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22/05/22 Pilar Morollón IES San Is idro 1 Quattocento italiano

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13/04/23 Pilar Morollón IES San Isidro 1Quattocento italiano

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Características de la arquitectura• Proporción, medida, simetría, estudio matemático.• PLANTAS: utilización de formas simples: cuadrado,

círculo, triángulo equilátero. Perspectiva lineal.• ELEMENTOS SUSTENTANTES:

– Muro de piedra. Aparejo de sillares isódomos y almohadillado.

– Columnas y pilares clásicos: dórico, jónico, corintio, compuesto, toscano. Superposición de órdenes y de arco y dintel

• ELEMENTOS SUSTENTADOS: Arco de medio punto. Bóveda de cañón (a veces con lunetos), de arista, cúpula sobre pechinas. Cubiertas planas.

• ELEMENTOS DECORATIVOS: Grutescos, laureas, casetones, medallones, guirnaldas.

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Prototipos de plantas renacentistas

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Perspectiva linealEn esta perspectiva lineal se divide el espacio en un cubo, con un suelo cuadriculado, paredes y techo. Todas las paralelas (recesivas) que van disminuyendo convergen hacia el punto de fuga central (PF) situado en la línea del horizonte (LH).  

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Perspectiva lineal

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Sección áurea.

• La proporción áurea es una relación entre longitudes. Se representa con la letra griega Φ, su valor aproximado Φ ≈ 1,618...

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LunetosTambor

Casquete

Linterna

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Elementos decorativos

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Filippo Brunelleschi. Florencia 1377-1445•Arquitecto, escultor y orfebre. Participó en el concurso de 1401, para la realización de las puertas del baptisterio, perdió ante Ghiberti. Decidió dedicarse a la arquitectura. Aprendió de las ruinas romanas junto al escultor Donatello.•A partir de los monumentos clásicos creó un estilo arquitectónico con base en las matemáticas, las proporciones y la perspectiva lineal, que él crea.•Formas simples. •Predominio de los elementos estructurales:muro, columnas y pilastras compuestas con 8 volutas, arcos de medio punto, bóvedas de cañón, vaídas, artesonados, cúpulas sobre pechina. Superposición de arco y dintel•Decoración limitada al mínimo: alternancia de color blanco del enfoscado y gris de la piedra. Relieves cerámicos de Lucca della Robbia

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Cúpula de la catedral de Florencia 1417

•Cubierta para la catedral realizada por Arnolfo di Cambio en el s. XIII.•Influencia del Panteón

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Técnica de construcción

•Fue levantada sin armaduras desde el suelo, a través de una atrevida técnica, derivada de ejemplos romanos, apoyada sobre una estructura en espiral con ladrillos dispuestos a "espina de pescado" y doble bóveda con intersticio.• La cúpula tiene un diámetro de 45,52 metros y una altura – sin linterna – de 91 metros.

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Brunelleschi: San Lorenzo.•Interior de tres naves separadas por arcos de medio punto sobre columnas compuestas de ocho volutas a las que superpone un tramo de entablamento.•Planta de cruz latina con cabecera plana y cúpula sobre pechinas en el crucero.•Cubierta plana con casetones en la nave central y bóvedas vaídas en las laterales.• Perspectiva lineal. Remarcada por los elementos estructurales.•Horizontalidad se refuerza con entablamento, cubierta.•Armonía: Establece formas cúbicas: la altura de las columnas es igual ala distancia entre columnas contiguas y entre éstas y los muros de las naves laterales.

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Brunelleschi. Hospital de los inocentes.

•Edificio de gran horizontalidad encargado por el gremio de sederos.El pórtico determinó el urbanismo de la plaza.•En el cuerpo inferior se dispone de un pórtico con arcos de medio punto sobre columnas compuestas. El prórtico se cubre con bóvedas vaídas sobre ménsulas•Las enjutas se decoran con tondos o medallones de cerámica vidriada, policromados con figuras blancas (bebés que piden) sobre fondo azul de Luca y Andrea della Robbia.

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Brunelleschi. Capilla Pazzi.

