programación junio - septiembre 2019 · elementos que no solo comparten un mismo espacio, sino que...

ProgramaciónJunio - Septiembre 2019

ProgrammeJune - September 2019

Summary

EXPOSICIONESEXHIBITIONS

Tramas. El Palacio visto por David Bestué01.02.2019 - 12.01.2020

Ioà ots. Josu Bilbao y Estanis Comella 12.04 - 09.06.2019

Miguel Benlloch. Cuerpo conjugado14.06 - 06.10.2019

La superficie de una imagen. Aimée Zito Lema 28.06 - 15.09.2019

Gut Feeling. Eva Fàbregas28.06 - 29.09.2019

Stop Vuelvo pronto Stop. Linarejos Moreno19.09.2019 - 12.01.2020

PROGRAMA PÚBLICOPUBLIC PROGRAMME

Frecuencia Singular Plural II Ana Guedes. Untitled Records24.05 - 26.06.2019

Frecuencia Singular Plural III Nuno da Luz. ON AIR María Salgado. Lírica/328 - 30.06.2019

Claudia Pagès10.09.2019

La superficie de una imagen. Encuentro 12.09.2019

June - September 2019

Sumario

APRENDIZAJE COLECTIVOCOLLECTIVE LEARNING

El origen de la magia09.05 - 08.09.2019 CoCo. Proyectos colaborativos de comisariado

Código abierto 28.06 - 29.09.2019 CoCo. Proyectos colaborativos de comisariado

Una forma de hablar06.2019 - 06.2020

MÚSICAMUSIC

VANG. Músicas en vanguardiaAlberto Rosado 20.06.2019

Bach-Madrid. Ciclo de Música AntiguaEl banquete de Orfeo08.06.201909.06.2019 (Bach en Familia)

Los Nocturnos de CibelesFundación Katarina Gurska24.06 - 12.07.2019

Colaboran:

Junio - Septiembre 2019

Programme


Exhibitions

Programación


Exposiciones

Las exposiciones de CentroCentro prestan especial atención a la práctica artística y curatorial contemporánea, a través de tres tipos de proyectos:

Ciclos curatoriales con los que el centro apoya la consolidación de los conocimientos de comisariado a través del trabajo en un proyecto anual en la planta 5.

Exposiciones monográficas de artistas cuyo trabajo no ha tenido una excesiva visibilidad en el contexto local y a los que se invita a producir una pieza nueva, mostrándola en relación a trabajos anteriores.

Proyectos de comisariado en los que invitamos a comisarios externos, con una trayectoria reconocida de investigación, comisariado y/o crítica de arte a desarrollar un proyecto a partir de las líneas de trabajo del centro.

Exhibitions held at CentroCentro pay special attention to contemporary artistic and curatorial practice, through three types of projects:

Curatorial cycles with which the Centre supports the consolidation of curatorial knowledge through an annual project.

Monographic exhibitions of artists whose work has not had much visibility in the local context,

and whom we invite to produce a new piece. This new commission is to be shown in relation to previous works.

Curatorial projects in which we invite external curators with a proven track record of research, curatorship and/or art criticism to develop a project based on the center’s programming lines.

loà ots. Josu Bilbao y Estanis Comella

Exposición/Exhibition Planta 5/Floor 5

Ciclo/Series: Mirror Becomes a Razor When It´s Broken

Comisaria/Curator: Sonia Fernández Pan

12.04 - 09.06.2019

loà ots. CentroCentro, 2019. Foto: Lukasz Michalak

Para la tercera de las exposiciones del ciclo Mirror Becomes a Razor When It’s Broken, los artistas Josu Bilbao (Bermeo, Vizcaya, 1978) y Estanis Comella (Lérida, 1985) presentan una experiencia espacial concebida a partir de su trabajo conjunto en el ámbito de la escultura.

La invitación a Bilbao y a Comella en el marco de la investigación que desarrolla este ciclo –a través de cuatro exposiciones individuales y una serie de actividades y textos relacionados–parte del interés que mantienen en su trabajo por los materiales considerados como residuales, según las jerarquías que los humanos aplicamos al entorno del que somos parte junto a otros muchos elementos. También por su atención a las relaciones lingüísticas que trascienden el lenguaje verbal y que aparecen gracias a la presencia de elementos que no solo comparten un mismo espacio, sino que lo crean.

Con estas premisas, ambos han trabajado juntos en la intervención que ocupa (y produce) el espacio de la quinta planta de CentroCentro: loà ots.

For this third exhibition in the series Mirror Becomes a Razor When It’s Broken, artists Josu Bilbao (Bermeo, Vizcaya, 1978) and Estanis Comella (Lérida, 1985) present a spatial experience through their joint work in the field of sculpture.

The series, curated by Sonia Fernández Pan, includes four individual exhibitions and several related activities and texts. Within the research that it proposes, this third exhibition is the result of an invitation that was extended to Josu Bilbao on account of his previous work with a materiality that is still considered as residual within the human hierarchies that we apply to the environment of which we are a part, along with many other elements. Also on account of the linguistic relationships that transcend verbal language and emerge thanks to the presence of elements that not only share the same space, but also create it.

From this proposal comes Josu Bilbao’s invitation to Estanis Comella, working together in the process that gives rise to the intervention that occupies (and produces) the space on the fifth floor of CentroCentro: loà ots.

loà ots. Josu Bilbao y Estanis Comella

12.04 - 09.06.2019

Gut Feeling. Eva Fàbregas


Ciclo/Series: Mirror Becomes a Razor When It´s Broken

Comisaria/Curator: Sonia Fernández Pan

Actividades relacionadas/Related activities: Claudia Pagès

28.06 - 29.09.2019

Gut Feeling. Eva Fàbregas

28.06 - 29.09.2019

La investigación artística de Eva Fàbregas (Barcelona, 1988) se centra en el conocimiento del cuerpo y la experiencia sensorial que posibilitan las políticas del diseño industrial y su continua y creciente producción de objetos. No solo nuestros cuerpos, sino también nuestros deseos se ven afectados por una relación casi erótica que existe en ambas direcciones: de nosotros hacia los objetos y de los objetos hacia nosotros. ¿Es posible hablar de un diseño de las emociones desde la condición táctil del entorno material? ¿Cuáles son las respuestas físicas que lo somático provoca en nuestros cuerpos? ¿Qué afectos contienen estos objetos diseñados para el cuerpo humano? ¿Qué afinidades morfológicas poseen entre ellos? ¿Podrían estos objetos llegar a emanciparse de nuestros deseos?

Este proyecto es la última de las exposiciones del ciclo Mirror Becomes a Razor When It’s Broken, para la cual Fàbregas continúa con la investigación que dio lugar previamente a su muestra individual Those Things That Your Fingers Can Tell en la Kunstverein de Múnich (2019).

