Resumen Historia II

Lowe “de la linealidad a la multiperspectividad”

LINEALIDADCaracterística principal de la percepción en la sociedad burguesa (idea de progreso, de cambio evolutivo), heredada de la sociedad estamental. Supremacía visual y razón objetiva, apoyada por la cultura tipográfica (por los periódicos, novelas, tabloides). En la sociedad burguesa se fueron creando nuevos y diferentes problemas. La ideología burguesa planteaba al ESPACIO y TIEMPO como naciones OBJETIVAS y EXTERNAS al sujeto y planteaban al sujeto como autónomo.A pesar de todo esta linealidad a principios del S. XX se descompone en capitalismo corporativo, lo que tiene que ver con la concentración y control de los principales industrias y monopolios (una sola empresa manejaba todo). Tres relaciones caracterizaron la estructura de muchos niveles del capitalismo corporativo:1) Relación entre estructura económica e ideología: La ideología gracias a los medios de comunicación desempeño un papel mayor facilitando el funcionamiento del capitalismo.2) Relación entre Economía y Estado: El gobierno desempeño un papel más importante cooperando con el capital para promover un sector público de la economía como complemento del sector privado.3) Relación entre producción y consumo: El consumo se volvió manipulable y producción y consumo pudieran ser mejor coordinadas en armonía con la inevitable prosperidad y recesión del mercado.

REVOLUCIÓN PERCEPTUAL (1905 A 1915):Hubo una revolución en la percepción de los hechos físicos (la física newtoniana desplazada por las teorías einsteinianas). De esto surgieron dos consecuencias: 1) conceptos tan fundamentales como el espacio y el tiempo pueden cambiarse, y 2) la idea de la realidad de la materia hubo de ser modificada en conexión con la nueva experiencia.Con el desplazamiento de la linealidad por la multiperspectividad (aceptación de diferentes relaciones perspectivas dentro de una sola disciplina), el tiempo, el espacio y el individuo, ya no son coordenadas absolutas en la percepción, ni el marco objetivo e indudable de la misma; se han convertido en aspectos de un sistema funcional.Se generó un nuevo campo perceptual para reflejar la estructura modificada de la sociedad burocrática.Sistema sincrónico sin continuidad temporal. No todos los fenómenos tienen causa y efecto. Hay cosas que no pueden explicarse racionalmente, por ejemplo, el holocausto no puede entenderse desde un solo punto de vista lineal.El quiebre en la linealidad puede verse en las distintas disciplinas, por ejemplo en la física.Con los nuevos medios electrónicos surge una extrapolación de los sentidos, las cosas a ver y oír se extienden y cambia el orden epistémico.El sentido común y la razón perdieron su unidad y finalmente se desintegraron. El nuevo campo perceptual de la multiperspectividad estaba construido por:-Una cultura electrónica sobre impuesta a una cultura tipográfica (aparece el cine, la TV y radio).-Por un orden epistémico de sistemas sincrónicos (tiempo). Al caer la linealidad aparece una realidad que puede verse como un objeto de estudio, no se va a ver cómo se desarrollan los acontecimientos en el tiempo, sino que se va a tomar un determinado momento.-Por la extrapolación del oído y la vista por sobre los otros sentidos. Los nuevos medios como la tele, cine, etc., no requieren más que de la vista y el oído.

La pintura también paso por una transformación con el CUBISMO que renuncia a la base de todas las artes plásticas: la representación, y plantea una visión del objeto desde todos sus puntos de vista, crea una conceptualización multiperspectiva de la realidad. Estimuló y aceleró otros avances del arte moderno.

En la literatura, se transformó la estructura de la novela.En la historiografía se produce también un planteamiento definitivo con la linealidad narrativa cronología, suponiendo una discontinuidad espacio-temporal.En la arquitectura surgió una nueva concepción espacial, que suprimió el punto de vista único de la perspectiva e introdujo una interpenetración hasta entonces desconocida, de espacios internos y externos y de diferentes niveles. Fue posible con los nuevos materiales (cristal y acero).

LA ESPACIO TEMPORALIDAD DEL FILME:La cinematografía ha creado una nueva y diferente realidad a partir de la imagen visual y el sonido. Está realidad va a ser una estructura perceptual de 3 niveles:

1- La espacio temporalidad peculiar del filme.2- La perspectiva de cámara y edición.3- Los ingredientes básicos de imagen y sonido.

1- La nueva espacio temporalidad creada por la cinematografía es un sustantivo de espacio-tiempo, vivido por el público sentado pasivamente en una sala oscura, el público es transportado al espacio-tiempo iluminado en la pantalla, este no es un espacio-tiempo vivido y sin embargo tiene más sentidos involucrados que a la hora de contemplar una pintura o leer una novela. En la pantalla se proyecta una realidad visual-auditiva extendido y extrapolado porque si bien corre en todos los sentidos (gusto-tacto-olfato) por su intensidad visual auditiva, la realidad finita puede ser más arrebatadora que la realidad de todos los días.

2- Las perspectivas de la cámara y edición: Las tramas de la cámara y cortes de edición constituyen la perspectiva inmanente de un film. Cada escena de un film es resultado de una calculada trama de la cámara (ej.: tramo iluminado/oscuro, de frente/en ángulo). Además el arte y la edición de las escenas ofrecen innumerables posibilidades. En conjunto cámara y edición constituyen la multiperspectividad de un film

3-Imagen y sonido son los ingredientes básicos del film. La imagen fílmica es un rastro visual del mundo y como tal es concreto, vivido e inmediatamente reconocible. La imagen es un signo icónico (en constaste con el signo lingüístico) sería la materia prima del film, y este se maneja sin otros códigos de percepción, no obstante toda imagen esta siempre dentro de los códigos del lenguaje, al reconocer una imagen, estamos leyéndola por lo tanto la imagen no solo posee iconicidad inherente, sino que también adquiere códigos lingüísticos. Está combinación entre iconicidad y significado lingüístico hace que la imagen sea un medio de comunicación mucho más poderoso que el signo lingüístico, y es por su iconicidad inherente que la realidad fílmica puede ser profundamente evocativa.

-El film es una presentación autónoma de imagen y sonido que no necesariamente tiene que ser una presentación de algo fuera de sí misma, es decir, el film no es inherentemente realista/narrativo, pero en su expectativa, el público impone una ideología del realismo al potencial visual del film. Por lo tanto, la imagen fílmica no es presentada por sus propios términos sino que es presentado como un vehículo del discurso narrativo.De este conflicto entre el potencial visual auditivo del film y la expectativa del film, surgieron 3 tipos de film: FILME DE FICCIÓN- Cuenta un relato. Tiene una trama con un principio, un conflicto y un desenlace. Tuvo que descubrir su propia técnica narrativa, de tal modo que la descripción y la acción pueden ser traducidas a una secuencia de imágenes enmarcadas. La imagen adquiere una función representativa.- El sonido complementó la imagen visual del filme. Surgió el problema de la sincronización de la imagen y el sonido. El sonido produjo un nuevo género de películas musicales.- El filme de ficción fue determinado por la economía del sistema de los estudios de Hollywood. Este sistema promovía el glamour y la personalidad. Fue un subsistema de consumo controlado en el capitalismo corporativo.- La crítica de la realidad del filme de ficción dio nuevos giros, primero con los neorrealistas, después con la nueva ola francesa. El neorrealismo criticaba la supuesta realidad del cine ficticio de Hollywood, desde el punto de vista de la realidad concreta y cotidiana. El filme debería proyectar la realidad de la vida cotidiana sin glamour, entonces se enfocó la realidad fílmica desde un extremo opuesto, un interés por su lenguaje visual y auditivo.- Los cineastas de la nueva ola se propusieron mostrar que su concepto de la realidad fílmica era un estilo idiosincrático. Cada director pasó a hacer sus propios filmes.

