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L E E G I L R A ET I M E L E S S P I N E T R E E

千年 ( 천 년 )

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L E E G I L R A ET I M E L E S S P I N E T R E E

千年 ( 천 년 )

17 September - 16 October 2020

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Gilles Dyan

Founder and chairman

Opera Gallery Group

Yoonju Kim

Director

Opera Gallery Seoul

P R E F A C E

Pine trees boast deep green hues throughout all four seasons, rise straight as if they would

never yield to anything, and Koreans have a particular affection for them. Not only pine trees

have been a standpoint in Eastern Asian art, literature, religion, folklore and feng shui, they

are also known as a symbol that nourished the Korean people’s soul and spirit.

The pine tree’s rich sculptural appeal provides Lee Gil Rae with constant inspiration, he

recreates its shape using copper tubes. The metal allows the artist to represent each part of

the tree in the best of ways: thin slices cut into ovals become bark; cut into lines and then

welded, they take the shape of pine needles. As it oxydises, copper develops a patina which

resembles the green shade of tree-covering moss.

Lee’s works retain the form of traditional sculpture, but his aesthetic language is nothing

less than unique. His linear contours, realised by connecting numerous small sculptural units

imitates the process through which cells completes a human form. By doing so, not only

he captures the vitality of nature in intriguing shapes, he also surpasses the limitations of

sculptural expression and envisions the unbound liberty of painterly gestures.

“Nature” will forever be a teacher of his, Lee says, and he pays tribute to the sheer beauty

of nature in his own way — by condensing his awe into works of art. The pine tree is said to

“live one hundred years a tree, last one thousand years as wood.” The saying also links with

Lee’s hylozoistic belief, that every matter has a soul and that those souls, in turn, influence

human beings.

Lee’s pine trees reflect the strength of an immortal organism that pumps energy from the

subterrane and up into the atmosphere; a vision transcending the ways in which we usually

view nature and its energy. Collectors worldwide have relished Lee’s art, and his ability to use

physical matter as a tool to reveal the dynamic vitality of nature and her organisms.

In presenting “Lee Gil Rae - Timeless Pine Tree: 千年(천년)”, Opera Gallery wishes to share Lee’s

hymns for eternal nature and examine the equilibrium between nature and men. We hereby

welcome you to Lee’s expressionistic realm, brimming with the inhalations and exhalations

of evergreen life.

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한국인들은 사계절 푸르름을 뽐내며 꼿꼿하게 서 있는 소나무를 유난히도 아낍니다. 지난 수천 년 동안 동양의

예술, 문학, 종교, 민속, 풍수 사상에 자리 잡은 소나무는 그들의 풍토와 절묘하게 결합하여 이들의 정신과 정서를

살찌우는 상징 노릇을 톡톡히 해왔기 때문입니다.

작가 이길래는 세월의 풍화를 머금고 있는 듯한 이 소나무의 충만한 조형적 매력에 착안하고 있습니다. 작가는

동(銅)파이프를 통해 이를 재현하는데 타원형으로 잘라낸 파이프는 나무의 표피가 되고, 파이프를 선으로 잘라

연결하면 잎과 옹이, 나이테가 됩니다. 여기에 녹이 슬면 나무에 낀 푸른 이끼의 모습을 연상시킵니다.

그의 작업은 전통적인 조각 형태를 견지하지만 안과 밖이 통하는 구조로 형상을 비워내는 독창적인 조형언어를

보여줍니다. 작은 단위 조각의 연결을 통해 표현되는 선의 형태는 자연의 생명력을 감각적인 형태로 표현하면서도,

조각이 가진 표현의 한계를 넘어 회화적인 형태의 자유로움을 느끼게 해 줍니다.

‘자연’이 자신의 영원한 스승이라고 말하는 작가는 그만의 방식으로 자연에 대한 경외감을 작품에 응축하여

표현합니다. 자연을 상징한다고 할 수 있는 소나무는 ‘살아서 백년, 죽어서 천년을 버틴다’는 말이 있습니다. 이는

모든 사물은 영혼이 있으며 그 영혼이 인간에게 영향을 미친다는 그의 물활론(物活論)적 믿음과도 연결 됩니다.

이렇듯 자연에 대한 경외와 그 생명력을 응집해 소나무를 창조해내는 작가의 작품들은 흡사 중력을 거스르고

꿈틀거리면서 솟아오르는 생명질(生命質)을 표현하고 있으며 땅 밑에 있는 에너지를 대기로 끌어 올리는 듯한

불멸의 생명체의 모습을 띄며 자연의 생명력에 대한 일반적인 인식을 뛰어 넘고 있습니다. 바로 이러한 사물을

사물 이상의 것으로 만드는 힘이 전세계 수 많은 컬렉터가 이길래의 작품을 사랑하는 이유 일 것입니다.

오페라갤러리는 여러분과 이번 전시 “Lee Gil Rae - Timeless Pine Tree : 千年(천년)”을 통해 작가 이길래의

자연에 대한 경외심, 자연과 인간의 관계에 대한 이야기를 나누고자 합니다. 넘치는 생명력으로 꿈틀거리는

호흡이 가득찬 작가 이길래의 표현주의적 공간에 여러분들을 정중히 초대합니다.

오페라갤러리 그룹 회장

질 디앙

오페라갤러리 서울 디렉터

김윤주

P R E F A C E

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LEE GIL RAE: SCULPTOR OF NATURELAURE MARTIN

Lee Gil Rae was born in 1961 in Yeongam-

gun, in the South-Korean province

of South Jeolla. He graduated from

Kyunghee University in Seoul with both

a bachelor’s degree and a master’s

degree in fine arts and sculpture. During

his university training, he developed

a three-dimensional artistic practice

that includes nature, archaeology

and history, drawing inspiration from

Alberto Giacometti’s work. It is from

this thought process that the sculpture

series Lost Castle originated. Made from

clay and iron, the hybrid works from the

series display primitive influences and

represent the artist’s first environmental

questions. His unique work was soon

acclaimed by critics and won numerous

awards, including the Special Award

from the Fifth Great Art Exhibition of

the Youth and the Participation Award

from the Eleventh Jung-Ang Great Art

Exhibition in 1988. While his production

centering around nature first took shape

in the work From Soil to Earth - the result

of a solo exhibition held at the Kumho

Museum of Art in 1997 - Lee Gil Rae has

actually been developing for more than

twenty years an artistic practice focusing

on the evolution of the environmental

crisis. In his countryside-based studio

located in the tranquil county of Goesan-

gun, in the Chungcheongbuk Province,

South Korea, he draws inspiration from

the surrounding nature in order to create

sculptural compositions borrowing from

both trees and humans. Today, his works

이길래: 자연을 빚는 자(者)

이길래는 1961년 대한민국 전남 영암에서 태어났다. 경희대학교에서 조소를 전공했고 동 대학원에서 석사 학위를 받았다. 대학 시절, 알베르토 자코메티의 작업에서 영감을 받은 그는 자연, 고고학 및 역사를 모두 담을 수 있는 입체 조형언어를 개발했고, 이 과정에서 <잃어버린 城> 연작이 탄생했다. 철과 흙을 혼성한 듯한 해당 연작의 작품들은 원시(原始)의 영향을 보이며, 환경에 대한 그의 질문들이 처음으로 드러나는 시기이기도 하다. 이길래의 독창적인 작품들은 금세 평단의 주목을 받았고, 제5회 청년미술대상전 특선, 1988년 제11회 중앙미술대상전 장려상 등의 다양한 상을 수상한다. 자연을 본격적인 주제로 삼은 것은 1997년 금호미술관 개인전에서 선보인 작품 <흙에서 땅으로>가 처음이나, 이후로도 무려 20년이 넘는 세월 동안 그의 작품세계는 갈수록 악화되는 환경 문제들에 꾸준히 초점을 맞추어 왔다. 충청북도 괴산군의 한적한 시골 자락에 위치한 작업실에서 그는 주변의 자연으로부터 영감을 찾고, 여기에 나무와 인간의 형태적 요소들을 차용함으로써 다양한 조소 작품을 완성한다. 그의 작품은 수많은 개인전·단체전을 통해 국내 외에도 일본, 미국 등지에 소개되었고, 여러 저명한 컬렉션에서 그의 작품을 영구 소장하고 있다.

자연과 특히 친밀한 관계를 맺고 있는 작가는 자연과의 교류를 지속하는 데에 각

로르 마르탱 LAURE MARTIN

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are presented in a myriad of solo and

group exhibitions in Korea, Japan and

the United States, and they are featured

in prestigious permanent collections.

