Argentina y Perú. Asistió a los talleres de Estética Fotográfica de Eduardo Gil de 1986 a 1989, año en que emigra a Berlín donde se forma profesionalmente en fotografía en Lette Verein Berlín y la Cámara de Fotógrafos Profesionales Alemanes. Tras 19 años en esa ciudad, regresa a la Argentina en el año 2008. Expone en forma grupal e individual desde 1995 en Europa, Medio Oriente y Latinoamérica.Obtuvo 2010 el Premio Adquisición de la II Bienal de Fotografía Arte x Arte, fue selección Premio Petrobras en Buenos Aires Photo, obtuvo el Primer Premio Felifa, prototipos de Edición de Libros de la feria de Libros de Autor, y además una beca grupal del Fondo Nacional de las Artes para el proyecto ZonaContextoLugar en la ciudad de Santa Fe. En el año 2009 fue Premio Adquisición Expotrastiendas / AAGA (Asociación Argentina de Galerías de Arte) y Tercer Premio en el 2008 de la Categoría Libros de Prix de la Photographie, en París, Francia.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Que se deje llevar por sus emociones

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? Veterinaria

Página web:www.lenikem.com


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Página web: www.alejandratavolini.com

Alejandra Tavolini (Rosario)

FreaksRosario, 201127 x 15 x 15 cm. c/uPeluches sobre cajas de luz

Acerca de la obra‘Freaks’ explora los límites de lo habitual… En ella un grupo de muñecos de peluche ve modificada su fisonomía. ¿Las causas? Enfermedades genéticas, malformaciones congé-nitas, trastornos en el desarrollo. Es así como aquellos mu-ñecos de la infancia se han convertido en extraños.Y a estos cambios fisonómicos se les suma otro, la parti-cular iluminación ascendente que reciben, lo que los hace aún más misteriosos.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Le diría que me interesa explorar los límites de lo habitual. Lograr que objetos que se reconocen como familiares parezcan extraños.

Por eso modifico las relaciones habituales de los objetos entre sí (sumerjo un grupo de muñecos de peluche en formol, parodiando las instalaciones de Damien Hirst) o transformo sus características fi-sonómicas (mutando sus cuerpos bajo los efectos de trastornos genéticos, enfermedades congénitas o simplemente para que ellos puedan afrontar pe-queñas catástrofes cotidianas)….

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Aparte de artista: bailarina, detective, chofer de am-bulancia

Acerca del artistaNació en 1969 en Rosario. Es Licenciada en Bellas Artes de la Universidad Nacional de Rosario.Realizó clínicas de obra con Nicola Costantino y Daniel García. Entre 2004 y 2005 participó del taller El Levante, coordinado por Mauro Machado y Graciela Carnevale.Recibió la Beca de Perfeccionamiento para Artistas y Escri-tores del Interior del País del Fondo Nacional de las Artes.Participó en diferentes exposiciones colectivas y realizó exposiciones individuales en Rosario. Recibió entre otros el primer premio del Salón Nacional de Artes Plásticas de San Nicolás.


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Guido Triboulard (Mar del Plata)

Serie “Playas”Mar del Plata, 2010 - 201143 x 50 cm. c/uFotografía analógica directa en blanco y negro

Breve entrevista

1) ¿Cuál sería tu proyecto ideal? Las tomas fotográficas presentadas forman parte de un trabajo que inicié en 2010, que reflejan el re-cuerdo de momentos vividos junto a mis padres y hermanos. Muestro lugares, en este caso la playa, sin importar su ubicación física, sino lo que repre-senta ella en sí misma, que motiva a mi memoria retrotraerse a épocas de mi niñez y adolescencia. Esta es la segunda etapa, mientras que la prime-ra estuvo avocada al tema ferroviario en todos sus aspectos.

A una persona que visita la muestra y no cono-ce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? No puedo enriquecer la experiencia de una persona ante una determinada situación sin conocerla pre-viamente.

Acerca de la obraEl presente es parte de un trabajo referido al recuerdo de mi niñez, adolescencia y juventud, en este caso los vera-nos en las playas de Mar de Ajo. Si bien las tomas fotográficas pertenecen a otros balnea-rios, no fue impedimento para traer a mi memoria escenas imborrables de tiempos muy felices.Evoco los castillos de arena, los juegos de pelota, el co-rreteo junto a la orilla para recoger las almejas que el mar arrojaba a nuestros pies, las tardes de pesca… Cómo dejar atrás el hecho de ver la silueta de nuestro padre nadar mar adentro con su gorrito blanco iluminado por los rayos del sol del mediodía.Así entonces la fotografía es el medio que me permitió re-flejar en un papel tantas imágenes que perduraran a través del tiempo.

Acerca del artistaRealizó cursos de fotografía, teoría de la imagen y fotope-riodismo. Participó en diferentes exposiciones en Mar del Plata y Buenos Aires.


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Nicolás Vasen (Buenos Aires)

Sin títuloBuenos Aires, 2011100 x 150 cm.Fotografía digital

Acerca del artistaEn 2009 estudió fotografía en la Escuela de Andy Goldstein y Diseño Gráfico en la Universidad de Palermo en 2010. Hizo el Programa de Artistas 2010 de la Universidad Tor-cuato Di Tella. Actualmente asistió a clínica de obra con Ernesto Ballesteros. Participó en muestras colectivas en ArtexArte, Centro Cultural San Martín, y Universidad Tor-cuato Di Tella.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no co-noce tu producción, más allá de la obra expues-ta ¿qué le dirías para enriquecer su experien-cia? Lo instantáneo también es eterno. El impacto mar-ca un trazo para siempre.

