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TEMA 18

EL ARTE DEL GÓTICO

2º BACHILLERATO

CURSO 2013 - 2014

TEMA 18.- EL ARTE DEL GÓTICO1. LA ARQUITECTURA GÓTICA

1.1. CONTEXTO GENERAL

A principios del siglo XIII tuvo lugar una profunda revolución en las relaciones políticas y socioeconómicas; los señores feudales y los campesinos pusieron en marcha una intensa explotación agraria con excelentes resultados económicos, especialmente en el norte de Francia. La acumulación de riquezas repercutió en las ciudades, donde se habían instalado los señores de la tierra, dando lugar al crecimiento de las mismas, casi abandonadas, con escasas excepciones, desde época romana. A las ciudades acudieron los comerciantes y los artesanos, contribuyendo a una verdadera cultura urbana, especialmente en las repúblicas italianas y las ciudades comerciales de los Países Bajos, menos aristocráticas estas últimas que burguesas.Paralelamente, los monasterios perdieron poder de atracción y surgió un cada vez más numeroso clero urbano, en torno al obispo y al centro espiritual de la ciudad: la catedral, es decir, la iglesia sede de la cátedra del obispo. En cada población de importancia, la catedral fue algo más que un monumento religioso: fue la obra colectiva de una comunidad de creyentes, en la que invirtieron todas sus energías e ingentes cantidades de dinero, pero, además, fue su centro y su representación simbólica.El gótico será el estilo artístico imperante en esta Europa durante los siglos XIII, XIV y XV a partir de la aparición de estos, y otros cambios de orden cultural, político y social. El arco cronológico y espacial en el que se desarrolla el gótico es muy amplio y por ello resulta bastante complicado establecer sus límites.El origen del término gótico posee, como muchos otros, una fuerte connotación negativa. La palabra “gótico” viene a significar «godo» y era utilizada por los humanistas renacentistas para referirse a un tipo de escritura medieval contrapuesta a la escritura «romana». Más tarde su utilización se hizo extensiva a la arquitectura y, finalmente, al resto de las manifestaciones artísticas como la pintura, la escultura y las artes menores. El Romanticismo será el movimiento que se ocupe de revalorizar este estilo que, durante mucho tiempo, fue despreciado por su alejamiento de la estética clásica.Francia, y concretamente la región de L'Ile-de-France (París), es el lugar en el que se produjo su nacimiento a mediados del siglo XII, como expresión del poder de la monarquía y de la iglesia de este país. Desde aquí se extenderá a la mayor parte de los países europeos, en los que se llevará a cabo una interpretación propia del estilo con unas características que son el reflejo del pasado artístico y de la personalidad de cada uno de estos lugares. Uno de los personajes que más contribuyó a su nacimiento y desarrollo fue Suger de Saint-Denis, abad e historiador francés y consejero del rey Luis VI el Gordo. Él fue, además, el encargado de impulsar la reconstrucción de la abadía cluniacense de Saint-Denis, en la cual se ensayaron una serie de innovaciones técnicas y arquitectónicas que anuncian la llegada de la arquitectura gótica.El Císter es otro importante elemento a la hora de establecer los orígenes del gótico: se trata de una orden monástica que surge en Francia al amparo de la personalidad de san Bernardo, quien arremetió contra la orden cluniacense y condenó los excesos decorativos  y la suntuosidad de algunos edificios románicos. Afirmaba que los monstruos que ornaban los capiteles distraían al fiel e impedían la concentración en sus rezos. Los edificios de la arquitectura cisterciense son sobrios, carecen de elementos decorativos, emplean con frecuencia la bóveda de crucería (este es uno de los elementos que han invitado a considerar la arquitectura cisterciense como el antepasado directo de la gótica) y amplios ventanales de una luz blanca y pura, que no multicolor como sucede en la arquitectura gótica.Como apuntamos al principio, durante estos siglos se producen importantes cambios en lo que respecta a la cultura, la sociedad, la economía y el pensamiento. En el campo de la filosofía se sustituyen las ideas platónicas, que tanto defendió san Agustín, por la teoría de Aristóteles, de la que se hizo eco santo Tomás de Aquino, custodiada y conocida por los musulmanes, y que será traducida en Occidente a  lo largo del siglo XII. Surgen figuras como san Francisco de Asís (il

