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Abril - 2013
Dirección generalDis. Paúl ArévaloRosa Muñoz
Departamento Legal
ColaboradoresVicente CondoDis. Paúl Arévalo
Fuentes bibliográficaswww.foroalfa.orgwww.graficoyvisual.blogspot.comBibliotecasUniversidad de cuenca
Texto y Diseño Gráfico
Impresión Arte Visual
Distribucion a nivel local Regional Ediciones Cuenca
Comentarios - Sugerencias 2864710 [email protected]
Edición 1
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El diseño se relaciona con circuns-tancias, está emparentado al lenguaje. Y el lenguaje mismo vale tanto como su capacidad de reproducir circunstancias. Su eficacia consiste en poder reproducir incluso aquellas cir-cunstancias que antes no había
llegado a expresar. – Otl Aicher
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Innovación y originalidad en Diseño
Los mensajes inconscientes de las Marca
La eco-imagen como estrategia para el Consumo
Analizar y criticar Publicidad
Software libre para Diseñar
La enseñanza del Neurodiseño
Como desarrollar la Creatividad
12 Consejos para Mejorar tu habilidad
Tenica ,Pop up "los mensajes inconscientesde las Marcas"
en el Diseño Gráfico
Efecto Highlight
Efecto ojos de Zombie
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Efecto de fotografía Antigua
Efecto Pintura de Oleo
Efecto HDR
Efecto agregar cabello
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CONTENIDOS
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En el campo del diseño urbano, arquitectónico, indus-trial y gráfico hemos dado demasiado énfasis a la creación de lo nuevo.La moda, con esa lógica perversa que renueva nues-tros hábitos en cada temporada, reviste de nuevo el pasado, sin siquiera mejorarlo. Ante esto, destacan aún ciertas tradiciones, signos, objetos, calles, ciuda-des, etc., que son el orgullo de quien ha sabido man-tenerlas.
El hedonismo demanda cosas nuevas, pero ¿es que existe una experiencia de lo nuevo?, ¿se hace por acumulación paciente o por shock desconcertante?
Por su parte, las llamadas «vanguardias» tanto en la ciencia, la filosofía, el arte, la tecnología y la cultura, no han evitado excesos y confusiones en la mayor parte de los casos. El resultado evidente: en la actualidad ningún concepto se ha discutido tanto como la inno-vación y la originalidad.
Se les denuncia como responsables de ser manipula-bles para dar poder y privilegios a unos cuantos. Se les acusa de haber perdido el sentido de realidad de la vida. Y no sólo eso: lo nuevo, lo original, está provisto de una parte que en cualquier caso.
Gerardo Quezada - Moviliaria
Gabriel Simón
Diseñador industrial docente, investigador,
profesional con 42 años de trayectoria. Estudio en UNAM. Trabajo en Artec-nia. Ejerzo la docencia en UAM Xochimilco. Investigo
en UAM XochimilcovZño de Interiores, Diseño
Industrial.
Innovación y Originalidad en el Diseño
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Los conceptos innovación, originalidad y diseño en parte se superponen. Pero existen connotacio-nes diferentes que no permiten El diseño sin el componente innovador es una contradicción; pero la actividad innovadora que introduce algo original en el mundo, algo que no existía, no es causa suficiente para poder carac-terizar el diseño en su plenitud.
Benjamin Quezada- la Naturaleza OriginalGerardo Quezada - Moviliaria
Es ilusoria, fruto de una realidad de recombina-ciones de datos precedentes, y por otra, está sujeto al sistema de valores que las vanguardias pretendían derribar. Los conceptos innovación, originalidad y diseño
en parte se superponen. Pero existen connotacio-nes diferentes que no permiten declOEsto lleva consigo la ruptura del estado estacio-nario y el inicio de un proceso de desarrollo.
En la historia del diseño se reiteran continuamen-te, bajo diferentes ópticas, dos aspectos funda-mentales: continuidad y cambio, y a veces sus conflictivas exigencias han originado profundas tensiones, reforzadas por la manera en que ha evolucionado históricamente el diseño.
La innovación en el diseño es entendida como un proceso de cambio y alteración de los productos, sistemas y servicios de producción industrial, que introduce combinaciones nuevas que modifican profundamente el sistema productivo anterior.
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Cuando nuestros padres supieron que naceríamos, pensaron en ponernos un nombre teniendo en cuen-ta algunas cosas: confirmaron si íbamos a ser niño o niña, si coincidía con el apellido de ambos, etc.
Las elecciones de nuestros padres para ponernos un nombre, en pequeña medida, fueron el comienzo de nuestra identidad personal. Tenemos un nombre para diferenciarnos y a la vez para ser parte de una socie-dad y su entorno.
Algo similar sucede al crear el nombre de una marca, con la diferencia de que esta representará a un pro-ducto, a un servicio o a una organización.
A medida que pasa el tiempo se ve cómo una marca se asienta en el mercado especialmente las buenas marcas, que dejan una gran huella en el inconsciente de las personas.
Cuando se diseña una marca gráfica se debe procu-rar que represente adecuadamente a la marca por-que es como la firma de una persona.Una persona es su cuerpo, su mente, su forma de ves-tir, de hablar, etc. se reflejan todas las características de esa persona: cómo piensa, siente y actúa.
Vanessa Lerner
Investigador, profe-sional especialista en
Grafología Publicitaria, con 7 años de trayec-toria. Trabajo en Gra-
fo_Logos. Investigo en Grafología Publicitaria.
Los mensajes Inconscientesde las Marcas
Sabemos cómo será ese producto, para qué servirá y en base a ello procuramos crear un nombre y unos signos gráficos que representen adecuadamente la imagen que se busca proyectar.
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Para que esa parte inconsciente de la creación no ge-nere efectos contrarios a los deseados, la grafología publicitaria interviene en sus interpretaciones, aportando una conciencia de lo que verdaderamente está comuni-cando el diseño gráfico.
¿Cómo es posible? Teniendo los conocimientos de los arquetipos podemos lograr elegir adecuadamente aquellos rasgos que representen lo que queremos co-municar.
Los seres humanos nos vamos formando con el paso del tiempo y no somos un «producto» terminado. Se podría decir que la marca también se va forman-do con el tiempo, pero en realidad se va afirmando (si es que se hizo un buen trabajo).
¿Por qué y para qué? Porque muchas veces una marca gráfica está diseñada por un lado, desde la conciencia, y por otra parte se proyecta el inconsciente, que puede o no beneficiar a una marca.