En colaboración con Equiknoxx.

The artistic research undertaken by Eva Fàbregas (Barcelona, 1988) focuses on the body knowledge and the sensory experience that facilitates the policies of the design industry and its continuous and growing production of objects. The almost erotic relationship that exists in both directions –from us to objects and from objects to us– affects not only our bodies but also our desires. Can we talk about a design of emotions from the tactile condition of the material environment? What are the physical responses that the somatic produces in our bodies? What affections are contained in these objects that are designed for the human body? What morphological affinities do they possess amongst each other? Could these objects become emancipated from our desires?

This project is the last of the exhibitions of the series Mirror Becomes a Razor When It’s Broken for which Eva Fàbregas continues with the research that has already generated her solo exhibition Those Things That Your Fingers Can Tell at the Kunstverein in Munich (2019).

In collaboration with Equiknoxx.

Eva Fàbregas, Nancey, 2019. Producido con el apoyo de Fundación “la Caixa” Copyright y cortesía de Eva Fàbregas y Kunstverein München e.V

Tramas. El Palacio visto por David Bestué


Actividades relacionadas/Related activities:Centenario del Palacio de Cibeles CoCo. El origen de la magia CoCo. Código abierto Stop Vuelvo pronto Stop. Linarejos Moreno

Colabora:

01.02.2019 - 12.01.2020

Tramas. El Palacio visto por David Bestué. David Bestué. 2019

El 14 de marzo de 2019 se cumplen 100 años de la apertura del Palacio de Cibeles, donde tiene su sede CentroCentro. Un edificio que desde su fundación como Palacio de Comunicaciones ha acogido muchas vidas y ha sido objeto de muchas miradas. De esa idea de mirar, de leer desde diferentes puntos de vista, surge esta serie de exposiciones: El Palacio visto por…, en la que con una periodicidad anual queremos invitar a diferentes artistas y arquitectos a plasmar de modo expositivo un recorrido de carácter más divulgativo a través de los archivos e historia del edificio, al mismo tiempo que proponer una lectura personal del palacio que podrá plasmarse en diferentes tipos de propuestas, desde la escultórica y la gráfica que nos presenta este año David Bestué (Barcelona, 1980) hasta otras por llegar y que iremos descubriendo con el paso del tiempo.

Tramas, la propuesta de Bestué, se despliega en tres intervenciones complementarias. Una más divulgativa en la que su mirada presta especial atención a la iconografía elegida para el palacio y a las reacciones que este levantó en su momento. Este espacio se articula a través de textos, dibujos e imágenes en las que se mezclan las referencias y los materiales históricos, con fotografías tomadas por Bestué durante el período de investigación. Además, ha dado pie a una aplicación práctica de la investigación que se resume con una serie de tramas o patrones decorativos que funcionarían como una actualización iconográfica que sirva para pavimentos, tejidos o plafones arquitectónicos. Un ejercicio realizado en colaboración con el estudio de diseño Setanta (que también se ha ocupado del diseño gráfico de la exposición) y Biel Studio. Por último, en el espacio central, situado justo detrás del ventanal orientado a la plaza de Cibeles, Bestué presenta una intervención escultórica en la que la funcionalidad y la ornamentación arquitectónica, el pasado y el presente dialogan a través de un juego poético de materiales.

The 14th of March 2019 marks the 100th anniversary of the opening of the Cibeles Palace, which houses CentroCentro. Since it first opened as the Communications Palace, the building has had various incarnations and has been the focus of myriad gazes. This idea of looking, of assessing from different points of view, underpins this series of exhibitions: El Palacio visto por... (The Palace as Seen by...), in which we aim to invite, on an annual basis, different artists and architects to create an informative overview –in exhibition format– based on the building’s archives and history, while also offering their own individual perceptions of the palace. These may take different forms, ranging from the sculptural and graphic work presented by David Bestué (Barcelona, 1980) this year to other future offerings, which we will discover as time goes by.

Tramas (Patterns), David Bestué’s project, involves three complementary interventions. In the first, which is more informative in nature, Bestué focuses on the iconography that was chosen for the palace and the reactions it provoked at the time. In this space, connections are forged by means of texts, drawings and images that mix historical references and materials with photographs taken by Bestué during the research period. The second consists of a practical application of Bestué’s research, which is summed up in a series of decorative patterns or storylines which function as an iconographic restatement that can serve as architectural elements like flooring, ceilings and fabrics. This project was undertaken in collaboration with Setanta design studio (which is also responsible for the exhibition’s graphic design) and Biel Studio. Finally, in the central space, just behind the large window that looks out over Plaza Cibeles, David Bestué presents a sculptural intervention in which architectural ornamentation and functionality, the past and the present strike up a dialogue, as it were, through a poetic interplay of materials.

Tramas. El Palacio visto por David Bestué

01.02.2019 - 12.01.2020

La superficie de una imagen. Aimée Zito Lema


Comisaria/Curator: Soledad Gutiérrez

Actividades relacionadas/Related activities:La superficie de una imagen. Encuentro

28.06 - 15.09.2019

La superficie de una imagen, 2019. Captura de vídeo. Cortesía de la artista

La superficie de una imagen de Aimée Zito Lema (Ámsterdam, 1982) surge de una investigación en torno a la memoria y a cómo determinados procesos revolucionarios y de resistencia resuenan en el presente de una sociedad. Tomando material de archivo de los distintos movimientos políticos y sociales que tuvieron lugar durante la guerra civil española, Zito Lema presenta una instalación site-specific de objetos/esculturas, impresiones gráficas, imagen en movimiento y sonido que explora el potencial de transformación del material fotográfico y las distintas capas que construyen una imagen.

Para su concepción, la artista parte de la imagen histórica que, al entrar en contacto con el cuerpo, se transforma en superficie de trabajo y, por lo tanto, en una de las múltiples capas que se entrelazan en un proceso en el que lo performático también deviene herramienta para investigar de modo colectivo sobre la memoria y cómo la historia se transmite de generación en generación.

La exposición incluye asimismo trabajos anteriores en los que la artista indaga sobre el archivo y la memoria, ambos activados a través del cuerpo y los gestos, generando una constelación de proyectos que nos ayudan a repensar el papel de la historia y cómo esta puede, a su vez, ser una herramienta para leer el presente.

La superficie de una imagen (The Surface of an Image) by Aimée Zito Lema (Amsterdam, 1982) develops from a project about memory and how certain revolutionary and resistance processes resound in the present of a society. Using archival material from different political and social movements that took place during the Spanish Civil War, the artist presents a site-specific installation that features objects/sculptures, graphic prints, moving images and sound that explore the potential for transformation of photographic material and the different layers that construct, or deconstruct, an image.

