historia de diseño
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VIAJANDO A TRAVES DEL TIEMPOALEXANDRA BEDOYA VELASQUEZ
DISEÑO INDUSTRIAL IV
ARTE BARROCOEs un
fenómeno complejo de índole social,
político y religioso
El arte barrocoen sus más
amplias manifestacione
s artísticas
El barroco es la continuación al manierismo italiano que
prevalece durante la primera mitad del siglo XVI.
Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con
artificiosidad, el barroco que le sucede abandona
la serenidad clásica
para expresar un mundo en movimiento y
agitación de los sentidos
Por tanto, la tendencia del barroco es a la
exageración y la ostentación
Origen del Arte Barroco
Causas Político religiosa
s
Se suele decir que el Arte
Barroco es el arte de la
Contrarreforma.
Para reaccionar contra la
severidad e iconoclastia del Protestantismo,
la Iglesia Católica alentó la
edificación de templos con profusión de escultura.
También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos
que tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las
escenas escandalosas.
La iglesia
Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre
los artistas iba dirigida a emocionar
y enardecer la devoción mediante
estímulos psicológicos.
Estas normas aparentemente conservadoras y
austeras derivaron, sin embargo, en
este arte suntuoso y recargado que
llamamos Barroco.
También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos
que tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las
escenas escandalosas.
•El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre barroco.
•En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así como el movimiento y el color, como si de una magna representación teatral se tratase.
•Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura, escultura y la pintura es el juego de las sombras. En la estética del barroco, son muy importantes los contrastes claroscuristas violentos.
•De hecho, se ha indicado con acierto que en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la agitación y vistosidad de la representación teatral.•Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado vistoso y efímero, la arquitectura barroca se subordina a la decoración, que ha de ser espectacular
ARTISTAS BARROCOS Pedro Pablo Rubens nació en Siegen, Alemania en 28 de Junio de 1577. Estudió y trabajó en Venecia en talleres de importantes maestros hasta que en 1600 conoció a Vincente Gonzaga, quién en marzo de 1603 le envió a Madrid con unas obras de arte para el Rey. Este fue su primer contacto con la monarquía española. En 1609 se casó con Isabel Brant, quien falleció en 1626. En este periodo realizó varios e importantes trabajos como el Techo de la Iglesia de los Jesuitas en Amberes o varios lienzos para el palacio de Luxemburgo. Casó en segundas núpcias con Hélène Fourment. Realizó obras para la corte Inglesa y Española siendo su último trabajo para el pabellón de caza de Felipe IV. Falleció el 30 de Mayo de 1640 después de una larga enfermedad que limitó su producción pictórica en sus últimos años de vida.
Quizás mejor pintor barroco -y de todas las épocas- de la escuela holandesa, Harmenszoon van Rijn Rembrandt, nació en Leiden. Hijo de un molinero, sus padres no escatimaron en su educación, primero con un maestro del pueblo Jacob van Swanenburch, y más tarde, en Amsterdam, con Pieter Lastman. Vuelve a Leiden donde comienza a impartir clases con solo 22 años. Se tralada otra vez a Amsterdam donde se casa en 1634 con Saskia van Uylenburgh que le pone en contacto con una alta sociedad que el encarga numerosos retratos. Establece su primer taller con varios discípulos. Pero su vida familiar cae en desgracia, tres de sus cuatro hijos mueren entre 1635 y 1642. Hendrickje Stoffels, su ama de llaves en 1649, empieza a posar para él en muchos trabajos y mantiene una nueva relación amorosa. Esta nueva vida del pintor, llena de escandalos y opulencia le llevan a una bancarrota absoluta, ya en 1656. Todos estos problemas no afectan a su pintura, que se hace cada vez más solida y ejemplar. Se adentra en la comprensión de la naturaleza humana y traslada este estudio a sus obras. Realizó muchas trabajos, no solo lienzos (más de 600), también dibujos y aguafuertes, consiguiendo un enorme impacto sobre otros artistas contemporaneos que a perdurado hasta hoy. Su vida, a partir de de 1663 año en que muere Hendrickje, no se endereza, en 1668 muere su hijo y ya en octubre de 1669 fallece Harmenszoon van Rijn Rembrandt.
Rubens, Las Tres Gracias
87 X 123.6 cm, Museo del Prado, Madrid.
Rembrandt, Artemisia,1634, 1,42 x 1,53m., Museo del Prado, Madrid.