Para quienes conocemos de la aplicación de la gra-fología, lo mismo ocurre con las marcas gráficas en re-lación a las organizaciones y los productos.
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También en oriente una de las interpretaciones que se le da al blanco es el luto, mientras que para sig-nificado.
Según Carl Jung, en el hombre coexisten dos instancias cuyos contenidos divergen y se contraponen entre si:1. Inconsciente colectivo, donde persisten remotas cosmovisiones o imágenes fundamentales y primitivas, transferidas de generación en generación.2. Inconsciente personal, poblado de imágenes y recuerdos imprecisos, incluye los sentimientos y pensa-mientos reprimidos, significativos para cada sujeto parti-cular, que son elaborados durante la vida individual.
El negro también puede representar seriedad, so-briedad, entre otras cosas. Para saber cuál es el sig-nificado adecuado debemos tener en cuenta el con-texto, la cultura y otros signos que lo refuercen, para decir que un color o signo gráfico está comunicando algo específico.
Por otro lado, hay excepciones a la regla, pero se sabe lo importante que es tener presente a quién va dirigido el diseño.
nosotros los occidentales es el negro. Hay que dejar en claro que las interpretaciones tanto de los colores como de cualquier signo gráfico varían según el con-texto, ya que no cuentan con un único
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Los movimientos ecológicos, los productos biodegra-dables, la producción amigable, la reutilización de materiales y el bajo impacto para el ecosistema, son hoy la directriz fijada por las empresas y sus sofistica-das líneas de producción. La aparición de movimientos como Greenpeace y WWF, entre otros movimientos y organizaciones, ha logrado instalar el tema ambiental en la mente del ciudadano común.
Esa preocupación extendida y difundida en todo el mundo por el cuidado y bienestar del planeta, ha obligado a que la triada: empresa-producto-con-sumidor se vea forzada a replantearse y redefinirse dentro del nuevo orden emergente de consumo.
El interés mercantil de muchas empresas ezstá construido en torno al incentivar un consumo cada vez más inconsciente y mecánico (tirar, comprar, tirar).
Omar Franco
Diseñador gráfico docente con 17 años de trayectoria. Ejerzo la docencia en Universi-
dad de Nariño. Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Industrial, Ilustración,
Marketing, Motion Graphics, Publicidad, Tecnología
Ante este panorama, el contexto del consumo pare-ciera en algunos casos privilegiar al producto que ha sido concebido bajo un enfoque humano, sostenible y reutilizable. Aunque quizá sea solo una estrategia comercial, principalmente cuando los productos dejan en evidencia su obsolescencia programada.
La Eco-Imagen como estrategiapara el consumo.
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Esta estrategia de consumo se puede confrontar al observar dispositivos de comunicación que se lanzan al mercado cada dos o tres meses bajo el concepto de in-novación incremental3, donde los cambios en el produc-to son mínimos, pero para el consumidor tecno-fascinado representan una oportunidad única de mantenerse ac-tualizado.
La obsolescencia programada4 en la producción nos obliga a preguntarnos sí realmente existe una verda-dera responsabilidad social y ambiental por parte del sector empresarial , sus fábricas, o por el contrario no es más que un planteamiento falso, que tiene como propó-sito confundir al consumidor, quien observa inerte cómo la eco-imagen, de una empresa o producto se ufana de sus cualidades eco-amigables, mientras de manera planificada edifica sofismas y tretas de incentivación de consumo.
Muy poco tiempo después tendrá que remplazarlo con-tribuyendo a ciclos de vida cada vez más cortos. Tam-bién es el caso de las baterías y bombillas que pierden su capacidad a los doce meses de uso y equipos com-putacionales que después de un año resultan imposibles de actualizarse o que han sido concebidos y fabricados bajo el concepto de horas-uso.
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Celio Martines ecoimagen
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Interesante como se aprovecharon las ventajas de la sigla Ecopetrol (Empresa Colombiana de Petróleos), descomponiéndola en eco y petrol, matizándose con tonos de verde y amarillo, evocando naturaleza y energía.
Seguramente, marcas que no imaginamos tendrán que virar su imagen hacia escenarios más verdes. Por ahora el horizonte es complejo, las empresas se construyen desde sofismas y estrategias de consumo, y el dise-ñador gráfico asume que su compromiso termina con vincular un icono de reciclaje a su etiqueta o empaque.
Eco - petrol empresa
En consecuencia, tendremos eco-imágenes proliferan-do en todas partes, algunas realmente comprometidas y articuladas bajo una estructura y visión empresarial y otras que serán simplemente dispositivos visuales que engañarán al ciudadano común, que sólo pensará en que su producto tenga un icono de reciclaje y que gran parte de su etiqueta o contenedor esté en color verde.
Tal vez las ideas de producción amigable y respon-sabilidad social, sean solamente eso, ideas. Tal vez tengamos que acostumbrarnos al bombardeo que ya se inicia, de imágenes construidas desde la idea de ajuste estético y de tendencia mundial, lo que denomi-namos eco-imagen.
En Colombia la
Eco-Imagen
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Un análisis nunca se hace para destruir sino para mejorar algo, o sencillamente para dar una opinión objetiva, ya sea para el mundo o para proyectos relacionados. Pero, ¿por qué es necesario ser crítico?
La respuesta es simple: sin criterio no existe la crea-tividad, sin criterio caemos en la mecanización de las labores, convirtiéndonos en «una gota de agua más llevada por el río». El criterio nos permite reconocer lo correcto, pero no solo para saber que esta ahí, sino para estudiar sus causas y consecuencias.
Analicemos lo que nos interesa del criterio: publicidad, mercadeo e imagen.
Mario AlemánComunicólogo estudiante, profesional es-pecialista en Redes sociales, con 3 años
de trayectoria. Estudio en Universidad Centroamericana UCA. Trabajo en Claro
Nicaragua. Branding, Comunicación, Diseño Au-
diovisual, Diseño Gráfico, Diseño Web, Ilus-tración, Marketing, Paisajismo, Publicidad,
Relaciones Públicas, Tecnología.
Quien crea una publicidad sin importar su origen: ideológico, religioso, político, comercial, educativo o social quiere que pensemos, aunque sea por un mo-mento, que lo que nos está diciendo es lo correcto.