Zito Lema takes historic images and transforms them into a work surface by bringing them into contact with the body. The images thus become one of the multiple layers that are intertwined in a process in which performance also becomes a tool with which to carry out a collective investigation into memory and to understand how history is passed from one generation to another.

The exhibition also includes previous works with archival material and memory, both activated through the body and gestures, generating a constellation of projects that help us to rethink the role of history and how this can, in turn, be a tool to read the present.

La superficie de una imagen. Aimée Zito Lema

28.06 - 15.09.2019

Stop Vuelvo pronto Stop. Linarejos Moreno


Comisaria/Curator: Ana García Alarcón

Actividades relacionadas/Related activities: Centenario del Palacio de Cibeles Tramas. El Palacio visto por David Bestué CoCo. El origen de la magia CoCo. Código abierto

Colabora:

19.09.2019 - 12.01.2020

Linarejos Moreno. Stop Vuelvo pronto Stop, 2019. Cortesía de la artista

El proyecto Stop Vuelvo pronto Stop surge en el marco del centenario del Palacio de Cibeles con el propósito de reflexionar sobre la evolución de los mensajes a través del tiempo. Tomando en cuenta la historia de este edificio, destinado en su origen a la gestión del correo y las telecomunicaciones, Linarejos Moreno (Madrid, 1974) plantea una obra pictórica participativa realizada a partir de telegramas. En la actualidad, trasladamos nuestras experiencias en tiempo real a través de la mensajería de las aplicaciones electrónicas: WhatsApp, SMS, correo electrónico... Compartimos con la misma inmediatez tanto las decisiones más banales como las más trascendentales en una época caracterizada por la democratización de las telecomunicaciones posibilitada por su bajo coste. Sin embargo, el significado de los mensajes no ha sido siempre el mismo: Moreno concibe un viaje que parte del mensaje de uso excepcional ligado a grandes acontecimientos sociales (nacimientos, muertes, trabajos, premios, graduaciones) y políticos (guerra, paz) hasta llegar al mensaje actual, transmisor instantáneo de la experiencia cotidiana, proponiendo así una reflexión antropológica sobre la comunicación. Stop Vuelvo pronto Stop busca recolectar el mayor número de telegramas posible en una convocatoria abierta hasta el 31 de julio, con el objetivo de reunir las historias de quienes han recibido y enviado este tipo de mensajes. Estos telegramas se plasmarán –en su encriptación original: el código morse– en superficies pictóricas compuestas por sacos de correos a modo de retrato del imaginario colectivo de un tiempo y un lugar concretos. A través de este archivo de memorias vivas veremos cómo el avance vertiginoso de las telecomunicaciones no solo refleja el ingenio del hombre aplicado en la evolución de la tecnología, sino también la transformación de su experiencia del mundo y de la sociedad.

Stop Vuelvo pronto Stop (Stop Back Soon Stop) is a project within the framework of the Cibeles Palace centenary that arises out of the need to reflect on the evolution of messages down through the years. Taking into account the history of the building as Central Post Office, Linarejos Moreno (Madrid, 1974) constructs a participative pictorial work based on telegrams.

In the world of today, we share an experience in real-time through messaging that is based on electronic applications: WhatsApp, SMS and email, for example. We share, with the same immediacy, everything from the most banal to the most transcendental decisions in an era that is characterised by the democratisation of telecommunications, made possible by their low cost. Messages have not always had the same significance, however. Thus, the artist proposes a journey that ranges from exceptional messages linked to major social events (births, deaths, works, awards, graduations) and political events (war and peace) to the messages of today, an instantaneous transmitter of everyday experience, thereby proposing an anthropological reflection on communication.

Stop Vuelvo pronto Stop seeks to gather together the largest possible number of telegrams before the 31 July as a cross-section of the stories of people who, over a period of time, have sent and received this type of messages. Therefore, we are proposing to create an archive of living memories that will be collected through an open call, by means of which we will receive these messages that will be embodied in pictorial pieces, in their original Morse code, in which the artist presents a portrait of the collective imaginary of a time and a place. Through these memories, we will see how the vertiginous progress of telecommunications reflects not only man’s ingenuity applied to the evolution of technology, but also the transformation of his experience of the world and of society.

Stop Vuelvo pronto Stop. Linarejos Moreno

19.09.2019 - 12.01.2020

Para participar puedes enviar tu telegrama a CentroCentro por correo electrónico a [email protected] o traer una fotocopia al punto de Información del centro. Horario: martes - domingo, 10:00 - 20:00 h. Plazo abierto hasta el 31 de julio. To participate in the open call, please send your telegram to CentroCentro. You can send it via email to [email protected]. Or, bring a photocopy to the Information Desk in the Centre. Opening hours: Tuesday - Sunday, 10 am - 8 pm. Closed every Monday. Open Call until 31 July.

Miguel Benlloch. Cuerpo conjugado


Comisarios/Curators: Mar Villaespesa y Joaquín Vázquez (BNV Producciones)

Con la participación de/With the participation of:

14.06 - 06.10.2019

Miguel Benlloch. El detective. CentroCentro. 2017

La práctica estética/política de Miguel Benlloch (Loja, 1954 - Sevilla, 2018) tiene como denominador común una oposición continua a lo normativo, reflejada ya desde su temprana militancia antifranquista y en adelante por su intervención activa en la agitación contracultural de Granada. En los años ochenta participa en la apertura de la sala granadina Planta Baja, al intuir que la incipiente política institucional, empeñada en olvidar el pasado reciente, no respondería al anhelo ciudadano de libertad y de cultura experimental, y que se iría instalando de manera generalizada “una frivolidad despolitizada”. A finales de esta década co-funda la productora cultural BNV Producciones para impulsar proyectos, exposiciones y seminarios, así como expandir un diálogo entre las artes y el espacio social.

Su obra es ejemplo de una creación generada al calor de lo colectivo, de la vitalidad de los grupos sociopolíticos y artísticos con los que se relaciona. Sus poemas y textos, performances, collages, fotografías o imágenes digitales alumbran prácticas que ponen al cuerpo en el centro de los discursos artísticos.

El activismo, las performances y las obras de Benlloch –encarnadas en el cuerpo diverso, difuso, migrante, ilegal, lúdico, des-identificado, impropio o conjugado– han diseminado y extendido, a lo largo de las cuatro últimas décadas, los discursos que quiebran lo binario y debaten las categorías heterocentradas impuestas por los códigos culturales dominantes. Han contribuido así a la erosión de construcciones históricas e identidades fijas y estancas asentadas sobre comportamientos duales: masculino/femenino, activo/pasivo, productivo/improductivo, deseo/amor, salud/enfermedad, colonial/decolonial… Y siguen animando el avance de discursos artísticos, transgresores y políticos.