Lee Gil Rae nurtures a particularly close

relationship with nature. As it is a true

source of inspiration for the artist, he

never stops appropriating nature as

well as experimenting with it. Just as an

archaeologist would have, he produced

his first works by digging into the

earth and integrating ancient-looking

materials from his various “excavations”.

These symbols of a past history - oyster

shells, snail shells or pottery fragments

- successively take place within his

sculptures. It is undeniably when he

uses copper as his main material that his

work acquires a whole other dimension.

According to Lee Gil Rae himself, “As

I headed away from the city back

towards the countryside home, I recall

subconsciously following a cargo truck

loaded with pipes and the beehive-like

shape of the pipes were created by the

cross sections: this left a deep impression

on me”. Instead of seeing a mere pipe

piece, the artist imagines it is the symbol

of an organic, or even biological form. In

keeping with his questioning of nature,

he then decided to saw the pipes to

cut them into rings that he would weld

together to create “cellular structures”.

Thus, as early as 1998, he explored the

possibilities of copper compositions

by delivering his first monumental

installations, through the series Creation

and Cohesion. From there he produced

a series of heterogeneous works

mixing traditional references from

Korean culture (From Point to Line),

representations of fruit and vegetables

- Creation and Cohesion - Old Pumpkin

and Creation and Cohesion Garlic - and

vegetable - From Point to Line 1 - as well

as human figuration - Cohesion-men.

The harmony of nature, being

dangerously threatened by the

development of industrialisation which

is causing an environmental crisis and

deforestation, is at the center of the

artist’s most emblematic series: Pine

Tree. Through visual and metaphorical

analogy, Lee Gil Rae extends his artistic

reflection by using the pattern of a

tree to symbolise the communication

between man and nature. The pine tree

represented in his new compositions

echoes the country’s history as a

true national emblem of South Korea,

while also taking on a strong spiritual

dimension: it is the symbol of longevity,

honour and cohesion.

Like a blacksmith, Lee Gil Rae uses a

hammer to restructure the shape of the

copper pieces in order to modify their

pattern. The now oval-shaped cells that

make up the sculptures in the Pine Tree

series henceforth resemble the bark

of a tree. While Lee Gil Rae constantly

compares his artistic process of adding

copper rings to his sculptures to that

of a painter who would add touches of

paint to his canvas, it is also possible

to compare his approach to that of an

architect. Indeed, these compositions,

getting more and more imposing, are

the result of numerous preparatory

drawings carried out with meticulous

attention to detail. In his sketches,

the lines get tangled and unraveled

to imagine as precisely as possible

the realisation of a three-dimensional

structure. By taking a close look at the

materiality and properties of the object

별한 정성을 기울인다. 그에게 자연 이상으로 많은 영감을 주는 주제는 없기 때문에 자연을 전유하는 것은 물론이고, 이를 주제로 끊임없이 실험을 벌인다. 이길래의 초기 작품들은 여느 고고학자의 작업방식과 유사한 과정으로 제작되었는데, 땅에 구덩이를 판 후 그가 여러 차례의 ‘발굴’에서 얻은, 흡사 고대의 유물을 연상시키는 물체들을 그 안에서 합치는 방식이었다. 구체적으로는 굴 껍데기, 올갱이 껍데기, 도자기 파편 따위가 조각에 번갈아 등장하는데 이 물체들은 지나간 과거의 상징으로 기능한다. 그럼에도, 작품의 재료로 구리를 선택했던 순간이 그의 작품세계에 획기적인 변화를 불렀다는 것은 부정하기 어려운 사실이다. 작가는 이렇게 말한다. “도시를 벗어나 시골의 집으로 돌아가는 길이었는데, 언제부턴가 나도 모르게 화물트럭 한 대의 뒤를 뒤따르고 있었다. 동(銅)파이프를 가득 실은 차였는데 파이프를 겹쳐 쌓은 모습이 꼭 벌집 같다고 생각했고, 이 장면이 도무지 머리를 떠나지 않았다.” 파이프를 켜켜이 쌓은 것뿐이었지만 그에게는 이 장면이 일종의 유기적 형태를 상징하는 것처럼 보였고, 더 나아가 생명체까지 연상하게 했다. 한결같이 자연을 탐구해 온 작가정신의 흐름에 따라, 그는 동파이프를 잘라서 원형 고리들을 만들고 이를 용접해 ‘세포 조직’을 만들기로 한다. 이후 그는 <생성과 응집> 연작을 통해 동파이프 조형의 잠재력을 탐사한다. 대형 조형물을 처음 설치한 것도 이 시기이며, 연작 중 가장 이른 작품은 1998년까지 거슬러 올라간다. <생성과 응집> 시기 뒤에는 여러 소재를 혼합한 작품들을 선보이는데, 한국의 전통적 요소들을 함께 섞은 작품 <점에서 선으로>, 야채의 형상을 만든 작품 <생성과 응집-마늘> 및 <생성과 응집-늙은 호

박>, 인체의 형상을 만든 작품 <응집-인간> 등이 있다.

산업사회의 급속한 발전은 산림 파괴 등의 위중한 환경 문제들을 야기했고, 자연의 균형은 전에 없던 절박한 위기를 마주하고 있다. 이길래의 작품세계를 대표하는 <소나무> 연작은 이러한 위기의식을 중심으로 조성되었다. 시각적·개념적 은유를 통해 그는 자신의 작가적 사유를 연장했고, 나무의 형태를 반복적으로 사용하면서 ‘인간과 자연 사이의 대화’라는 주제를 상징적으로 풀어나간다. 소나무 작품들에서 그가 선보인 미학 언어는 가장 한국적인 상징으로 기능해왔던 소나무의 역할을 반영함과 동시에 장수(長壽), 고결, 화합의 가치를 품었던 영적 차원의 소나무도 함께 다룬다.

대장장이가 망치로 철을 다루듯이, 그 역시 원형의 동파이프 조각들을 망치로 두드리면서 원하는 모양을 잡는다. 타원형으로 변한 동파이프 조각은 <소나무> 연작의 세포가 되고, 함께 모여 나무껍질을 닮은 구조물을 조성한다. 작가는 조형물에 동파이프 조각을 하나씩 용접하는 자신의 작업방식이 ‘화가가 캔버스 위에 붓질을 하나씩 쌓는 것과 비슷하다’고 곧잘 설명하지만, 사실 그의 작업방식은 건축가의 작업과도 닮은 면이 있다. 우선 <소나무> 조각이 완성에 가까워질수록 더욱 웅장해진다는 점이 건축물과 유사하고, 단 하나의 조형물을 만들기 위해 수많은 초안과 설계도가 있어야 하는 점 또한 건축학적이다. 작가의 스케치에서는 선들이 서로 꼬였다 풀어졌다 하는 것을 볼 수 있는데, 이는 입체 구조물을 최대한 정확히 설계하기 위해서이다. 작품의 형이상학적 의미들을 유념하는 동시에 재료의

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- without neglecting its metaphorical

dimension - Lee Gil Rae’s vision can also

appear to be that of a builder. While the

unexpected often invites itself into the

realisation of his compositions - partly

due to the complexity of the realisation

of his structures - the artist’s imaginary

“trees” acquire an unprecedented force

when they materialise in space. Thanks

to a porous structure that allows light to

pass through, Lee Gil Rae brilliantly plays

with the possibilities of the medium and

integrates the light component into his

creative process in order to represent a

flourishing nature.

Thus, within the works presented in

the exhibition, Lee Gil Rae builds a new

alternative to reality. He composes a

sophisticated nature that seems to be

constantly striving to reclaim its rights

by integrating itself into a new human-

directed landscape. Despite a resolutely

geometric and minimalist approach,

Lee Gil Rae leaves no stone unturned in

order to get as close as possible to the

representation of nature. He applies the

fundamental principles of natural life to

his own “trees” by delivering sculptures

whose forms echo and “grow” over time.

“It is no exaggeration for me to say that

all the pieces of work that I now make

come from a single pine tree. The image

of the overall shape, part of the stalk,

root, leaf, growth ring, gnarl, bark, etc.

are used in part, then modified and

shaped until complete,” he explains.