Sí claro, hay todo un proceso creativo detrás de cada publicidad y cada mensaje, pero nos interesa el resul-tado, nos interesa analizarlo de forma critica y sobre todo con ojo de comunicador. Ese mensaje, ¿de dón-de vino?, ¿para qué se hizo?, ¿a quién se dirige? y ¿bajo qué circunstancias?
Analizar y CriticarPublicidad
¿Cómo analizar algo que está diseñado para ser di-recto y generar un punto de vista nuevo y bueno? Esta es nuestra labor.
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¿Cómo hacerlo? Primeramente debemos ser neutrales ante un diseño publicitario y no dejarnos llevar por si es «bonito» o «colorido». Nuestra labor debe ser constructi-va y profesionalmente ética.
¿Cuál es el objetivo del mensaje y a quién le interesa este mensaje? Para esto el comunicador debe asegu-rarse de que el mensaje sea captado por el publico de interés, utilizando medios visuales o, de una forma más sencilla, palabras específicas y directas, sin «andar con rodeos».
El mensaje puede ser subjetivo, pero el resultado debe provocar una reacción objetiva.Pero en realidad, ¿qué es una reacción objetiva?,
Analizamos cada detalle, empezando por quién es el que habla. ¿Es una corporación o es la «tiendita de la esquina»? Conocer al emisor nos da la primera gran idea acerca de la dirección del mensaje. Luego tene-mos el «cómo».
Es importante definir a través de qué medio se está enviando el mensaje. Cada medio funciona de formas diferentes y es efectivo en diversas clases sociales según su esparcimiento.Los siguientes pasos son sencillos: «por qué» y «para quién».
Metodo de Envio Fedex empresa empresa
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¿es la esperada por el departamento de Inteligencia de Mercado y los creativos publicitarios?, ¿o es la reac-ción popular de un público influenciado por la cultura y los estereotipos sociales? Es un poco de todo, porque obviamente los publicistas deben tomar en cuenta los factores sociales del público objetivo y adelantar las reacciones para lograr que el mensaje se entienda y hasta pueda quedar como top of mind.
La objetividad con la que el público reacciona depen-de del uso que se le de al mensaje: si se vende un pro-ducto se tiene que lograr que en la mente del público solo exista esa opción.
En cambio, si se vende una idea debe ser analizable, criticable y explorable; la audiencia tendría que poder tomar esta idea, interiorizarla e identificarse con ella.
El conocimiento crítico o la capacidad de análisis pu-blicitaria es una mezcla de estudio y experiencia, con el toque creativo que se requiere para poder enviar un mensaje. Sin esto no se podría hacer una investiga-ción o análisis integral de una campaña o idea.
Cada proceso de comunicación es metódicamente el mismo, pero cambia su objetivo y desarrollo según el entorno y aplicación de la campaña; es por eso que un análisis crítico debe, sobre todo, mantener una ética impecable, porque como profesionales de la publicidad entendemos cada etapa y cada reque-rimiento.
Más que nada, entendemos que toda campaña se trabaja de forma diferente, por lo tanto no podemos realizar una crítica enfocados en lo que nosotros cree-mos que es «lo correcto»,
sino en la forma en que el público reacciona ante un determinado anuncio o mensaje.
Ser crítico no es destruir, sino impulsar un análisis que lleve al mejoramiento y entendimiento de un mensaje publicitario, con el único objetivo de de-sarrollar nuevas ideas y enfoques para estructurar una campaña publicitaria integral.
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“LA TIERRA SE ESTA CALENTANDO”
Se verlasalreves - spots ecologicos
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¿Que es software libre? Dice Richard Stallman1:
«El criterio específico de que un programa sea libre, es llevar las cuatro libertades esenciales. La ‘libertad cero’ es la de ejecutar el programa como quieras. La ‘libertad uno’ es la de estudiar el código fuente del programa y cambiarlo para que haga tu informática como quieras.
El control individual no basta, entonces requerimos la ‘libertad dos’ de redistribuir copias exactas del pro-grama cuando quieras, y la ‘libertad tres’ de redistri-buir copias modificadas del programa.
El sistema del copyright creció con la imprenta, una tecnología usada para la producción masiva de co-pias.
El copyright se ajustaban bien a esta tecnología, puesto que restringía sólo a los productores de co-pias en masa. No privaba de libertad a los lectores de libros. Un lector cualquiera, que no poseyera una imprenta, sólo podía copiar libros con pluma y tinta, y pocos lectores fueron demandados por ello.
Las tecnologías digitales son más flexibles que la imprenta: cuando la información adopta una forma digital, la puede copiar fácilmente para compartirla con otros.
Sofware Libre paraDiseñar
Joaquín Sánchez
Diseñador gráfico profesional con 44 años de trayectoria. Trabajo en Amateditorial, S.A. de C.V..
Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Web, Ilustración, Marketing, Motion
Graphics, Publicidad, Tecnología.
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Es precisamente esta flexibilidad la que se ajusta mal con un sistema como el de los derechos de autor. Esa es la razón del incremento de medidas perversas y dra-conianas que se emplean en la actualidad para hacer cumplir los derechos de autor del software».
¿Como nace la idea del software libre?Entre los años 1960 y 1970, el software no era conside-rado un producto sino un añadido que los vendedores de las grandes computadoras de la época (las main-frames) aportaban a sus clientes. En dicha cultura, era común que los programadores y desarrolladores de software compartieran libremente sus programas unos con otros.
Ya en los años 80, la mayoría del software ya era privativo, lo que implicaba tener dueño y derechos de uso reservado, prohibiendo la libre distribución, la mo-dificación por el usuario.
Los hackers de aquel entonces que no estuvieron con-formes con estas restricciones decidieron elaborar su propio sistema operativo y programas equivalentes a los de Windows y Apple, que dicho sea de paso, tam-bién habían sido implementados por hackers (Steve Wozniac, Steve Jobs, Bill Gates y otros), que decidieron restringir su uso y cobrar derechos por sus creaciones, cambiando su anterior filosofía hacker por la capitalista, llegando a estar entre los más ricos del mundo.
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Software libre para diseñadoresLa legal distribución sin limitación en la cantidad de copias, actualizaciones y número de instalaciones, es una gran ventaja para universidades, escuelas, estu-diantes, maestros, estudios de diseño, imprentas, edi-toriales y empresas, ya que no tienen que hacer un gasto mayor en el software.
Hay más de 100.000 aplicaciones de código abierto, incluyendo programas equivalentes a Microsoft Office, la Suite de Adobe, la Suite Corel Draw, Autocad, pro-gramas de animación 3D, edición de video, retoque de fotografías, exploradores de internet y otros pro-gramas de productividad y ciencias.