The common denominator of the aesthetic/political practice by Miguel Benlloch (Loja 1954 - Seville 2018) lies in his continuous opposition to regulations, from his early anti-Franco militancy and his active intervention in the counter-cultural agitation of Granada. In the 1980s, he took part in the opening of the Planta Baja, sensing that the incipient institutional political system was bent on forgetting the recent past and would not respond to the citizen’s longing for freedom and cultural experimentation, and would instead gradually deploy a widespread “depoliticised frivolity”. At the end of that decade, he became the co-founder of the cultural production company BNV Producciones, which was set up to promote projects, exhibitions and seminars, and to foster a dialogue between the arts and the social space.

His work is an example of a creation that is forged in the heat of the collective, and of the vitality of the social-political and artistic groups with which he interacted. His poems and texts, his performance art pieces, collages, photographs and large-scale digital images, illuminate practices that place the body at the centre of artistic discourses.

During the last four decades, the activism, performance art pieces and work of Miguel Benlloch, embodied in a diverse, diffuse, migratory, illegal, playful, de-identified, improper or conjugated body, have disseminated and extended discourses that shatter the binary and debunk the heterocentric categories imposed by the dominant cultural codes. In this way, they have contributed to the erosion of historical constructions and fixed and watertight identities based on dual behaviours: masculine/feminine, active/passive, productive/unproductive, desire/love, health/sickness, colonial/decolonial, and they continue to represent processes that favour the advancement of artistic, transgressive and political discourses.

Miguel Benlloch. Cuerpo conjugado

14.06 - 06.10.2019

El Programa público de CentroCentro toma múltiples formas: desde los seminarios y los grupos de investigación, a las performances y las visitas guiadas. Una serie de actividades que se desarrolla en todo el centro y que busca

crear un programa abierto donde generar y compartir conocimiento, en el que el cuerpo es protagonista.

Programme


Public Programme

Programación


Programa público

CentroCentro’s Public Programme takes multiple forms, from seminars and research groups to performance and guided tours; a number of activities held throughout the

centre, designed to create an open programme in which knowledge is generated and shared, and the body plays a central role.

Frecuencia Singular Plural

Performance Diferentes espacios/Various spaces

Comisaria/Curator: María Montero Sierra

Programa/Programme:

24.05 - 26.06.2019Frecuencia Singular Plural II Ana Guedes. Untitled Records, 2016

28 - 30.06.2019Frecuencia Singular Plural III Nuno da Luz. ON AIR, 2019 María Salgado. Lírica/3, 2017

24.05 - 29.11.2019

El sonido, la musicalidad, la voz, la melodía, el texto dicho y el ruido, que rivalizan y acompañan a la presencia corpórea, son centrales en las performances que conforman Frecuencia Singular Plural. Este ciclo, dedicado a las artes visuales vivas, concentra su actividad en el último viernes de cada mes, cuando se presentan dos performances nuevas que, a su vez, sirven como punto de partida a la exposición, hasta la próxima sesión, de los materiales que dan origen a una de ellas. De tal modo que la doble dimensión performática y plástica de las obras define el formato y ritmo de este programa.

La oscilación que vive el sujeto entre su ser individual y su forma colectiva se materializa de manera casi mecánica en la producción y escucha del sonido. Las performances que integran este ciclo nos invitan a adentrarnos en un pensamiento múltiple, un estar y un ser con otros, a través de la investigación en torno a la cacofonía de voces que tiene lugar en el espacio público: la trasmisión oral, la creación constante sobre la palabra borrada, las interferencias sonoras en forma de herencias históricas y personales, y de manera central los ecos de la naturaleza. Estos sonidos registran nuestras dubitaciones, nuestros clamores, nuestras protestas, nuestros silencios.

De la imagen, solo disponible como un recuerdo confuso y cambiante de la acción en vivo, a la fugacidad amplificada por el sonido, por el ruido que es más que nada instante, que nos obliga a conformarnos con un mensaje que vuela y únicamente tiene cobijo en el cuerpo del otro, en el sentir del otro. Aquello presente, las reliquias, el recordar, el revisitar e inventar son los útiles con los que los artistas se codean en Frecuencia Singular Plural.

Sound, musicality, voice, melody, spoken text, and noise, which rival and accompany the corporeal presence, are central to the performance art pieces that make up Frecuency Singular Plural. A series dedicated to visual art performances which focuses on the presentation of two new pieces of work every month and, in between the sessions, the exhibition of one of the two interventions. The double performative and visual dimension of the pieces defines the format and rhythm of the programme.

The oscillation experienced by a subject endeavouring to define themselves as an individual and as a collective, materializes in an almost robotic way in the production and listening of sound. These performances invite us to delve into a multiplicity of thoughts, an existing and a being with the other elements through the investigation of the cacophony of multiple voices in a public space, oral transmission, constant creation on erased words, sonorous interferences in the form of historical and personal inheritances, and at the heart of it all, the echoes of nature. These sounds record our doubts, our cries, our protests, our silences.

From the image, only made available as a confusing and changing reminder of live action, to the fugacity amplified by sound, through the noise that is, above all, an instant, which forces oneself to accept a message that flies and only finds shelter in the body of the other, in the feeling of the other. That present, those relics, remembering, revisiting and inventing are the tools with which the artists rub shoulders with one another in Frecuency Singular Plural.

Frecuencia Singular Plural

24.05 - 29.11.2019

Nuno da Luz. ON AIR, 2019Performance Patio de operaciones/Former Operations Hall 18:00 h La instalación se expone hasta/The installation will be on display until 30.06.2019

ON AIR da título a una performance y a una instalación de Nuno da Luz (Lisboa, 1984) en las que explora dos de sus áreas principales de investigación. Por un lado, la performance, el directo, donde a través de la superposición de una sucesión de sonidos naturales e intervenidos, reproducidos y en vivo, convoca múltiples capas sonoras y de ruido que se solapan en nuestra vida cotidiana. Por otro, la radio, entendida como un espacio de frecuencias naturales que puede ser ocupado con nuevos sonidos.

ON AIR is the title of a performance and an installation in which Nuno da Luz (Lisboa, 1984) uncovers two of his main research areas. On the one hand, the performance, live, in which the superimposition of natural and manipulated sounds, both live and reproduced, present the many layers of noise and sound that overlap in our day-to-day lives. On the other hand, the radio, understood as a space for natural frequencies waiting to be occupied by new sounds.