EL FILME FÁCTICO- Tanto en el filme de ficción como en el fáctico, imagen y sonido asumen una función representativa.

- Hay muchos tipos de filmes fácticos: registro, etnográfico, instructivo, noticiario, documental.- Se creyó que la capacidad de la cámara para circular, observar y seleccionar de la vida podía explotarse en una forma de arte nueva y vital, y los materiales y relatos tomados del mundo natural podían ser mejores que la ficción. Pero el documental que resultó ya no fue arte por el arte mismo, sino una investigación social democrática del funcionamiento del mundo.- Cada uno de los estilos documentales se fundó en una ideología no fílmica explícita, fuese romántica, impresionista liberal o nazi.- El ojo de la cámara era móvil, en contraste con el ojo humano, y mucho más poderoso. Podía percibir y registrar de manera totalmente distinta del ojo humano.

EL FILME EXPERIMENTAL- En lugar de representar un mundo ficticio, imagen y sonido pueden liberarse de tal limitación y ser presentados por su propio potencial cinematográfico.- El cine experimental no es un género o estilo particular, sino que conduce en distintas direcciones innovadoras. Es no representativo.- Las dos grandes corrientes del cine experimental fueron el de vanguardia y el surrealista. Bajo la influencia del cubismo y del arte abstracto, el cine de vanguardia se enfrentó a formas plásticas y movimientos rítmicos.- Su objetivo es provocar en el espectador reacciones instintivas de atracción y de repulsión. La motivación de las imágenes pretende ser puramente irracional. Son tan misteriosas e inexplicables para los dos colaboradores como para el espectador. Nada en la película simboliza nada.- El formalismo reemplazó a la imagen por la abstracción, mientras que el surrealismo liberó la imagen de su marco perceptual.- El filme experimental ha ido más allá de la simple imagen y sonido para explorar las propiedades cinematográficas del medio. Apartarse de la representación de toda realidad.- Trata de contrarrestar la manipulación emotiva de los filmes representativos, desarrollando modos conscientes y reflexivos de la percepción.- El filme es una proyección de imagen y sonido dentro del contexto de una especio-temporalidad dinámica de perspectivas múltiples. La imagen fílmica es más concreta e inmediata que el signo lingüístico.

LA METACOMUNICACIÓN DE LA IMAGEN- La transformación de la linealidad visual y objetiva a la multiperspectividad resultó de la inmersión de la cultura tipográfica bajo un sedimento de cultura electrónica.- Esta transformación cultural es el trasfondo de la metacomunicación de la imagen.- La imagen es el medio apropiado para la metacomunicación. Un signo no refiere directamente a nada salvo en relación a todos los demás signos. Una imagen remite directamente a un objeto. - El signo lingüístico es una unidad en un sistema cerrado de lenguaje. Una imagen como signo icónico queda abierta. Por eso esta última parte puede ser el método más eficaz para la metacomunicación.- La imagen remitía originalmente a una semejanza física. En cambio ahora se ha convertido cada vez más en un concepto mental.- El nuevo sentido subjetivo fue relacionado con el advenimiento de la cultura tipográfica. La percepción se volvió más visual.- La imagen fotográfica llegó a reemplazar a la tipográfica. La fotografía era capaz de captar una huella instantánea del mundo, al parecer, sin deformarla. Pero la fotografía, en realidad, no nos introdujo en una representación absolutamente fiel, sino en un sentido totalmente distinto de la realidad.- El sentido fotográfico de la realidad condujo a la imagen fílmica, a la imagen surrealista y la imagen publicitaria.- La imagen fílmica es más autónoma y dinámica que la fotográfica. La imagen estática, uniperspectiva de la fotografía se convirtió en la imagen dinámica y multiperspectiva del filme.- En contraste con las imágenes fotográficas y fílmicas, la imagen surrealista fue un ataque explícito a la razón y el sentido común. Trasciende todo reconocimiento. Intenta provocar un choque inesperado de cognición. Por eso, la imagen surrealista no puede tener conexión espacial ni temporal. Es todo lo que no es racional o esperado.- El capitalismo corporativo la empaquetó como imagen publicitaria. La imagen publicitaria actúa sobre nuestra angustia para estimular el apetito y el consumo.- La imagen no solo visual sino también auditiva se ha vuelto más pública y menos subjetiva.- Los significados explícitos de los signos y las imágenes originales que el público reconoce se emplean en la imagen publicitaria para referirse al producto. Eso es la metacomunicación de la imagen.- La imagen publicitaria es más que el producto mismo. Su imagen puede hacerlo parecer tentador, induciéndonos a consumir más. El resultado es un consumo del valor de la imagen y no del producto mismo.

- La metacomunicación de las imágenes publicitarias por vía de los nuevos medios han logrado invertir la relación que percibimos entre imagen y realidad.

Fiz “La arquitectura de la gran ciudad”Desarrolla su texto analizando a la estructura interna de la metrópoli no sólo como el lugar en el que confluyen los intereses económicos internacionales, sino como un lugar de apuesta por una nueva arquitectura. En el S. XIX hay urbanización en París & Londres, por lo que se piensa en una ciudad que funcione para mucha gente.La ciudad en cuanto a metáfora del caos e indiferencia óptica puede vislumbrarse en los fotomontajes de Grosz y Heartfield, entusiastas exponentes dadaístas que nunca han visto América. Para ellos la ciudad americana es el modelo soñado de la metrópoli moderna. Se apropian de la misma a través de imágenes visuales y acústicas, fotocollage y fotomontaje.Con la Revolución Industrial, ciudad antigua y modernas topologías coexisten. El hombre metropolitano se enfrenta a una acumulación de estímulos. Aparición de experiencias perceptivas y emocionales de una realidad cambiante. La gran ciudad ya no puede ser representada como una unidad visible y ordenada. Simultaneidad, visión en todas direcciones, inexistencia de las relaciones entre los objetos.La mecanización desplaza a los individuos: lo singular no significa nada. Los dadaístas berlineses: caos queda neutralizado por lo que llamaron “principio de indiferencia” creativa y óptica (porque todo se ve como una misma cosa, como un caos total y se percibe igual). El mediodía, momento de mayor caos, por lo cual se vuelve el momento ideal, de mayor inspiración para el artista, momento supremo de perfección en el que más se ilumina el instinto creador.La “nueva objetividad” (Grosz): sobriedad, exactitud y precisión. Se anula toda huella de gestos. Tb se ve en el purismo o presicionismo. La fotografía es declarada la más moderna de las artes.El hombre somete su voluntad a la máquina. Las vistas urbanas se asemejan a los objetos manufacturados y parecen ser el producto de la estandarización industrial. Duchamp y Picabia incluyen a la máquina como objeto para ver, toman un objeto y lo sacan de contexto para mostrarlo, y que lo veamos como si fuera la primera vez (READY MADE).La penetración del rascacielos en Europa despierta en el mundo artístico el interés sobre la arquitectura de la gran ciudad, y es una figura más de lo moderno. Es así como Nueva York, se impone como paradigma de un modelo visual a seguir. Estos paradigmas de lo “nuevo” o lo “moderno” bien podrían leerse como una cristalización simbólica del Mito de Ícaro, en el hecho de querer alcanzar objetivos que, muchas veces, dejan de lado nuestra simple condición de seres humanos.El fotomontaje es muy utilizado por los arquitectos cuando desean mostrar la relación existente entre la ciudad realizada y las arquitecturas proyectadas. La gran ciudad en sí misma ya es EL montaje por autonomasia.Aparición de figuras humanas robotizadas, cabezas cadavéricas en las que parece haber desaparecido todo vestigio de vida consciente. Este tipo de representación es producto de un universo tecnocratizado e inhumano. Metáfora de la soledad del hombre urbano, del mundo codificado de la alineación social. El mundo tecnológico remite a la pérdida del corazón y los atributos del ser humano.