Se puede acceder al código y hacer los cambios que se deseen, siempre y cuando se distribuya igualmen-te en forma gratuita.
Hay cliparts con dibujos, fotos, tipos de letra libres y hasta una nube libre para guardar y compartir archi-vos muy grandes.
Se puede instalar GNU/Linux en forma dual, montada sobre plataforma Windows o Mac, y al encender el equipo elegir cuál de los dos sistemas se desea iniciar. No hay qué deshacerse de las herramientas habitua-les, siempre se puede elegir entre un sistema operativo y el otro.
Anteriormente instalar GNU/Linux resultaba un poco problemático, pero ese no es el caso hoy en día y la apariencia es igualmente moderna.Hay programas libres y gratuitos que están disponibles también para Windows o Mac, también equivalentes a los programas de diseño, como Autocad, edición de video y retoque fotográfico tradicionales, aunque con algunas diferencias y mínimas limitaciones.
Cada día se están creando nuevas actualizaciones gratuitas con mejoras sustanciales.
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A raíz de la actual revisión del plan de estudios de diseño1 en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, surge el planteamiento de la conveniencia de incorporar a dicho plan de estudios la materia Neuro-diseño. Por desgracia se trata de un tema muy nuevo que resulta incomprendido por muchos.
No resulta tan facil determinar cómo podría ser la ma-teriaNeurodiseño, cuál debería ser su orientación, su temática, su relación con el resto de las materias, ni cuál es la capacidad docente requerida para impar-tirla. La idea de este texto es realizar un aporte en relación a dos de esos aspectos: la orientación y la temática.
Respecto al contenido de la materia, este dependerá del punto de vista que se adopte (cerebrocentrista o visión integral). Una visión cerebrocentrista podría incluir contenidos de las neurociencias y del Neuromarketing, adaptando esos contenidos tanto al diseño como a su impacto.
En contrario a esa visión existe una más integral, que considera que lo que ocurre en el cerebro es parte de una unidad interactiva mucho más amplia, tanto de sensacionesinteroceptivas como exteroceptivas, incluido el ambiente social del in-dividuo.
Jorge Luis Muñóz
Docente con 32 años de trayectoria. Ejerzo la docen-
cia en UNAM. Comunicación, Diseño Gráfi-
co, Diseño Web, Tecnología.
La enseñanzadel NeuroDiseño
Respecto a la orientación, existe una perspectiva ce-rebrocentrista —que está «de moda»— que parte exclusivamente de considerar los fenómenos que ocu-rren en el cerebro, descartando incluso al resto del sistema nervioso.
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Desde la perspectiva biológica ya se puede empren-der la comprensión de lo que ocurre en diversas zonas cerebrales ante una imagen (que bien puede ser un producto de diseño).
Por tanto, si se sabe qué partes del cerebro estimula un diseño, se puede aprovechar tal impacto en la compo-sición y sobre todo se pueden esperar altos niveles de eficiencia comunicativa.
El impacto de una imagen en el individuo no es nuevo para el diseño, que desde hace mucho integra hallaz-gos de la Psicología y otras disciplinas sociales, pero ahora es posible saber a nivel neural las secuelas de los estímulos que induce un diseño y su impacto en la conducta.
Debe recordarse que el diseño es una composición estético-comunicativa que, a diferencia del arte, si no comunica lo que se desea comunicar, no sirve. Un di-seño no sólo debe ser bello, también debe comunicar eficientemente. Ahí es cuando las neurociencias pueden hacer por el diseño un gran servicio, al posibilitar altos estándares de impacto en la comunicación.
Del impacto de imágenes y propaganda en general, el Neuromarketing tiene mucho que decir; por lo que el Neurodiseño puede valerse de las técnicas del Neu-romarketing pero nunca debe confundirse con este. El Neuromarketing es la medida de las posibilidades de impacto de un diseño, mientras que el Neurodiseño es composición.
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Al introducir las neurociencias en el diseño es necesario introducir otras disciplinas, porque no es posible quedar-se en el determinismo neurocientífico. Ya Marino Pérez2, de la Escuela de Filosofía de Oviedo, menciona al ce-rebro centrismo como la moda de las neurodisciplinas, pese a que no llegan a justificar plenamente todas sus afirmaciones.
No obstante lo anterior, el gran mérito de las neurocien-cias es su capacidad para motivar nuevas explicaciones de los mismos fenómenos que finalmente aportan so-luciones novedosas. Ejemplo de esto es lo que ya sa-bíamos acerca del poder de los escotes y de los ojos grandes para llamar la atención. Hoy el eyetracking nos confirma científicamente los efectos de esos fenómenos.
En suma, el contenido de una materia de Neurodise-ño podría incluir bases biológicas: el estudio del sis-tema nervioso, las partes del cerebro, la sinapsis, etc.
Debería contemplar también el estudio mínimo de la sensación, la percepción, la atención, la memoria y el manejo del inconsciente a través del análisis de la in-tuición y la experiencia interior. La parte social podría conformarse con estudios de Psicología Social, cultura y estructura sociales. Del Neu-romarketing importan sus técnicas y resultados, que son los que, en conjunto de la estadística, proporcio-narían los índices de impacto del diseño.
Aunque originalmente había organizado ese conte-nido por unidades de estudio para dos semestres, creo que tal organización no viene al caso, en tanto primero deberían emprenderse las tareas de hacer ver al Neurodiseño como factible, mientras se decide la mejor orientación. Tales tareas darían por defecto el contenido que debería tener el Neurodiseño como materia.
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Lilian Pérez
Diseñadora gráfica docente, estudiante, investigador, profesional con 6 años de
trayectoria. Estudio en Universidad Autó-noma de Ciudad Juárez
áreas de interés.Branding, Comunicación, Dise-ño Audiovisual, Diseño Gráfico,
Ilustración, Publicidad.
Afortunadamente, hoy en día, sabemos que eso es falso ya que no se trata de ningún ser divino dicién-donos cómo descubrir el «hilo negro».
La creatividad parte de un proceso mental y es utili-zada en variados campos. Con la creatividad se de-sarrolla también la paciencia,
En la antigüedad se creía que la creatividad prove-nía de las ninfas, hermosas criaturas que daban única-mente a los elegidos la capacidad de ver las cosas de manera diferente. Les susurraban a los artistas cómo lograr sacar, por ejemplo, al hombre que se encontraba en un trozo de mármol; cómo se debía golpetear una superficie para que produjera ritmos y un sinfín de expresiones humanas.