Thus, if each plant seems to develop

individually, Lee Gil Rae’s work is to be

understood in terms of a whole, since

it shows a “forest” of eternal trees with

surrealist forms. The viewer, assisted by

the titles of the works, New Pine Tree,

Old Pine Tree and Millennium Old Pine

Tree, can thus identify the representation

of the different stages of the evolution

of plant life and therefore grasp all the

subtlety of the artist’s artistic approach.

In order to get as close as possible

to the original life form, Lee Gil Rae

also integrates copper wire in his

compositions to represent the ring and

leaves of a tree while embellishing his

works with a rusty metal referring to

the wood moss that usually invades tree

trunks. These variations in texture, as

shown in artwork Millennium Pine Tree-20

or Old Pine Tree 2019-12, among others,

reinforce the impression of mimesis. But

is it possible to realistically say there is

resemblance when a form of plant life

is represented through the use of a

material emblematic of modernisation?

If the artist’s main intention seems to

be to give back all its space to nature

by keeping on planting immortal trees

on the planet, an ambivalent character

seems to emerge from his work.

As a matter of fact, though his new

surrealist compositions allow a natural

form of life to survive in an industrialised

world, the aesthetics of his organic

compositions unveil ever-changing

forms. While some of his works such as

Millennium Pine Tree-8 or Millennium

Pine Tree-7 still seem to be governed

by negative human domination through

presenting branches that are cut or

sawn off, other works in the series such

as Millennium Pine Tree-9 or Millennium

Pine Tree-14 seem to break free of any

hierarchy by taking over the space in

an unexpected way. The “trees” are no

longer represented vertically but rather,

they hang on the walls. Faced with this

new out-of-likelihood composition,

물성과 특징들을 좀 더 면밀히 들여다보면 이길래의 시선에는 건설 노동자의 관점도 섞여 있다는 것을 볼 수 있다. 복잡한 구조를 기반으로 하는 <소나무> 연작의 특성상 제작 과정에서 예기치 못한 변수가 자주 나타나는 것은 사실이지만, 이길래가 생각한 ‘나무’의 이미지는 일단 완전한 형태를 갖추기만 하면 비길 데 없는 중압감으로 공간을 압도한다. 작품의 다공질 구조는 곧 빛이 투과할 수 있다는 것을 뜻하며, 따라서 그는 재료의 물성을 탐구하는 것 외에도 조명이라는 변수를 실험하면서 자연의 왕성함을 더 잘 표현하는 방법을 거듭 고민한다.

즉, 전시에 작품을 선보이는 과정을 통해 이길래는 새로운 종류의 대안적 현실을 구현한다. 그가 지어낸 자연은 사색하는 존재이자 투쟁하는 존재이며, 자신의 권리를 되찾기 위해서라면 인간의 공간 속으로 스스로를 밀어넣는 것까지 감수하는 치열한 존재이다. 이길래는 기하학과 미니멀리즘 외의 조형언어는 사용하지 않지만, 자연을 최대한 사실에 근접하도록 재현한다는 목표를 위해 그는 기하학과 미니멀리즘이 허용하는 모든 가능성을 샅샅이 탐색한다. 예컨대, 그는 자연적 생명체를 규정하는 근본적 성질들을 자신의 ‘나무’에도 적용했는데, 나무의 겉모습만 본뜨는 것이 아니라 시간의 흐름에 따라 ‘성장’하는 것이 그러하다. 작가는 이렇게 말한다. “지금까지 만든 연작의 작품들은 모두 한 그루의 소나무에서 나왔다고 사람들한테 설명하는데, 정말 하나도 과장하지 않은 말이다. 전체적인 수형(樹形), 그루터기, 뿌리, 솔잎, 나이테, 옹이, 겉껍질 등에서 일부를 가져온 후 거기에 수정과 변형을 가해서 완성된 작품을 만든다.” 즉, <소나무> 연작의

작품 하나하나는 개별적인 식물처럼 보일 수 있지만, 실은 하나의 ‘숲’ — 초현실주의적 모양으로 자라나는 영생하는 나무들의 숲 — 에서 뻗어 나온 일부이다. <새로운 소나무>, <노송>, <천년-노송>과 같은 제목들을 실마리 삼아 따라가다 보면 관객은 이 작품들이 소나무가 성장하며 거치는 진화의 단계라는 것을 깨닫게 되고 작가의 섬밀한 접근방식을 비로소 이해하게 된다. 소나무의 모습을 최대한 가깝게 재현하려는 노력의 일환으로 그는 동선(銅線)을 사용해 나이테와 솔잎을 만드는가 하면, 금속을 부식시켜서 소나무 껍질에 곧잘 끼는 이끼를 표현하기도 한다. <천년-소나무-20> 및 <노송-2019-12> 등의 작품에서 채용된 다양한 질감은 미메시스의 작용을 증강한다. 하지만 금속이 현대화의 근간이 되었다는 것을 감안하면, 이를 재료로 식물을 재현한다는 것이 과연 가능한 일이었을까? 문명이 점령한 땅을 자연에게 되돌려주는 것이 작가의 의도이고, 영생하는 금속질 나무를 지구의 표면에 심는 것이 그 일환이라면, 그의 작업은 양가적인 측면이 강하다고 볼 수 있다..

그의 나무들이 문명화된 세계 속에서도 생존할 수 있는 것은 초현실주의적 형상을 지닌 덕분이지만, 유기적 조형을 추구하는 그의 미학적 언어 때문에 작품에서 똑같은 형태가 반복되는 경우는 단 한 번도 없다. 가지가 잘려 나간 <천년-소나무-8> 및 <천년-소나무-7>의 모습은 인간의 억압을 한탄하는 것처럼 보이나, 반면 같은 시리즈의 다른 작품들 <천년-소나무-9> 및 <천년-소나무-14>는 공간을 새로운 방식으로 장악하면서 지배-피지배의 관계를 무력화한다. 기존 작품들은 수직 구조물의 형태를 띠고 있었지만, 해

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a feeling of “uncanny” emerges. This

concept is best described by Sigmund

Freud in his eponymous 1919 essay, and

refers to the emotion felt in front of

an object or an everyday thing that is

familiar to us but whose meaning seems

to be slipping from our grasp... Hence,

when dealing with this nature that is no

longer formal, several questions arise:

What are we looking at? What is this

new “vegetal” form that is hanging on

the wall? And above all, how did we get

here?

Those questions, almost philosophical

in nature, highlight the importance of

Lee Gil Rae’s work. Dark and tortuous,

fragiles and thin, his sculpted trees stand

up majestically in the space and expose

environmental issues, so cruelly topical.

Lee Gil Rae questions us, makes us

wonder, makes us think, and confronts

industry and nature which he tames,

poetically.

당 두 작품의 ‘나무’들은 이와 다르게 벽에 걸려 있다. 예측을 벗어나는 그의 수상한 설치 방식은 ‘낯섦에 대한 우려’를 촉발한다. ‘낯섦에 대한 우려’는 지크문트 프로이트가 1919년 저술에서 언급한 개념인데, 사물 자체는 일상적이거나 익숙한 물건임에도 불구하고 그 의도를 가늠할 수 없는 경우를 맞닥뜨렸을 때 느끼는 감정을 말한다. 고로, 정형화된 형태에서 탈피해 버린 이길래의 자연은 다음과 같은 질문들을 던진다. “당신은 무엇을 보고 있는가?” “벽에 걸려 있는 ‘식물적’ 형태는 도대체 무엇인가?” “가장 중요한 질문인데, 당신은 어떻게 이곳까지 오게 되었나?”

상기의 철학적 질문들은 이길래 작품세계가 왜 우리에게 중요한지를 보여준다. 거무칙칙하고 뒤틀렸으나, 섬세하면서 얇기도 한 그의 나무들은 공간 속에 웅장하게 솟아오르며 우리 시대의 가장 시급한 과제인 환경 위기를 적나라하게 드러낸다. 그는 우리에게 질문을 던지고, 궁금증을 품게 하고, 고민하게 하고, 그가 작품의 시(詩)적 일부로 소화한 문명과 자연을 관객이 직면토록 한다.