VANGUARDIAS Todos los movimientos artísticos renovadores que se produjeron en las primeras décadas del siglo XX en Europa e influyeron en las artes. Las vanguardias proponen una nueva función social, el arte para cambiar la realidad.

Contexto histórico y culturalEl primer tercio del siglo XX se caracteriza por grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. Además de la I Guerra Mundial (1914-1918), tendrá lugar la Revolución Soviética (octubre de 1917), abriendo esperanzas para un régimen económico diferente para el proletario y para los sectores más desfavorecidos de la sociedad. Tras los felices años 20, época de desarrollo y prosperidad económica, vendrá el gran desastre de la bolsa de Wall Street (1929) y volverá una época de recesión y conflictos que, unidos a las difíciles condiciones impuestas a los vencidos de la Gran Guerra,

provocarán la gestación de los sistemas totalitarios (fascismo y nazismo) que conducirán a la II Guerra Mundial.Con la llegada de la industria, el trabajador pierde toda capacidad de iniciativa y decisión, ya que el trabajo es reiterativo en la industria; ya no es libre. A esta situación MARX la denomina ALIENACIÓN. Es por esto que el artista trata de proporcionar un modelo de trabajo creativo, tratando de demostrar cual puede ser el valor del individuo y su actividad dentro de la unidad funcional del cuerpo social. Buscan reformar el funcionamiento interno, es decir, el proceso de operación artística, con el fin de proponerlo como modelo de función: ya no se reconoce a la obra de arte un valor en sí, sino que solo tiene valor como un tipo de procedimiento que implica y renueva la experiencia de la realidad, transformando así la estructura del arte de representativa a funcional.Argam: es un movimiento típico de países culturalmente meno desarrollados. Rebelión frente a la cultura oficial, colocándose del lado de los movimientos políticos progresivos.

Desde el punto de vista cultural, es una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, el cinematógrafo,...). El principal valor será, pues, el de la modernidad, o substitución de lo viejo y caduco por lo nuevo y original. De esta voluntad de ruptura con lo anterior, de lucha contra el sentimentalismo, de la exaltación del subconsciente, de lo irracional, de la libertad, de la pasión y del individualismo nacerán las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX.

EXPRESIONISMONo posee manifiestos debido a su carácter intolerante de agrupaciones con programas demasiado fijos que limitan la libertad individual.Surgió como una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos, las emociones del autor y el impulso creativo, más que la representación de la realidad objetiva. Fue una generación de creadores y amantes del arte llamados por la novedad, con una actitud positiva, y una obligación frente al cambio.El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento El artista trató de representar la experiencia emocional, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Para los expresionistas era necesario tomar de la vida la inspiración para crear. La pintura expresionista es el arte que representa sobre un plano un fenómeno sensible; su medio es el color como fondo y línea, (con una paleta con carácter desprolijo y colores poco usuales). El pintor transforma en obra de arte la concepción sensible de su experiencia. No hay reglas fijas, las reglas surgen durante el trabajo según la personalidad del creador, la manera de su técnica y el tema que se propone, ya que, nunca se puede construir una obra a base de leyes o modelos. La fotografía reproduce exactamente el objeto, la pintura, que esta liberada de esta tarea debe recobrar su libertad de acción. La grafica para el expresionista consiste en trasladar en la mecánica, la parte manual de la personalidad del autor, utilizando tres técnicas graficas: la xilografía, la cual valoriza el elemento lineal gracias a su simplificación; la litografía, que da el dibujo de manera directa; y el grabado. Con las tres técnicas trabajadas a mano, los artistas se encontraban en disposición de dar forma a sus ideas y así mismo se permitía realizar al autor los últimos retoques técnicos.

FUTURISMOMovimiento artístico nacido en Italia a comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Temeridad y la rebeldía. El mundo se ha enriquecido de una nueva belleza, la belleza de la velocidad. No existe belleza fuera de la lucha, queremos glorificar la guerra, queremos combatir contra el moralismo y el feminismo. Queremos destruir el culto al pasado, la obsesión con lo antiguo. Aunque tuvo una corta existencia, aproximadamente de 1909 hasta 1916, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso. Fue de los primeros movimientos que supuso una ruptura frontal con las formas tradicionales. Los increíbles avances tecnológicos de la época llevan a los futuristas a mitificar a la máquina y a convertir a la velocidad en su religión. Como líder indiscutible de este movimiento podemos destacar a Marinetti (1876-1944). Los diseñadores intentan capturar la energía de la velocidad con arcos dinámicos y superestructuras en la página. Los textos se reparten por la página a modo de collage y forman formas constructivas, el método estándar de lectura desde

hace siglos es cuestionado en muchos trabajos de los futuristas. Otro rasgo definitorio de este periodo es que el tipo y las letras se convierten en elementos autónomos de diseño empleados de forma libre, se acude al fuerte contraste de formas y tamaños y el uso de la línea diagonal con el texto y la repetición secuencial del mismo hace surgir una tipografía de símbolos verbales.

CaracterísticasNegación del pasado y del academicismo. Quiere destruir museos, bibliotecas y academias.-Desprecio de lo imitativo

Exaltación de la originalidad.- Intento de expresar las estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. (en el fondo trata de

plasmar el mundo moderno y nuevo de las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo).- Hombre como centro de la vida universal- Representación plástica del dinamismo y del movimiento basada en el "simultaneismo": multiplicación de las posiciones

de un mismo cuerpo; plasmación de las líneas de fuerza; intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición. Todo se mueve, todo corre, todo transcurre con rapidez, un caballo que corre no tiene cuatro patas, tiene veinte.

- Creación de ritmos mediante formas y colores.- Temática figurativa: máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc.- Color refulgente, tanto plano como modulado; también transparencias (al principio el color fue aplicado de manera

divisionista, con pincelada fragmentada).-Las sensaciones pictóricas no pueden ser susurradas, nosotros las hacemos cantar y gritar.-muestra de valor y orgullo ante la acusación de locura.-magnifica la vida actual incesantemente transformada por la ciencia victoriosa.-disonancia, sinestesia, simultaneismo, contraste.Aun así el futurismo poseyó algunas contradicciones:Declarados antirromanticos pero hacen un arte que expresa estados de ánimo.Declarados socialistas pero no se interesan por las luchas obreras.Declarados internacionalistas pero a la hora de hacer una opción política son nacionalistas. Declaran necesaria la guerra como higiene del mundo pero participan en ella.Argam afirma que el Futurismo introduce un interés ideológico en el arte.BENJAMIN: planeamiento de una estética de guerra proporciona la prueba de que la sociedad no estaba todavía lo bastante madura para hacer de la técnica su órgano, y de que la técnica tampoco estaba lo suficientemente elaborada para dominar las fuerzas elementales de la sociedad.