María Salgado. Lírica/3, 2017Performance Patio de operaciones/Former Operations Hall 19:00 h

“Lírica: dos personas que se hablan por debajo de una sábana durante tres mil años. Lírica: al cabo de mil años escriben una frase en un papel. Lírica: la frase permanece. Los versos y las frases se acumulan escritas en los libros, también se memorizan. Lírica: se graban y desgraban. Van mutando, pierden y recuperan la música. Etc. La pieza que llamo Lírica/3 es un dispositivo muy sencillo y analógico de aparición de materiales textuales temática y semánticamente relacionados con los de la poesía lírica (sea lo que sea: recuerdos, sueños, voces que hacen por hablarse y oírse, una especie de yo y una especie de tú…) O sea, es una especie de recital y, como tal, contiene versos, pedazos de poemas y poemas enteros, y a su vez contiene unas pequeñas reflexiones sobre la amplificación (del sonido de la voz, los sentimientos privados encontrados y las órdenes y mensajes de orden emitidas en el espacio público), mientras la voz va cambiando de contenedor”.

“Lyric: two people talking to one other beneath a blanket for three thousand years. Lyric: after a thousand years, they write a sentence on a piece of paper. Lyric: the sentence remains. Verses and sentences accumulate written in books, and they are also memorized. Lyric: they are recorded and erased. They mutate, they lose and regain their music. Etc. The piece that I call Lírica/3 is a really simple and analogic device for the appearance of textual materials that are thematically and semantically related to lyrical poetry (whatever that may be: memories, dreams, voices that want to speak and be heard, a sort of me and a sort of you...). In other words, it is a kind of recital, and as such it contains verses, pieces of poems and complete poems, and at the same time it contains small reflections on amplification (of the sound of the voice, of private feelings, and the orders and order messages emitted in the public space), while the voice changes from one container to another”.

Ana Guedes. Untitled Records, 2016Instalación/Instalation Planta 3/Floor 3

La música lleva una impronta personal e histórica que marca el ritmo del propio cuerpo; más aún, que explosiona en su capacidad de transportar psicológicamente a un momento y un lugar fijos.

En Untitled Records una biblioteca de vinilos heredada acompaña el viaje histórico y personal de Ana Guedes (Braga, 1981) con el objetivo de descubrir las raíces no narradas, desde la descolonización portuguesa de África a la emigración de su familia de Angola a Portugal y Canadá. Un viaje en el que Guedes también indaga en torno a la plasticidad musical gracias a un sofisticado sistema de tocadiscos de más de una aguja diseñados por ella misma.

Music carries a personal and historical imprint that marks the rhythm of one’s own body; moreover, it explodes in its ability to transport you psychologically to a fixed time and place.

An inherited library of vinyl records accompanies in Untitled Records Guedes’ historical and personal journey with the objective of discovering the untold roots, with references to the Portuguese decolonization of Africa, or the emigration of the artist’s family and their journey from Angola to Portugal and Canada. A journey that also explores musical plasticity thanks to a sophisticated system of turntables with more than one needle, designed by Ana Guedes (Braga, 1981).

Frecuencia Singular Plural II

24.05 - 26.06.2019

Ana Guedes. Untitled Records, 2016. Cortesía de la artista

Frecuencia Singular Plural III

28.06.2019

Claudia Pagès

10.09.2019

La superficie de una imagen

12.09.2019

Actividad/Activity Planta 3/Floor 319:00 h

Ciclo/Series: Mirror Becomes a Razor When It’s Broken

Encuentro/Open Talk Planta 4/Floor 419:00 h

Idioma/Languages:Castellano/Spanish

Actividades relacionadas/Related activities: La superficie de una imagen

Participantes/Participants:Soledad Gutiérrez, Pablo Martínez y Aimée Zito Lema

La superficie de una imagen, 2019. Captura de vídeo. Cortesía de la artista

El texto es uno de los materiales principales de la práctica de Claudia Pagès (Barcelona, 1990). Texto que, al adoptar diferentes formatos –material impreso, instalaciones, lecturas sonoras– se expande generando un lenguaje específico que combina el habla, la oralidad y la interpretación musical. Aparecen además objetos y materiales que desde la búsqueda de su comprensión sociolingüística se vinculan a las palabras, los verbos y las acciones que suceden en el espacio.

Este interés por el lenguaje también abarca la dimensión arquitectónica del habla y las estructuras orales, su resistencia a ser dominado y sus formas de distribución y circulación, las cuales desvelan las conexiones latentes entre trabajo y biopolítica. La investigación que Pagès desarrolla se ha centrado en los trabajos rurales en torno a la producción, como la cosecha, la recolección y la extracción, trasladándolos a la realidad contemporánea de la ciudad, en la que los procesos extractivistas son una constante.

El trabajo de Claudia Pagès responde al contexto y al momento en el que se produce. La invitación para ser parte de Mirror Becomes a Razor When it’s Broken tuvo en cuenta esta premisa y por tanto la imposibilidad para determinar con antelación un formato o una dirección del trabajo que presentará en septiembre.

Text is one of the principal materials that Claudia Pagès (Barcelona, 1990) works with. By adopting different formats, such as printed material, installations and spoken readings, the texts expand and are able to generate a specific language that combines speech, orality and musical interpretation. Objects and materials also appear. These are based on a search for their social-linguistic comprehension and are linked to the words, verbs and actions that take place in the space.

This interest in language also includes the architectural dimension of speech and oral structures, as well as the ability of language to resist domination, or its forms of distribution and circulation, which reveal the latent connections between work and biopolitics. The research she has been engaged in for some time now has focused on provincial work and the production processes inherent to harvesting, gathering and extraction, transferring them from the rural and natural environment to the contemporary reality of the city, in which extractive processes are a constant.

Claudia Pagès’ work responds to and positions itself in the context in which it is produced. Bearing this in mind, the invitation to be part of Mirror Becomes a Razor When It’s Broken took this into account and assumes of the impossibility of pre-determining a format or a direction of the work she will present in September.

Recorrido-conversación a partir de las obras incluidas en la exposición en el que la imagen, el archivo y el cuerpo serán temas centrales.

A journey-conversation through the works in the exhibition where the image, archival material and the body will be the main subject.

Desde CentroCentro entendemos la práctica artística contemporánea como una herramienta de comunicación y de transformación social. Por ello hemos puesto en marcha esta línea de trabajo, en la que

buscamos generar un espacio de aprendizaje de carácter horizontal en el que diferentes colectivos, asociaciones, artistas y personas interesadas puedan reflexionar de manera conjunta sobre intereses compartidos.

At CentroCentro, we understand contemporary artistic practice as an instrument of communication and social transformation. That’s why we’ve launched this line of work, in

which we seek to create a forum for horizontal learning where different agents, associations, artists and public, in general, can engage in a joint reflection on shared interests.