A. Gentileschi, Autorretrato como alegoría de la pintura, c.1630, óleo sobre lienzo, Palacio de Kensignton
Velázquez, Las Meninas1656-57.3,18 x 2,76 m., Museo del Prado, Madrid
Caravaggio, Baco enfermo, c.1593,Galería Borghese, Roma
ARTE ROCOCO
Arte Rococó
El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla
durante los reinados de Luis XV
y Luis XVI.
Se difundió rápidamente por
otros países
europeos, sobre todo en Alemani
a y Austria
y se seguirá desarrollando
hasta la llegada
del Neoclasicismo.
Es un arte mundano,
sin conexión
con la religión, que trata temas de
la vida diaria, no simboliza
nada social ni
espiritual, sólo
superficialidad. Por todo esto
se considera al Rococó un arte frívolo,
exclusivo de la
aristocracia.
Es un arte mundano,
sin conexión
con la religión, que trata temas de
la vida diaria, no simboliza
nada social ni
espiritual, sólo
superficialidad. Por todo esto
se considera al Rococó un arte frívolo,
exclusivo de la
aristocracia.
El rococó a
diferencia del
barroco, se
caracteriza por la opulenci
a, la elegancia y por
el empleo
de colores vivos, que
contrastan con el pesimismo y la oscurida
d del barroco.
Definición del Arte Rococó
Definición del Arte Rococó
Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica.
Muestra su predilección por
las formas onduladas e irregulares y
predominan los elementos
naturales como las conchas, las
piedras marinas y las formas vegetales.
El término rococó proviene
de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (concha),
elementos de gran
importancia para la
ornamentación de interiores.
Características del Rococó• En arquitectura,
los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría.
Alcanza mucha difusión el
gusto chino, que había entrado en
Europa con las piezas de
porcelana, telas o lacas, y que decorará los
salones occidentales
con sus temas más
representativos.
En pintura, los temas
más abundantes
son las fiestas galantes y
campestres, las historias
pastoriles, las aventuras
amorosas y cortesanas.
En pintura, los temas
más abundantes
son las fiestas galantes y
campestres, las historias
pastoriles, las aventuras
amorosas y cortesanas.
Arquitectura Rococó El rococó en España se inicia durante el reinado de Felipe V (1700-1746), favorecido por el estilo churrigueresco, que había llevado al
barroco al recargamiento ornamental. Su influjo fue limitado, ya que fueron muy pocos los contactos que España mantuvo con el rococó
europeo y especialmente con Francia y Alemania.
Escultura Rococó Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e
intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.
Pintura Rococó En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez
y Luis Paret.
ARTISTAS DEL ROCOCOLuis Paret y Alcázar (Madrid, 1746 – 1799), pintor español, de estilo muy personal, más cercano al Rococó que al Neoclasicismo. Su temática es muy variada, con paisajes, escenas de interior, etc.Cursó estudios desde los diez años en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Pensionado en Roma por el infante Don Luis de Borbón (1763–1766). Se incorpora al taller de Charles de la Traverse, en Madrid.
Luis Meléndez nació en Nápoles en 1719.Y nació allí de casualidad, porque su padre, pintor asturiano de nombre Francisco, se estableció en la ciudad italiana en 1699 donde permaneció con su familia hasta que su hijo cumplió un año de edad.Cuando regresan a España, donde reina Felipe V, primer Borbón de la monarquía española, se instalan en Madrid, y Luis inicia sus estudios de pintura, tradición obliga, primero en el taller de su padre y más tarde en los talleres de la Junta Preparatoria de la Academia de Bellas Artes.Por entonces la Academia de Bellas Artes estaba aun en proceso de nacimiento y no era la institución que conocemos hoy como tal, hecho que no tendrá lugar hasta el año 1752 fecha en la que nace la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, tal y como se la conoce en nuestros días.
Autorretrato, h. 1780 (Museo del Prado).
ROMANTICISMO
Romanticismo
Características del
arte romántico.
Si en la Ilustración brillaba la luz, en el Romanticismo nos abruman las tinieblas. Bajo el
nombre de "Romanticismo" se esconde un
grito desgarrador de libertad.
Después de la caída de
Napoleón, el Romanticismo, es una vía de escape para las jóvenes
generaciones que aspiran a
encarnar los principios
revolucionarios.
El Romanticismo puede
entenderse como la "primera
Vanguardia en la
Historia del Arte", se
inaugura la entrada en una nueva época, la nuestra:
El arte deja de regirse
por la doctrina
del Clasicismo.