La creatividad es la habilidad humana gracias a la cual adecuamos la realidad y la presentamos de una forma atractiva e interesante. Esta capacidad es un ingrediente indispensable en el propio desarrollo de disciplinas que evolucionan constantemente (como la música), y nos ayuda a encontrar nuevas asociaciones entre los problemas que se nos presentan.
Sin embargo, hay ocasiones en las que esta facultad no se evidencia y al no saber estimularla, nos que-damos con la idea de no ser «creativos». Pese a esta sensación, la creatividad es constantemente estimulada por nuestro entorno, que se transforma y va generan-do problemas que debemos resolver, encontrando así nuevas asociaciones.
Como desarrollar la Creatividad
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• Mostrarycompartir:Eldaraconocerlasideas,exponerlas a la crítica, puede ayudar a ver desde otra perspectiva el trabajo.
La pregunta que todos nos hacemos es ¿cómo desa-rrollar la propia creatividad? A continuación algunas sugerencias para desarrollar esta habilidad:
• Escucharmúsicadediferentesgéneros:explorarnuevos estilos musicales a los que no se está acostum-brado puede ayudar a razonar las ideas de manera diferente.
• Dormirunasiesta:dejareltrabajoporunratopuede ayudar a reorganizar las ideas.
• Noseguirmodas:cuandoserealizaunproyec-to, lo primordial es inyectarle la esencia de lo que se crea conveniente, sin tomar en cuenta lo que en ese momento esté moda. Al final de cuentas, las modas son pasajeras.
• Jugar:todaactividadlúdicaayudaaestimularla mente.
• Leer:estogeneraenlamentenuevosescena-rios. Es importante contagiarse de nuevos mundos para expandir el propio.
• Escribirtodo:cualquierideadebeseranotada,por simple que parezca, pues no se sabes si ésa es la pieza del rompecabezas que se acomodará en la propia creación.
• Desconectarsedelacomputadora:caminarporla casa, el parque o simplemente ver lo qué hay alre-dedor sin tener enfrente a la pantalla puede ser una gran inspiración.• Practicar:lasvecesqueseannecesariasymás.
Nunca dejar de practicar. Picasso dijo: «Cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando».
• Serconstante:dejarquefluyanlasideasyso-bre todo, no rendirse.
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Es necesario estar siempre activos en el diseño gráfico incluso sino tenemos proyectos reales para trabajar podemos crear marcas ficticias y crear toda una ima-gen gráfica para nuestros proyectos falsos como por ejemplo la creación de logotipos, volantes, propues-tas de diseño para un sitio web. Con esto podremos practicar nuestras habilidades, ejercitar nuestra crea-tividad y aumentar nuestro portafolio para mostrar.
1. Realiza tus propios proyectos 2. Mejora tus diseños anteriores.
Otro paso que puedes dar en el proceso de mejo-rar tus habilidades en el diseño gráfico es tomar pro-yectos anteriores de esos que tienes respaldados en DVD o guardados en tu computadora y hacerlos nuevamente y darles algunos retoques y mejorar-los con la experiencia que ya tienes. Esto también te ayudar para aumentar el portafolio para mostrar.
3. Inspirarte en otros diseños
Algo muy bueno que podemos hacer es tener mate-rial para inspirarnos y tomar ideas para proyectos, es-tos diseños podemos sacarlos de internet, de libros o hasta de material gráfico que vemos en la calle. Esto nos ayudará a mantenernos actualizados en las ten-dencias del diseño y mantenerte siempre diseñando.
4. Tener un blog y leer otros blog de diseño
Tener un blog es muy bueno para expresarte y ejercitar-te en la redacción que es otra habilidad que debemos pulir. Tener un blog también te permite crearte un nom-bre en internet al tiempo que puedes ayudar a otros compartiendo tus conocimientos y consejos. Puedes tam-bién nutrirte de información sobre diseño gráfico leyen-do otros blog de diseñadores que pueden inspirarte.
5. Comunícate con otros diseñadores
Conocer a otros diseñadores gráficos es de gran ayuda…. Bien sea que conozcas a personas con mayor experiencia en el área que tu de las cuales puedes aprender o puede pasar que conozcas a diseñadores que se están formando de los cua-les también puedes aprender y compartirles de tus experiencia la cual puede nutrirlos a ellos y ti.
6. Participar en las comunidades de diseño gráfico
En internet hay cientos de comunidades de dise-ño gráfico de las cuales puedes adquirir recursos y conocimientos. Si de verdad deseas estar actuali-zado sobre el diseño te recomiendo que busques comunidades y participes en ellas donde puedes colgar tus trabajos y ver las opiniones de otros usua-rios las cuales pueden ayudarte muchismo a mejorar.
12 consejos para mejorar tus habilidades en el Diseño Gráfico
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7. Tomar fotografías
La fotografía es un elemento muy importante para todo diseñador gráfico, ya que con ella puedes lle-varte casa elementos interesantes que encuentres en la calle y que pueden ser de utilidad para futu-ros proyectos. Además es una habilidad muy nece-saria que todo diseñador gráfico debería ejercitar.
8. Asistir a seminarios y eventos
Para todo profesional es muy necesario poder asis-tir a eventos donde se hable sobre los temas rela-cionados a su profesión y los diseñadores gráficos necesitamos estar en constante aprendizaje y que mejor que los eventos que constantemente se reali-zan en muchas ciudades sobre diseño gráfico y pu-blicidad. En estos sitios además de aprender pue-des relacionarte con otros profesionales del área de los cuales pueden salir alianzas muy interesantes.
9. Tener libros de diseño
Los libros son parte de todo profesional y para los diseñadores son grandes recursos de cono-cimiento, inspiración, e información. Aunque por lo general son costosos es bueno poder te-nerlos en casa ya que por lo general resultan muy útiles y valiosos para nuestro aprendizaje.
10. Tomar clases y cursos de diseño
En muchas ciudades ofrecen cursos valiosos para los diseñadores como pueden ser clases de dibu-jo, pintura, fotografía, manejo de software, entre tantas cosas. Esto te permitirá aprender herramien-tas nuevas, perfeccionar conocimientos, y adquirir destrezas necesarias para competir laboralmente.