Programme


Collective Learning

Programación


Aprendizaje colectivo

El origen de la magia


Ciclo/Series: CoCo. Proyectos colaborativos de comisariado

Concepción de CoCo y organización/Conception of CoCo and organisation: CentroCentro y Plataforma IndómitaCo-Comisariado/Co-Curators: 24 alumnos/as de 4º de primaria del CEIP San Miguel, Sofía de Juan, María Matas e Irene Pomar/24 Year 4 students from the CEIP San Miguel Public School, Sofía de Juan, María Matas and Irene PomarArtistas-educadoras/Artist-educators: Sofía de Juan, María MatasArtistas participantes/Participating artists: Ricardo Iglesias, Valeriano López, Fernando Mainer, Raúl Mainer, Radiactivas

Actividades relacionadas/Related activities:CoCo. Código abiertoCentenario del Palacio de CibelesTramas. El Palacio visto por David BestuéStop Vuelvo pronto Stop. Linarejos Moreno

Colabora:

09.05 - 08.09.2019

El origen de la magia es una exposición comisariada íntegramente por los alumnos de 4º de primaria del CEIP San Miguel (barrio de la UVA, distrito de Hortaleza). Esta se gesta en el marco de CoCo, una propuesta concebida por CentroCentro y Plataforma Indómita para la elaboración y desarrollo de proyectos colaborativos de comisariado.

En el año del centenario del Palacio de Cibeles, inaugurado en 1919 como Palacio de las Comunicaciones, nos hemos preguntado: ¿cómo nos comunicamos?, ¿cómo nos conectamos? Las repuestas de estos 24 comisarios y comisarias nos invitan a redefinir la noción de comunicación a través de su propio relato. Sus planteamientos han surgido tras un periodo de investigación tanto en el espacio de CentroCentro como en el colegio y su barrio, siempre en la colaboración constante del profesorado.

Partiendo de sus intereses cotidianos, este alumnado ha formulado mensajes en forma de pregunta, rumores, anuncios, ficciones y reivindicaciones. En este proceso no solo han decidido qué quieren contar, sino que han consensuado puntos de vista colectivos con el objetivo de encontrar su propio código y poder convertir sus intereses en mensajes capaces de interpelar a quienes todavía no conocen. Durante este viaje, han estado acompañados por artistas como Ricardo Iglesias, Valeriano López, Fernando Mainer, Raúl Mainer y Radiactivas; además, han dialogado con profesionales como Rosa Maria Calaf, Pastora Vega o Alfonso Brezmes, entre otros, para elaborar una sección dedicada al pensamiento. Gracias a estas colaboraciones, a la creatividad ilimitada del propio grupo y su capacidad de trabajo y esfuerzo, se ha mejorado la convivencia en el entorno familiar; desarrollado investigaciones en el barrio, redescubierto gracias a este proyecto como fuente de reflexiones sobre la vida de sus habitantes y el medio ambiente; propiciado leyendas y narraciones en torno al colegio, e indagado en temas específicos: el feminismo, el trabajo en equipo, los animales en peligro de extinción, etcétera.

The Origin of Magic is an exhibition curated entirely by Year 4 pupils at the Primary School in the UVA neighborhood of Madrid’s Hortaleza district. It originated within the framework of CoCo, a proposal conceived by CentroCentro and Plataforma Indómita for preparing and developing collaborative curated projects.

To mark the centenary of the Cibeles Palace, inaugurated in 1919 as the Communications Palace, we asked ourselves: how do we communicate? How do we connect? The answer of these 24 curators invites us to redefine the notion of communication through their own narrative. Their considerations have taken shape following a period of investigation carried out both at CentroCentro and in their school and neighborhood, always with the constant collaboration of their teachers.

Based on their day-to-day interests, they have formulated messages in the form of questions, rumours, advertisements, fiction and claims, for example. From there, not only have they decided what they want to say, they have also worked for months on end to reach agreements and to reconstruct their points of view in order to find their own code, their own way of turning those interests into contents that appeal to people they have not yet met. On this journey they have been accompanied by such artists as Ricardo Iglesias, Valeriano López, Fernando Mainer, Raúl Mainer and Radiactivas. They have also had conversations with professionals, such as Rosa Maria Calaf, Pastora Vega and Alfonso Brezmes, among others, to build their section dedicated to thinking.

Thanks to these collaborations, to the unlimited creativity of the entire group, to their ability to work and apply themselves, they have generated inventions to improve coexistence within the family environment; conducted research in their neighborhood as a way to reflect on the life of the people who live in it and on the environment; legends from the school, as well as views on feminism, teamwork and endangered animal species, among other topics.

El origen de la magia

09.05 - 08.09.2019

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Código abierto


Ciclo/Series: CoCo. Proyectos colaborativos de comisariado

Concepción de CoCo y organización/Conception of CoCo and organisation: CentroCentro y Plataforma IndómitaCo-Comisariado/Co-Curators (Fundación Carlos Martín y Ademo): Mónica Crivillén, Gonzalo Gamero, Raul Benito, Ana Gil, Laura Ontiveros, Samuel Luque, Roberto Sánchez, Juan Martínez Alberquilla, Solange Chauca, Estefan Falconi, Rebeca Sánchez, Yasmine Jaramillo, Dolores García, Marisa Lacón, Javier FríasProfesionales de Fundación Carlos Martín y Ademo: Carlos de la Calle y Carla la ParraArtistas-educadoras/Artist-educators: Sofía de Juan, María Matas, Irene PomarArtistas participantes/Participating artists: Raúl Mainer, Roberto Urbano

Actividades relacionadas/Related activities:CoCo. El origen de la magiaCentenario del Palacio de CibelesTramas. El Palacio visto por David BestuéStop Vuelvo pronto Stop. Linarejos Moreno

Colabora:

28.06 - 29.09.2019

Foto: María Matas

La primera edición de CoCo Adultos en CentroCentro es el resultado del trabajo y la investigación de quince comisarios y comisarias de Fundación Carlos Martín y Fundación Ademo. Ambas instituciones tienen como misión la mejora de la calidad de vida de las personas con discapacidad intelectual, mediante el desarrollo de centros ocupacionales, viviendas tuteladas y centros especiales de empleo.

En el marco del centenario del Palacio de Cibeles, las preguntas detonantes para este comisariado han sido, precisamente, “cómo nos comunicamos” y “cómo nos conectamos”. Desde la acción creativa y la reflexión crítica, han abordado las diferentes mecánicas de trasmisión y recepción de mensajes. A partir de ahí, han surgido misivas en forma de deseos, consejos, reivindicaciones, dudas, a los que los co-comisarios han dado su enfoque para poder ir trazando los grandes capítulos de su exposición.