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Millennium Pine Tree-18

2020

Copper welding

198 x 70 x 68 cm

78 x 27.6 x 26.8 in

18 19

New Pine Tree 2018-1

2018

Copper welding

112 x 112 x 9 cm

44.1 x 44.1 x 3.5 in

20 21


2020

Copper welding

68 x 105 x 17 cm

26.8 x 41.3 x 6.7 in

22


2020

Copper welding

96 x 192 x 19 cm

37.8 x 75.6 x 7.5 in

24 25

New Pine Tree 2018-3

2018

Copper welding

100 x 100 x 7 cm

39.4 x 39.4 x 2.8 in

26 27

Millennium Pine Tree 2018-3 (detail)

2020

Copper welding

121 x 121 x 15 cm

47.6 x 47.6 x 5.9 in

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Millennium Pine Tree 2018-3

2018

Copper welding

121 x 121 x 15 cm

47.6 x 47.6 x 5.9 in

30 31


2019

Copper welding

173 x 82 x 50 cm

68.1 x 32.3 x 19.7 in

33


2020

Copper welding

95 x 200 x 17 cm

37.4 x 78.7 x 6.7 in

34 35


2019

Copper welding

280 x 126 x 60 cm

110.2 x 49.6 x 23.6 in

36 37


2020

Copper welding

135 x 190 x 10 cm

53.1 x 74.8 x 3.9 in

38 39


2020

Copper welding

248 x 252 x 30 cm

97.6 x 99.2 x 11.8 in

40 41


2020

Copper welding

103 x 193 x 16 cm

40.6 x 76 x 6.3 in

42 43


2019

Copper welding

250 x 156 x 118 cm

98.4 x 61.4 x 46.5 in

44 45

Artist’s studio2020

46 47

FOR THE PINE TREE THAT NEVER DIESLee Gil Rae, sculptor

죽지 않는 소나무를 위하여

조각가 이길래(Lee Gil Rae)

I was absorbed in working on the ‘Lost

Castle’ series — Participation Award

for Jung-Ang Great Art Exhibition,

1988 — during my college years. My

main interests during that period were

focused on archaeology and history – an

attraction to the primitive. In hindsight I

can see that this was probably related

to the social situation of that period.

There was the tendency for us to wish

to pursue our more basic instincts and

yearn for a return to the past, as we

collided with the technical apparatus of

industrialisation. To me, it was natural

that I would focus my studies on the

formation and materiality relating to a

longing for pure nature and its image.

These thinking processes were first made

concrete in the works ‘From Soil to Earth’

from a solo exhibition I had in Kumho

Museum of Art in 1997. Interestingly, I

used the method of personally digging

up and shaping the earth creating the

form I wanted, and then using it as a

mold to express the impression of the

land using my materials mixed with soil.

Looking back, it was a time when ideas

and creative energy were overflowing

and thus I was able to accomplish large-

scale, heavy work that required a high

degree of labour.

Later I became obsessed with found

fragment-like materials such as marsh

snails, oyster shells, stones and pottery

etc, which developed into the ‘From Point

to Line’ series (Galerie Bhak, 2001) that

was produced using materials collected

from pottery workshops and the seaside

landscape. There were limitations

preventing me from continuing with this

project as it became difficult to gather

the necessary materials required for the

making of this work.

The project that followed was notable

as the motivation behind the work

became of equal interest to me as the

work itself. It was made at a time when

I was visiting Seoul via the highway

once a week to lecture at university.

As I headed away from the city back

towards the countryside home, I recall

subconsciously following a cargo truck

loaded with pipes and the beehive-

like shape of the tubes were created

by the cross sections: this left a deep

impression on me. At the same time, I

was keenly interested in organic growth

and had begun to grow vegetables and

fruit in the countryside. I associated

the criss-crossing of the pipes in the

lorry with biological cells. It occurred

to me that by cutting copper pipe

into ring-shaped forms and welding

them together I could create cellular

나는 대학 시절에 「잃어버린 성(城)」(중앙미술대상전 장려상, 1988) 시리즈 작업에 몰두해 있었다. 그 당시 주요 관심사는 고고학이나 원시성과 같은 복고적인 무엇에 집중되어 있었던 것 같다. 그것은 아마도 시대적인 상황과도 무관하지 않았으리라 본다. 산업화로 인한 기계적인 메카니즘(mechanism)과 충돌하여 인간의 원초적 본능의 추구나 과거로의 회귀라는 방향이 그것이었다. 그래서 자연스럽게 순수 자연에 대한 동경과 그것의 이미지를 대상으로 한 조형성과 재료의 연구에 집중하게 되었다.

이러한 사고의 과정은 1997년 금호미술관에서 갖게 된 개인전의 연작 「흙에서 땅으로」에서 결정화되어 드러난다. 흥미로운 것은 직접 내가 원하는 형태의 땅을 파헤쳐서 그것을 거푸집삼아 흙이 섞인 재료를 이용하여 최대한 땅의 느낌이 드러나도록 하는 표현 방법을 썼다는 것이다. 지금 와서 회상해 보면 그 당시가 내 인생에서 가장 열정적으로 작업에 몰두하던 시기였고, 작업에 대한 아이디어와 에너지도 넘쳐나, 실제로 노동력이 절대적으로 요구되던 무거운 작업(실제로 무겁고, 비중 있는)을 무리없이 해내던 시기였다.

그 후 다슬기, 석화껍질, 석재, 옹기 등 파편적 재료에 미쳐 도자기 공방이나 바닷가에서 수집된 재료로 「점에서 선」 시리즈(박영덕 화랑, 2001)를 발표한다. 이 작업들은 재료를 구하기가 여의치 않고 작

업 과정도 힘들어 오랫동안 유지할 수가 없었다.

그 다음 작업은 내용보다는 동기가 재미있는 경우로 볼 수 있다. 도시에서 시골로 생활터전을 옮기면서 일주일에 한 번씩 서울로 대학 강의 때문에 고속도로를 타고 이동을 해야 하던 시기였다. 이 때 무심코 파이프를 적재한 화물 트럭을 뒤따라 가다가 본 벌집처럼 뚫려 있는 파이프 단면의 형상이 나에게 깊은 인상을 남겼다. 마침 그 무렵 시골 생활을 하던 나는 채소나 과일 열매 등을 키우면서 생명성에 관심을 갖고 있었다. 그때 보았던 파이프 단면을 세포 단위로 생각하여 동 파이프를 가락지 고리처럼 잘라 용접 작업을 통하여 형태를 완성하는 과정에 도달해 있었다. 여기서 「생성과 응집」 시리즈가 탄생하게 된다. 그러나 이 작품들은 자연을 이야기하기에는 상징성이, 아니 이미지가 부족하다고 생각했다. 고민을 거듭하다가 자연을 상징할 대상을 나무로 정하게 되었다. 이전에 쓰던 동 파이프를 망치로 두들겨 타원형 고리로 만들어 나무 표피를 표현하였다. 그러다 보니 그 이미지가 소나무 표피와 흡사하게 닮아 있었다. 그 후 「나무」(사비나미술관, 2008, 2010) 연작이 나오게 되었다. 사실 소나무 작업을 처음부터 의도하였던 것은 아니고, 그냥 우연한 결과였다. 작가로서 감각적인 선택이라고 보면 좋겠다.

이때부터 소나무에 관심을 갖게 되었는데, 한국을 대표하는 나무이자 우리 문화

48 49

structures. This is how the ‘Creation and

Cohesion’ series came to life. However

initially, I felt that these pieces lacked

symbolic resonance. Eventually, I chose

the tree as a fitting motif to symbolise

nature. I hammered the bronze pipes I

used before and made them into oval-

shaped rings to express the outer bark

of the tree. As I continued, the imagery

developed more specifically to resemble

the outer layer of the pine tree. The

sequence Tree (Savina Museum, 2008,

2010) developed from this.

I started to develop my interest in pine

trees from that point onwards. The pine

tree represents Korea and our cultural

legacy but as a symbol I have found

out that it also attracted people in a

deep and intimate way, for me it is an

everyday, almost ordinary entity that

encompasses grace and humility. I think

that is why so many people like the pine

tree – it offers comfort. The pine tree has

a multi-layered circle of function and

meaning - as an object of psychological

contemplation and it can also operate as

a playground for common people. Also,

it is said that our historical character

dwells within the tree. Aside from this,

formally the attraction of the pine tree

is limitless as it carries huge variations

derived from climatic and genetic

disparity; the diverse colours coming

from a single tree changing from season

to season provide ceaseless inspiration

and the outer layer seems to hold the

story of the passing of time.

It is no exaggeration for me to say that

all the pieces of work that I now make

come from a single pine tree. The image

of the overall shape, part of the stalk,

root, leaf, growth ring, gnarl, bark, etc. are

used in part, then modified and shaped

until complete. Perhaps transformed into

human or animal form, or developed into

shapes which represent the balanced

characteristics illustrated on primitive

pottery. Especially those ceramic pieces

where bas-relief gives the effect of looking

at an ink-and-wash painting. I am often

surprised myself that so many pieces of

art have been made from a single pine

tree, and it seems to me now that there

will be endless works of art continuing to

derive from it.