poverello), al que seguirá el franciscano san Buenaventura, que aportarán grandes cambios en el ámbito de la espiritualidad, dando origen a las llamadas órdenes mendicantes. Aparece de este modo una nueva visión de la religión que no está fundamentada en el temor imperante a partir del año 1000, sino en valores como la pobreza, la humildad y la compasión. Estos cambios trajeron consigo una nueva visión de Dios, alejada ya de la imagen de Dios justiciero que ofrecía el Románico. Durante el Gótico, éste aparece como un ser mucho más bondadoso y próximo al hombre.Frente al Románico, que es un arte rural, el Gótico se desenvuelve en las ciudades, núcleos de población que experimentan en estos siglos un vertiginoso crecimiento en torno a los burgos, barrios en los que se asentaban los burgueses, gentes que se enriquecieron gracias a su trabajo, la mayor parte de las veces de carácter artesanal. Si la nobleza impulsó en su momento un arte rural y jerarquizado como era el románico, la burguesía urbana, la nueva clase triunfante, desarrollará un arte urbano, impregnado además de un nuevo sentimiento religioso (más humano y emotivo) y de una sensibilidad más realista y que en el arte se manifiesta de forma más naturalista.La vida burguesa permitió el acceso a la cultura de otras personas que no fuesen monjes o clérigos. Allí se asentaban "las escuelas urbanas” en las que se custodiaba el saber de la época y que, más tarde, dieron lugar al nacimiento de las universidades. Una de las más representativas era París integrada por las facultades de Derecho, Medicina, Teología y Artes. Junto a la de París sobresalen Bolonia, Oxford y Cambridge. Este enriquecimiento mental del mundo civil vino acompañado de un importante desarrollo económico que creó por primera vez, desde el ocaso de Roma, la figura del cliente. Los monasterios habían producido para ellos mismos. Ahora cualquiera que estuviese capacitado podía producir para satisfacer la demanda de una clientela variada y libre. Aparecieron así artífices independientes, auténticos hombres de negocios, dedicados a construir, esculpir, pintar, tejer, cincelar para servir a una extensa clientela.  La mentalidad formada en estos factores hacía coincidir racionalismo y realidad. Un optimismo teológico radical era la imagen de este sentimiento que identificaba lo lógico con la verdad, lo físico con lo ideal y, en el fondo, el mundo de la riqueza con el espíritu.El racionalismo gótico se manifiesta en el geometrismo lineal que minó rápidamente el carácter de la plástica románica, sustituyendo su pasividad, la estática de sus masas constructivas y la visión irreal de sus policromías planas por un arte del nervio, del perfil, de la moldura, de la imposta y de la línea. Algunos autores relacionan estas características con la hegemonía del pensamiento escolástico y la nueva “mentalidad racionalista”. El pensamiento de Alberto Magno (1206-1280), Tomás de Aquino (1225-1274), Ramon Llull (1232-1315)... quería racionalizar totalmente la visión del Universo y fusionar el mundo material y el espiritual en un mismo esquema mental geométrico y riguroso. Por esto predominan los valores lineales: aristas, molduras, tracerías caladas..., que harán desaparecer las masas. Al igual que las Summae, que encarnan el ideal de sabiduría de esta “Edad de la Razón”, una catedral gótica quiere ser un edificio jerárquico en el que todo tiende hacia una unidad suprema, y en el que están presentes todas las cosas del mundo. El edificio gótico, concebido geométricamente, dejando interpenetrar el espacio exterior con el interior a través de las vidrieras y los rosetones, participa en este conflicto entre la fe y la razón, con la piedra y la luz, colabora en la tarea de demostrar la fe con argumentos racionales.En definitiva, podemos afirmar que el gótico es el resultado de una serie de cambios, no sólo técnicos y constructivos, sino cambios en la mentalidad, la cultura, la economía y la sociedad del momento. Esta creciente secularización que tuvo lugar durante los siglos del gótico preparó el camino para la llegada del Renacimiento.Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia, desde donde se extiende al resto de Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta, según zonas, el siglo XV, pudiéndose diferenciar las siguientes etapas en su evolución:

Un período de transición cisterciense, caracterizado por su austeridad y limpieza decorativa.

El Gótico Arcaico, aún etapa de transición, de gestación del estilo, desde finales del XII en Francia.

El Gótico Clásico durante el siglo XIII. El Gótico Final, desde el siglo XIV, que presta una mayor atención a lo decorativo. Un Gótico Flamígero, que en algunos lugares se prolonga hasta el XV, caracterizado por el

exagerado gusto por la decoración, hasta llegar a ocultar las estructuras arquitectónicas.

1.2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA GÓTICA Dos son los elementos en los que se fundamenta el espíritu de la arquitectura gótica: la

búsqueda de la verticalidad, la elevación, la gran altura e increíble esbeltez de sus edificios con la que quiere expresar el deseo de ascensión hacia Dios; y la luminosidad, ya que con las innovaciones arquitectónicas del gótico el muro pierde su papel

estructural, siendo sustituido

por las vidrieras, porque el nuevo

sistema constructivo concentra los empujes en puntos concretos, transformando los muros en meros cubrimientos exteriores, no en soportes.