DADAISMO El Dadaísmo fue un movimiento cultural surgido primero en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, tenían una actitud anti-arte. Comenzó como un movimiento anarquista de oposición a los valores sociales imperantes y al absurdo de la Primera Guerra Mundial. Dadá repudiaba el orden preestablecido y rechazaba las convenciones, el sentido común y la razón, porque ellas dictan lo que se puede y lo que no se puede hacer. Celebraban lo casual, lo absurdo, lo espontáneo e incontrolado. Pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la irracionalidad y de todos los valores establecidos hasta entonces.Se trata de una vanguardia negativa ya que no pretende instaurar una relación nueva, sino demostrar laimposibilidad de cualquier relación entre arte y sociedad, ya que en el arte burgués el objeto es mercancía y la mercancía riqueza y poder. (ARGAM).

-Dada no significa nada ni reconoce teoría alguna, es duda, desconfianza, contradicción, los verdaderos dadaístas están en contra de Dada. -afirmaban que una obra de arte nunca puede ser bella por decreto-El nuevo artista ya no pinta, protesta. Dada va en contra de los sistemas, el único sistema aceptable es el de no tener sistema-no le interesa normativizar nada ni construir dogmas-Le da un contrasentido a las cosas a las que la sociedad le otorga valor (Gioconda bigotuda). Se puede relacionar con Benjamín ya que la sociedad ya no sabe distinguir entre la reproducción y el original

-Niega todo cannon impuesto y hace una expresión irónico-satírica de los valores establecidos por la tradición (anti. Arte)-Se vuelve a lo instintivo, irracional, a lo sin sentido, a lo azaroso. Pura acción.-Niega toda la historia pasada y toda proyección de futuro: volver al punto cero- lo que determina el valor ya no es un proceso técnico, sino un acto mental, una actitud distinta respecto a la realidad.-Con solo romper el círculo de las reglas sociales, cualquiera puede comportarse de manera artística, ser artista.-El tiempo es efímero, ya que dentro de lo literario por ejemplo no hay sucesión.-desvalorizado el arte, todo lo que hay a su alrededor es muerte-atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados, a los que habitualmente no se le daba valor (los llamados Ready-made).-Francis Picabia lanza la idea de un arte “amorfo”, que no solo no representa, sino que no es nada.-Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.-El artista es anti burgués, anti yo, anti autor.

DADAISMO SEGÚN BENJAMIN:Dada no le daba importancia a la utilidad mercantil de sus obras, sino que buscaba que estás sean objetos útiles en su composición. De esta manera lograban esa inutilidad mediante la degradación material de las mismas. Sus poemas eran ensaladas de palabras llenas de insultos, sus cuadros estaban hechos con botones, boletas de tren – tranvía, etc.Así lograban la destrucción del AURA en sus creaciones. Hacían que sus obras fuesen el centro, estás garantizaban en realidad una distracción, había que generar escándalo en el público de esta manera, la obra de arte CHOCABA como un proyectil contra el público.En este sentido es que Benjamín dice que el dadaísmo intentaba mediante la literatura y la pintura producir los efectos que provoca hoy el cine. Este podemos verlo al comparar el lienzo de la pintura con la pantalla de cine. El lienzo invita a la contemplación y al verlo podemos dejar fluir nuestras ideas. La pantalla de cine, en cambio, cambia de imagen todo el tiempo o un punto que apenas podemos registrarlo, cuando vemos una película no pensamos que las imágenes dinámicas sustituyen nuestros pensamientos. En esto consiste el efecto de choque del cine, pero el cine se ha liberado de este choque moral que caracterizaba al DADÁ, así en la dispersión y apercepción. El cine tiene su instrumento de entretenimiento y su recepción en la dispersión.

SURREALISMO (Miro-Dalí-Max Ernst)

Uno de los movimientos más influyentes de principios de siglo. El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial.-Buscaban una realidad más auténtica. -Afirmaban que la realidad se encontraba más allá de lo visible y tangible, en el subconsciente, influenciados por la teoría de Freud-Intentan plasmar el mundo de los sueños, los fenómenos del subconsciente, cualquier estado que no esté sujeto a la razón, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa.-Utilizan elementos realistas mezclados con elementos absurdos o irreales-Se cultiva el tema erótico, por la importancia que Freud otorga a todas las dimensiones del sexo. -Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del automatismo psíquico- Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse.-Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal -Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.-Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática, frottage (frotar con un lápiz en un papel sobre una superficie rugosa o con relieve) y grattage.-Exclusión de todo control ejercido por la razón y al margen de cualquier preocupación estética o moral-Las imágenes surrealistas no son evocadas voluntariamente por el hombre, sino que se le presentan de un modo espontáneo y despótico.

INFLUENCIASEn pintura, el surrealismo se encuentra influido por el movimiento dada. -No habría existido un Piccasso surrealista, sin el Piccasso cubista

.Lowe caracteriza a la imagen surrealista en relación a su posibilidad de trascender todo reconocimiento, “pues todo reconocimiento es un re-conocimiento que nos hace volver a lo ordinario”. Intenta, en cambio, provocar un choque inesperado de cognición. Por consiguiente, la imagen surrealista no puede tener conexión temporal ni espacial. Es decir, no puede depender de ningún llamado de memoria, ni de esperanza de anticipación, ni de familiaridad, ni de similitud de espacio. En cambio, subraya lo onírico, lo absurdo, todo lo que no es racional o esperado. Por tanto la imagen surrealista es momentánea, inestable. La fuerza misma de la imagen surrealista es su efervescencia y su vulnerabilidad”. Lowe destaca la condición de «multiperspectividad» del surrealismo, tanto en la pintura como en la literatura.

NEOPLASTICISMO / "De Stijl" Surge en Holanda en 1917.Doesburg dijo: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo."

- Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.- Planteamiento totalmente racionalista.- Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre

verticales, horizontales o formando ángulos rectos.- Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.- Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).- Hay dos misiones para el artista: crear la obra de arte puramente plástica y ayudar al público a comprender la estética

del arte plástico puro. Los artistas deben hablar un lenguaje universal. -La palabra ha muerto, la palabra es impotente, esas frases puestas una atrás de la otra son incapaces de expresar las experiencias colectivas de nuestros tiempos. Nosotros queremos dar un nuevo significado y un nuevo poder expresivo a la palabra, usando todos los medios que están a nuestro alcance: sintaxis, prosodia, tipografía, aritmética, ortografía. El escritor no describirá en absoluto, solo escribirá.

-establecer relación entre artista, publico, y amantes del arte, dejar hablar al artista de su propio trabajo.-La obra de arte moderna no nace de teorías asumidas a priori, los principios se originan en el trabajo plástico.-Pretende inmunizar la cultura de todo germen nacionalista-Elimina técnicas tradicionales-Contrapuesto a DADA, ambos llevan el problema del arte al punto 0.

VANGUARDIAS RUSASDurante las primeras décadas del siglo, la Rusia imperial —que pronto iba a convertirse en Unión Soviética—, experimentó una profunda transformación de su sociedad. En ese periodo de convulsión política y cultural, de ruptura con la concepción positivista del mundo propia del siglo sxx, tuvo lugar un importante renacimiento cultural que se manifestó tanto en las artes visuales como en la literatura y las artes escénicas.

