pintura quattrocento
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LA PINTURA DEL RENACIMIENTO: EL QUATROCENTO FLORENTINO
Masaccio
Sandro Boticelli
(1445-1510 )
Paolo Ucello
(1397-1465) Angélico
(1388-1455)
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LA PINTURA DEL QUATROCENTO. CARACTERÍSTICAS.
1)El precursor fue Giotto, que rompió con los convencionalismos medievales.
2)La representación verosimil de la naturaleza: la representación del espacio. la experimentación sobre las leyes de la perspectiva lineal.
3)La coordinación y relación de las figuras en el espacio (el movimiento).4)La utilización de la luz y el color: modulación de la gama cromática y experimentación con la luz. armonía y complementariedad cromática.5)Se evoca la antigüedad clásica a lo que se une el naturalismo.6)Se domina la perspectiva que hace posible la representación de la tercera dimensión (profundidad). Es la llamada perspectiva lineal, matemática o renacentista.7)Los fondos son arquitectónicos o de paisajes.8)El tema principal es el ser humano, reproducido de modo perfecto.9)El dibujo es elemento capital. El modelado se consigue con efectos de luces y sombras, resultando a veces muy escultórico.10)La composición es geométrica, con simetría y compensación de grupos.11)Sigue la tradición italiana de pintura mural al fresco. Pero también es importante la pintura sobre tabla al temple. Sólo en la 2ª mitad del siglo se utiliza el óleo.12)Temas preferentemente RELIGIOSOS. También, mitológicos y retratos.
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GIOTTO: LOS PRECEDENTES.
o El precursor fue Giotto, que rompió con los convencionalismos
medievales.
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Se domina la perspectiva que hace posible la
representación de la tercera dimensión (profundidad). Es la
llamada perspectiva lineal, matemática o renacentista.
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Los fondos son arquitectónicos o de paisajes
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Detalle de los rostros de las figuras
El tema principal es el ser
humano, reproducido de
modo perfecto.
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El dibujo es elemento capital. El modelado se consigue con efectos de luces y sombras, resultando a veces muy escultórico.
La composición es geométrica, con simetría y compensación de grupos.
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La Trinidad .Masaccio. Fresco.
(1425-1427) 667 x 317 cm. Santa María Novella, Florencia.
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La Trinidad● Cronología: Hacia 1425 D.C.Estilo: Renacimiento italiano.Características: De la pintura del Quatrocento.Los precedentes: Giotto
La representación verosímil de la naturaleza: la
representación del espacio. La experimentación
sobre las leyes de la perspectiva lineal.
El estudio de la figura humana y su
representación tridimensional: los estudios
anatómicos y la representación del volumen, la
coordinación y relación de las figuras en el
espacio (el movimiento) .
La utilización de la luz y el color: Modulación de
la gama cromática y experimentación con la luz,
armonía y complementariedad cromática.
El arte pictórico es reflexión filosófica y
matemática Neoplatonismo de raíz humanística.
La composición de la obra se fundamenta en la
geometría.
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La Trinidad Masaccio.
Contexto histórico: la obra se realizó en
la plenitud del quattrocento florentino, por
encargo de Cosme de Médicis en un
momento de máxima rivalidad entre las
diferentes repúblicas italianas.
Material y Técnica: Pintura al fresco
sobre muro y aprox. 6`5m por 3.
Contexto histórico: David de Donatello.
Artista: Masaccio y entre otras obras, las
pinturas murales de la Capilla Brancacci.
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La Trinidad Masaccio.
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Se representan el padre en la zona superior
sosteniendo la cruz del Cristo crucificado. A
ambos lados de la cruz se sitúan la virgen a la
izquierda y San Juan a la derecha. Sobre el
podio aparecen los donantes de la obra en
actitud de oración.
Todos ellos se sitúan en el interior de un
edificio renacentista, creando éste su espacio
fingido y profundo cubierto por una bóveda de
cañón cuyos casetones van disminuyendo y
simulando la ilusión de relieve. A esta técnica
se le denomina perspectiva geométrica o
lineal.
En cuerpo inferior hay una falsa mesa de altar
y sobre ella un esqueleto y una inscripción que
se traduce: ``Yo fui antes lo que vosotros sois
ahora y lo que soy yo ahora lo seréis vosotros
mañana’’.