Just as with living things which lose their

function when taken apart, organic vitality

is maintained when cells and fragments

come together. However, through the

multitude of cross-sections of copper

pipes that I create - the pine tree that I

make never dies. By instilling the character

of the object; the object’s nature continues

to live. I desire to continue to plant my

trees on this land. This is the way that I

show my love for nature and, in turn, also

the way I love myself, as a part for nature.

This way I show my respect to nature, who

will remain a great master.

의 고고성뿐만 아니라 친근한 매력에 이르기까지 예술과 생활을 아우르는 대상이었다. 그래서 많은 사람들이 소나무를 좋아하고, 정신적으로는 사유의 대상이자 나아가 서민들에게는 놀이터의 역할까지 겸하는 매우 중층적인 상징의 고리를 지니고 있었다. 또한 우리의 역사성도 깃들어 있을 뿐 아니라, 자유분방한 형태, 한 그루의 나무에서 우러나오는 여러 색감, 세월의 풍화를 머금고 있는 듯한 표피 껍질 등등 많은 조형적인 매력을 지니고 있다.

소나무 한 그루에서 모든 작품이 나온다 해도 과언이 아니다. 일단 전체적인 형태, 부분 줄기, 뿌리, 이파리, 나이테, 옹이, 껍질 이미지 등을 부분으로 이용 하거나 변형하여 조형화하는 작업은 사람이나 동물 형상으로 변형되거나, 원시 토기의 균형감을 대표하는 삼지(三枝) 형태의 조형 작업으로 나타난다. 특히 부조작업은 회화적인 느낌이 강하여 마치 한 폭의 수묵화를 그려내는 듯한 효과를 내기도 한다. 소나무 한 그루에서 이렇게 수많은 작품이 나올 줄 나 자신도 미처 몰랐다. 아니 앞으로도 끊임없이 작품이 나올 것 같다.

생명이나 물체가 분해되면 그 기능이 소멸되듯이, 세포나 파편이 응집되면 유기체적 생명력을 유지하게 된다. 수많은 동 파이프 단면들이 물성화 과정을 통하여 영원히 죽지 않는 소나무를 만들고, 나는 이 땅 위에 그것을 식수(植樹)해 나아가고 싶다. 이것이 내가 자연을 사랑하는 방법이며, 그 일부인 내 자신을 사랑하는 방법이기도 하다. 끝으로 나의 영원한 스승인 자연에게 경의를 표한다.

50 51

Millennium Old Pine Tree 2019-1

2019

Copper welding

290 x 430 x 17 cm

114.2 x 169.3 x 6.7 in

52 53

Artist’s studio2020

54 55


2020

Copper welding

260 x 404 x 40 cm

102.4 x 159.1 x 15.7 in

56 57


2019

Copper welding

224 x 112 x 51 cm

88.2 x 44.1 x 20.1 in

58 59

Old Pine Tree 2017-6

2017

Copper welding

230 x 270 x 10 cm

90.6 x 106.3 x 3.9 in

60 61


2019

Copper welding

173 x 150 x 29,5 cm

68.1 x 59.1 x 11.6 in

63


2020

Copper welding

147 x 211 x 28 cm

57.9 x 83.1 x 11 in

64 65

Human-Shaped Pine Tree

2020

Copper welding

170 x 50 x 38 cm

66.9 x 19.7 x 15 in

66 67


2019

Copper welding

111 x 200 x 10 cm

43.7 x 78.7 x 3.9 in

68


2019

Copper welding

470 x 200 x 85 cm

185 x 78.7 x 33.5 in

71


2019

Copper welding

92 x 134 x 10 cm

36.2 x 52.8 x 3.9 in

72 73


2019

Copper welding

280 x 135 x 63 cm

110.2 x 53.1 x 24.8 in

76 77


2020

Copper welding

250 x 122 x 87 cm

98.4 x 48 x 34.3 in

78 79

Millennium Old Pine Tree-1

2019

Copper welding

500 x 380 x 20 cm

196.9 x 149.6 x 7.9 in

81


2019

Copper welding

74 x 141 x 9 cm

29.1 x 55.5 x 3.5 in

82


2019

Copper welding

230 x 111 x 47 cm

90.6 x 43.7 x 18.5 in

84 85

I N T E R V I E W

What are your artistic influences, your

relation with sculptural tradition? What

are the artists who were inspirational

to you?

I have been deeply affected by motifs

from ancient times, traces of relics, and

history. During my college days, I liked

Alberto Giacometti and I was fascinated

by Charles Simonds, who inspired my

early work, the Castle series.

Could you tell us about your technique?

How has copper welding become

pivotal in your sculptures?

The materials and themes of my work

are actually reflected in my means of

expression; I have found the pipe rings

to be the best material for expressing

the outer layer of the tree, the copper

wire for the leaf and the tree ring, and

the corroded colour of the copper for

the wood moss.

Your sculptures appear as intricate

networks or arborescence of rings,

branches and lines: are these

compositions metaphorical in a way?

Welding – the way my materials are

integrated – is the process through

which the cells of a substance aggregate

and complete a human form. There is a

shared materiality.

Some of your titles echo human

forms - Human-shaped pine tree,

Anthropomorphous Pine Tree. Could

you please tell about these titles?

Part of nature resembles an unspecified

physical property (organism) such as

a person or an animal. In other words,

this signifies the relationship and

communication between nature and

human beings.

The relation to nature is pervasive

in your works, through sculptural

compositions of vegetal and mineral

elements. Could you tell about this

influence, and why do you focus your

work on pine trees in particular?

When we consider humans as part of

nature, all living things have a single

source; that’s why I am interested

in nature. In addition, pine trees are

everywhere in the mountains of Korea,

and it is a symbol of longevity and

fidelity. They are the ‘friendliest’ artistic

tree.

Nevertheless, in your work the

pine trees appear as extremely

sophisticated in their composition,

sometimes human, animal or heart-

shaped, as if carved and distorted by

human hand. How do you consider

these interactions between man and

nature?

The human figure in the partial shape of

the tree is initially connected with the

perception that the tree and man are, in

fact, one.

Your work exudes a strong sense of

anchoring, with trees either firmly

coiled around rocks, or on the contrary

floating as if looking for roots and a

작업에 영향을 준 예술적 요인과 전통 조각과의 연결점이 있을까요? 영감을 받은 예술가들은 누구인가요?고고학의 시간, 유물 흔적, 역사성 등에서 모티프를 찾았다. 대학 시절 알베르토 자코메티를 좋아했고, 성(castle) 시리즈(나의 초기 작품)에 영감을 준 찰스 스몬즈에 매료되기도 했다.

작업 기법에 대해 말씀해 주시겠어요? 구리를 용접하는 것이 작품에 어떻게 주요 역할을 하게 되었나요?내 작품의 주제와 재료는 표현방식에 매우 밀접해 있다. 파이프 고리(링)는 나무의 표피를, 구리선은 이파리, 나이테를, 구리의 부식된 색은 나무 이끼 등을 표현하는 데 있어 최적의 재료이다.

작품이 복잡한 구조의 선과 나뭇가지의 형태로 이루어져 있는데, 이런 작품 속 구성은 어떠한 방식을 통해 은유적인 표현으로 재현되고 있나요?재료를 용접으로 집적해 나가는 방식은 물질의 세포가 응집되어 하나의 생명체-형태를 완성해 나가는 과정이다.

사람의 형상을 지칭하는 작품의 제목 –“인송(Human Shaped Pine Tree,

Anthropomorphous Pine Tree)”-에 대해서 설명 해주시겠어요?자연을 부분적으로 보면 사람이나 동물 등 불특정한 물성(유기체)과 닮아 있다. 이것은 결국 자연과 인간의 관계와 소통을 의미한다.

작품의 주요 주제로 다루어지고 있는 자연 중 수목의 형태와 물질의 세포 단위에 영향을 받은 것에 대해 이야기 해주실 수 있을까요? 특히나 소나무에 상당히 관심을 두는 이유가 있을까요?인간을 자연의 일부로 보면 모든 생명체들은 하나의 근원을 가진다. 자연에 대해 내가 관심을 가지는 이유이다. 또한 소나무는 특히 한국의 산야에 널리 서식하는 품종으로 예로부터 장수와 지조의 상징으로 예술적으로도 가장 친근한 나무이다.