Una serie de poetas y pintores, con una postura abiertamente radical, apostaron entonces por un lenguaje totalmente innovador, al tiempo que se sucedían numerosos movimientos de vanguardia, entre ellos algunos derivados de la nueva Rusia revolucionaria, como el suprematismo o el constructivismo.

EL CONSTRUCTIVISMOEl movimiento aparece en Europa en torno a 1920. El término original describe el estilo que se originó en los años de la formación de la Unión Soviética. Después de la revolución de 1917 se produce una reestructuración de la sociedad y los creadores son llamados a participar en ella como "artistas ingenieros".

CARACTERÍSTICAS-Para los constructivistas, la acción artística es una acción de gobierno y se concreta en la planificación urbanística, la proyección arquitectónica y el diseño industrial. Respecto de las técnicas industriales, las posibilidades son ilimitadas para los artistas. El arte penetra en la vida social, en la sociedad. El arte industrial es un arte popular.

-Defendía un lenguaje abstracto, pero a través de la búsqueda del principio constructivo, arquitectónico, dentro de los límites de la superficie plana del cuadro.-El constructivismo no es radicalmente distinto al suprematismo pero el arte debe estar al servicio de la revolución, y se han de fabricar cosas para la vida del pueblo. Los constructivistas querían dar al pueblo la sensación visual de la revolución. El arte ya no puede ser representativo, será informativo, visualizara la historia que se está haciendo.-No se trata de una exteriorización artística y subjetiva sino del desarrollo de una forma de representación dirigida a procesos sociales colectivos y un nuevo lenguaje formal fue desarrollado para lograrlo: elementos geométricos, claridad técnica y construcciones arquitectónicas producen imágenes de gran armonía y dinamismo. -Bajo el constructivismo se crearon muchos de los trabajos tipográficos que hoy nos parecen rígidos y pesados. Los textos empezaron a justificarse a derecha y a izquierda en mayúsculas buscando el contraste de las formas mediante los efectos positivos y negativos, barras, líneas, etc. Durante este periodo se crearon numerosos alfabetos experimentales que no fueron apropiados por su claridad conceptual para su producción masiva. -Fuerte componente expresionista-Quiere que todos los elementos de la calle (anuncios, etc.), estén integrados en la composición-La arquitectura tiene a ser escenográfica y formalista, a responder a funciones ideales e imaginarias más que a reales-Las formas constructivistas son empleadas en todas las áreas del arte, arquitectura y diseño. En la Unión Soviética el auge del constructivismo fue de corta duración. Los dirigentes políticos consideraron que el lenguaje artístico abstracto y formalista no servía para sus propósitos de propaganda y prefirieron la idealizada descripción de gente feliz y fuerte. -ARGUIT: Geometrismo (expresa el espíritu racionalista de la Revolución), soluciones formales muy audaces (estructuras a la vista), dinamismo y simbolismo formales-En pintura, renuncian al color como elem. Pictórico (es expresión superficial)

El constructivismo fue atacado desde el poder oficial y proscrito como una desviación del correcto camino proletario, pero rápidamente se extendió a Europa. (En Holanda surgió el movimiento De Stijl (Piet Mondrian) También en Hungría, Checoslovaquia, Polonia y Yugoslavia hubo importantes corrientes constructivistas). Asimismo, en Alemania se manifestó en la Bauhaus una sólida orientación constructivista tras un inicio más bien místico.

SUPREMATISMOMovimiento de vanguardia ideológico y revolucionario. Surge en Rusia con la obra y teorías del pintor Kasimir Malevitch. En 1915 mostró por primera vez el conjunto programático del sistema plástico del suprematismo: el Cuadrado negro ("Cuadrado negro sobre fondo blanco"), el Círculo negro y la Cruz negra."Cuadrado blanco sobre fondo blanco""no era tanto un cuadro vacío, un icono desnudo enmarcado, sino la percepción de lo no objetivo"."El suprematismo o el mundo de la no representación". Junto con la obra de Kandinsky y el neoplasticismo, está considerado como uno de los principales logros de la abstracción.

- supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura por encima de todo descriptivismo naturalista y libre de todo fin social o materialista.-arte dominado por el ideal absoluto, daba definitivamente la espalda al objeto; reducción de la forma a cero.- Abstracción geométrica basada en la "pura no-objetividad", es decir no extraída de la reducción expresiva del mundo

objetivo o del yo interior del artista.- Supremacía de la sensibilidad plástica pura, en las artes figurativas, por encima de todo fin materialista, práctico, social,

descriptivo o ilusionístico. El valor autentico de una obra de arte consiste exclusivamente en la sensibilidad expresada. El arte del pasado debe renacer a una vida nueva en el arte puro del suprematismo y debe construir un mundo nuevo, el mundo de la sensibilidad.

- Sujeción a la bidimensionalidad propia de la tela que tiende a identificarse con el mundo.- Diversas estructuraciones compositivas: - Estructuraciones complejas, de carácter asimétrico, a base de líneas y formas trapezoidales en variación constante

(distintos tamaños y colores), generalmente ordenadas en relación con diagonales, de manera que transmiten una gran sensación dinámica (esta estructuración es característica de la mayoría de pinturas realizadas entre 1914 y 1917)

- Estructuraciones sencillas a base de formas geométricas puras y absolutas (círculo, cuadrado, rectángulo, triángulo y cruz) de manera independiente o conjugadas y ocupando gran parte de la superficie del cuadro.

- Empleo de colores planos contrastantes, en general primarios y también gamas intermedias, sin dejar de incluir nunca el blanco y el negro.

- Predominio de fondos neutros, generalmente el blanco.- Ausencia total del color en obras de la última etapa (como en "Cuadrado blanco sobre fondo blanco"), para evitar influir

en la percepción objetiva del espectador.-nuevo concepto espacial, el infinito.-El cuadro es un medio para comunicar el estado de equilibrio entre un sujeto y un objeto. La verdadera revolución no es la sustitución de una concepción del mundo superada por una nueva, sino un mundo vacío de objetos, de nociones, de pasado y de futuro, cambio radical en donde el objeto y el sujeto son reducidos al grado cero. El cuadro no es un objeto sino un instrumento mental, una estructura, un signo que define la existencia como una ecuación absoluta entre el mundo interior y el exterior.

Argán, Funcionalismo:

Contexto:* La primera guerra mundial* Aceleramiento generalizado del desarrollo industrial (progreso tecnológico).* Aumento de las poblaciones urbanas.* La clase obrera adquiere un peso político decisivo* En el arte estamos frente a movimientos de vanguardia* La burguesía profesional se está transformando en una clase de técnicos dirigentes.Creciente desarrollo de mecanización de servicios y transportes, lo que lleva a que la estructura de la ciudad no fuera capaz de responder a las exigencias sociales. Problema urbanístico que es ahora una urgencia. El arquitecto ha de proyectar el espacio urbano. La sociedad ya está involucrada en el ciclo económico de producción y consumo. Los artistas quieren contribuir a demoler las viejas y estáticas jerarquías de clase y a la creación de una sociedad funcional sin clases.Con la industria y la crisis del artesanado, el trabajador pierde toda capacidad creativa (Alienación, MARX).A partir del expresionismo, el arte deja de ser una representación del mundo para pasar a ser una acción que se realiza. Se transforma la estructura del arte de representativa a funcional.El arte como modelo de operación creativa contribuye a transformar las condiciones por las cuales la actividad industrial resulta alienante.