El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la
expresión y
sentimientos que pueden
abrir horizontes
mucho más
amplios.
Emerge un deseo de
que aparezca lo
nuevo, insólito, oculto,
reprimido, en una
palabra, lo sublime, lo que está más allá
del límite. Esta
ansiedad provoca
mucho más placer
estético que la
belleza.
Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por
medio del arte se intenta expresar el mundo interior
del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos
oscuros, penumbras o sueños.
Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el
mundo como algo inabarcable a lo que el
hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento
de inferioridad y una angustia ante las fuerzas
incontrolables de la Naturaleza.
Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el
orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales. Se
buscan los orígenes remotos de lo primigenio.
Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización,
feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba
el racionalismo ilustrado.Hay un vivencia profunda de
la religión.Se impone el gusto por lo
exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en mundos
orientales.
Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización,
feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba
el racionalismo ilustrado.Hay un vivencia profunda de
la religión.Se impone el gusto por lo
exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en mundos
orientales.
contemplativo.
Pintura
• Lo que más distingue a los pintores románticos es su afición por reflejar el paisaje, y en esa paisajística se suele intentar reflejar, como apunta Fritz Novotny, el ‘infinito’ y lo ‘inconmensurable’ ; este extremo se halla implícito tanto en las reflexiones de los teóricos, poetas y pintores como en los propios cuadros
• Lo dicho no significa, ni mucho menos, que los paisajistas del período inmediatamente anterior (‘neoclásico’) no se percatasen de lo ilimitado del paisaje ni trataran de expresarlo de alguna manera en sus obras
• . El paisajismo romántico revista las siguientes cualidades.• a
) Expresar de forma sencilla la monotonía y la inmensidad de los elementos de la naturaleza
• b) Nueva actitud del ser humano ante el mundo natural ; más que intentar dominarlo, se adopta un papel contemplativo.
Escultura
• . Evidentemente, aquella filosofía sentimentaloide de la vida del primer romanticismo que se trasluce en la idea del Jardín Inglés también se reflejó en las esculturas incluidas en tales jardines, así como también en la escultura funeraria ; pero eso no era propiamente ‘escultura romántica’
Arquitectura
ARTISTAS ROMANTICOS John CONSTABLE (1776-1837): Pintor inglés
famoso por sus paisajes, todos ellos localizados en la campiña de Suffolk, donde el artista nació y pasó la mayor parte de su vida (sólo lo abandonó con motivo de una corta estancia en Salisbury y durante su luna de miel en Weymouth). Hizo muchos apuntes del natural, que luego le sirvieron para sus grandes cuadros, que elaboraba en estudio. Sus pinturas continúan gozando de bastante aceptación en la actualidad ; sin embargo, no fueron especialmente bien recibidas en Inglaterra en vida de su autor. Obtuvo, no obstante, un éxito considerable en París. Expuso a partir de 1802 en la Academia Real de Londres, y más tarde en el Salón parisiense. Tuvo influencia en la Escuela de Barbizon y en el movimiento romántico francés. A su vez fue influido por artistas holandeses como Ruisdael. También le resultaron útiles como modelo algunos cuadros de Rubens y Claude ; eso no impidió que su estilo se caracterizase por un individualismo marcadamente original.
Joseph Mallord William TURNER (1775-1851): El más apreciado artista romántico inglés. Se le conoce como ‘el pintor de la luz’, por el creciente interés que mostró por la utilización de colores brillantes como el componente más importante de sus paisajes y marinas. Su obra incluye acuarelas, óleos y grabados. En 1840 conoció al crítico John Ruskin, quien acabó convirtiéndose en el más acérrimo defensor de su obra. Viva-mente interesado por los avances tecnológicos de su época, los reflejó en algunas de sus pinturas de una manera expresiva que fue criticada en su día, pero que hoy goza del general beneplácito.
El carro de heno (1821): Frecuentemente reproducido, constituye tal vez la obra más conocida de Constable. Visionando el cuadro se hace evidente que su autor conocía a fondo la obra paisajística de los artistas flamencos del siglo XVII, como Rubens, cuyo Het Steen emplea prácticamente la misma disposición de los elementos significativos.