Seis columnas compuestas sustentan un entablamento y se abre un gran arco de medio punto como arco de triunfo

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Capilla Pazzi 1441

•Planta de cruz griega con brazos poco desarrollados.•Cubierta con cúpula y bóvedas de cañón•Búsqueda de la armonía, claridad geométrica y proporcionalidad empleando la proporción áurea.•Medallones de Luca della Robbia y alternancia cromática.•Casetones y molduras en forma de arcos.

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Leon Battista Alberti. Génova 1401-Roma 1472

•Hijo natural de un mercader florentino, se educó en Padua y Bolonia, antes de trasladarse a Roma en 1432 para desempeñar un cargo en la corte pontificia. •Arquitecto teórico, matemático y poeta, lingüista, filósofo, músico, arqueólogo. Escritor: en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la perspectiva y en De re ædificatoria subraya la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.•Búsqueda de proporciones y rigor matemático.•Gran influencia de la arquitectura clásica.

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Alberti. San Andrés de Mantua. 1470

•Construida por Fancelli sobre un proyecto de Alberti• De una nave, con capillas laterales y transepto. La cúpula realizada por Juvara en el s. XVIII. •La fachada simétrica, está concebida como un gran arco triunfal de un solo vano, como el de Tito, y tanto en el exterior como en el interior tenía un riguroso sistema de proporciones. •Pilastras compuestas, arcos de medio punto, superposición de arco y dintel, rematada en frontón.

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Interior de San Andrés de Mantua

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Alberti. Templo de Malatesta en Rimini.

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Templo de Malatesta 1450•Encargada por Segismundo Malatesta, señor de Rímini. Reestructuración del templo gótico para que sirviera de mausoleo. No se terminó.•En la fachada sobre un podio, coloca una estructura de arco de triunfo, cuyo ático quedó inconcluso. Es un arco triple, con la entrada principal con luz y los laterales ciegos. En las enjutas de los tres aparecen óculos y la entrada se remata en frontón. Su modelo es el arco de Constantino.• Para las fachadas laterales diseñó profundos nichos, de los cuales los del lado sur albergan sarcófagos de personajes de la corte de Malatesta. Tiene influencia de la estructura de los acueductos.

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Santa María Novella. Florencia

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Alberti. Santa María Novella•Iglesia y convento de los dominicos del s. XIII.•Alberti proyectó su fachada hacia 1450. por encargo de Paolo Rucellai, mercader florentino.•Superposición de dos cuerpos: el inferior rectangular, articulado mediante arcos de medio punto ciegos y cuatro columnas de mármol compuestas, sobre los que discurre un entablamento con un arquitrabe de tres franjas, un friso decorado con velas de barco, tomadas del escudo del donante, rematándose con un ático corrido decorado con cuadrados de mármol.•El segundo cuerpo, de menor proporción, también rectangular con cuatro pilastras decoradas con franjas de colores, sostienen un entablamento que termina en un frontón triangular.•Ambos cuerpos se unen mediante volutas de decoración de taracea de mármol.

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Alberti. Palacio Rucellai. 1466

•Se organiza entorno a un patio central siguiendo la disposición de una domus romana. •Fachada organizada en tres pisos separados por sendos entablamentos.• Separación de vanos mediante pilastras: toscanas en el bajo, jónicas en el primero, corintias en el segundo, inflenciado por el Coliseo.

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Michelozzo (1396-1472)•Hijo de un sastre borgoñón, creció en un ambiente humilde.• Trabajó como escultor para Ghiberti y Donatello. •Fue el arquitecto preferido de Cosme de Medici. •Creó el prototipo de palacio renacentista toscano: un cubo con un patio interior.• Fue el primero en utilizar aparejo almohadillado que en el caso del palacio es rústico, que era un material costoso y se convirtió en símbolo de poder y prestigio social.

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Michelozzo. Palacio Medici-

Ricardi

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Palacio Medici-Ricardi. Patio

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Michelozzo. Convento de San Marcos.

•Encargado por Cosme el Viejo para la orden de los Dominicos. •Su intención es reflejar en las formas y en las severas proporciones arquitectónicas el austero modo de vida y de estudio de los dominicos.• La biblioteca es cálida y desnuda, su gran valor reside en la larga perspectiva de columnas y en el ritmo de los intervalos de los arcos. Capitel jónico.