En cuanto a los elementos constructivos, el arco y la bóveda, condicionan el resto de la obra en la arquitectura gótica.

El arco apuntado u ojivalCon menor empuje lateral que el de medio punto, generalmente aparece decorado con tracería calada en los vanos, la denominada tracería gótica.

La bóveda de crucería, de nervios u ojivalElemento principal del estilo, el que revoluciona la arquitectura y permitirá construir a alturas considerables. Consta de las siguientes partes: el esqueleto formado por nervios o arcos cruzados que desvían los empujes a cuatro puntos; los plementos o elementos con función de cobertura de la bóveda.Presenta diferentes tipos según la complejidad de sus nervaturas, cosa que también hay que relacionar con la misma evolución cronológica del estilo. Así encontramos: o Bóveda cuatripartita, de arista reforzada con nervios.o Bóveda sexpartita, la más comúno Bóveda octopartita.o Bóveda de terceletes, con nervios secundarios.o Bóveda estrellada, con estructura de nervios cada vez más complicada.o Bóveda de abanico, características del gótico inglés, extremadamente

recargadas.

El pilar baquetonadoSe trata de un pilar cuyos elementos se complican al multiplicarse los nervios de las bóvedas, ya que son su continuación, son por tanto semicolumnas muy estrechas, llamadas baquetones, adosadas al pilar.

Soportes para los empujes lateralesEl pilar recoge los empujes verticales, pero no es suficiente, quedan los oblicuos. Con

esta finalidad se dispone el arbotante o botarel, que es una especie de arco exterior que tiene función decorativa pero sobre todo constructiva, al ser el encargado de recoger estos empujes oblicuos y conducirlos hacia los contrafuertes.o estribos, que en el Gótico están aislados, exentos, no adosados al muro, y que son los encargados de trasladar los empujes del edificio al suelo. Finalmente, el pináculo, aunque es un elemento principalmente decorativo que

corona el contrafuerte también tiene la función constructiva, al contribuir a contrarrestar los empujes laterales con su empuje vertical.

o Principales edificios La Catedral

La catedral preside las ciudades, es su edificio más representativo y su núcleo, contrastando claramente con la iglesia rural o los monasterios del Románico. Su planta sigue el modelo basilical de cruz latina con tres o cinco naves, principalmente; el crucero sobresale poco y está más centrado que en las catedrales románicas; en la cabecera debemos distinguir entre el presbiterio y el coro, la girola, que ahora puede ser doble, y las capillas radiales, generalmente poligonales.Aparecen ahora también las plantas de salón, caracterizadas por la igualdad de altura en sus naves.

En alzado destaca la gran altura de las naves, sobre todo la central, contrastando esta acentuación de las líneas verticales con la horizontalidad de la arquitectura románica. El triforio sustituye a las

verdaderas tribunas de las grandes iglesias de peregrinación románicas. Se trata de una estrecha galería abierta primero solamente al interior aunque pronto lo hará también al exterior con vidrieras; el claristorio es un tercer cuerpo de grandes ventanales con vidrieras, subrayando junto con el triforio la obsesión gótica por la luminosidad; las torres, ahora de elevación desmesurada, se dividen en varios

cuerpos y aparecen culminadas por un remate agudo y calado con tracería gótica llamado chapitel o aguja.

La arquitectura civilComo ya hemos comentado, el desarrollo comercial y artesano significó un aumento del crecimiento urbano y del peso de la ciudad que creó nuevas necesidades y amplió otras.  Estas nuevas necesidades provocaron la aparición de una arquitectura civil

funcional que se convertía, al tiempo, en imagen representativa y simbólica de los burgos. Son, por tanto, las regiones europeas de mayor vida artesanal las que primero ven nacer y consolidarse una arquitectura civil de prestigio.La arquitectura civil se

caracteriza por la diversidad de edificios y tipologías. Entre los de carácter representativo convendría señalar los ayuntamientos. Símbolo de las libertades ciudadanas, suelen ser edificios sencillos cada vez más decorados (Flandes, Italia). En ellos destaca la sala del concejo y, en ocasiones aúnan las funciones mercantiles (mercado, almacén y negociado mercantil), jurídicas y administrativas, mientras que en otros se separan. Los mercados y las lonjas tienen su

origen en las loggia italianas, pórticos donde se llevaban a cabo las transacciones comerciales y que fueron sustituidos por edificios con grandes salones. De las lonjas, podemos destacar las de la Corona de Aragón (Palma, Valencia, Barcelona).Las viviendas urbanas son edificios

rectangulares organizados alrededor de un patio central desde donde se accede al primer piso. Otras construcciones de carácter civil son las puertas y murallas, de carácter defensivo, las atarazanas (grandes salas longitudinales para la construcción y reparación de barcos) y los hospitales. Éstos, con un esquema heredado del monasterio, están constituidos por una sala rectangular con cubierta de madera y por un altar o capilla al fondo, para que los enfermos puedan asistir a las ceremonias religiosas.

o La decoraciónEl edificio gótico impone no sólo por su altura, sino también por su riqueza de formas y recargamiento

ornamental.