CLAUDE GELÉE: El embarque de la reina de Saba
TURNER: Dido construyendo Cartago
Jean-Louis-André-Theodore GÉRICAULT (1791-1824)
REALISMO
El Realismo pictórico, es un movimiento que intenta plasmar objetivamente la
realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una
importancia especial en la
literatura. En el caso concreto de
las artes plásticas, el realismo consigue la
máxima expresión en Francia, casi
exactamente, en la mitad del siglo XIX.El realismo es un término confuso y
de muy difícil definición en lo
que respecta a las artes plásticas; en general, sólo alude a una cierta actitud del artista frente a la realidad, en la
que la plasmación de ésta no tiene
que ser necesariamente
copia o imitación, aunque sí ajustarse a una cierta visión
generalizada.
El objetivo
del realismo
era conseguir represent
ar el mundo
del momento, de una manera verídica,
objetivo e imparcial.
Por lo tanto el realismo no puede idealizar.
El manifiesto se basaba en lo siguiente:
La única fuente de
inspiración en el arte es la
realidad.No admite
ningún tipo de belleza
preconcebida. La única
belleza válida es la que
suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es
reproducir esta realidad
sin embellecerla.
Cada ser u objeto tiene su belleza
peculiar, que es la que
debe descubrir el
artista.
EL REALISMO Y SU OBJETIVO
•Pintura Realista•En las décadas centrales del S. XIX, el Romanticismo y su idealización de la historia, de la sociedad y sobre todo de la naturaleza, cuyo tratamiento era un motivo de evasión, deja paso a una corriente que se interesa por la realidad.
• El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. La industrialización determinó la desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos. Con ello, las condiciones de vida económica y social sufren una alteración profundísima, que se refleja en las ideologías
• Los artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres y consideran que deben denunciar estas lacras.
• Los cambios fundamentales que hacen que se pase del romanticismo al realismo son:• La definitiva implantación de la burguesía olvidándose
de la causa de 1789, ya que prefieren saborear los placeres de la vida.
• La conciencia en los artistas de los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo para niños y mujeres, jornadas laborales interminables...
• Desencanto con los estímulos revolucionarios de 1848, que llevan al artista a olvidarse del tema político y a centrarse en el tema social.
LOS ARTISTAS REALISTAS
Gustave Courbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un compromiso político personal más firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender sus ideas. Sin embargo, Courbet se distancia clarísimamente de sus predecesores en la forma de entender el arte.
Courbet rechaza la realidad que le rodea, pero, en vez de huir, lo que haces es mostrárnosla en toda su crudeza para que compartamos con él los mismos sentimientos de rechazo y, en consecuencia, reaccionemos en contra.
Jean-François Mollet (1814-1875) es una de las figuras más discutidas del realismo francés. Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público. Sin embargo, críticos e historiadores le han acusado de traicionar el verdadero espíritu realista poruq endulza en exceso la vida de los campesinos –su gran tema- para hacerla aceptable al gusto burgués.
Honoré Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y caricaturista, y en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.
Gustave Courbet: "Un entierro en Ornans" (1849-1850). París.
Honoré Daumier: "Vagón de tercera clase" (1863-1865). San Francisco.
Honoré. Daumier: "La lavandera" (1860). Búfalo.
Jean François Millet: "Camino al trabajo" (1851). París.
Titulo: El Angelus, 1859-60Autor: Jean-François Millet
IMPRESIONISMO
Historia •Hasta la segunda mitad del siglo XVIII el estilo que primó fue el Clasicismo. A partir de este momento se dará un giro radical en la Historia de la Pintura. Lo habitual era el que los artistas expusieran en el Salón Oficial•. Los nuevos artistas (conocidos como "Los Rechazados") por el contrario, tenían que buscar otros lugares alternativos que les permitieran exhibir sus obras. Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de abril de 1874, en el Salón del fotógrafo Nadar
características
• El paisaje como tema principal: Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los interes de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.
• Técnica: Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. • Color: Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.
• Ausencia de perspectiva: Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet con su Pífano.
ARTISTAS IMPRESIONISTAS
CLAUDE MONET. Monet (1840 – 1926) estaba centrado en la representación del momento fugaz
e irrepetible, en la existencia y no en la esencia, en la atmósfera, el aire y la luz. Todas las cosas que contemplamos no son inmutables sino que nuestra percepción de las mismas cambia según las contemplemos de día o de noche; con luz natural o artificial; en días claros o nublados; al amanecer, al mediodía o por la tarde; un día primaveral o invernal; en días despejados o con calima, niebla, etc. Es por esto por lo que un buen viajero debe tomar contacto con una ciudad o un entorno en todas las condiciones atmosféricas y lumínicas posibles. Solo esto le permitirá conocer profundamente ese escenario.
