portafolio historia del arte carlos arballo

UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE CIUDAD JUÁREZ

IADA

DEPARTAMENTO DE ARQUITECTURA

Historia del Arte

Portafolio

Que presenta:

Carlos Alexis Arballo Torres 120567

Docentes:

Judith Flores

Ciudad Juárez, Chih., a 27 de Noviembre de 2013

Portafolio Historia del Arte

2 30 de noviembre de 2013

Indice

Sintesis…………………………………………………………………………… 3

Arte Paleocriostiano………………………………………………………………4

catacumbas………………………………………………………………………..6

Cubismo……………………………………………………………………………7

Caracteristicas…………………………………………………………………….8

Escultura………………………………………………………………………….12

Aplicación de Conocimientos……………………………………………………16

Evaluacion…………………………………………………………………………17

Bibliografia…………………………………………………………………………18



Síntesis

A lo largo de todo el semestre entendimos los diferentes tipos de arte y cuáles fueron

los primeros empezando desde la prehistoria. Cada uno de los tipos de arte me

parece algo interesante como se relacionan entre si y que todos tengan algo en

común en especial como fueron surgiendo desde tiempo muy lejanos y como las

culturas los fuero desarrollando cada una a su manera podemos mencionar algunos

ejemplos como Egipto, Roma, Grecia, etc. Gracias a estos temas que son la base

para los nuevos temas del arte la pintura la escultura etc. Podemos darnos cuenta

y entender mejor lo que seria los nuevos temas lo que expresan lo que representan

lo importante que es cada uno de estos haciendo mención de algunos como el

renacimiento, el barroco, rococó, neoclasicismo, romanticismo, realismo,

impresionismo, post impresionismo entre otros. También algo muy importante que

conocimos fueron las primeras vanguardias en el arte dadas en el siglo IX como el

cubismo, expresionismo, futurismo arte pop y la abstracción en lo que son las

pinturas y esculturas. En lo personal me quedo con el arte cubista que representa

cada una de las imágenes pinturas esculturas como más geométricas y que

contiene más valor y cualquiera puede representarlo o interpretarlo como él se lo

imagine.



Arte Paleocristiano

El primer arte cristiano. El arte paleocristiano se suele estudiar dentro del arte de la

Alta Edad Media debido a que en este periodo empiezan a configurarse las formas

arquitectónicas (como la planta basilical) e iconográficas (como el nacimiento o la

muerte de Cristo) que van a desarrollarse durante la Alta Edad Media. El arte

paleocristiano es el que desarrollan las primeras civilizaciones cristianas y algo más

tarde, especialmente desde el siglo IV, será el arte protegido y realizado por orden

de las jerarquías eclesiásticas. Comprende desde finales del siglo II hasta el siglo

VI y se puede dividir en dos grandes periodos: Finales del siglo II y siglo III, años en

los que las comunidades cristianas se mantienen en la semiclandestinidad. A partir

del año 313, fecha del Edicto de Milán, momento en el que se da libertad de culto a

la Iglesia cristiana, que se va a convertir en uno de los grandes poderes económicos

y políticos de la época. Desde el punto de vista estilístico, es un arte romano de la

baja antigüedad. Por tanto, no es un arte original, sino que es el arte existente en el

bajo imperio romano pero que va adaptándose y trasformándose de acuerdo con

las necesidades que van surgiendo en el desarrollo del culto cristiano. Sarcófago

Paleocristiano de Astorga: La extensión del arte paleocristiano es muy grande, la

misma que del Imperio Romano en este periodo. Sus límites alcanzarían, por el

norte, desde las Islas Británicas hasta la Península de Crimea (Rusia); por el sur, el

desierto del Sáhara; por el oeste el océano Atlántico y por el este el río Eúfrates.

Curación de la hemorroísa. Fresco de las catacumbas de Roma.



Se denomina arte paleocristiano al estilo de arte que se desarrolla durante los seis

primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la

dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente

tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.

En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se

producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o

paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura

como en las artes figurativas. Lo mismo que la historia del cristianismo en sus

primeros momentos, en el arte se distinguen dos etapas, separadas por la

promulgación del Edicto de Milán por Constantino en el año 313, otorgando a los

cristianos plenos derechos de manifestación pública de sus creencias.

Ejemplo de pintura paleocristiana.



Catacumbas

Hasta el año 315, el arte escultórico de los cristianos se centró en la excavación de

las catacumbas y el reforzamiento de sus estructuras. Éstas eran cementerios

romanos, excavados, en un principio, en los jardines de algunas casas de patricias

cristianos, como las de Domitila y Priscila en Roma. Más tarde en el siglo V, y ante

el aumento de creyentes, estos cementerios se hicieron insuficientes adquiriendo

terrenos en las afueras de las urbes donde surgen los cementerios públicos, en los

que se excavan sucesivos pisos formando las características catacumbas que ahora

conocemos.