마치 손으로 떼어 빚은 듯한 인간, 동물 또는 하트 모양의 형태를 하고있는 소나무는 정교하게 구성되어 있습니다. 이와 같은 인간과 자연사이의 관계는 무엇을 나타내고 있나요?나무의 부분형상에서 인간의 모습을 결부시킨 것은 나무와 인간이 하나로 소통된다는 동양적 인식의 출발이다.

바위를 단단히 휘감거나 반대로 다져진 땅과 뿌리를 찾는 듯한 수목의 형상은 강한 정착의 특성을 뿜어내고 있습니다. 이런 특성이 작업에 어떤 관계가 있나요? 캄보디아 앙코르와트의 거대한 나무 뿌리들을 연상해 보라. 그것은 단순한 생명체가 아니라 오랜 역사의 뿌리와도 같이 세월을 느끼게 한다. 조형적으로도 탁월한 형상이다. 눈에 보이지 않는 뿌리의 속성에도 관심을 가지고 싶었다. 또한 삼지 뿌리는 한국 고유의 역사성에 기인하는데 삼지토기, 삼족오, 3박자 등 ‘3’을 조화의 의미로 받아들인다.

86 87

firm ground. What are your reflections

on that matter?

Think about the huge tree roots of

Angkor Wat in Cambodia. It is not just

a life form, but something that makes

you feel the time of long history. It is

an excellent shape in terms of form. I

was also interested in the properties of

invisible roots. In addition, Samji (tri-

parted) roots originated from the unique

history of Korea, and three is considered

to equate to harmony such as the Samji

pottery, the three-legged crow, and

three beats.

Your work meticulously represents

all the ramifications and asperity of

the bark, the veins of the leafs and

branches, the annual growth rings on

the trunks. Hence evoking the passing

of time and the slow-paced life

inhabiting the trees. How would you

describe your relation to time in your

work?

I wanted to find the depth of human

nature and history within the form of

nature. It is human time itself.

The spatial installation is crucial to your

sculptures, their projected shadow on

the walls being an integral part of them.

How do you deal with the question of

shades in your works? Are they the

starting point of your compositions, or

rather do you compose with it as you

go along?

My work emphasises pictorial

expressions. I first design it as a whole

and then start with the physical work,

but sometimes the effect also appears

unintentionally during the process. I feel

the artistic impact within the collision

of different elements such as sculpture

and painting, flat and three dimensional.

The refinement of your works

brings to mind traditional Korean

lithography and folk painting. Is your

work a reinterpretation, tribute or

continuation of this artistic heritage?

I often think about expressing the

Korean ink-and-wash painting style in

three dimensions. It is there.

In your future works, do you consider

using another material? What challenge

would like to take up?

I am trying to combine my early works

with the soil series and my current

working method, and attempting to

create large drawings.

작가님의 작품 속에는 나무껍질, 잎과 가지의 맥, 그리고 나이테까지 나무의 모든 요소들이 섬세하게 표현되어 있는데, 이는 나무를 둘러싸고 느리게 흘러가는 시간의 경과를 상징적으로 드러내고 있다는 느낌을 받았습니다. 작품에서 시간이 갖는 의미는 무엇인가요?인간의 본질과 역사의 깊이를 자연의 형상에서 찾고 싶었다. 인간의 시간 그 자체이다.

작가님의 작품에서 공간은 매우 중요한 요소로 보여집니다. 특히 벽에 투사된 그림자가 작품에 있어서 큰 부분을 차지하고 있는 것 같습니다. 작가님께서는 작품의 초기 구상 단계부터 그림자의 형태를 염두하고 작업을 하시나요, 아니면 작업 과정 속에서 자연스럽게 드러나는 부분일까요?내 작품은 회화적인 표현을 중시한다 전체적으로 구상을 하고 출발하지만 과정 중에 우연적으로 효과가 드러나기도 한다. 조각과 회화, 평면과 입체라는 이질적인 것들의 충돌에서 예술적 임팩트를 느낀다.

특히 정교한 작가님의 작품은 전통적인 한국의 판화나 민화를 연상케 하기도 합니다. 그런 작품들이 한국의 예술적 유산에 대한 재해석, 찬사, 나아가 이의 연속성을 위한 것으로도 이해할 수 있을까요?한국의 수묵화적인 느낌을 입체로 표현하고자 하는 생각을 많이 한다.

앞으로의 작업을 위해 구상 중이신 새로운 시도나 재료가 있을까요?초기 작품의 흙 시리즈 작업과 지금 작업을 결합시킨 것, 그리고 대형 드로잉 작업을 시도하고 있다.

90 91

LEE GIL RAE 죽지 않는 소나무를 위하여Education

Graduated from Dept. of Art

Education, Kyunghee University

M.A. Dept. of Sculpture, Kyunghee University

Selected Solo Exhibitions

2020

The 11th Solo Exhibition, Opera Gallery, Seoul

2017

The 10th Solo Exhibition, Opera

Gallery, New York

2015

The 9th Solo Exhibition,

Gyumjaejungsun Museum, Seoul

2012

The 8th Solo Exhibition, Galerie bk, Seoul

2010

The 7th Solo Exhibition, Savina

Museum, Seoul

2008

The 6th Solo Exhibition, Savina

Museum, Seoul

2007

The 5th Solo Exhibition, Art-space

Camerata, Seoul

Korean Contemporary Art Festival, Seoul Art Center, Hangaram Art

Museum, Seoul

학력

경희대학교 및 同 대학원 미술학과, 조소전공 졸업

개인전

2020제11회 개인전, 오페라갤러리, 서울

2017제10회 개인전, 오페라갤러리, 뉴욕

2015제9회 개인전, 겸재정선미술관, 서울

2012제8회 개인전, 갤러리bk, 서울

2010제7회 개인전, 사비나미술관, 예술의전당광장, 서울

2008제6회 개인전, 사비나미술관, 서울

2007제5회 개인전, 아트스페이스 카메라타, 파주 헤이리, 파주한국현대미술제, 예술의전당 한가람미술관, 서울

92 93

Gallery, Singapore

Lights & Shadows, Opera Gallery, Beirut

Inauguration of Beirut Art Week 5th edition, Opera Gallery, Beirut

Miami Art Fair, Beach Convention

Center, Florida

2016

Metal Spirit, KOSA Space Gallery, Seoul

Assemble the Sculpture, LiGak

Museum of Art, CheonAn

2015

Art, Show, Space art1, Seoul

2015 Hong Kong Art Fair, Hong

Kong Arts Centre, Hong Kong

Conversion of recognition, Seo-Ho

Museum, Gyung-gi, Namyangju

Art of Singapore city, Singapore

Orchard Street, Singapore

Art Night in Korea, Opera Gallery, Dubai

Art Show Busan 2015, BEXCO, Busan

Regeneration-Art Korean Contemporary,

Opera Gallery, Paris

2014

地.天.命-2 Exhibition, Blue Square

Ne mo Gallery, Seoul

Gallery in Garden, Incheon

International Airport Millennium

Hall, Incheon

Korea Arts 7 Exhibition, Etroit

Gallery, Mexico

2014 Jungsun International fire sculpture festival, Sam tan Art mine,

Kang one

Knowledge of healing – Emptying and filling, Jeju Museum of Art, Jeju

Metal works today, Kimjongyoung

Museum, Seoul

Architectural sculpture, Soma

Museum, Seoul

2017Shadow of a Pine Tree, 오페라갤러리, 싱가폴Lights & Shadows, 오페라갤러리, 베이루트Inauguration of Beirut Art Week 5th

edition, 오페라갤러리, 베이루트마이애미 아트페어, 비치 컨벤션 센터, 마이애미, 플로리다

2016Metal Spirit, KOSA 스페이스 갤러리, 서울조각을 맞추다, 리각미술관, 서울 2015 Art, Show, 스페이스아트1, 서울2015 홍콩아트페어, 홍콩아트센트럴, 홍콩인식의변환전, 서호미술관, 경기 남양주싱가포르 도시의 예술, 오차드거리, 싱가폴한국 미술의 밤, 오페라갤러리, 두바이아트쇼부산 2015, 벡스코, 부산Regeneration-Art Korean Contemporary, 오페라갤러리, 파리

2014地.天.命-2인전, 블루스퀘어 네모갤러리, 서울Gallery in Garden, 인천공항 밀레니엄홀, 인천한국미술7인전, 에뜨라갤러리, 멕시코2014정선국제불조각축제, 삼탄아트마인, 강원도 정선