Ocio y tiempo libre, trato y familia, gastronomía, el trabajo y el aburrimiento, así como la propia (in)visibilidad son los grandes focos temáticos que componen su proyecto. Para trasladarlos al espacio expositivo, buscan ir más allá de su visión particular y ampliarla a la del grupo, trabajando con otras personas como el artista Roberto Urbano, con quien han creado una instalación específica para la exposición. Por otro lado, han desarrollado sus propios dispositivos artísticos, espacios de convivencia y han solicitado en préstamo obras que consideran fundamentales para abordar estas temáticas que les ocupan y compartirlas así con los visitantes de esta muestra.

The first edition of CoCo Adults at CentroCentro is the result of the work and research of fifteen curators from Fundación Carlos Martín and Fundación Ademo. The mission of both institutions is to improve the quality of life of people with intellectual disabilities through the development of occupational centres, supervised housing and special employment centres.

Within the framework of the 100th anniversary of the Cibeles Palace, the specific trigger questions for this curatorship have been “how we communicate” and “how we connect”. Through creative action and critical reflection, they have addressed the different mechanisms by which we transmit and receive messages. This has given rise to letters in the form of wishes, advice, demands, doubts, to which the co-curators have applied their approach in order to be able to outline the main chapters of their exhibition.

Leisure and free time, relations and family, gastronomy, work and boredom, as well as one’s own (in)visibility are the main thematic focuses that make up their project. In order to transfer them to the exhibition space, they seek to go beyond their own particular vision and to extend it to that of the group, working with other people such as the artist Roberto Urbano, with whom they have created a specific installation for the exhibition. On the other hand, they have developed their own artistic devices, spaces for coexistence, and they have borrowed works that they consider fundamental to address these issues that concern them and to thereby share them with visitors to this exhibition.

Código abierto

28.06 - 29.09.2019

Una forma de hablar. Taller de relatos de ida y vuelta

Planta 3/Floor 3

Comisaria/Curator:Sara Martín

Idioma/Language:Castellano/Spanish

06.2019 - 06.2020

Una forma de hablar pretende activar un espacio de idas y vueltas capaces de configurar relatos que nos permitan, a partir del arte contemporáneo, compartir, discutir, habitar y experimentar en el marco de un grupo de mujeres.

Este proyecto lanza una invitación a mujeres en toda su diversidad que, también desde los distintos Espacios de Igualdad del Ayuntamiento de Madrid, quieran formar parte de este grupo de aprendizaje, disfrute y conversación. Desde CentroCentro como lugar de acogida, nos iremos juntando y encontrando con una frecuencia programada para propiciar actividad y buscar y aprender juntas sobre cuestiones relacionadas con la ciudad, el arte contemporáneo y con nosotras mismas desde la apertura de un mirar, un decir y un hacer tartamudo, inquieto y tal vez equivocado. Nos irán acompañando artistas con quienes trabajaremos en talleres específicos para dar forma, tiempo o espacios a esos relatos que están por venir, abriendo determinados momentos del proceso al público.

Esta iniciativa comienza ahora su andadura con el propósito de acompañar, facilitar y escuchar lo que vaya pasando, al tiempo que ayuda a pensar y formular la línea de trabajo de Aprendizaje colectivo, programa en el que se inscribe. Se trata, en este sentido, de generar juntas un marco pensado para el largo plazo, para estar en CentroCentro, ir, venir y juntarnos en torno a su programación y nuestros intereses.

Durante el mes de junio, ponemos en marcha una serie de encuentros semanales en CentroCentro y un primer Taller de relatos de idas y vueltas que empiece a dar forma a este grupo de aprendizaje.

Información e inscripciones/Information and registrations:[email protected]

Una forma de hablar (A Manner of Speaking) seeks to activate a space of toings and froings that is capable of configuring stories that allow us, through contemporary art, to share, discuss, inhabit and experiment within the framework of a group of women.

This project extends an invitation to women in all their diversity and also from Madrid City Council’s different Equality Spaces, who want to be part of this group that is dedicated to learning, enjoyment and conversation. With CentroCentro providing a place of welcome, we will get together at regular intervals to generate activity, to search and learn together about issues related to the city, contemporary art, and ourselves, from the opening of stuttering, restless and perhaps mistaken gazes, words and actions. We will be accompanied by artists with whom we will work in specific workshops to give form, timing or spaces to those stories that are to come, and certain moments of the process will be open to the public.

This is a project that is now setting out on its journey as part of the line of work of Collective Learning; its aim is to accompany, facilitate and listen to what is happening while at the same time helping to think and give shape to its own line of work. A space devised for the long term, to be in CentroCentro, to come and go from there, and to gather together based on its programme and our interests.

During the month of June, we will be launching a series of weekly meetings at CentroCentro, and an initial workshop that will begin to shape this learning group.

Una forma de hablar. Taller de relatos de ida y vuelta

06.2019 - 06.2020

Foto: Lukasz Michalak

El Auditorio de CentroCentro tiene una programación muy diversa. Además de abrir su espacio a la música antigua, busca ser lugar de encuentro y generar una comunidad en la que, tanto desde el escenario como desde el público, se planteen cruces, hibridaciones

y simbiosis entre las distintas formas de hacer con sonido. También mostramos las creaciones más recientes, dando protagonismo a las nuevas generaciones de creadores de la escena nacional e internacional.

CentroCentro’s Auditorium has a very broad programme. In addition to embracing early music, the space aims to create a community in which to explore –both on stage and in relation to the audience– blends, hybridisations

and symbioses between the different ways of operating with sound. We also showcase the very latest creations, putting the spotlight on new generations of national and international creators.

Programme


Programación


Music Música

1970/2019: diálogos eléctricos. Alberto Rosado

Música/Music Auditorio/Auditorium19:30 h

Comisario/Curator: Alberto Bernal

Entrada/Admission: Libre hasta completar aforo/Free admission until full capacity is reached

www.vang.es

20.06.2019

La última cita de la temporada con VANG presenta al pianista Alberto Rosado (Salamanca, 1970), auténtica referencia del piano contemporáneo en España.

Si algo ha caracterizado el planteamiento de VANG durante este año ha sido la búsqueda de relaciones y encuentros entre diferentes disciplinas, épocas o propuestas estéticas. 1970/2019: diálogos eléctricos es el título de este concierto, en el que se plantea un diálogo entre las primeras obras para piano y electrónica, allá por la época analógica de los años 1970, y obras de última creación, ya en la asentada época digital de nuestros días.

Algunos de los compositores que se escucharán son Luigi Nono, Mario Davidovsky, Marco Stroppa, Jonathan Harvey, Raquel García Tomás, Arturo Fuentes o Iñaki Estrada, cuyas trayectorias comprenden casi 50 años de investigación en torno a una simbiosis entre el “viejo” piano acústico y las nuevas tecnologías de ahora y de entonces.

The last concert of the season with VANG will feature pianist Alberto Rosado (Salamanca, 1970), a veritable beacon of contemporary piano in Spain.