Ser un diseñador no significa que vas a pasar todo el día frente a la computadora, por el contrario per-mítete tiempo para otras actividades que no ten-gas que ver con tu trabajo. Probablemente a par-te de diseñador puedes ser un gran guitarrista o bailarin; experimenta con otras actividades que se saquen de la computadora y despejen tu mente.
El dibujo es parte elemental en todo diseñador grá-fico, probablemente diarias…Yo no se dibujar, o no soy bueno en eso. Déjame decirte que la practica hace al maestro y no necesitas ser un gran ilustra-dor con que sepas expresar claramente tus ideas en papel tienes un gran paso adelante, pero nun-ca esta demás ejercitarnos en el dibujo realizan-do bocetos y dibujos de elementos cotidianos.
11. Aprender cosas nuevas 12. Dibujar
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Su nombre en español significa literalmente “tienda de Fotos” pero puede interpretarse como “taller de foto”. Su capacidad de retoque y modificación de fotografías le ha dado el rubro de ser el programa de edición de imá-genes más famoso del mundo.
Photoshop ha dejado de ser una herramienta únicamente usada por diseñadores, para convertirse en una herra-mienta usada profusamente por fotógrafos profesionales de todo el mundo, que lo usan para realizar el proceso de retoque y edición digital, no teniendo que pasar ya por un laboratorio más que para la impresión del mate-rial.
Photoshop es y sirve para..
Es el nombre o marca comercial oficial que recibe uno de los programas más populares de la casa,
Adobe Systems, junto con sus programas hermanos Ado-be Illustrator y Adobe Flash, y que se trata esencialmente de una aplicación informática en forma de taller de pin-tura y fotografía que trabaja sobre un “lienzo” y que está destinado para la edición, retoque fotográfico y pintura a base de imágenes de mapa de bits.
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TUTORIAL
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1º Paso
Lo primero que haremos es abrir nuestra imagen (si tiene claroscuros luce mucho mas el efecto) y la convertiremos en un Objeto inteligente. Para esto, nos situamos en la capa de la imagen (so-bre el nombre, no sobre la imagen en miniatura) y con el botón derecho hacemos click para abrir el menú contextual de dicha capa. Ahí encontra-remos “Convertir en objeto inteligente”.
Los objetos inteligentes o Smart Object conser-van el contenido original de la imagen con todas sus características originales, de tal modo que posibilitan la edición no destructiva de la capa en cuestión.
2º Paso
Lo que haremos a continuación es modificar la sombras. Para esto vamos a Imagen > Ajustes > Sombras/iluminaciones… y en la ventana que aparece, modificaremos las sombras a un 50%. De esta forma:
Efecto Highlight
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En verdad el valor aparece como predetermi-nado, así que se habrán dado cuenta que es solo dar ok. Pero una vez aprendido el proceso completo del efecto explicado en este tutorial, les recomiendo que prueben desde “Mostrar mas opciones” con mover otros parámetros (siempre es bueno descubrir nuevos cambios).
Veamos que hemos obtenido con este proceso:
3º Paso
Creamos una nueva capa de ajuste desde los íconos que encontramos al pie del panel de ca-pas, la cual será Blanco y negro. Aquí nos apare-cerá la siguiente ventana:
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Inicialmente les propongo poner estos valores. Una vez finalizado el proceso podremos ingre-sar nuevamente a este ajuste para, ya viendo el efecto final, modificar los colores que necesitemos según la imagen con la que estemos trabajando.Le damos al Ok y cambiamos el modo de fusión de esta capa de ajuste a “Superponer“.
4º Paso
Nos situamos sobre la capa de la imagen convertida en objeto inteligente y presio-namos CTRL+J para duplicar la misma. Ya en la capa duplicada, vamos a Filtros > Enfo-car > Enfoque suavi-zado. Le daremos los siguientes valores:
Ya con estos ajustes, el antes y el después de-bería verse así:
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Ya a esta altura veremos como nuestro efecto se luce en nuestra imagen. Pero lo bueno de esto es intentar realzar al personaje principal por sobre el resto de la imagen. En este caso el fondo es tex-turado, pero si hubiera paisaje de fondo, quizás convendría tratar al personaje por un lado y al paisaje por el otro… para hacerlos independien-tes y poder manejar la intensidad de cada uno por separado.
Seleccionamos el color blanco como frontal y to-mamos la herramienta pincel para pintar solo al personaje. Veamos en capas como quedaría:
Situados sobre la capa duplicada, vamos a Capa > Máscara de capa > Ocultar todo. Con esto ha-bremos creado una máscara con color negro que ocultará todo el efecto.
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Como podemos observar en la imagen, tenemos la fotografía original convertida a objeto inteli-gente con Sombras/iluminaciones (oculto para acortar la imagen), luego la capa duplicada con el enfoque suavizado y la máscara ocultando el fondo de la imagen y luego la capa de ajuste Blanco y negro.
Esto debería darnos como resultado lo siguiente:
El fondo solo se ve alterado por la capa de ajuste de Blanco y negro, a la cual podríamos agregarle la misma máscara que a la capa anterior si esto modificara a desgusto la imagen.
5º Paso
Ya tenemos nuestro efecto de Alto contraste y brillo. Por último lo que he hecho es intentar cen-trar mas la acción en la imagen. Para eso creé una nueva capa (arriba de todo) y tomé la he-rramienta de degradado, seleccionando en sus propiedades la opción radial.
Trazé desde la cintura hasta pasando la parte superior de la imagen para obtener un resultado como el siguiente:
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Y como vemos en la imagen, copié la máscara de la capa que resaltaba al personaje pero en este caso la invertí para que solo tome el fondo. Como hacer esto en forma simple?
Nos situamos sobre la máscara en cuestión y con la tecla CTRL presionada, hacemos click y arrastramos la máscara hacia la capa que deseamos. Ya con la máscara en la capa, hacemos click sobre la máscara y presionamos CTRL+I para invertirla.
Luego de este proceso, solo nos queda cambiar el modo de fusión a “Luz Suave” y listo. Aquí la imagen final:
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Paso 1. Abrimos la imagen a trabajar. Creamos una nue-va capa (Mayus+CTRL+N). Lo que haremos a continuación es tomar la herramienta de marco elíptico (selección circular) y trazar una selección alrededor del ojo, alrededor de la pupila, mas precisamente en el iris. De esta forma:
Efecto Ojos de Zombi
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Una vez hecho esto, hacemos click con el botón derecho del mouse sobre la selección y elegimos la opción “Rellenar”. Cuando nos pregunte con que lo rellenamos, elegimos el color blanco. To-dos los valores restantes quedan igual.