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LA TRINIDAD
Comentario del contenido y significado: La Trinidad de Masaccio, constituye el primer ejemplo de perspectiva lineal de la pintura renacentista. Representa el triunfo de la muerte en primer plano
y las diferentes edades del hombre. Recrea la arquitectura renacentista para enmarcar la
composición. La obra se encuentra en la Iglesia de Santa María Novella en Florencia
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LA REDUCCIÓN DEL ESPACIO PROFUNDO AL PLANO. LA PERSPECTIVA LINEAL.
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DETALLES DE LA VIRGEN Y DE SAN JUAN
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LOS FRESCOS DE LA CAPILLA BRANCACCI, DE MASACCIO.
Otra de las grandes innovaciones de Masaccio - el empleo de la luz en el modelado del cuerpo y los ropajes- se observa en la serie de frescos (c. 1427) de la capilla
Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine de Florencia.
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En ellos, Masaccio más que bañar las escenas con una luz uniforme, refleja en el espacio pictórico el equivalente a un foco lumínico único y direccional (la ventana real de la capilla), creando así un juego de luces y sombras (claroscuro) que proporciona a los temas un aspecto natural y realista desconocido en el arte anterior. Se trata de una serie de seis frescos, entre los que El tributo de la moneda y La expulsión del Paraíso se consideran obras maestras.
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El tributo de la moneda. 2.53 m. x 5.99 m
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Masaccio no se centra en el milagro, sino en el valor ético y moral del deber cívico de pagar
impuestos.
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Detalle de San Pedro extrayendo del pez la
moneda.
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Detalle de San Pedro entregando la moneda.
Las figuras adquieren volumen y se despegan del plano, de manera que los
efectos de tridimensionalidad se
agudizan.Obsérvense las sombras que proyectan las figuras.
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Detalle de los rostros de las figuras
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La expulsión de Adán y Eva del Paraíso. Masaccio.
(antes y después de su restauración. Obsérvese que se
le han “limpiado” los elementos vegetales que tapaban la zona púbica))
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San Pedro bautizando.Fresco
247x172 cmSanta Maria del Carmine,
Florencia.
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San Pedro y San Juan repartiendo
limosna a los pobres
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Vida de San Pedro, 1428. La resurrección del hijo de Teófilo.
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FRA ANGÉLICO (1388-1455)
Del conjuntode su obra destacan los frescos que pintó en las celdas del convento
de San Marcos, en Florencia.
Noli me tangere (1440-41)Fresco,
180 x 146 cm
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La Anunciación. Fra Angélico. (1430-1432)
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-Cronología: aproximadamente hacia el 1426. -Estilo: Renacimiento italiano Quattrocento.-Características generales: Precedente: Giotto. La representación verosímil de la naturaleza: la representación del espacio. La experimentación sobre las leyes de la perspectiva lineal.El estudio de la figura humana y su representación tridimensional: los estudios anatómicos y la representación del volumen. La coordinación y relación de las figuras en el espacio (movimiento).La utilización de la luz y el color: modulación de la gama cromática y experimentación con la luz. Armonía y complementariedad cromática.El arte pictórico es reflexión filosófica y matemática. Neoplatonismo de raíz humanística. La composición de la obra se fundamenta en la geometría.
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-Contexto histórico: nos encontramos en el S. XV, en un territorio italiano que estaba fragmentado en republicas independientes, con sede en las principales ciudades (Florencia, Siena, Milán etc.). Estas repúblicas rivalizaban entre si. La ciudad de Florencia se convirtió en el mayor centro artístico de la época gracias a la labor del mecenazgo llevada a cabo por los Médicis.-Artista: Guido Di Pietro Da Mugello (1400-1455)(Fra Angélico) . Entre otras obras suyas están La Virgen de la Humildad y Noli me tangere. -Materiales y técnicas: temple sobre tabla, dimensiones 150x180m.
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La Anunciación. Fra Angélico (1430-32)Témpera sobre madera,
154 x 194 cmMuseo del Prado, Madrid.
A pesar de los convencionalismos
tardogóticos, podemos apreciar algunos rasgos experimentales: la perspectiva, el marco arquitectónico donde se desarrolla la escena, el
acercamiento naturalista a la realidad.