La arquitectura moderna se desarrolló sobre las bases de algunos principios generales:La importancia de la planificación urbanística por sobre la proyección arquitectónicaLa máxima economía del uso del suelo (gran densidad de población)La racionalidad rigurosa de las formas arquitectónicasRecurso a la técnica industrial (sistemática), estandarización, fabricación en serie, etc. (diseño industrial)

La ciudad en sus diferentes aspectos:.Aspecto funcional: la ciudad es un organismo productivo en el que debe desarrollarse una fuerza de trabajo determinada y por tanto debe desaparecer todo aquello que dificulte su funcionamiento.Aspecto psicológico: La ciudad es insalubre por las fábricas y por la densidad de población y es un ámbito opresivo y psicológicamente alienante..Aspecto político: Para “utilizar” la ciudad hay que sacarla de las manos de quien la explota para su propio beneficio.Aspecto tecnológico: La tecnología industrial ha reemplazado a la técnica artesanal y se plantea a aquella como única solución al problema urbanístico.

Racionalismo formal:

Plantea una coherencia en su política de urbanismo y de la arquitectura. Tiene el deber de facilitar a la sociedad una condición natural y racional de existencia pero sin detener el desarrollo tecnológico pues el destino natural de la sociedad es el progreso. No tiene por qué haber contraste entre el objeto edificio y el objeto naturaleza, entre la cosa y el espacio, que es contínuo.

Todo se resuelve en la claridad de la forma (justa) Racionalismo metodológico dinámico, derivado del CubismoEncuentra el MODULOR, la medida humana, el hombre medida de todas las cosas

Racionalismo Metodologico-didáctico

Contexto de posguerra, alemania vencida y trágicas condiciones políticas, sociales y económicas. Exaltación excesiva de la nación, de la misión de dominio. Los intelectuales proponen un racionalismo crítico que resuelva las contradicciones por el camino de la lógica. Hay una conciencia del desastre y un renacimiento de ideas.Gropius es el firme sostenedor de una idea, de un programa, de un método.En 1919, funda y dirige una escuela ejemplar, la primera escuela democrática. Gropius no cree en la universalidad del arte y por ello convoca a su alrededor en la bauhaus de Weimar a los artistas más avanzados: Kandinsky, Klee, Albers, Moholy-Nagy, Feininger, Itten. Logra su colaboración, los convence de que su tarea social es la enseñanza. La bauhaus se basaba en el concepto de que una sociedad democrática orienta y organiza su propio progreso.

ESCUELA DE LA BAUHAUS

Bauhaus significa casa de la construcción. Un solo método de construcción y de proyección ha de determinar la forma racional de todo lo que se utiliza. Dado que todo es o será producido por la industria, el problema se reduce a proyectar para la industria. El plano regulador de la gran ciudad es tan diseño industrial como lo es el proyecto de una cuchara. Es el dinamismo de la función lo que determina no solo la forma sino también la topología de los edificios.Fue una escuela interdisciplinaria con talleres de experimentación sobre diversidad de materiales, reformulaba la teoría educativa, fusionando las distintas artes. En la Bauhaus predominaba el racionalismo, la estética de las formas geométricas, así como la funcionalidad, utilidad y eficiencia a bajo costo.La comunicación era precepto, norma, orden. La sociedad democrática tiene solo funciones y todas son igualmente necesarias, toda ella está formada por comunicaciones. La concepción de la ciudad como sistema de comunicación esta ya presente en la teoría y en la dialéctica de la Bauhaus. El trazado de la ciudad, las formas de los edificios, vehículos, todo ello es comunicación.La Bauhaus precisa el principio de la forma estándar, que desde el punto de vista técnico es fundamental para la producción mecánica en serie y desde el punto de vista sociológico implica un acuerdo entre los consumidores. En la bauhaus predomina una tendencia a geometrizar las formas. El arte es una forma de pensamiento. La bauhaus tenía una actitud racionalista (geometría, matemáticas, tecnología...) y el diseño como medio de creación artística. Kandinsky fue profesor de esta corriente.Proyectar el espacio significa proyectar la existencia y no hay existencia consciente que de alguna manera no haya sido proyectada.

Para Gropius, la manufactura era una actividad social importante, simbólica e intelectual y fue esa visión la que dominó las enseñanzas de la Bauhaus. El alumno se enfrentaba al problema de composición tal como si fuera un problema espiritual (a raíz de las ideas de Kandinsky sobre lo espiritual en el arte), pero buscando el impacto masivo del diseño para llegar óptimamente al pueblo alemán campo de investigación amplio, incorporando áreas de estudio como la ergonomía, con lo cual se ideaban diseños que contemplan en su forma la anatomía del cuerpo.Con la convicción de que la sociedad mejoraría con la aplicación del funcionalismo, los diseños de la Bauhaus se concebían para la producción industrial adoptando deliberadamente la estética de la máquina.Este pionero enfoque funcionalista ejerció un impacto fundamental en la práctica posterior del diseño industrial y proporcionó los cimientos filosóficos del movimiento moderno. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. Tuvo serios problemas políticos, fue perseguida por su sistema socialista de enseñanza, sus extravagantes métodos y por albergar alumnos comunistas, por lo cual debió mudar de ciudad varias veces y conseguir apoyos extranjeros.

Primera época (1919-1923)En el momento de su fundación, los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto fueron: "La recuperación de los oficios artesanales en una actividad constructiva, elevar la actividad artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se

convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público". Gropius quiso desde el principio que profesores y alumnos constituyeran una comunidad de convivencia que fuese un ejemplo para el resto de la sociedad. Esta primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y por lo tanto, también de educadores del diseño.

Segunda época (1923-1925)En 1923 Van Doesburg, fundador en Holanda del Neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, comienza a publicar la revista De Stijl, ejerciendo una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. A partir de 1923 se sustituye la tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo de pintura mucho más sobrio que se estaba imponiendo en Alemania. La incorporación a la Bauhaus de Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de Tatlin, que con un arte basado en la idea y no en la inspiración.

Tercera época (1925-1929)En 1928 Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes, que tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia.

Racionalismo ideológico (constructivismo):

El Constructivismo trata de expresar en formas arquitectónicas el empuje dinámico de la revolución.La estética del movimiento quiere que todos los elementos que la calle de la gran ciudad añade a la construcción (anuncios, publicidad, relojes) estén integrados a la composición como puntos dotados de idéntica importancia.Grandes directrices teóricas del Constructivismo:- Transformar, en el marco de una más amplia programación político-social, la relación entre ciudad y territorio.- Escultura a escala gigantesca- Funcionalidad técnica y en cuanto aparato de comunicación, expresividad simbólica del dinamismo ascendente de la espiral inclinada.- Geometrismo, porque la geometría expresa el espíritu racionalista de la revolución.- Soluciones formales muy audaces (cuerpos que saltan, estructuras a la vista, mecanismo estructural al descubierto), porque la técnica que las hace posibles refleja la ética revolucionaria.- Dinamismo y simbolismo formales, porque la construcción debe ser la imagen y el símbolo de la sociedad socialista que se está construyendo.