PASO 2
Como todavía tenemos la selección en nuestra imagen, iremos a Selección > Modificar > Contraer. El valor dependerá del tamaño de la imagen, por lo que recomiendo que vayamos de 10 en 10. Repitiendo el proceso hasta lograr algo así:
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Por último, le daremos un poco de desenfoque para que no queden los bordes tan duros. Vamos a Filtros > Desenfocar > Desenfoque Gaussiano.
Los valores también dependerán del tamaño de la imagen, pero para este caso con un 25 bastó. Como no podía ser de otra forma, para finalizar
solo deberemos cambiar el modo de fusión de esta capa a “Superponer”.
Cada uno dele el blur que crea necesario. Si no están seguros, pueden dejar este paso para lo último, ya que no afectará el orden.
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Comenzaremos por darle el tono correcto para una fotografí a antigua. En este caso podremos decidir entre el blanco y negro y el sepia.
En lo personal, lo sepia me da mas sensación de viejo, por lo que utilizaremos esta opción para este ejemplo. En ambos casos deberemos inicialmente desatu-rar la imagen. Para esto, vamos a Imagen > Ajustes > Desaturar o presionamos CTRL+Mayus+U).En el primer caso, crearemos una nueva capa de ajuste desde el panel de capas. La misma sera¡ de Tono y Saturación. Aquí marcaremos la opción de “colorear” y modificaremos los para¡metros.
En el Tono, para lograr un sepia podremos elegir entre los valores 30 y 40. En cuanto a la saturación va en gusto, pero si real-mente queremos lograr un efecto antiguo debe-remos estar entre los 25 y 35.
Efecto Fotografía Antigua
Creamos una nueva capa. A esta nueva capa le cambiaremos el modo de fusión a “color”. Se-leccionamos en la paleta de colores, como co-lor frontal, un marrón (#917851). Tomamos el bote de pintura y lo volcamos sobre esa capa. Como podemos ver, ya tenemos nuestra fotografía en sepia.
Y porque este todo es un poco mas permisivo? Simplemente porque podremos ir cambiando de tonos marrones (claros y oscuros) y resaltar o ocultar ciertos detalles. Pero deberemos tener cui-dado porque las fotos antiguas no tenían tanta definición.Bueno, explicado esto, creo que para este tuto-rial utilizaremos todo, ya que la corrección de lu-minosidad nos permite darle mas aspecto a viejo.
Para finalizar, en Luminosidad le pondremos un +19 par opacar un poco la imagen, ya que si hay algo que una fotografía antigua tiene, es deta-lles.Otro es todo un poco mas permisivo es el siguien-te.
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PASO 2
Aquí me gustarí a jugar un poco con los niveles, para quitarle mas definición de detalles. Creamos una nueva capa de ajuste, esta vez será¡ de nive-les. La ubicación de esta capa en el panel será¡ por debajo de la de tono y saturación (aclaro esto porque modifica mucho su orden. Prueben).
Los valores que he decidido utilizar son los siguientes:
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Por consiguiente, el resultado de la imagen será¡ así :
PASO 3
Que fotografía antigua no tiene algo de ruido?
Si agarramos las fotografías de nuestros abuelos, veremos como se nota ciertas imperfecciones. Eso haremos ahora.
Tranquilamente podr amos ir sobre la fotografía y añadirle ruido desde los filtros. Pero lo que ha-remos será¡ añadir ruido en una capa nueva. De esta forma tendremos total manejo del ruido sin alterar el original.
Creamos una nueva capa sobre todas las otras, debera¡ quedar arriba de todo. A esta le volca-mos negro con el bote de pintura. Luego vamos a Filtros > Ruido > Añadir Ruido, con los siguientes valores: 6% en cantidad, distribución Uniforme y marcada la casilla de Monocromático.
Lo único que falta ahora es cambiar el modo de fusión de esta capa a Sobreexponer Color y cambiar la opacidad de la capa a 30%.
PASO 4
La verdad es que esto cada vez que lo veo me causa una sensación extraña. Cuando veo una fo-tografía antigua maltratada, me da bronca que no se la haya cuidado como se merece toda foto, pero a la vez me indica todo el tiempo que vivia esa imagen.
Aquí emplearemos los pinceles que se encuentran para descargar en los elementos a utilizar, al ini-cio de este tutorial.
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Creamos una nueva capa y seleccionamos el gru-po de pinceles de papel dañado.
Aquí va a gusto, cualquiera de ellos puede ser-vir para este fin. Pero lo que si aconsejo es que luego de aplicarlo, bajemos la opacidad de la capa a 50% para que se acople bien con la imagen. Luego podrían rotar, escalar (no mucho) y borrar algunas partes del pincel (siempre con suavizado y un pincel grande para que no que-den marcas).
De esta forma hice el efecto de papel rallado, mas visible en el borde inferior derecho.
Para la marca que se situa sobre el auto, creamos otra nueva capa. A esta la dejaremos en 100% de opacidad y cargaremos el set de pinceles Decay, también disponibles para descargar en los elementos de trabajo.
Luego simplemente buscamos este pincel, reduci-mos un poco su tamaño si es necesario y lo volca-mos en la imagen. Como podrian ver al hacerlo, les creará¡ un rectángulo junto con la imagen de la marca. Así que tomamos la herramienta borra-dor y bajando su opacidad a 50%, procedemos a borrar todas las partes que nos parezcan in-apropiadas.
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Esto nos dará¡ como resultado algo así:
PASO 5
Para finalizar el tutorial, podríamos agregarle un borde a la imagen. Para esto haremos lo siguien-te. Creamos una nueva capa. Esta la ubicaremos justo encima de la capa de la imagen desatura-da, para que los tonos sepia afecten levemente a la misma.
Con la herramienta de selección “Marco rectangu-lar” trazamos un recuadro sobre la totalidad de la imagen. Luego vamos a Selección .
Modificar selección y escalamos nuestra selección dejando bordes a los costados. Una vez hecho esto, invertimos la selección desde Selección > In-vertir y con el bote de pintura volcamos blanco dentro de ella.
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1º Paso.
Comenzamos llamando a la primera capa “fon-do”, la duplicamos (ctrl. J) y a ésta la llamaremos “colorear” ya que lo que vamos a tener aquí son los colores marcados por zonas.
Efecto Pintura al Óleo
Usamos el filtro/artístico/cuarteado (cutout) y tra-bajamos los valores hasta que estén bien defini-dos según la imagen utilizada. Mas o menos así:
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2º Paso.