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-Título: se trata de La Anunciación, obra que se encuentra actualmente en el Museo del Prado.-Tema o tipo: religioso.-Análisis formal: la escena de la Anunciación transcurre en el portal de un edificio renacentista las dos figuras principales se sitúan bajo un arco cada una, a la izquierda el arcángel Gabriel ocupa la parte central de la composición y a la derecha la Virgen. La composición es de gran riqueza cromática: amarillos, azules, verdes, rosáceos etc. y muy luminosa. El autor da volumen a las figuras y respeta las proporciones de los personajes. Ambas figuras aparecen con los brazos cruzados sobre el pecho, el ángel parece inclinarse hacia María y ésta muestra su sorpresa y baja la mirada.
Un rayo de luz cruza en diagonal la escena en dirección a María y dentro de él una paloma (Espíritu Santo) es lanzada hacia ella. Y sirve para unir ambas escenas.Al fondo a la izquierda aparece Adán y Eva siendo expulsados del paraíso. Sobre ellos un ángel y sobre éste la mano de Dios lanzando el rayo.Tres medallones presiden el edificio que está sostenido por columnas corintias, en el centro se representa a Jesús. Aparece también una puerta abierta a una habitación que da profundidad a la escena.
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Comentario del contenido y significado.
La escena principal se relaciona con el pensamiento renacentista por el cual María se convirtió en una segunda Eva que hizo posible la expiación del pecado por Jesús considerado el segundo Adán. Fra Angélico entendió la pintura como un vehículo de relación con Dios por la que trató de transmitir la idea de que la belleza divina perdura para siempre.
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La coronación de la Virgen(1440-41)Fresco,
184 x 167 cm
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La resurrección de Cristo y las mujeres en la tumba
(1440-41)Fresco, 189 x 164 cm
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SANDRO BOTICELLI (1445-1510)
10/03/12
Madonna con niño y dos ángeles c. 1470. Boticelli.Témpera sobre panel,
100 x 71 cmGalleria Nazionale di Capodimonte, Nápoles.
Es el pintor de la gracia ideal, capaz de dotar a sus composiciones de un profundo lirismo. Sus
personajes aparecen muy estilizados, con expresiones soñadoras y melancólicas. Aunque sus obras más
famosas son las alegorías de carácter mitológico, fue un pintor profundamente
religioso.
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El descubrimiento de la muerte de Holofernesc. 1472.Boticelli.
Témpera sobre madera, 31 x 25 cm
Galleria degli Uffizi, Florencia
Judith, para liberar a su pueblo de los ataques asirios, accedió a pasar la noche en la tienda de Holofernes, jefe del ejército enemigo. Después de
conseguir que éste se emborrachara y quedara profundamente dormido,
Judith le decapitó y se llevó su cabeza como trofeo.
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El retorno de Judith a Bethulia(1472) Boticelli.Óleo sobre panel,
31 x 24 cmGalleria degli Uffizi, Florencia.
En esta pintura aparecen ya algunos de los rasgos que definen el estilo de
Boticelli:- las figuras parecen desplazarseflotando.
- los ropajes que las envuelven se agitan como movidos por la brisa.
- los rostros son bellos y delicados, sin expresiones dramáticas.
- el cielo aparece en azules y grises fríos y distantes.
10/03/12 La adoración de los Magos. (1475)Témpera sobre panel, 111 x 134 cm. Galleria degli Uffizi, Florencia.
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San Sebastián.(1474) Boticelli.
Témpera sobre panel, 195 x 75 cm
Staatliche Museen, Berlín.
La serena belleza de este desnudo idealizado, enmarcado en un paisaje aplastado por la bóveda azul del cielo, logra transmitirnos la profunda serenidad con la que el santo
“sufre” el martirio.
10/03/12
Madonna del Magnificat
(1480-81) Boticelli.Témpera sobre
panel, diámetro 118 cm
Galleria degli Uffizi, Florencia.
La armonía compositiva es un
elemento fundamental en su
estilo
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Detalle obra anterior
La belleza serena de los rostros casi de porcelana, las miradas lánguidas y
soñadoras, la extraordinaria calidad del dibujo que define con claridad los contornos.
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Lamentación por la muerte de Cristo con Santos(1490) Témpera sobre panel, 140 x 207 cm
Alte Pinakothek, Munich.
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SANDRO BOTICELLI Y SUS PINTURAS DE GÉNERO MITOLÓGICO
10/03/12 La Primavera, (1477-78) (Una alegoría sobre el amor platónico)
Témpera sobre madera. 315 x 205 cm - Galleria degli Uffizi, Florencia.