A los impresionistas, y concretamente a Monet, les atrae mucho todo lo que está sujeto a cambios, por lo que pintan flores, nieve, agua, nubes, etc. Pero como un instante puede bastar para cambiarlo todo, el pintor debe darse prisa en su trabajo para captar lo instantáneo puesto que, un minuto después, la luz habrá cambiado al igual que las nubes, el agua o cualquier cosa de las representadas.
Se pinta al aire libre, única manera de aprehender todo lo indicado. Monet pinta tanto paisajes naturales como urbanos, escenas de ríos, estanques, lagos, catedrales, calles, su producción es enorme.
Giuseppe Abbati, fue un pintor impresionista italiano, nacido en Nápoles (13 de enero de 1836) y fallecido en Florencia (21 de febrero de 1868). Comenzó su carrera artística bajo la orientación de su padre Vincenzo Abbati. Posteriormente estudia en la academia de Venecia con Grigoletti, en ese perìodo entra en contacto con Signorini y Vito d'Ancona. Vuelve a Florencia en 1860, después de haberse integrado al movimiento garibaldino. En Florencia frecuenta el "Caffé Michelangiolo" y practica la pintura al aire libre en la casa de su amigo Martelli en Castiglioncello, formando parte del grupo de los "Macchiaioli". Muere a consecuencia de la mordedura de un perro rabioso.
C.MONET .Impresión atardecer.1872 Bailarina de la
escena. Degas
POS-IMPRESIONISMO
UN POCO DE HISTORIA• El impresionismo,
con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX.
El postimpresionism
o supone entre otras cosas una recuperación de
la importancia del dibujo y de la
preocupación por captar no sólo la luz sino también
la expresividad de las cosas y de las
personas iluminadas. su trascendencia
para la evolución del arte es, si
cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.
Algunas características
generales - Interés por la
construcción de la forma, el dibujo y la
expresividad de los objetos y
figuras humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico
(conculcado por el fulgor luminoso
impresionista que casi había
desmaterializado las formas) y
el gusto puramente
estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base
de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).- Empleo de
colores contrastantes
para distendir y definir los
planos y formas.- Efectos pictóricos
basados en búsquedas
estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros
con gran carga emotiva ( Van
Gogh) y modulados (Gauguin)).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan
expresar la angustia y el desconsuelo interior (V.
Gogh).- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos
fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones
simplificadas y estáticas, buscando la armonía de
las masas cromáticas encerradas en perfiles
bien ceñidos (Gauguin). INFLUENCIAS
- De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en Cézanne.-
De Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores
puros y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh- De las culturas exóticas de Oceanía, el
primitivismo en Gauguin.
LOS ARTISTAS POSTIMPRESIONISTAS
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria..
Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...
POSTIMPRESIONISMO VAN GOGH
EXPRESIONISMO
El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador.
La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
CARACTERISTICAS Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.
ARTISTAS EXPRESIONISTASEnsor (1860-1949) Ensor pinta desfiles fantasmales de personajes enmascarados y caricaturescos. La máscara se convierte en la expresión de lo amenazador y lo desconocido que refleja la ironía sobre la condición humana. El asombro de la cámara de Wouse, La máscara y la muerte.
Edvard Munch (1863-1944)El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.
El Sueño, de F.MarcComposición nº IV, de W. Kandinsky
Cinco mujeres en la calle de Kirchner, 1912
Solana_________________________
Kokoschka
APRECIACIÓN
De todas estas épocas del arte me gusta el romanticismo su forma de expresión diría que es la mejor bajo mi concepción su inclinación por el poco trazo Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra, lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que la belleza el manejo de pinturas haciendo el mismo
Cada espacio del arte de su desarrollo tiene algo interesante como en este caso seria el barroco un momento de la historia en el que se muestra a mayor poder economico equitativamente sera lo ornamental.El rococo es similar solo que con un poco menos de ornamentacion, lo definiria como algo tenue e irrgular manejando siempre la sensacion de tranquilidad
No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.
Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista
Estas características son muy buenas para definir lo que es el realismo sin nada mas que mostrar que lo que es.
El impresionismo marca la tendencia de exaltar el paisaje y todo aquello que de reflejo eliminando de la paleta el color negro y el blanco por que las sombras no son negras sino muy coloridas y el blanco es el reflejo de todo lo pintado.
Para finalizar cabe aclarar que el Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.