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Benedeto de Maiano. Palacio Strozzi

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Palacio Strozzi•La familia Strozzi se había exiliado de Florencia en por su oposición a los Médici, pero gracias a la fortuna acumulada como banquero en Nápoles, Filippo Strozzi pudo volver a la ciudad en 1466 y encargó su palacio a Benedetto da Maiano el arquitecto preferido de Lorenzo de Medici. Nada se dejó al azar, e incluso se hizo llamar a astrónomos para decidir cuál era el día más propicio para poner la primera piedra.•Los trabajos comenzaron en 1489. A la muerte de Benedetto da Maiano, cuando el edificio en obras había llegado ya al segundo piso, los trabajos fueron confiados a Simone del Pollailolo, que realizó el coronamiento de la fachada y el patio porticado.

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Escultura del Quattocento

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Características• Se pierde la integración de la escultura en la arquitectura ya no solo sirve para decorar una obra arquitectónica, sino que son objetos bellos presentes en el espacio.• Naturalismo, búsqueda de la representación de la realidad pero pasada por el racionalismo. Interés por el hombre, por su anatomía, sus expresiones. Perfeccionismo técnico.•Neoplatonismo: escultura como idea y creación de modelos ideales.• En los relieves, representación espacial mediante la perspectiva lineal.• Influencia decisiva del mundo clásico. (Contraposto, estatuas ecuestres)• Composiciones simples en base a figuras geométricas‚ simétricas‚ y equilibradas. Suelen ser composiciones cerradas.• Proporcionalidad en las anatomías y entre las figuras, en las escenas narrativas. Se evita lo demasiado pequeño y lo demasiado grande.•Toman sus modelos de las artes plásticas antiguas pero también de las fuentes literarias que, son traspasadas literalmente a la escultura.•Influencia de la escultura del Trecento (Los Pisano y su imitación de los sarcófagos para los púlpitos de la catedral de Pisa -1269-).

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Lorenzo Ghiberti 1378-1455

•Orfebre.•En 1403, en competencia con Filippo Brunelleschi y Jacopo della Quercia, obtuvo la realización de la puerta de bronce del baptisterio de la Catedral de Florencia (las primeras puertas habían sido realizadas a comienzos del siglo XIV por Andrea Pisano). Cada puerta contiene catorce escenas de marco cuadrifolio sobre la vida de Cristo, los evangelistas y los padres de la iglesia.• Le encargaron en 1425 otras puertas que acabó en 1452.

Formato cuadrado entre marcos con medallones y hornacinas.

Naturalismo lineal. Volumen. Movimiento. Proporción. Medida.

Las escenas se desarrollan en paisajes rurales y urbanos idealizados.

Diez pasajes del Antiguo Testamento. Miguel Ángel las llamó Puertas del Paraíso.  

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Ghiberti. Sacrifico de Isaac•Muestra todos los elementos del relato bíblico•Las figuras están vestidas a la antigua.•El frontal del altar presenta un friso clásico.•Isaac, presenta las proporciones perfectas de una anatomía desnuda, como un Apolo clásico. •Existe una separación entre la escena del sacrificio y la de los criados mediante la cresta de roca que corta diagonalmente el campo visual•. El paisaje y las figuras guardan proporción entre sí y los personajes se mueven en un paisaje naturalista y están integrados en él.

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Puertas del Paraíso

Paraíso Caín y Abel

Noé Sacrificio Isaac

Esaú y Jacob

José

Moisés

DavidSalomón

José

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Ghiberti. El Paraíso

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Donatello. 1386 – 1466• Hijo de un cardador de lana. Trabajó durante un

corto periodo de tiempo en el taller de Lorenzo Ghiberti. Fue a Roma con Brunelleschi donde realizó estudios y excavaciones en tierra, lo que le dio la reputación de buscador de tesoros, los dos jóvenes vivían a base de trabajar en talleres de orfebrería.

• Preocupado por el movimiento y el naturalismo, en 1410 se le encargan las estatuas de Or San Michele donde le interesa representar prototipos de edades humanas de un modo clasicista. Es el creador del relieve aplastado.