La primera vez que se aplicó el término catacumba es a la de San Sebastián en

Roma. El cementerio o catacumba se organiza en varias partes: estrechas galerías

(ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el enterramiento

de los cadáveres. En algunos enterramientos se destacaba la notabilidad de la

persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco semicircular (arcosolium).

En el siglo IV en el cruce de las galerías o en los finales de las mismas se abrieron

unos ensanchamientos (cubiculum) para la realización de algunas ceremonias

litúrgicas. Las catacumbas se completaban al exterior con una edificación al aire

libre, a modo de templete (cella memoriae) indicativa de un resto de reliquias que

gozaban de especial veneración. Entre las catacumbas más importantes, además

de las ya citadas, destacan las de San Calixto en Santa María de Trastevere, Santa

Constanza y Santa Inés en Sant'Agnese in Agone, todas ellas en Roma.

Catacumbas de San Calixto Catacumba Domitila en Roma



Cubismo

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye

Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas

las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en

volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado

en una calle con el mismo nombre. George Braque junto con Picasso son los

inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris,

Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya

habría marcado el camino. Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y

reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más

profunda de la realidad. Su fórmula era forma-color. Él cree que la naturaleza no se

dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más

aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de

Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes y de formas. Y

una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los

planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.

Señoritas de Avignon de Pablo Picasso.



Características

Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: los planos son objeto

de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen. Así, queda rota también

la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado

de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un

caleidoscopio. Perspectiva múltiple: se multiplican los ángulos de visión de un

mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede

presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo. Color

"Tono Local": el color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se

aplicaba por pequeños toques. Geometría: las formas geométricas invaden las

composiciones. Las formas observadas en la naturaleza son traducidas en cilindros,

conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las

simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso

ejercerá tanta influencia en el Cubismo. Base filosófica: las aportaciones filosóficas

de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador

acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual

externo. El cubismo hace un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las

formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc.

Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no

se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la

figura y compone el cuadro.

Desnudo con toalla: Pablo Picasso



Guernica: Pablo Picasso

Pinturas de George Braque (1882-1963)

Naturalez muerta con naipes Paisatge de l'Estaque



Juan Gris (1887-1927)

El desayuno Guitarra y Mandolina

Fernand Leger (1881-1955)

Tres mujeres



Desnudos en el bosque



Escultura

La escultura tiene la misma estética que la pintura, pero trabaja en tres dimensiones.

Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y volúmenes, y la

descomposición de las formas. El cubismo descubre el hueco como elemento

escultórico, tanto la masa como el hueco sirven para la expresión plástica. Uno de

los autores escultores más importantes del cubismo fue: Pablo Emilio Gargallo

Catalán, considerado el precursor de la escultura en hierro, nació el 5 de enero de

1881 en Maella (Zaragoza). Su padre poseía una herrería, aquí aprendió la técnica

de la forja.

El gran profeta Greta Garbo con mechón

“Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo,

sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro” Pablo Picasso



Kiki de Montparnasse

Homme aux bras écartés

colocada en la plaza Picasso de Basilea



Pablo Emilio Gargallo Catalán, considerado el precursor de la escultura en hierro,

nació el 5 de enero de 1881 en Maella (Zaragoza). Su padre poseía una herrería,

aquí aprendió la técnica de la forja.En 1888 su familia emigra a Barcelona por

razones económicas y allí comienza su formación artística en el taller del escultor

Eusebio Arnau y con el escultor Venancio Vallmitjana en la Escuela de Bellas Artes

de La Lonja. En estos momentos en los que en Barcelona se estaba desarrollando

el Modernismo, Gargallo frecuentó las tertulias de Els Quatre Gats y mantuvo

contactos con jóvenes artistas como Novell o Picasso. Por ello, sus primeras obras

beben del modernismo. Por ejemplo, Pequeño desnudo o la decoración de edificios

barceloneses que realizó en colaboración con el arquitecto Doménech i Montaner,

como son el Hospital de la Santa Cruz y San Pablo y el Palau de la Música catalana.

En 1903 obtiene una beca que le permite ir a París a completar sus estudios.

Su estancia fue breve, pero desde entonces y hasta 1923, que es cuando se instala

definitivamente en la capital francesa, sus viajes serán frecuentes. Allí encontró las

formulaciones estéticas del Cubismo, asimiló sus sistemas expresivos y buscó el

esquematismo y la esencialidad de figuras y objetos, tratando de encontrar la

auténtica expresión tridimensional de los postulados cubistas. Empezó ya a usar los

materiales metálicos como la chapa, el cobre o el hierro. En torno a 1911-1912

realizó las primeras máscaras, que son piezas de gran simplificación, elaboradas

con chapas recortadas, ligadas a la estética cubista. Continuó utilizando las chapas

metálicas y con ellas empezó a sugerir volúmenes y exaltar los huecos, los vacíos,

mediante la penetración de la luz en los interiores. Como por ejemplo, El violinista,

La toilette o El hombre de la pipa.