2003

The 4th Solo Exhibition, Galerie Bhak, Seoul

2001

The 3rd Solo Exhibition, Galerie Bhak, Seoul

1997

The 2nd Solo Exhibition, Kum-Ho

Museum, Seoul

1991

The 1st Solo Exhibition, Gallery Ye-

Hyang, Seoul

Selected Group Exhibitions

2019

One Inspiration – The Very First Ideas from Korean Traditional and Culture, Savina Museum of

Contemporary Art, Ottawa

Eternal Spring, Opera Gallery, Singapore

Korean Art – A contemporary take on texture, Opera Gallery, Dubai

2018

Made in Asia, Opera Gallery, New York

From Nature to Culture, Opera

Gallery, Paris

Transcending Matter, Opera Gallery,

Hong Kong

The Daily Look From Art, Opera

Gallery, Singapore

The Art of Matter, Opera Gallery, Monaco

Korean Contemporary, Opera Gallery, Seoul

Busan International Art Fair, Bexco, Busan

Korea, China, Japan, SamKukMiGam,

SamTan Mine Modern Museum, JeongSun

2017

Shadow of a Pine Tree-A glimpse of Korean Contemporary Art, Opera

2003제4회 개인전, 박영덕화랑, 서울

2001제3회 개인전, 박영덕화랑, 서울

1997제2회 개인전, 금호미술관, 서울

1991제1회 개인전, 예향갤러리, 서울

단체전

2019영감의 원천 – The Very First Ideas from Korean Traditional and Culture, 사비나 미술관, 오타와Eternal Spring, 오페라갤러리, 싱가폴Korean Art – A contemporary take on texture, 오페라갤러리, 두바이

2018Made in Asia, 오페라갤러리, 뉴욕Transcending Matter, 오페라갤러리, 홍콩The Daily Look From Art, 오페라갤러리, 싱가폴The Art of Matter, 오페라갤러리, 모나코Korean Contemporary, 오페라갤러리, 서울부산국제아트페어, 벡스코, 부산

한중일 삼국미감전, 삼탄아트마인, 강원도 정선

94 95

International Sculpture Symposium Special Exhibition, Icheon City

Museum, Icheon

Republic of Korea, Seeking the future, Andong Cutural Arts Center,

Andong

2009

Our Garden, The 5th Open-Air Sculpture Exhibition, Gimhae Arts

and Sports Center, Gimhae

Cosmetic Jam, Insa Art Center, Seoul

New Morning, Seoul Art Center

Gongpyeong Gallery, Seoul

Special Exhibition for the Year of Ox, Jang Eun Sun Gallery, Seoul

2008

The party-人, C.J.L.L.P.S Sculpture

Exhibition, Gallery Kayang, Seoul

Sehan-Do in My Mind, Photohouse

Gallery, Seoul

Space and Urban Design Exhibition,

Old Seoul Station Museum, Seoul

Hwaum Project, Seoul Art Center,

Concert Hall, Seoul

Arts and Play, Seoul Art Center,

Hangaram Art Museum, Seoul

Creative Mind, Savina Museum,

Seoul

2007

The Five Selected Contemporary Sculptors Exhibition, Daegu Gallery

Soheon, Daegu

International Sculpture Symposium in Icheon, Icheon Seolbong Park, Icheon

Korea-China-Japan Modern Arts Exhibition, Nowon District office, Seoul

The 1st Open-Air Sculpture Exhibition, Pyramid Square in COEX

Trade Center, Seoul

2010 Unexpected, 디아트갤러리, 대전서울미술대전-조각, 서울시립미술관, 서울태화강 국제미술제, 울산 태화강둔치, 울산이천국제조각 심포지엄 특별전, 이천시립박물관, 이천대한민국 미래모색, 안동문화 예술의전당, 안동 2009제5회 야외조각전 – 우리들의 동산, 김해 문화의전당, 김해코스메틱 잼, 인사아트센터, 서울새 아침, 공평아트센터, 서울황소걸음, 장은선갤러리, 서울

2008 The party-人, 가양갤러리, 부산내 마음의 세한도, 포토하우스갤러리, 서울공간과 도시디자인 특별전, 서울 구역사박물관, 서울화음 프로젝트, 예술의전당 콘서트홀, 서울미술과 놀이, 예술의전당 한가람미술관, 서울크리에이티브 마인드, 사비나미술관, 서울

2007 조각 5인전, 소헌갤러리, 대구이천국제조각심포지움, 이천 설봉공원, 이천

2013

Jean François Larrieu & Lee Gil Rae 2 Exhibition, Opera Gallery, Seoul

Elements of Nature, Opera Gallery, Singapore

Jung gwang sik&Lee Gil Rae 2 Exhibition, Galeria Ethra, Mexico

The high school art textbook, Gyohaksa, Seoul

2012

Pohang Steel Art Festival, Pohang

Museum of Art, Pohang

2012 Korean Artist Project, Google Art

Projects 2

Tasty Land, Yangpyeong Art

Museum, Yangpyeong

Metal Spirit, Gallery Grimson, Seoul

Haïti Charity-Auction, Seoul Auction

Gangnam, Seoul

2011

The Moving Arts Village, Nampo Art

Gallery, Goheung

POMA 2011 Art Way Project, Pohang

Museum of Art, Pohang

Art Jungle, garden5 Rooftop

Garden, Seoul

Remember you, Hyundai Arts

Center, Ulsan

The Secret Forest, Dream Forest

Arts Center, Seoul

Daegu Art Fair Special Exhibition of Modern Sculpture, Exco, Daegu

The middle school art textbook,

Gumsung publisher, Seoul

2010

Unexpected, D-art Gallery, Daejeon

Seoul Art Exhibition-Sculpture, Seoul Museum of Art, Seoul

International Art Taehwagang, Taehwa River, Ulsan

치유의 기술 – 비움과 채움, 제주도립미술관, 제주Metal works today, 김종영미술관, 서울 건축적인 조각, 소마미술관, 서울

2013 Jean François Larrieu&Lee Gil Rae 2인전, 오페라갤러리 서울Elements of Nature, 오페라갤러리, 싱가폴정광식&이길래 2인전, 에뜨라갤러리, 멕시코고등학교 미술교과서 수록, 교학사, 서울 2012 포항스틸아트페스티벌, 포항시립미술관, 포항2012 코리안 아티스트 프로젝트구글 아트프로젝트2맛의 나라, 양평군립미술관, 양평Metal Spirit, 갤러리 그림손, 서울아이티 자선경매, 서울옥션 강남점, 서울 2011 움직이는 예술마을, 남포미술관 고흥2011 아트웨이프로젝트, 포항시립미술관, 포항아트정글, 가든파이브 옥상정원, 서울당신을 기억합니다, 현대예술관, 울산비밀의 숲, 꿈의숲아트센터, 서울대구 아트페어 현대조각 특별전, 대구 엑스코, 대구중학교 미술교과서 수록, 금성출판사, 서울

96 97

2001

Invitation Exhibition of Korean Contemporary Sculpture,

Chuncheon MBC, Chuncheon

Artists Today, The World Ceramic

EXPO Open-air Pavilion, Seoul

2001 to 2002 Sculpture Exhibition,

Gallery lamer, Seoul

2000

Miami International Art Fair, Galerie

Bhak, Miami Beach Convention

Center, Florida

Unification 2000, The National

Assembly Building, Seoul

200 Sculptors Invitation Exhibition,

Gallery Wing, Seoul

1999

Invitation Exhibition of Jung-ang Art Award, Hoam Art Museum, Seoul

Invitation Exhibition of Dong-A Art Award, Ilmin Museum of Art, Seoul

San Francisco International Art Fair, Galerie Bhak, Fort Center, San Francisco

1998

200 sculptors’ Artworks Exhibition,

Sun Gallery, Seoul

Gak Sculpture Exhibition, Dukwon

Gallery, Seoul

Drawing Crossing Exhibition, Kum-

Ho Museum, Seoul

Busan International Art Festival, Busan Museum of Art, Busan

1997

International Ceramic Biennale, Seoul Museum of Art, Seoul

Breathing of Korean People Exhibition, Art Hall, Seoul

Invitation Exhibition of Dokushima

2001 한국현대미술조각 초대전, 춘천 문화방송, 춘천오늘의 작가기수, 세계도자기엑스포 야외전시장, 이천2001 to 2002 조각전, 라메르 갤러리, 서울 2000 마이애미 국제아트페어, 비치 컨벤션센터, 마이애미, 플로리다Unification 2000전, 국회의사당, 서울개관기념 200인 조각 초대전, WING 갤러리, 서울 1999 중앙미술대전 수상작가 초대전, 호암갤러리, 서울동아미술제 수상작가 초대전, 일민미술관, 서울샌프란시스코 국제아트페어, 포트 메이슨센터, 샌프란시스코화랑미술제, 박영덕 화랑-예술의 전당, 서울 1998 200인 조각가 소형 작품전, 선화랑, 서울각 조각전, 덕원갤러리, 서울드로잉 횡단, 금호미술관, 서울서울지방검찰청 푸른쉼터기념 조형물, 대학로 마로니에 공원, 서울부산국제아트페스티벌, 부산시립미술관, 부산