If any one thing has characterised VANG’s approach over the course of this year, that has been the search for dialogues between different disciplines, eras or aesthetic proposals. 1970/2019: diálogos eléctricos is the title of this event, which proposes a dialogue between early works for piano and electronics from way back in the analogue days of the early 70s, and works of more recent creation, from the firmly established digital era we live in today.

We will listen to works by: Luigi Nono, Mario Davidovsky, Marco Stroppa, Jonathan Harvey, Raquel García Tomás, Arturo Fuentes, and Iñaki Estrada, who together account for almost 50 years of a quest for a symbiosis between the “old” acoustic piano and the new technologies of today and then.

Bach-Madrid. Ciclo de Música Antigua

08, 09.06.2019

Música/Music Auditorio/Auditorium

Organiza/Organized by: La Capilla Real de Madrid y CentroCentro

Entradas/Tickets: 17 - 20 €

Entradas para Bach en Familia/Bach in Family tickets:8 - 10 €

Entradas/Tickets:www.centrocentro.org

www.bachmadrid.com

Conciertos/Concerts:

08.06.2019. 19:30 hEl Banquete de OrfeoLos libros de Madrigales C. Monteverdi (II)Selección de los Libros VII-IX y escenas de la ópera L’OrfeoSolistas, Ensamble y Coro de Niños de La Capilla Real de MadridDirección: Oscar Gershensohn

09.06.2019. 12:30 hCantando en la boda de Orfeo y Eurídice Solistas, Ensamble y Coro de Niños de La Capilla Real de MadridDirección: Oscar Gershensohn

La última cita de este ciclo dedicado a Bach y otros importantes compositores de la denominada Música Antigua está protagonizada por Claudio Montervedi. El concierto, inspirado por su obra L’Orfeo, considerada la primera ópera de la historia, recorre en el estilo de corte el primer acto completo de esta pieza: la boda de Orfeo y Eurídice, celebración en la que se combinan madrigales, scherzi y balleti cantados por ninfas, pastores y sátiros. La música que el compositor escribió tras L´Orfeo también está presente, permitiendo que los personajes de sus libros de madrigales viajen al famoso enlace, a esta fiesta luminosa.

En su versión didáctica para los niños y sus familias, este banquete en homenaje a Orfeo y Eurídice celebra realmente al maestro Monteverdi y, sobre todo, a un estilo único que amamos bajo el nombre de monteverdiano.

The last concert in this series dedicated to Bach and other important composers associated with the world referred to as Early Music, celebrates Monteverdi. In a courtly style, the concert features the entire first act of the opera, the wedding of Orpheus and Eurydice, a celebration that combines madrigals, scherzi, and balleti sung by nymphs, shepherds and satyrs. It also includes music that Monteverdi wrote after L’Orfeo, allowing characters from his books of madrigal to travel to the famous wedding, a luminous feast.

The didactic version of this banquet, addressed to children and their families, pays homage to L’Orfeo, celebrates Maestro Monteverdi and, above all, that unique style that we love and refer to as Monteverdian.

Los Nocturnos de Cibeles. VI Festival Internacional de Música Clásica

Música/Music Auditorio/Auditorium20:00 h

Organiza/Organized by: Fundación Katarina Gurska para la Educación y la Cultura

Entradas/Admission: Libre hasta completar aforo/ Free admission until full capacity is reached

24.06 - 12.07.2019

El VI Festival Internacional Los Nocturnos de Cibeles, protagonizado por 42 intérpretes y 30 compositores de todos los estilos y rincones geográficos, es un homenaje a la diversidad y a la riqueza cultural europea. Esta iniciativa busca acercar al público madrileño el sentir musical europeo desde el clasicismo hasta la actualidad, a través de un programa que cuenta tanto con obras representativas como otras menos interpretadas pero no por ello de menor valor artístico, y con compositores como Beethoven o Albéniz que comparten protagonismo con otros como Kovács, Manén, Viana o Mariné.

The 6th edition of Los Nocturnos de Cibeles International Festival, which features 42 performers and 30 composers of all styles and places of origin, is a tribute to the diversity and wealth of European culture. The aim of the festival is to approach to the public the European musical feeling from classicism to the present day. The programme will feature both representative works and other compositions which may not be so often performed but nonetheless still have great artistic value. Composers such as Beethoven or Albéniz will share the limelight with others such as Kovács, Manén, Viana and Mariné.

Los Nocturnos de Cibeles. VI Festival Internacional de Música Clásica

Conciertos/Concerts:

24.06.2019 Obras de Jean Sibelius, Ludwig van Beethoven y Serguéi RachmaninovBlanca López, guitarra; Antonia Valente, piano

26.06.2019Obras de Regino Sainz de la Maza, Pierre Grau, Francisco Tárrega, Marco Smaili y Juan ManénÀlex Garrobé, guitarra

28.06.2019 Obras de Franz Schubert, Robert Schumann y Modest MussorgskyÁngel Ruiz, saxofón; Karla Martínez, piano; Pedro López, piano

01.07.2019 Obras de Ludwig van Beethoven, César Viana y Théodore DuboisSandra Caldera, clarinete; Clàudia Alós, fagot; Carmen Vera, flauta; Gabriel Ortega, fagot

03.07.2019Obras de Karlheinz StockhausenCésar Viana, director artístico; Carla Cid, oboe; Mario Méndez, clarinete; Enrique Torres y Ramiro Huete, trompeta; Alejandro Trigo, Isabel Marín, Sergio Morcillo, Sofía Cuellar, Sofía Navarro y Juan Pablo Calderón, violines; Estefanía Mollar, viola; Carmen Mendoza, Carmen Ramírez, Criptana Casero, Guillermo Sánchez, Helena Martínez y María del Carmen Freire, violonchelo; Gabriel Abad, contrabajo; Ángel Á. Martín del Burgo y Celia Chuliá, piano; Maria Berenguer, percusión

05.07.2019Obras de Béla Kovács y Béla Bartók Melisa Zaganjori, piano; José Pinto, clarinete

08.07.2019Obras de Jean Françaix, Isaac Albéniz, Camille Saint-Säens, Manuel de Falla y Dimitri ShostakovichSilvia Jiménez, trompeta; Bruno Vlahek, piano; José Miguel Moreno, violonchelo;

10.07.2019Obras de Manuel de Falla, Isaac Albéniz, Joaquín Turina y Vicente Asensio Elena Ortega, guitarra; Daniel Carmona, piano

12.07.2019Obras de Victor Carbajo, Angel Álvaro, Pablo de Diego, Cesar Viana, Sebastián Mariné y Paul Schoenfield Lorena Rodríguez, clarinete; Sofía Navarro, violín; Ángel Á. Martín del Burgo, piano

24.06 - 12.07.2019

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