En 1920 es nombrado profesor de Escultura de la Escuela Técnica de Oficios

Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña, y en 1923 será destituido por razones

políticas al proclamarse la dictadura de Primo de Rivera. Será entonces cuando

Gargallo se instale definitivamente en París con su mujer y su hija.



A partir de este momento su estilo adquiere una dimensión muy personal, derivada

de la interpretación del cubismo. Se basa en la búsqueda de una síntesis formal de

la figura en planos geométricos siempre fluidos y en la valoración de los huecos y

los macizos. Sustituye los materiales convencionales como el mármol o el bronce

por las láminas de hierro forjado. Crea un nuevo lenguaje escultórico introduciendo

el vacío como volumen y dotando a sus figuras de gran dramatismo expresivo.

A continuación, tenemos imágenes de algunas de sus obras más importantes,

apareciendo comentada la del "Gran Profeta", por ser una de sus últimas obras

maestras.

EL joven de la Margarita (El Aragonés)



Aplicación de conocimientos

El principal objeto de estudio de la historia del arte son las obras de arte, y su

objetivo fundamental consiste en llegar a explicar dichas obras y su evolución a

partir de premisas históricas. La historia del arte pretende, por tanto, realizar una

reconstrucción tan objetiva como sea posible de todos los aspectos que contribuyan

a conocer y comprender la forma y la función original de las obras de arte, lo que

supone, lógicamente, estudiarlas en relación a las circunstancias en que fueron

realizadas.

La historia del arte considera a las obras de arte, en primer lugar, como un hecho

histórico, cuyas causas, características y efectos pretende reconstruir. Por ello es

una disciplina que forma parte de las llamadas ciencias humanas y sociales. Esta

se diferencia de otras por su área de conocimiento y objeto de estudio, que son los

hechos culturales, mientras que la física, la química y la biología, por ejemplo,

investigan hechos naturales. No ignoramos que la historia del arte es una disciplina

“científica” que a menudo se acoge con recelo, especialmente por parte del profano

y por personas o grupos que se dedican a las ciencias de la naturaleza o tienen una

formación de tipo técnico.

No decimos, por eso, que el arte sea una ciencia sino que la historia del arte es una

disciplina científica. Partimos de la idea de que el conocimiento científico es aquel

que tiende a la comprensión racional y objetiva de una zona de la realidad. Ahora

bien; cada zona de la realidad requiere un modo específico de conocimiento

racional. Por ejemplo, la fuerza de la gravedad y el electromagnetismo son tan

reales como una escultura de Miguel Ángel pero constituyen realidades distintas y

su estudio exige métodos diferentes. No se puede negar que gracias a las

investigaciones de varias generaciones, hoy tenemos un conocimiento algo más

complejo de la Antigüedad, por ejemplo que el que se tenía en el s. XVIII.



Evaluación

En general la clase me pareció muy bien planeada creo que me quedo con las

pláticas y lo amena que se hacia la clase gracias a la participación y comentarios

de los mismos alumnos. En lo personal aprendí a distinguir entre un estilo de arte y

otro y así logro apreciar mejor las obras como pinturas y esculturas y tambien me

ayuda a reconocerlas por si algún día puedo asistir a algún tipo de museo. Más que

aprender me ayuda a razonar y a pensar el porqué de cada cosa y a explicar lo que

se represente en cada estilo de arte. Aunque la mayoría de los estilos representaban

imágenes, hay muchos que representaban religiones y son pocos los que en verdad

querían dar a entender nuevas formas de pensar para el público en general.



Bibliografia

Ernst Gombrich (1982). Historia del arte, capítulo VI, pág. 107. Madrid, Alianza

Forma.

Grabar, André (1966). La edad de oro de Justiniano. Madrid, Aguilar.

Carrassat, P.F.R. y Marcadé, I.: «CUBISMO (analítico, sintético)», en “Movimientos

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Spes Editorial, S.L., 2004.

Essers, V.: «La modernidad clásica. La pintura durante la primera mitad del siglo

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Habasque, Guy: «CUBISMO», en Diccionario Larousse de la pintura, tomo I, págs.

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X

Laneyrie-Dagen, Nadeije: «Los inicios de la abstracción», en Leer la pintura,

págs.256, colección Reconocer el arte, Larousse, Barcelona, © Spes Editorial, S.L.,

2005, ISBN 84-8332-598-5

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