Duplicamos otra vez la capa fondo, la llamaremos “bordes” porque aquí se definen los trazos que marcaría el pintor para acentuar los contornos. Luego la colocamos arriba de las otras.
Aplicamos el filtro/estilizar/hallar bordes. Luego le aplicamos un ajuste de curvas para oscurecer lle-vando la curva hacia abajo y luego suavizamos el ruido con el filtro/Blur que mejor se acomode a la imagen.
3º Paso.
Subimos la capa “colorear” y la aplicamos en modo superponer (overlay) y luego creamos una capa de ajuste de curvas bajándola para oscu-recer la imagen.
Lo usé surface. Según la imagen tal vez deban bajar la opacidad de esta capa. En mi caso uti-lize un 87%.
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4º Paso.
Si la imagen lo requiere se puede hacer aho-ra una capa de ajuste de tono para darle más intensidad pero se deberá bajar luego la opa-cidad. En este caso utilize tono +12 y opacidad al 80%.
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Combinamos las capas menos la llamada “fondo”. Duplicamos otra vez la capa “fondo” y la llevamos al tope en modo de fusión luz focal. Esto debe definir más los detalles de la imagen pero sin per-der el aspecto de una pintura.
Repetir el paso anterior pero aplicando la capa en modo saturación o según la foto bajar la opa-cidad de la capa. Yo usé la última opción ponien-do la opacidad al 63%.
5º Paso.
Ahora debemos trabajar el tono de los fondos y de desaturar zonas de piel por si algún color quedó muy falso. Lo hacemos seleccionando las zonas a corregir y aplicando una capa de ajuste de tonos trabajando los niveles de tono para realzar colores y bajando la saturación para el caso de la piel.
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Con una nueva capa de curvas oscurecemos otra vez la imagen, pero sólo un poco, no se deben perder los detalles como los pliegues da la ropa.
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Combinamos otra vez las capar menos “fondo”.
6º Paso.
En una capa nueva y con un pincel redondo, blando y pequeño damos toques de luz en los labios y los ojos. Le aplicamos un poco de Gaus-sian Blur (2px. aprox).
En este punto se pueden hacer modificaciones ne-cesarias a la imagen para darle mayor presencia “artística” como en este caso que le hice una espe-cie de marco.
En otra capa nueva y con el mismo pincel o uno mas grande aplicamos luz al cabello y a esta capa la colocamos en modo luz suave.
La opacidad de estas capas depende de como se ven de naturales los brillos que sea necesario aplicar.
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7º Paso.
Ahora combinamos las capas y con la herramien-ta dedo y un pincel suave, redondo y del tamaño apropiado a unas pinceladas, “pintamos” la ima-gen siguiendo lo que serían las pinceladas del ar-tista según cada sector de color,
las curvas, las zonas rectas, pliegues, bordes, etc.
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Duplicamos la capa y le aplicamos el filtro/sketch/note paper (yo lo tengo en inglés) con los valores balance de imagen 20, relieve 11 y granulado 5, pero estos ajustes van de acuerdo a la imagen, lo que se debe lograr es un efecto de relieve como de pintura acumulada en algunos sectores.
Cambiando los valores y probando se pueden lo-grar efectos y carácter diferente en la imagen.
Ahora llevaremos la “pintura” al lienzo, usando el filtro/texturizar y en este caso usé la escala al 178%, el relieve en 3 y la luz arriba izquierda para que marque la textura de la tela.
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1º Paso
Abrimos nuestra fotografía y duplicamos la capa (Ctrl+J). A la capa duplicada le cambiamos el modo de fusión a Superponer y bajamos su opacidad a 50%. Para finalizar este paso, combinamos la capa hacia abajo (Ctrl+E).
Efecto Hdr
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Veremos que de esta forma ya estamos comen-zando a resaltar un poco la iluminación y texturas.
2º Paso
Duplicamos nuevamente la capa (Ctrl+J). Lo que haremos es desaturar la capa duplicada. Para esto, vamos a Imagen > Ajustes > Desaturar (Shift+Ctrl+U).Luego invertimos la imagen desde Imagen > Ajus-tes > Invertir (Ctrl+I). En verdad aquí deberíamos ver la imagen como si fuera un negativo.
El toque mágico lo dare-mos nuevamente con las fusiones. Cambiamos esta capa a modo “Superpo-ner” y ya va tomando co-lor…
Para finalizar este paso, vamos a Filtros > Desenfo-car > Desenfoque Gaussiano y le daremos un valor alto, alrededor de 40%.
Veamos una imagen del resultado de estos pa-sos para tener de referencia, ya que el valor del desenfoque también depende del tamaño de la imagen que estemos trabajando.
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Dependiendo de nuestra imagen, podremos dupli-car nuevamente esta última capa para acrecentar el efecto y luego jugar con la opacidad de la capa para disminuir si se pasa de “revoluciones”.
3º Paso
En verdad el tutorial ya ha terminado. No obs-tante, se pueden tener en cuenta los siguientes puntos para obtener un mejor resultado (aquí va el pequeño aporte propio):
CURVAS: Un pequeño ajuste de curvas nunca vie-ne mal. Si te queda muy clara toda la imagen, quizás aplicando un ajuste de curvas y arquean-do hacia abajo la línea corrijas fácilmente ese defecto.
VIÑETAS: Muchos artistas que realizan este tipo de imágenes agregan viñetas a la imagen. Depen-diendo cual sea la imagen, le da un toque muy bueno. Si no recuerdas como agregar viñetas, te recomiendo que leas nuevamente Enderezar una imagen en Photoshop, tutorial en el cual se ve desde que filtro se aplican.
MASCARA DE ENFOQUE: Este filtro lo encontramos en Filtros > Enfocar > Máscara de enfoque. El mismo muchas veces nos ayudará a remarcar líneas y texturas. Otra buena opción para experimentar.
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1º Paso: Debemos trabajar con un lienzo total-mente vacío.Trazamos con la herramienta pincel o el lápiz una “muestra” de cabello como la de la imagen del primer paso. Luego vamos al menú Edición > Definir valor de pincel.
Efecto arreglar el Cabello
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2º Paso: Hacemos click en la herramienta pincel eliges el que creastes anteriormente y lo editas desde el panel correspondiente a la herramienta (forma, color..)
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3º Paso: Pintas la zona. No hay mucho por expli-car mas que incentivar a la creatividad.
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