2) ¿Qué querías ser cuando eras chico? Gigante

Página web: www.flickr.com/nicolasvasen

Acerca de la obraLa imagen se generó a partir de una acción simple e ins-tantánea. Hice estallar una bombita de agua sobre un car-do y lo fotografié en el instante del estallido. Dicho de otro modo, liberé el contenido de una esfera celeste. Produje una suerte de Big Bang dando como resultado nuevas constelaciones en el cielo por sólo unas milésimas de se-gundo. Y esto es lo que me permite creer que esa simple y casi insignificante acción es tan importante como la crea-ción del universo.


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Tamara Villoslada (Esquel)

“7” (siete)Córdoba, 201140 x 50 cm.Dibujo intervenido con cabello na-tural y vinilo holográfico

Acerca del artistaNació en Chubut en 1977 y estudió en Córdoba. Es Licenciada en Comunicación Social y realizó un posgrado en ilustra-ción y el doctorado en arte de la Universidad Autónoma de Barcelona.Realizó muestras individuales en Buenos Aires, Córdoba y Barcelona y participó en diferentes exposiciones colectivas en Argentina, España y Estados Unidos.

Breve entrevista

1) A una persona que visita la muestra y no conoce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Les contaría algo relacionado con el uso del cabello en mi obra, que es algo que siempre me preguntan… Es mi pelo el que uso, lo tengo muy largo no se me va a acabar!). Comencé a utilizarlo en mi trabajo una vez que estaba representando una escena recurrente en mi imaginario: una chica peinando a la otra. Es una imagen que siempre dibujaba, se relaciona con algún miedo a perder la cor-dura creo… (el ya no poder valerse por uno mismo y que te tengan que peinar, supongo). Y también una imagen muy femenina, que encaja con esta idea de repetición de personajes, de alter-egos interactuando. Aquel día pensé que en lugar de dibujar el cabello lo pondría de verdad. Por otro lado, en aquel momento vivía en pareja con

un artista catalán a quien admiraba mucho (Gino Ru-bert) y aprendí bastante a profesionalizar el proceso de creación junto a él, observando su proceso. Estamos separados y yo ahora vivo en Argentina pero seguimos compartiendo algunas cosas, como el uso de los vinilos holográficos para vestir los personajes (y que yo ya no consigo aquí en Argentina)

2) ¿Qué querías ser cuando eras chica? En algún momento fui fanática de una serie animada ja-ponesa, Sandybell, cuya protagonista era una periodista que viajaba en una van por el mundo haciendo reporta-jes. Y de allí me quedó la idea de ser periodista, hice la carrera y me licencié en Ciencias de la Información. Mi título me lo olvidé en Barcelona donde viví siete años. Igualmente no me arrepiento de haber hecho esa carrera.

Página web: www.tamarindous.com

Acerca de la obraEl cabello natural es el elemento que identifica mi trabajo reciente y el más pregnante dentro de esta serie de dibujos. Integrado dentro de una composición sumamente delicada, el pelo refuerza la tensión entre este mundo naif y el con-tenido dramático que encubre. Me interesa plasmar esta contradicción entre la aparente inocencia y encanto de los personajes y su oscuro trasfondo. El pelo aporta no sólo su valor formal sino también simbó-lico: se lo relaciona con el poder, la feminidad, la vida y la muerte. Aparece en mis obras como hilo conductor, como una fuerza oculta que conecta con el más allá, muchas ve-ces a través de círculos que perforan el papel.

Otra constante en mi trabajo son los personajes que se repiten en serie. Algo así como “alter egos”, distintas perso-nalidades que me componen. Tal vez por eso son siempre caracteres femeninos. Se trata de protagonistas de esce-nas desconcertantes donde lo irónico y lo lúdico conviven con lo trágico. Intento captar ese instante de aparente cal-ma donde parece no suceder nada y en realidad podría estar sucediendo lo peor…La obra a concursar, “7”, es parte de una nueva serie en proceso donde exploro más profundamente el tema de la repetición de personajes y el diseño de nuevas y más com-plejas “coreografías”.


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Verónica Virasoro (Buenos Aires)

DiamanteBuenos Aires, 2010186 x 131 cm.Acrílico sobre tela

Acerca de la obraParto de papel, pincel y tinta china. Esta obra forma parte de una serie de dibujos hechos en tinta sobre papel, de una manera casi automática uno tras otro. Al llevarlo a la pintura en un formato grande estoy copiando el gesto, congelando, trasladando, ampliando. Como si fuera natural y directo, copiando hasta esa línea equivocada, hasta esa pincelada que se corrió. Y siempre está presente la sensación de que por más perfecto que sea ese copiado, lo que representa es justamente tan improbable, tan imperfecto… Finalmente pienso que tal vez lo único importante sea lo poético de las imágenes.

Acerca del artista Nació en Buenos Aires, el 13 de Febrero de 1980.Realizó el taller de Artes Visuales de Sergio Bazán y el de Teoría y Crítica de Arte Contemporáneo con el Dr. Hugo Pe-truschansky. Luego realizó clínica de obra con Sergio Bazán. En 2008 recibió la Beca Nacional en Medios Audiovisuales del Fondo Nacional de las Artes. Realizó exposiciones individuales en Buenos Aires y participó en diferentes muestras colectivas en el país y el exterior.

Breve entrevista

A una persona que visita la muestra y no cono-ce tu producción, más allá de la obra expuesta ¿qué le dirías para enriquecer su experiencia? Menos es más.

¿Qué querías ser cuando eras chica? Diseñadora de moda y artista

Página web: www.verovirasoro.blogspot.com

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