Racionalismo formalista: Theo Van Doesburg (1883-1931)

Creador junto a P. Mondrian, de la vanguardia De Stijl (también llamada Neoplasticismo) en Holanda en el año 1917.Este movimiento termino en 1928, año en que la revista que llevaba el mismo nombre se dejó de publicar.Querían revolucionar la cultura moderna, de inmunizarla frente a los peligros de la corrupción o impureza.Tuvo una importancia fundamental: formo una tipología de la construcción que se derivó en el análisis de los esquemas distributivos del espacio que se corresponden a distintas situaciones funcionales.

Racionalismo empírico:

Crisis del racionalismo arquitectónico internacional a causa de varios factores:La concepción del espacio y de la sociedad como entidades abstractas.Tras la experiencia racionalista, el problema de la naturaleza y la historia se planteara en términos radicalmente distintos.Naturaleza pasara a ser el lugar y la historia el tiempo de la vida, lo cual deriva en la conclusión que: antes que abordar la cuestión del destino de la humanidad, habrá que resolver la de la coexistencia: entre los hombres entre sí, y entre los hombres con las cosas y la naturaleza.Según el autor ese problema se resuelve viviendo e interpretando la realidad.

ALVAR AALTO (1898-1976)Todo el espacio es interior, hasta los volúmenes exteriores del edificio están envueltos por un espacio concreto que es aire, luz, árboles, cielo.Concibe al diseño arquitectónico como método de proyección que sirve tanto para la gran ciudad, como para muebles y enseres.No pretender resolver el problema de vivienda en el ámbito de la gran industria (como Le Corbusier) sino en que se cree una industria para la casa, para la vida.

Racionalismo orgánico, Frank Lloyd Wright:

El problema central para los maestros del racionalismo europeo era urbanístico: se pretendía integrar al proletariado industrial en la comunidad urbana. La situación norteamericana era distinta, allí no existía una estratificación de clases antigua, sedimentada, el individuo tenía posibilidades ilimitadas.El problema dominante era el de diferenciar la cultura norteamericana de la europea, de borrar todo residuo del colonialismo y de contraponer también en el arte los valores del nuevo mundo frente a los del viejo.Lo inaugura el arquitecto Frank Lloyd Wright, uno de los pioneros de la arquitectura moderna.La construcción debe ser tan natural como el crecimiento mismo.Para él es orgánico todo aquello que forma sistema. Por tanto, lo que forma sistema entre la realidad natural y la humana. Arte es sistemaPor 1era vez la arquitectura no está preconcebida como determinante de objetos, sino como acto de un sujeto.Abandono de los compromisos: Comienza siendo socialista y termina justificando el capitalismo, así como sucede con Gropius y varios de los artistas exiliados. La casa debe servir para el contacto con la realidad. Determinantes formales reducidas a horizontales y vert.Contrario al historicismo europeo, que es contrario a la creación. Interés en procesos tecnológicos modernos.El arte moderno norteamericano se ira imponiendo tras la segunda guerra.

Kitsch:Concepto que parte de una investigación que realiza Abraham Moles en los 60s franceses. Es un concepto universal, familiar, que corresponde a una función de confort tradicional. Nada está de más. Tiene que ver con la baratija. Fenómeno social universal relacionado con el acceso a la abundancia (situación social determinada). Es un fenómeno connotativo, intuitivo y sutil, es uno de los tipos de relación que mantiene el hombre con la cosa, un modo de ser, una actitud más que un objeto o un estilo.

El mundo burgués y las cosas:

Las relaciones del individuo con su medio social, pasan fundamentalmente por los objetos y productos.Cultura: ambiente artificial que crea el hombre por medio del cuerpo social. Incluye todo un inventario de objetos y de servicios que son producto del H y en los cuales se refleja.Naturaleza: ya no es natural, es producto de un artificio.El otro es un ser extraño del cual me siento extranjero.El H conoce la sociedad por el contacto con los productos fabricados que ocupan el lugar de la naturaleza.En el campo de la cultura conviene distinguir:-Mundo de utensilios (transformación activa de la naturaleza y su artificialización)-Mundo de signos (incluye lo que el s XIX llamaba artes, ciencias, lenguajes) -Mundo de objetos (portadores de signos y de valores de la vida cotidiana)

Respecto de las relaciones de H con la esfera cultural:-Homo faber: constructor de utensilios y signos para liberarse de las condiciones impuestas por la naturaleza.-Artesano: Todavía en el s XIX daba una imagen bastante exacta de él (HF).-Desde el surgimiento de la gran industria el HF manifestó una tendencia creciente a descomponer sus actividades en una doble oposición:

Crear: introducir al mundo formas que no existían (invención).Producir: reproducir indefinidamente las mismas formas (tarea alienante)Esta eliminación de tareas da lugar al ocio. El individuo desarrolla una nueva actividad en su modo de vida y su relación con el ambiente.Cultura que produce para consumir y crea para producir…En un ciclo cultural donde la idea fundamental es la de aceleración, K es una función social sobreañadida a la función significativa de uso, que ya no sirve de soporte sino de pretexto (Pinza de azúcar reveladora del nivel social).

La inserción K en la vida:El mensaje es materializado y consumible. Objeto portador de cultura. Consumir es la nueva alegría masiva. Es mucho más que el simple hecho de adquirir. Es ejercer una función que hace desfilar a lo largo de la vida cotidiana un flujo siempre acelerado de objetos desde la fábrica hasta el tacho de basura, condenados a lo transitorio, a lo provisorio. El objeto se transforma en producto, y esta es la nueva modalidad K.

El K destaca dos funciones:-La función económico cultural: El kitsch aporta al hombre una función de placer, le permite gestos de extravagancia, esto tiene que ver con la moda. -La función pedagógica: (o educativa) Para reconocer un mueble antiguo, puede ayudar una copia moderna. El kitsch proporciona placer a la sociedad a la vez que enseña. Es un sistema estético de comunicación masiva.

LA ESTÉTICA FLORAL Y EL JUGENDSTILHay que decorar la fea realidad industrial con los velos de la decencia burguesa. Cuando hablamos de kitsch, lo hacemos en general, y en este grupo, el estilo floral es el más evidente. Se cubrió con una florescencia “natural” lo producido por el hombre. El arte esta “vinculado a la naturaleza”. Si lo bello debe preservarse, entonces la naturaleza debe manifestarse en todo lugar posible.

IMPRESIONISMO, EXPRESIONISMO Y NATURALISMOLos artistas intentaran hacer una depuración del kitsch del Jugendstil y su imposición de la naturaleza sobre la técnica, ya sea mostrando lo humano en sus trabajos, como segregando al artista de la sociedad. La dialéctica del S XX, entre lo natural y lo artificial, se establece con Steiner. Rechazó a la línea recta por antinatural e influyó en la orientación del siglo y los orígenes del funcionalismo. La idea de pureza penetrara a través del movimiento naturalista, planteada por el “modern styl” del objeto 1900. Propondrá a la naturaleza como modelo y la construcción de una cultura basada en las formas naturales.

EL FUNCIONALISMO COMO ANTIKITSCHEl funcionalismo es la reacción antikitsch mas importante, busca una regla de conducta entre los actos y los objetos del ambiente, y rechaza la diferenciación entre el hombre y los órganos. No busca el rechazo a la interacción hombre-ambiente, pero sí una transacción que lo domine, surgida como una reacción ante la proliferación de lo inútil.