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Cuando Céfiro atrapa a Cloris, ésta empieza a cambiar, de su boca salen flores y hojas
que anuncian su transformación en Primavera.
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La diosa Flora como encarnación de la Primavera
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Venus y Marte (1480) (parece que se inspiró en Jualiano de Médicis y Simonetta Vespucci)Témpera sobre madera, 69 x 173,5 cm. National Gallery, Londres.
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El nacimiento de Venus. (1485)Témpera sobre lienzo, 172.5 x 278.5 cm. Galleria degli Uffizi, Florencia.
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El nacimiento de Venus. (1485)Témpera sobre lienzo, 172.5 x 278.5 cm. Galleria degli
Uffizi, Florencia.
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-Cronología: 1485.-Estilo: Quattrocento. Renacimiento.-Características generales: Es el pintor de la gracia ideal, capaz de dotar a sus composiciones de un profundo lirismo. Sus personajes aparecen muy estilizados, con expresiones soñadoras y melancólicas. Aunque sus obras más famosas son las alegorías de carácter mitológico, fue un pintor profundamente religioso. Las figuras parecen desplazarse flotando.- los ropajes que las envuelven se agitan como movidos por la brisa.- los rostros son bellos y delicados, sin expresiones dramáticas.- el cielo aparece en azules y grises fríos y distantes.
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-Contexto histórico: nos encontramos en el S. XV, en un territorio italiano que estaba fragmentado en republicas independientes, con sede en las principales ciudades (Florencia, Siena, Milán etc.). Estas repúblicas rivalizaban entre sí.La ciudad de Florencia se convirtió en el mayor centro artístico de la época gracias a la labor del mecenazgo llevada a cabo por los Médicis.-Artista: Sandro Botticelli, que cultivó prácticamente todos los temas de la pintura: religioso, retratos y mitológicos, como por ejemplo La Primavera.-Materiales y técnicas: temple sobre tabla y sus medidas son 1,72m x 2,8m.
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-Título: se trata del nacimiento de Venus.-Tema o tipo: mitológico por ser una representación del nacimiento de Venus. -Análisis formal: el autor distingue las figuras respecto al fondo empleando líneas negras que delimitan los contornos. Se utilizan tono suaves (azulados, verdosos, rosáceos etc.) y de una luz casi uniforma que le aporta un tono casi irreal. La palidez de Venus y de los personajes femeninos contrasta con la figura más oscura masculina.La composición resulta algo plana. Los personajes son estilizados y parecen danzar en la escena por lo que las cuatro figuras que se representan dos de ellas abrazadas proporcionan movimiento y tensión.Los vientos soplan sobre Venus que apoya sobre la concha su pie izquierdo mientras que el derecho queda libre como en las esculturas griegas. El cuerpo de la diosa transmite sensación de indefensión y pudor.En el lado derecho del cuadro aparece la Primavera que se apresura a cubrir a Venus con un manto de flores.Técnicamente Botticelli prefiere dotar de armonía a la composición sin cuidar demasiado los aspectos formales: el cuello de Venus es demasiado desproporcionado, el hombro izquierdo demasiado estrecho y caído, el antebrazo demasiado largo etc.El paisaje está representado por el mar, el cielo y a la derecha la vegetación.3. Comentario del contenido y significado.Según cuanta Ovidio en su obra La Metamorfosis, Venus, diosa romana del amor y la belleza, nació de la espuma del mar, emergió sobre una concha y fue empujada a la playa por Céfiro (dios del viento) y su esposa Cloris (señora de las flores).En cuadro está repleto de símbolos: las rosas que caen representan al amor y al dolor, la concha representa la fertilidad y las flores la primavera y el amor eterno.En esta obra Botticelli recuperó el desnudo femenino que no se empleaba desde la época clásica.
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10/03/12
Comentario del contenido y significado.
Según cuenta Ovidio en su obra La Metamorfosis, Venus, diosa romana del amor y la belleza, nació de la espuma del mar, emergió sobre una concha y fue empujada a la playa por Céfiro (dios del viento) y su esposa Cloris (señora de las flores).En cuadro está repleto de símbolos: las rosas que caen representan al amor y al dolor, la concha representa la fertilidad y las flores la primavera y el amor eterno.En esta obra Botticelli recuperó el desnudo femenino que no se empleaba desde la época clásica.Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia