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JUICE / NATURE EDITIÓN /1 4€ revista trimestral 1 º Número especial

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Revista de diseño gráfico

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4€ revista trimestral

Número especial

Una revista enfocada al mundo del diseño, hacemos una selección de los mejores trabajos realizados en los últimos años para mostarlos como si de una exposición se tratara, cuidando el aspecto y dejando que espacio y obra se complementen, aportándose mutuo significado.

En esta edición hemos querido rendir culto al lo natural, por lo que hemos hecho una recopilación de los mejores trabajos de los últimos años , realizados por artistas que no son tan conocidos, de esta forma damos a conocer nuevos talentos , con un gran futuro por delante y los ayudamos con nuestra promoción.

Estamos disponibles en versión on-line donde podrás ver nuestro trabajo todas las veces que quieras y acceder a nuevos o antiguos números de la revista siempre que quieras.

Para suscribirte, solamente tendrás que mandarnos un e-mail al correo de nuestra página con tus datos personales, dirección y número de cuenta (estos son totalmente privados) te llegará un e-mail de confirmación cada tres meses nos tendrás en tu casa!

www.revistajuice.com

7 RAUL HERNANDEZ

20 ANDREA GALVANI

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MIRU KIM

SARAH ESTEJE

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DAVID CATA

YAGO PARTAL

HELENA PALLARÉS

HSIAO-RON CHENG

RIVERBED

RIVERBED

Acabó fotografía en la escuela de arte 10 (Madrid) en el 2013, (actualmente vive en hong kong)aunque su trayectoria profesional no sea muy larga, pronto se ha hecho un hueco entre el mundo de la fotografía, haciéndose notar con trabajos como ( asi duele un verano) un foto libro auto editado en el 2012, con intervención manual, con el que fue seleccionado para la revista ojo de pez#33 y en la colección Spanish

Artists´ Books de Libros Mutantes comisariad, por Max Schumann (director de Printed Matter) para la NY Art Book Fair, su trayectorias sido intensa desde entonces creando junto a la diseñadora Martha kaputt , una editorial llamada “Black mountain”con la intención de publicar libros de arte y fanzines mediante ediciones limitadas. Con el que ha tenido la oportunidad de trabajar con artistas como Yukihito Kono y Hunter G. moore.

En cuanto al estilo que utiliza en las fotografías, toma como referencia el “Nuevo Topografismo”, una corriente surgida en la década de los años 70. Este movimiento trataba de mostrar el paisaje desde el punto de vista de la alteración sufrida por el hombre, sacando a éste de la escena y produciendo el vacío. Tomando como referentes para sus trabajos fotógrafos como Stephen Shore o Robert Adams.

Raúl Hernandez 1988

FotografíaRiverbed

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Respecto a la técnica, las fotografías están tomadas con película de 35mm, B&N y Color. Siendo el uso de ambos medios, algo sintomático de la propia indecisión abarcada en la temática del libro.A excepción del color, ha revelado y escaneado el B&N para mas tarde editar en la copia digital (en ambos casos).

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Riverbed indaga en el umbral hacia la edad adulta, reflexionando en las relaciones entre individuo y entorno a través de aspectos en continuo cambio y descomposición.Una búsqueda personal a través de las elecciones tomadas y la incertidumbre de sus consecuencias.(http://raulhernandezarchives.com/riverbed)

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AN IMAGEDEAT

AN IMAGEH OF

Fotógrafo italiano que actual-mente reside entre Nueva York y Mexico. Creció en un ambiente científico , por lo que en su ado-lescencia pudo verse atraído por la experimentación científica, lo que se refleja en sus trabajos. Sus trabajos artísticos emplean una estética y unas formas realistas, usando la naturaleza y sus paisajes como principal fuente de inspiración y en los que la fotografía y las imágenes reales, juegan un papel central. Todos ellos son trabajos digita-

les, al menos parcialmente, y han sido manipulados usando técnicas y herramientas diver-sas, como programas de edición .En sus fotografías, el volumen, es el elemento central de los proyectos, a veces produce reac-ciones claramente detectable y, a veces, no. La idea de Galvani es señalar esta imposibilidad, para hacer frente a un elemento que falta que en algunos casos continúa eludiéndonos. “Puedo utilizar herramientas de diferen-tes disci-

plinas que me permiten ejecutar la idea, mientras que también dejo espacio para que evolucione en otras direcciones. En otras palabras, creo que ensamblo diferentes capas incrustándolas dentro del origen de mi idea”.

El trabajo de Galvani se ha exhibido internacionalmente, En 2011, recibió el Premio de la exposición de Nueva York y obtuvo un BFA en Escultura de la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 1999.

Fotografía

Andrea Galvani

Death of an image

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Andrea Galvani nos explica su trabajo de la siguiente ma-nera “Cuando las cosas se ponen calientes o muy frías cambian, a veces sucede de una manera radical, una vez que ocurre eso, ya no es posible reconocerlos. Ellos cam-bian tanto, que con sólo mirar, no hay nada que nos permi-ta reconocer su estructura molecular inicial.

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“La muerte de una imagen es un intento de cruzar una frontera, la desesperada necesidad de cancelar algo con el fin de reconstruirlo” .

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“Objetos colocados dentro de la zona de la toma de acuer-do con las jerarquías de perspectiva precisas funcionales generan su propia ausencia, la exposición de hiatos en el paisaje, el encubrimiento es, la transformación de las ma-terias”.

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HORAS

Hija de un filósofo coreano, nació en Stoneham, Massachusetts en 1981 y se crió en Seúl, Corea. Volvio de nuevo a Massachusetts en 1995 para asistir a la Academia Phillips en Andover, y se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1999 donde fué a la Universidad de Columbia. En 2006 recibió una maestría en la pintura del Instituto Pratt.Se dio a conocer en el mundo del arte con sus fotos en las que posa desnuda en lugares extraños,

como fábricas abandonadas o en lo alto de edificios.Para ella el arte es una forma de superar los miedos, como el miedo a la oscuridad, al peligro o, como en su caso, el miedo a la suciedad, originado a raíz de un trastorno obsesivo compulsivo.

Para conseguirlo en 2011 decidió convivir 104 horas seguidas con varios cerdos, algo que hizo en un corral instalado de una de las galerías del Art Basel de Miami ´

aunque no era la primera vez que lo hacía. Durante cuatro días Kim comió y durmió codo con codo con a los cerdos. La artista, inspirada en el filósofo francés Michel Serres y en su ensayo Los cinco sentidos, trata de conseguir que el público sienta el proceso de su cuerpo mezclándose con los cerdos. Según declaró ella misma,cuando me mezclo con los cerdos siento mi existencia más que nunca´.

InstalaciónI Like Pigs and Pigs Like Me (104 hours)

Miru Kim

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BOLI BIC

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BOLI BIC

La artista parisina dibuja ado-rando los detalles, pero -aunque con el rojo no sea tan notable- el azul de los retratos de animales delata que su herramienta de trabajo es escandalosamente simple

Sara Esteje nos cuenta “Empe-cé a pintar a lápiz, pero tenía la sensación de que nunca conse-guía lo que quería, de que podía

salir mejor. Además, soy un poco descuidada y no podía soportar los borrones del grafito sobre mis dibujos”. Entonces encon-tró en un sencillo boli Bic la solución para sus ilustraciones figurativas. Ahora le divierte “la desconexión que hay entre una herramienta diaria y los motivos clásicos y un poco kitsch” de sus obras.En los últimos meses se ha visto

sorprendida por muchos intere-sados en adquirir sus dibujos. Esteje no se toma demasiado en serio el cuerpo de su obra y se complace en dibujar para ella misma, aunque esté cumplien-do un encargo. “Mi trabajo no ha madurado lo suficiente, pero supongo que nunca terminará de hacerlo. Cada ilustración es un reto y si no fuera así no disfruta-ría tanto”.

IlustraciónSolo con un boli

Sarah Esteje 1987

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Reconoce que utilizar bolígrafos condiciona su trabajo, pero no supone un límite dramático y la obliga a esmerarse en la técnica: “Cuando uso sólo un color, lo más difícil es captar las sombras sin cambiar de instrumento. Empiezo con una capa fina y la voy oscureciendo. Con un boli no puedes cometer errores, si eso sucede tienes que lidiar con ellos y asegurarte de que nadie descubra que te has equivocado. Además suelta tinta y cada dos minutos hay que limpiarlo en otra hoja”.

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En el bombardeo de imágenes de Internet encuentra moti-vos que la inspiran. Recientemente hizo una interpretación realista de la portada del disco de David Bowie Aladdin Sane, donde por primera vez introduce bolígrafos de colo-res: marrón, naranja, amarillo e incluso rosa. Sin abando-nar la tinta ordinaria, ahora ha comenzado con una serie de retratos de marines y otra de fotos familiares antiguas.

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A FLOR DE PIEL

A FLOR DE PIEL

Desde pequeño ha estado intere-sado por el mundo del arte y la música, Cuando era un niño tocaba el acordeon y soñaba con ser com-positor, pero con el paso de los años la pintura fue interesándole más , hasta que decidió estudiar la carrera de bellas artes en Pon-tevedra, dejando la música de lado y dedicándole más tiempo al arte.En el 2010 hizo sus primeras fotografias y con ellas ganó el

primer premio del certamen de ladiputación de Ourense. Gracias a esto pudo realizar el master de fotografía de concepto y creación en EFTI ,donde consiguió el pre-mio a primero de su promoción.

En este trabajo David Catá cose en sus manos el afecto que siente por las personas impor-tantes de su vida. El fotógrafo hace de sus palmas un lienzo. Ahí introduce aguja e hilo hasta que se convierte en semblante.

La marca de esa persona queda, literalmente, en su cuerpo. Para que no escape nunca. Para sellar esa afición con más ahínco del que lo haría un recuerdo. Des-pués toma fotos, hace vídeos y, a veces, muestra en una represen-tación pública cómo se deshace el dibujo entre lo humano y la costura que queda de la confec-ción. ´Es una performance para mostrar las huellas que dejan algunas personas en mí´, indica.

FotografíaA flor de piel

David Cata

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E l amor se cose. Y, efectivamente, como dicen los poe-tas, deja huella. Pero no en el alma o el recuerdo. Queda marca física. El amor deja de ser esa suave brisa invisible cuando atraviesa de una puntada la epidermis y sale, de nuevo, dejando hilo bajo la piel.

El artista gallego siente que, ahora sí, por fin, quedan en su vida para siempre. Trabajo con el tema de la memoria y el paso del tiempo, relata. Además, siempre he querido investigar con mi cuerpo.

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Catá es diestro, pero cose con las dos manos. Los dibujos se alternan en su palma derecha y su palma izquierda. Una vez cose una y posa la otra. La vez siguiente gira el turno.

La primera vez que tomó su piel como campo de experimentos esta-ba aún estudiando. Tenía que hacer un proyecto de fotografía con un guante y decidió coserlo a su propia mano. Era la primera aguja que atravesaba su piel. Descubrió que no dolía y que la cicatriz se borraba en unos días. El punzón no daba miedo. ´No duele nada. Impresiona porque ves una aguja, pero solo afecta a la epidermis. Es la capa más superficial de la piel´, dice. ´En todo caso, puede haber algo de sangre o escocer un poquito. Pero no importa. Es un acto de cariño´.

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El guante abrió el camino. De ahí arrancó su proyecto Mi vida a flor de piel. Empezó a coser en sus manos a las personas que quiere. A su familia, a sus amigos, a parejas del presente y de otros tiempos. Es la gente que me va formando a mí, dice.

El proceso artístico acaba con una última imagen. Primero hago una foto con la cara cosida en mi mano. Después quito el hilo junto a los restos de piel que queda entrelazada y coloco todo sobre la foto que tomé de esa persona como modelo para el dibujo. Es en-tonces, para Catá, el principio de la eternidad.

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Puede que el artista nunca sintiese temor porque creció entre costuras. El fotógrafo vio a su madre coser desde su más remota infancia. Por eso también utiliza hilo de telas en vez de hilo quirúr-gico.En los últimos tres años ha realizado 20 retratos en sus manos. De las personas queridas y de él mismo. Mi autorretrato es la cara B del proyecto Mi vida a flor de piel.

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El fotógrafo y cineasta barcelonés Yago Partal, crea una campaña de imagen fuerte y poderosoa para anunciar una serie de libros para los actores y modelos. Hizo varios retratos mezclando el mundo animal con elementos de la moda en un collage, es un trabajo fotográfico

y medio ilustrativo. Influenciado desde niño por las historias de la vida silvestre, la moda y los dibujos animados, encontró su propia voz en un juego al que a muchos les gusta jugar: la humanización de los animales. El proyecto, cmenzo sin otra pretensión que la de divertirse

e intentar hacer algo diferente , ha obtenido una respuesta increíble en internet. Este trabajo es un “trabajo en progreso” que el artista seguirá explorando, continuando la serie, mientras que este tema todavía lo motive.

Collagezooportraits

Yago Partal

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La idea de Zoo Portraits surgió cuando Partal se encontraba realizando una campaña para anunciar una serie de libros para algunos actores y modelos. Lo que le llevó a realizar varios retratos mezclando el mundo animal con elementos de la moda en un increíble collage, lo que pronto se convir-tió en un proyecto ´merecidamente´ aparte.

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HSIAO-RON

HSIAO-RON

Hsiao-Ron Cheng, es una artista nacida en Taiwan en 1986, y que reside en Taipéi. Cheng estudió en la en la Unversidad de Arte de Taiwán recibiendo un BFA en Bellas Artes. Comenzó a trabajar como ilustradora freelance en 2012 llamando la atención

internacional. Ha mostrado su trabajo en exposiciones en Europa y America y ha aparecido en diferentes publicaciones. En 2012 recibió el premio de Jóvenes Ilustradores.Hsiao-Ron Cheng comenta sobre su obra: “Mi trabajo es en gran

parte influenciado por la pintura religiosa de la edad medieval, el arte popular japonés y el surrealismo pop. Mis personajes representan la belleza de la inocencia y la brutalidad de la vida real. Creo que el resultado es escalofriante y honesto”.

IlustraciónIlustración digital

Hsiao-ron cheng 1986

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HELENA PALLARES

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CollageMundo de los sueños

Helena Pallarés

Nació en Zaragoza, España, en 1985. Estudió diseño gráfico antes de obtener una licenciatura en Bellas Artes. Durante los últimos años ha

trabajado como ilustradora freelance en proyectos y exposiciones en España, Bélgica, Israel, Portugal y EE.UU.. Sus ilustraciones se basan en collage

digital o hecho a mano y por lo general relacionados con el surrealismo, películas antiguas, sueños y un estilo ingenuo.

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