.eliminación del ornamento.

.Estructuración por economía de medios (entendida “economía” como utilidades)

.Análisis factorial de los deseos (un ventilador será liviano, barato, potente, etc.)

.Método de los modelos, construyendo una maqueta de la realidad futura.

FUNCIONALIDAD Y PLACER ESTÉTICOExiste una función estética. Los fundadores del movimiento consideraban que esta función estética estaba expresada en la forma cerrada que resultaba de su trabajo, en el sentido de la Gestalt. Y esto es una denuncia a la manía kitsch de decorar y recubrir con motivos naturales los productos humanos. El diseñador, no es un artista, pero si el creador de la forma.Los industriales prefieren transformar el gusto del público de a poco en vez de imponer modelos audaces que de otra forma no comprarían, lo que requiere en gran parte del uso de agentes del kitsch.

CRISIS DEL FUNCIONALISMO Y NEOKITSCH Luego de la renuncia del hombre medio al funcionalismo y debido a la enorme presión sociocultural que ejerció el Kitsch de 1900 se construye un Kitsch moderno, el Neokitsch. Su objetivo fundamental es la búsqueda permanente de placer, Mediante los mecanismos socioculturales se trata de la intervención de las tiendas de “precio único”, esto es una formula comercial que se basa en:

1) La fórmula de colección de objetos del mismo precio, donde se anula la idea misma de precio (todo por $2) se trata de objetos normalizados, universales y establecidos en función de una nueva clientela, la clase pequeña burguesa, obreros y empleados.2) Se pasa de la gran tienda de sucursales a la cadena de tiendas de precio único, estas cadenas de tiendas se basan en la idea de que todos los negocios que llevan el mismo nombre son a primero vista idénticos en cuanto a calidad y artículos, esta idea se ve reforzada por una presentación/fachada común que se caracterizaba por tener mucha iluminación, presentación moderna con diseños únicos, etc.3) La empresa se desarrolla ( no a través de un esfuerzo continuo basado en el comercio minorista) sino a través de un proyecto basado en un estudio de mercado (se estudió los deseo y se trata de gustar a la mayoría).Así los nuevos artificios permiten ampliar poco a poco el tipo de productos (de precio único) y entrar a competir con las tiendas “donde se vende todo”.Así el estilo de precios únicos es creador del Neokitsch ya que este no apunta de entrada a la totalidad del universo fabricado, sino que es una ley de las relaciones cliente-vendedor que se funda en una política de precios, si bien no único por lo menos restringido, estudiando los deseos y tratando de gustar a la mayoría.Adopta una política consiente de las relaciones entre el precio y el deseo del objeto. Estos factores van a fundar un arte (incluirá por sus orígenes un gran componente norteamericano), este será producto de lo que se puede desear el público y se va a basar no tanto en la copia de la antigua sino en poner en circulación nuevos objetos.El director de este estudio contratará un estilista, a un diseñador. Está será una nueva profesión que surge dentro del arte social. Esta profesión está ligada con la psicología social ya que el diseñador no pretende ser un “gran artista” porque el gran artista se adelanta a su época y solo es comprendido por pocas personas, mientras que la masa del público se encuentra rezagada.La acción del diseñador va a estar entre el artista y el ingeniero y se va a insertar en la cadena de creación. Este va a tomar las novedades del arte y la ciencia y las va a recaudar, diluyendo su originalidad, de modo que pueden ser asimilados por la capa consumidora.La fórmula de precio único más adelante se fue tranformando poco a poco para dar lugar al “supermercado”, este va a adoptar la misma política “al público debe dársele lo que pide”. Este la tiñe de un modernismo que apunta al progreso ya que el cliente quiere sentirse partidario del progreso. Así el supermercado es, desde un punto de vista cultura, uno de los medios de comunicación de masas.

PSICOANÁLISIS DEL SUPERMERCADOEl supermercado ofrece un ambiente que es fácilmente asimilable por el consumidor. Si el hombre social se mueve irracionalmente, hay algunos que se aprovechan de esto. Se instala una nueva variante en la relación entre el objeto y el hombre. El hombre medio, prospero, busca liberarse de la presión de lo racional, y busca los placeres de lo cotidiano, y sobre esto se basa el neokitsch. Búsqueda de placer a escala del hombre, y se sostiene en:.La falsa funcionalidad: el burgués busca dar a su vida un aspecto de funcionalidad pero a la vez sueña con comprar y poseer, por lo que se busca reducir las disonancias dándole una falsa funcionalidad al objeto..Los placeres del juego: no es un rasgo especifico de la infancia sino del ser humano, y es un deseo reprimido, al que le sacan jugo los avisos, al publicitar que tal objeto es “tan divertido”.El carácter perecedero del objeto: el que más diferencia kitsch de neokitsch. El objeto ya no es perdurable, y tiene una vida limitada, expresada en la garantía..Moda: produce la alegría de la participación en el progreso. La explotación de la moda por parte del neokitsch pone al diseñador en la situación de ser un ingeniero del arte, más que un artista (ingeniero de sistemas).

Esto nos lleva a caracterizar al supermercado como un medio de comunicación de masas, adopta una doctrina publicitaria en la cual se da al público lo que este pide, a la vez que tiñe al objeto de cierto aire de modernismo, dándole un “trozo de novedad”, y dándose un aire de progresismo. Sigue una política demagógica y recurre al diseñador, situado entre el creador y el problema. El kitsch moderno es uno de los elementos de movilidad social.

Sociedad+Tecnología=Felicidad Felicidad+Cotidianeidad=Kitsch

EL DISPLAY: LA IDEA DE CONJUNTO DE OBJETOS.El vínculo entre neokitsch y ebriedad consumidora producida por la industria da una nueva perspectiva para determinar los factores psicológicos que conforman al consumidor. Se enfoca estadísticamente el conjunto de objetos disponibles al consumidor y los que este elegirá para formar su micro-universo (su departamento), alrededor de sus necesidades básicas.

-Se determina una primera dimensión: la cantidad de objetos en función a la dimensión media (en metros cuadrados) del departamento, variable en la cantidad de usuarios y su función específica; y el “volumen especifico” o la “esfera de influencia del objeto”.-La segunda dimensión es la tasa de funcionalidad (uso más o menos funcional), difícil de determinar, ya que se relaciona con un modo de vida más o menos kitsch (un candelabro es kitsch teniendo electricidad, cuando no tiene funcionalidad), aunque este es un rasgo variable. -La tercera característica es el grado de complejidad, es decir el carácter imprevisible del agrupamiento constituido en el cascaron de objetos, que es un factor importante de la percepción estética (relación hombre-cosas). Complejidad que varía según el repertorio cultural establecido por la educación y la costumbre.

COMPLEJIDAD DEL SURTIDO Y LA CULTURAEl conjunto diverso es una especie de mensaje de la sociedad industrial al consumidor, basado en la complejidad. Es evidente que el poseer un objeto raro (y variado) es un estímulo más poderoso que el poseer uno común y corriente. La dimensión del surtido aparece como una dimensión esencial a nivel psicológico de las motivaciones del hombre.La posibilidad de elegir de entre el surtido de un modo arbitrario (ya que el precio al ser único ya no es determinante), y el surtido mismo, es un factor esencial.Nos encontramos en un mercado imaginario y su gigantesco display de objetos consumibles. El enfrentamiento se da entre hombre y surtido.