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Donatello. David.•Estatua en bronce realizada por encargo de los Medici en 1440.•Aire clásico por su desnudez, y composición praxiteliana: contraposto y perfección anatómica. •Representa a un David adolescente que ha derrotado a Goliat, sostiene en sus manos la espada de Goliat y la honda con que le dejó inconsciente. Rostro sereno y casi sorprendido. •Significado simbólico: conmemora las victorias de Florencia frente a su rival Milán.

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Donatello. San Jorge. •Esculpida por encargo del gremio de los armeros.• Encarna una dimensión humana ejemplar, ideal. Posee el aplomo y la soberana autoridad de la juventud desafiante. Se levanta con firmeza sobre el suelo, con los pies pegados a tierra. Su rostro es todo energía y concentración. Parece esperar la llegada del monstruo para enfrentarse a él; las manos descansan sobre el escudo, pero es totalmente tensa su actitud en una determinación de desafío.•Es un símbolo del valor y la intrepidez juveniles.

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Donatello. San Juan•Estuvo situado en el exterior del Duomo. •Sirvió como modelo al Moisés de Miguel Ángel con su cuerpo enorme y en tensión. • Potente bóveda craneana influida por la cabeza del Júpiter Capitolino, rostro de rasgos regulares y muy humanos, sosegada robustez del cuerpo que recuerda la solidez de las estatuas antiguas. •Hombros y torso geométricamente simplificados de acuerdo con la concepción semicircular. Las manos son realistas.• Ropaje muy plástico con mucho volumen, movimiento y profundidad.

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Donatello. Habacuc.•Representación de un profeta como si fuera un filósofo del arte romano. •Hay un estudio del cuerpo, el rostro es real mostrando incluso su fealdad: rostro anguloso, nariz aguileña, cejas levantadas y boca abierta.

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Donatello. Habacuc. Detalle.

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Donatello Cantoría del Duomo

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Donatello. Cantoría. Detalle.

•Muestra una serie de niños danzantes detrás de una hilera de columnas sobre ménsulas adornadas con volutas. Otras decoraciones: jarrones, hojas de acanto, friso de conchas..•Le interesa la plasmación del movimiento, la vivacidad de las figuras.•La composición es novedosa por prolongarse más allá del ancho de la tribuna y el corro de niños detrás de las columnas que crea sensación de profundidad espacial

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Relieve aplastado entierro de Cristo

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Madonna delle Nuvole. Boston

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•Estatua ecuestre fundida en bronce inspirada en la estatua ecuestre de Marco Aurelio. •Naturalismo y serenidad del jinete y captación psicológica del retrato del personaje. •Fue realizada para glorificar al personaje y resaltar sus virtudes como la autoridad, remarcada ésta por la posición del bastón de mando. El rostro es el de un hombre avanzado en años.

Condotiero Gattamelata

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Andrea Verrocchio 1435-1488•Se formó en el taller de Donatello. •Su mayor actividad la dedicó a la escultura en bronce, mármol y terracota. •Sus obras más conocidas son un David de 1475 y la estatua ecuestre del Condottiero Colleoni, fundida en 1481. Ambas son réplicas de dos estatuas famosas de Donatello, aunque pueden apreciarse fácilmente las diferencias de estilo: un mayor refinamiento del Verrocchio frente a una mayor intensidad heroica y grandiosa de Donatello. Respecto a su faceta como pintor, en su taller se formó Leonardo da Vinci.

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David Verrochio

•Encargo de Lorenzo y Juliano de Medicis en 1476. •El David es menor de edad, y está vestido con modestia, en contraste con el provocativo David de Donatello. •La belleza algo gótica, idealista, de los rasgos está más cercana en espíritu a Ghiberti que al innovador Donatello

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Condottiero Colleoni1478

•La obra fue un encargo de la República de Venecia. Fue el primer intento de representar el caballo con una de las patas en el aire.

•La estatua destaca por la expresión en el rostro de Colleoni, que obedece a una observación cuidadosa, y que refleja un mando severo.

•Representación del movimiento.

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Rostro Colleoni

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LUCA DELLA ROBBIA (1400-1482)

•Es el inventor de la técnica de la terracota vidriada y policromada, que reúne las cualidades de la plásticas y del color, instaurando un nuevo artesanado de alto nivel que toma sus modelos del arte y los reproduce a un bajo costo, difundiendo entre las capas medias el gusto por el objeto decorativo y devocional.• Decoración de guirnaldas, festones de frutas y flores. Figuras de color blanco y el fondo azul, aunque, a veces, el color invade los ropajes y sobre todo la decoración vegetal. •Ve el lado amable de la vida, representando figuras bellas, idealizadas y en actitudes elegantes. Con esta técnica realizó tanto el pequeño relieve hasta el retablo de numerosas figuras.•También funde en bronce y esculpe en mármol: cantoría de la catedral de Florencia, donde es importante la gradación del relieve para representar el espacio, y donde los personajes están representados de un modo verista tanto en sus fisonomías como en sus actitudes.

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Della Robbia. Cantoría de la catedral de Florencia 1431

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Andrea Della Robbia

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Pintura: características•Interés por la figura humana que es naturalista idealizada. Algunos autores se decantan por la "poesía" estilizada, cortesana y elegante del gótico internacional (Fray Angélico), otros por la experimentación racional, matemática de estricta proporcionalidad ( Masaccio, P. Ucello, Piero della Francesca), y otros por la idealización neoplatónica de la belleza (Boticelli). •Se estudia la anatomía, conociendo las funciones del cuerpo y el proceso orgánico del movimiento. Representación del desnudo.•Búsqueda de un espacio tridimensional por medio de la perspectiva lineal. Representación del paisaje natural o arquitecturas ideales basadas en la nueva arquitectura y en las ruinas romanas.•Predominio de la línea. Las figuras se recortan en el fondo y ocupan el lugar que les corresponde dentro del juego de la perspectiva lineal. Los colores están supeditados a ese efecto de recreación del espacio.•Estudio de la luz, que envuelve las figuras y las dota de volumen que ocupa un espacio. Representación del volumen mediante el modelado.•Composiciones racionales matemáticamente calculadas y equilibradas. Esquemas de composición elementales: circunferencia, cuadrado, triángulo.• Se siguen representando temas religiosos, pero dotándolos de un sentido clasicista y aparecen otros temas nuevos : retratos, pinturas conmemorativas, retratos colectivos y temas mitológicos que suelen ser además alegóricos, o que reproducen textos sobre pinturas antiguas. Se rompen los estrictos límites de lo sagrado y lo profano. Retrato 1º de perfil, luego de frente.

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Fray Angelico 1400-1455. Anunciación. El Prado

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Fray Angelico•Es un artista religioso, místico que pinta visiones celestes.•Es goticista: importancia del oro en sus fondos, alargamiento de sus figuras, disposición curvilínea de las mismas, sentido "poético" y elegante de los gestos cortesanos aunque se trate de pinturas religiosas, tonos pastel de sus colores y su sentido del volumen, nada rotundo, ni enclavado en el espacio, como si fuera etéreo y flotara en el aire. En su pintura todo es espiritual. •Prefiere los temas gozosos a los trágicos, y cuando se sirve de estos últimos, los inunda de un sentido místico. Aunque conoce perfectamente el nuevo lenguaje renacentista renuncia totalmente a él, introduciendo solamente algunas arquitecturas tratadas con perspectiva lineal, pero bastante anticlásicas.

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Fray Angelico. Transfiguración.

San MarcoFlorencia

•Las celdas del convento están decoradas con frescos.

•Predominio de la línea. Colores pastel y precisión de la representación de la naturaleza y la arquitectura

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Sandro Botticelli 1445-1510•Era hijo de un curtidor. En 1475 recibió el primer encargo de los Medici, un estandarte para torneos. Su mecenas fue Lorenzo de Pierfrancesco, primo de Lorenzo el Magnífico. Viajó a Roma y pintó para el Papa diversos frescos para la capilla Sixtina, regresando a Florencia en 1482. Cuando murió Lorenzo de Medici en 1492, Botticelli entró en crisis, también propiciada por las predicaciones de Savonarola que destruyeron el mito neoplatónico con el que Sandro creía poder conciliar la fe cristiana y la leyenda pagana. También que en 1501 tuvo que afrontar un proceso por sodomía. Su pintura se hará más dramática y sus colores más oscuros. Se le ha considerado que es el pintor de la belleza y a ello supeditará toda su obra.

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Botticelli. Características•Predominio del dibujo, sus figuras se recortan sobre el fondo.•Línea ondulante .•Estilización melancólica y enfermiza de sus figuras•Idealización poética de evasión y estética del sentimiento.• Renuncia a la utilización, en casi todas sus obras, de la perspectiva lineal.• Valoración de la belleza ideal que se configura en una atención por los modelos religiosos que se ofrecen como una paganización y orientación profana de lo sagrado, al mismo tiempo que los temas profanos, como el mito, se configuran como visiones místicas.Todas estas características son góticas. Se puede considerar como un antirrenacentista, ya que en la época en la que el pinta, el último tercio del siglo XV, el lenguaje renacentista de captar la naturaleza de un modo racional y objetivo, estaba plenamente configurado.

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Botticelli. La primavera. Ufizzi. Florencia

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La Primavera 1478•En el jardín de Venus de la eterna primavera, los naranjos rodean a Venus que aparece de frente, conforme al mito clásico del jardín de las Hespérides‚ como diosa del amor. Vestida con un traje nupcial blanco con bordados de oro. Venus señala a las tres gracias con su mano derecha, mientras que cupido tensa su arco. Las gracias están plasmadas en un suave movimiento de danza circular, a su lado, Mercurio ahuyenta las nubes que oscurecen el jardín de Venus. En primer plano, a la derecha, avanza Flora, con la mano derecha entre las rosas que lleva entre los pliegues de su túnica florida. A su lado, la ninfa Cloris (desnuda como la tierra en invierno) trata de escapar de Céfiro, el viento del oeste que puede acabar con la primavera temprana.

El cuadro fue pintado para el dormitorio de Lorenzo Pierfrancesco y podría tratarse de un cuadro de boda (el vestido de Venus).También la alusión al amor por el erotismo de las Gracias. Pero tendría otro sentido alegórico basado en los textos de Policiano que equipara Venus con Humanitas. Por lo tanto tendría tres significados: mitológico, filosófico y matrimonial.

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Botticelli. Nacimiento de Venus. Ufizzi

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Nacimiento de Venus 1485•Basado en textos de la Metamorfosis de Ovidio y de Poliziano•. Exaltación de la belleza femenina.• Tema mitológico del nacimiento de Venus del agua del mar, tema cristiano del nacimiento del alma por el bautismo y tema humanístico: simbólicamente expresaría el nacimiento de la "Venus Humanitas", es decir, de la unidad, la armonía, encuadrada dentro de los tres elementos: tierra, mar y aire. Al lado de Venus, los vientos (Céfiro y Cloris) abrazados entre las flores, y al otro lado, una ninfa con el manto hinchado por el viento. •El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. El cabello se representa con curvas y contracurvas que rozan el cuerpo de Venus. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico, pero el contraposto está inspirado en el Helenismo e igualmente el color claro de su piel recuerda el mármol de las esculturas. Su expresión melancólica es propia del gótico cristiano

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Botticelli. Madonna de la Magnificat. Ufizzi

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Botticelli. Calumnia de Apeles. Ufizzi

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La Calumnia 1495•Basada en una pintura del pintor helenístico Apeles: el pintor es denunciado en falso al rey de Egipto Ptolomeo IV. Uno de los acusadores confesó la inocencia de Apeles salvándole de la muerte. El pintor se vengó pintando un cuadro alegórico .• Un rey con orejas de asno, tiende su mano al odio que antecede a la calumnia. A los lados del rey, la Ignorancia y la Sospecha. La Calumnia es una mujer hermosa peinada por la Envidia y la Estafa, con una antorcha encendida en una mano, mientras que en la otra arrastra por el cabello a un joven. Detrás se sitúa a la Penitencia, con los rasgos de una vieja afligida, que mira a la Verdad desnuda. •Las pinturas del final de su etapa son dramáticas, con colores apagados y oscuros, reflejo de su crisis personal y la crisis social que atacó a Florencia a fines del siglo XV. El espacio arquitectónico en perspectiva lineal, es el símbolo del mundo antiguo, en el cual sabiduría humana no puede alcanzar la justicia porque no está iluminada con la fe católica.

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Masaccio 1401-1428•Influenciado por Giotto en la monumentalidad de los personajes en la ausencia de todo lo anecdótico, ordenación compositiva y expresividad de los rostros y de Brunelleschi y Donatello, en el sistema de perspectiva que introdujo en sus composiciones.• Creó un nuevo sistema de representación basado en el estudio y la aplicación de la perspectiva, la proporción y la recreación de modelos antiguos escultóricos. •Rompe totalmente con el gótico y su pintura es una síntesis unitaria basada en los principios de la geometría, el estudio armónico de las proporciones, el análisis de la incidencia de la luz sobre los cuerpos para articular volúmenes y la composición como fundamento regulador de la estructura de cada obra.

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La Trinidad. Santa María Novella. Florencia

•Fresco que simula una capilla funeraria.

•Elementos arquitectónicos tomados de Brunelleschi.

• El tema evoca la idea del triunfo sobre la muerte, situada en la parte inferior y el acceso a la gracia.

•Los donantes están representados a la misma escala que los personajes sagrados.

•El fresco representa a la Trinidad, cuyo símbolo es el triángulo y la composición queda rigurosamente inscrita en el triángulo.

• Composición basada en círculos, triángulo y balanza, totalmente equilibrada.

• Predominio de la línea.

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Masaccio. Frescos de la capilla Brancacci.

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Capilla Brancacci. Florencia

•La capilla pertenecía a la familia desde 1366. •Felice Brancacci, comerciante y embajador florentino en El Cairo, encargó a Masaccio y Masolino la decoración de la capilla con frescos dedicados a San Pedro. El comerciante aparece en El Tributo. Masaccio murió y los frescos los terminó Masolino. •Las composiciones se ordenan en dos cuerpos superpuestos como si fueran cuadros trasladados al muro enmarcados por pilares cl clásicos con capiteles corintios pintados. Se elige la vida de San Pedro por orden del comitente, ya que San Pedro era patrón de los marineros y los comerciantes del mar.

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Masaccio. Tributo de la moneda.

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Tributo de la Moneda•Representa un milagro cuyo protagonista es Cristo y en el que Pedro no hace más que obedecer. Las escenas son simultaneas, no sucesivas porque todos los hechos dependen del gesto imperativo de Cristo. El anillo humano se ve circundado por un arco de montes desnudos, con unos pocos árboles muertos que marcan perdidas direcciones de perspectiva. Solo la puerta de la ciudad presenta un volumen definido y su arco se relaciona con Pedro: sólo a Pedro como jefe de la iglesia le corresponde tratar con el mundo.•El paisaje es árido. Toda la luz se concentra sobre las figuras. Utiliza colores cálidos en primer término, y fríos en el paisaje del fondo, a la vez que las formas del fondo se desdibujan paralelamente a la disminución de la escala de las figuras y al juego innovador de los escorzos como la figura de espaldas del recaudador de impuestos. Con ello configura el espacio, y también con el tratamiento de la luz que incide sobre las figuras destacando su monumentalidad clásica.

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Piero Della Francesca 1420-1492•Se formó en Florencia: allí aprende a reproducir la realidad, el espacio, el movimiento y la claridad en la composición. •Fue influenciado la perspectiva de Brunelleschi, por el volumen de Masaccio y por el naturalismo de Donatello. De Roger Van der Weyden, el detallismo de sus paisajes.•Su obra se caracteriza por una dignidad clásica. El tratamiento de las figuras es muy volumétrico, geométrico y monumental. Estudio anatómico. •Inexpresividad y frialdad de los personajes, con figuras estáticas, como estatuas, situadas en un espacio racional matemático representado con perspectiva lineal.•La luz diáfana, con tratamiento uniforme, sin gradación lumínica , dando la sensación de que las figuras tienen luz propia.

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Bautismo de Cristo•Figuras representadas resaltando el aspecto escultórico y anatómico de los personajes gracias a la luz.•Detallismo en detalles secundarios como las hojas de los árboles y el reflejo de las montañas en el agua, fruto de la observación de la naturaleza. •Las figuras están modeladas con luz blanca uniformemente distribuida.• Composición basada en el cuadrado y el círculo (tierra y cielo). Horizontalmente dividido en tercios y verticalmente en cuartos (alas de la paloma y manos de los ángeles las líneas horizontales. vestido rosa del ángel, Cristo y la espalda de San Juan, líneas verticales).

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Piero della Francesca. La Flagelación.

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Flagelación 1450•Perspectiva lineal y arquitectura influida por Alberti • El tema podría ser una alegoría de la toma de Constantinopla por los Turcos (1453) y los sufrimientos de la iglesia cristiana por ese hecho. Pues el hombre con barba es un prototipo de griego culto, • Utiliza la perspectiva lineal y una rígida proporcionalidad matemática, cuya medida es la línea de mármol negro que se superpone a la cabeza del griego. •Las figuras son geométricas, de monumentales volúmenes acentuados por la luz clara y uniforme que las envuelve. Detallismo "flamenco" de las telas.

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Salomón y la reina de Saba: El fresco está dividido en dos mitades, a la izquierda, la reina de Saba y su corte van caminando al palacio del rey Salomón, quien ha mandado cortar un árbol (el del bien y del mal) que había conseguido Set, hijo de Adán y que había crecido en la tumba de este. De este árbol saldrá la cruz de Cristo .

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Sueño de Constantino. Leyenda de la Santa Cruz

•Es el primer nocturno de la Historia del Arte. Fresco de la iglesia de San Francisco de Arezzo, encargados por la familia Bacci. El tema es la historia de la Vera Cruz extraída de la Leyenda Dorada de Santiago de la Vorágine.

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Díptico de los duques de Urbino. Ufizzi

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Díptico de los duques de Urbino•Representan al duque de Urbino y a su mujer, Battista Sforza. Los dos perfiles quedan frente a frente sobre un paisaje idealizado y en perspectiva. La luz que proviene de la espalda de Federico da Montefeltro ilumina el rostro de Battista y lo hace parecer más blanco. Se aprecia un potente sentido de volumen, especialmente en el perfil de Federico, gracias al gorro del mismo color rojo que las ropas.• La colocación de las figuras en una posición sobreelevada con un amplio paisaje en el fondo es influencia flamenca como el gran detallismo por ejemplo la forma de la nariz, que el duque se rompió en un torneo en el que perdió un ojo, o la verruga y las telas y joyas de la mujer.

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Reverso del díptico de Urbino

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• Reverso que representa sendas carrozas triunfales. El duque coronado por la Victoria, de pie tras él, y asistido por las virtudes fe, esperanza y caridad. Los caballos son conducidos por el amor

• La duquesa es asistida por diez figuras femeninas. Su carro lo llevan unicornios, símbolo de la castidad, que preceden la Fe y la Caridad.

• Es la marcha triunfal de los duques al modo antiguo.

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Paolo Ucello 1397-1475

•Trabaja en Florencia con Ghiberti. Después de una estancia en Venecia, vuelve a su patria y es entonces (hacia 1430) cuando inicia sus investigaciones sobre la perspectiva. •Entendía la representación tridimensional del espacio como un escenario, un espacio fingido en el que se desarrolla la acción. Por ello, Ucello recurrió al teatro como fuente de inspiración para alguna de sus composiciones.• Geometrización de sus figuras, a las que la luz les da su concreción volumétrica‚ que sirve para articular el espacio tridimensional.

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Batalla de San Romano Galería Nacional de Londres

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Batalla de San Romano. Ufizzi. Florencia

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Batalla de San Romano. Louvre

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Batallas•Son tres tablas, pintadas en 1456. Representan tres episodios de las luchas entre florentinos y sieneses. Se entienden como la escenificación de un torneo. •Los suelos de las batallas son como el tablado de un escenario, y los fondos de paisaje, se trata de la simulación de telones de fondo integrantes en la escenografía de la representación. •No se trata de la representación literal de un tema teatral, sino de la escenificación pictórica de un tema histórico y conmemorativo.