Art-garden, Sejong Center for the

Performing Arts, Seoul

2006

Art-park, Seongnam Art Center, Seongnam

2005

Outdoor project Blue in the stream,

Seongnam Art Center, Seongnam

Melting Zone, Gallery Davinchi, Seoul

2004

Should say not all Still Life, Gana

Art Center, Seoul

Outdoor project Festival, Sejong

Cultural Center, Seoul

Art & Environment, Galerie Bhak, Seoul

2003

40’s Artist, Gallery Moro, Seoul

Seoul Auction Fair 2003, Seoul

Auction A+Space, Seoul

Kyunghee Univ. Art Education Exhibition, Gallery Chongro, Seoul

2002

Invitation Exhibition of Dong-A Art Award, Gallery Sang, Seoul

Kyunghee Sculpture Association Exhibition, Insa Art Plaza, Seoul

Members of Dong-A Artist Association Exhibition, National Museum

of Contemporary Art, KwaCheon

Sculpture and Space, Korea First

Bank, Seoul

한·중·일 현대미술제, 서울 노원구청, 서울서울환경조각 페스티벌, 코엑스 피라미드광장, 서울아트가든, 세종문화회관, 서울 2006 아트파크, 성남아트센터, 성남

2005 성남아트센터 개관기념 야외조각전, 성남아트센터, 성남Melting Zone, 다빈치 갤러리, 서울 2004 정물 아닌 정물, 가나아트센터, 서울야외공간 프로젝트 축제, 세종문화회관, 서울예술과 환경조형, 박영덕화랑, 서울 2003 불혹의 신예, 모로갤러리, 서울서울옥션페어 2003, 서울옥션 A스페이스, 서울경희대학교 미술대학 승격기념전, 종로갤러리, 서울 2002 동아미술제 수상작가전, 갤러리 상, 서울경희조각회전, 인사아트프라자갤러리, 서울동아미술제 동우회전, 국립현대미술관, 과천조각과 공간, 제일은행본점, 서울

98 99

Awards and Honours

2015

Korea Association of Art Critics Award

1995

Special Award in Jung-Ang Biennale

1990

Dong-A Art Award in the Dong-Art Festival

1989

Special Award in the 8th Great Art

Exhibition of Korea

1988

Participation Award in the 11th Jung-

Ang Great Art Exhibition

1987

Special Award in the 5th Great Art

Exhibition of the youth

University, Dokusima University

Museum, Japan

1996

Members of Dong-A Artist Association Exhibition, National

Museum of Contemporary Art, KwaCheon

Asia Modern Art Festival, Seoul

Museum of Art, Seoul

1995 Asia Modern Art Festival, Doll Gallery, SeoulInvitation Exhibition; Young Artist in Korea, Seoul Museum of Art, Seoul 1994 Members of Dong-A Artist Association Exhibition, National Museum of Contemporary Art, KwaCheon Finding Han River, Gallery Jo-Hyung, SeoulInvitation Exhibition Celebrating the 45th Anniversary of Kyunghee Univ., Seoul Art Hall, Seoul

1997 국제도예비엔날레 특별전, 서울시립미술관, 서울한민족숨결, 문예진흥원 미술회관, 서울일본 도꾸시마 대학 초대전, 도꾸시마 대학 미술관, 일본 1996 동아미술제 동우회전, 국립현대미술관, 과천아시아현대미술제, 서울시립미술관, 서울

1995 아시아현대미술제, 도올갤러리, 서울한국지역작가청년 초대전, 서울시립미술관, 서울 1994 동아미술제 동우회전, 국립현대미술관, 과천한강을 찾아, 조형갤러리, 서울경희대학교 45주년 미술초대전, 예술의 전당, 서울

수상

2015한국미술평론가협회 작가상 수상

1995제1회 중앙비엔날레 특선, 중앙일보사

1990동아미술제 동아미술상 국립현대미술관

1989제8회 대한민국미술대전 특선, 국립현대미술관

1988제11회 중앙미술대상전 장려상, 호암갤러리

1987제5회 청년미술대상전 특선, 청년미술관

100 101

Permanent Collections

Dae Myung Building OfficeEastern District CourtLondon Boutique HotelIntercontinental Hotel in HefeiKwacheon National Museum of Contemporary ArtSeoul Museum of ArtSavina Museum of Contemporary ArtSamsung Foundation of CultureCJ Foundation of CultureDaegu Health CollegeSeoul Supreme Prosecutors Office Memorial SculptureAnseong Memorial Sculpture ParkYeongdong Sculpture ParkJinhae Jangbok Mountain Park Outdoor SculptureBucheon dodang ParkSeoul Hanjin Haemoro HanjinHeavy Industries&Construction Office BuildingSeoul Mariott HotelGapyung EcopiaDaegu BanwoldanMoonkyung STX ResortPohang ValueplusNampo Art MuseumSeoul Plaza HotelHanwha Galleria ForêtPohang Museum of ArtMario SeoulCapri Hotel in SingaporeJW hotels in GuangzhouJW hotels in HangzhouMexico AraneaLIG Sacheon InstituteFour Seasons Hotel SeoulIcheon City HallThe Mandrake Hotel, LondonSeoul Eastern District Court

작품소장처

대명사옥동부지방법원영국 런던 부티크 호텔중국 허페이 인터콘티넨탈 호텔과천 국립현대미술관서울시립미술관사비나미술관삼성문화재단CJ문화재단대구 보건대학서울 지방검찰청 대학로 푸른쉼터 기념 조형물안성 만세공원영동 조각공원진해 장복산 조각공원부천 벚꽃동산 공원서울 구의동 한진해모로서울 남영동 한진중공업 사옥서울 메리어트 호텔가평군 대성리 에코피아 상징물대구 반월당 중앙분리대문경 STX리조트포항 벨류 플러스서울 플라자호텔한화 갤러리아포레포항 시립미술관서울 마리오싱가폴카프리호텔남포미술관중국 광저우JW호텔중국 장저우JW호텔멕시코 아라니아LIG 사천연수원포시즌호텔서울이천시청런던 더 맨드레이크 호텔서울동부지방법원

Published by Opera Gallery to coincide with the exhibition

Lee Gil Rae: Timeless Pine Tree 千年 ( 천 년 ), September-October 2020

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BAL HARBOURThe St. Regis Bal Harbour Resort

9703 Collins Avenue, Lobby FloorMiami Beach, FL 33154


ASPEN501 E Dean Street

Residences at the Little NellAspen, CO 81611


LONDON134 New Bond Street

London W1S 2TF T. + 44 (0)20 7491 2999

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PARIS 62 rue du faubourg Saint-Honoré

75008 ParisT. + 33 (0)1 42 96 39 [email protected]

MONACO 1 avenue Henri Dunant

Palais de la Scala98000 Monaco

T. + 377 9797 [email protected]

GENEVAPlace de Longemalle 10-12

1204 GenevaT. + 41 (0)22 318 57 70

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DUBAIGate Village Building 3

Dubai International Financial Centre Dubai

T. + 971 (0)4 323 [email protected]

BEIRUTFoch 94, Foch AvenueBeirut Central District


HONG KONG W Place, 52 Wyndham Street

Central, Hong KongT. + 852 2810 1208

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SINGAPORE2 Orchard Turn

#02-16 Ion OrchardSingapore 238801T. + 65 6735 2618

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SEOUL18 Eonju-ro 154 gil

Gangnam-guSeoul 06021


operagallery.com

Opera Gallery would like to thank the artist for his help and generosity that made this exhibition possible.

lee gil rae · 2020. 8. 28. · 12 13 - without neglecting its metaphorical dimension - lee gil...

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