Los temasLa tracería gótica, se trata de motivos decorativos

geométricos que enmarcan o cierran los vanos, generalmente dominan las formas tremoladas, aunque podemos encontrar otras como las flamígeras, cuando asemejan llamas.Los temas vegetales que ornamentan capiteles, frisos o arquivoltas ahora poseen un fuerte naturalismo. Las representaciones zoomorfas, también ahora de gran naturalismo, aunque siguen representándose seres fantásticos y bestias monstruosas.

La figura humana, que veremos en detalle al estudiar la escultura gótica, sigue idéntica línea naturalista.

Elementos donde se concentraEn los capiteles, aunque ahora pierden su importancia, sobre todo al ser sustituidas las columnas por los baquetones en las grandes catedrales.

En los retablos, evolución de los frontales de altar románicos. Ahora se multiplican y desarrollan tras él con la finalidad de ser el marco apropiado donde se relatan las historias sagradas.En las sillerías de los coros, soberbiamente talladas.En los grandes vanos y las portadas, pudiéndose individualizar según sus tipos o sus diferentes elementos:

o El tímpano, dividido en el gótico en franjas horizontales con decoración narrativa, se distinguen de los románicos además, por ser apuntados.

o Las arquivoltas, también ahora apuntadas; también se distinguen de las del románico en que la decoración escultórica que las adorna se sitúa ahora longitudinalmente a ellas, en lugar de hacerlo verticalmente, de forma radial al semicírculo del tímpano.

o Las jambas, también con esculturas-columna adosadas, pero ahora bajo unos doseletes muy característicos decorados con tracería gótica.

o El parteluz, con esculturas también bajo dosel de tracería gótica.

o Los gabletes o molduras triangulares con tracería, muy agudas para subrayar la verticalidad.

o Los grandes ventanales cubiertos de vidrieras. Los rosetones o grandes vidrieras circulares en la fachada principal y los brazos

del crucero.

1.3. LA ARQUITECTURA GÓTICA EN FRANCIA

El nacimiento del Gótico (primera mitad del siglo XII)En la Abadía benedictina de Saint-Denis aparecen importantes innovaciones, como la doble girola y la desaparición del muro como elemento continuo de cerramiento gracias al uso de bóvedas de crucería, pero se trata de elementos aislados no de un edificio puramente gótico, ya que siguen claras pervivencias románicas.

El Gótico Arcaico (segunda mitad del siglo XII)Gótico aún arcaizante, que se resiste a abandonar la columna como soporte, pese a su no idoneidad para recoger los nervios de las bóvedas de crucería, pero ya son edificios completamente góticos.

Ejemplos: la Catedral de Sens es la primera que posee ya todos los elementos góticos armonizados, como las bóvedas de crucería sexpartitas y los pilares góticos, pero estos alternan aún con gruesas columnas.

Y la Catedral de Laon, de elevadas proporciones.

Pero de esta etapa destaca la Catedral de Notre-Dame de París (1163-1250):Presenta cinco naves más dos de capillas laterales, doble girola, transepto que no sobresale y, sobre todo, su mayor originalidad técnica consiste en la cubierta de la girola que no se compone de bóvedas trapezoidales como es costumbre, sino que está dividida en varias bóvedas triangulares con nervios segmentados.Pero todavía encontramos claros arcaísmos como el uso de bóvedas sexpartitas, las columnas como soporte y tribuna como en el románico. La fachada occidental, con su triple pórtico abocinado con arcos apuntados, rosetón y torres gemelas, y las capillas radiales de la girola son ya del siglo XIII.

El Gótico Clásico (siglo XIII) Ya con todas las características de los templos del siglo XIII: cinco naves con doble girola, con capillas radiales, bóvedas nervadas cuatripartitas, triforio, amplísimo claristorio, etc. Destacan de este periodo los siguientes ejemplos:

La Catedral de Chartres, destaca por su gran altura y fachada con la anecdótica desigualdad de sus torres.

La Catedral de Reims, famosa por su espléndida fachada de riqueza decorativa incomparable.

La Catedral de Amiens, que también destaca por su altura y su fachada con gran despliegue decorativo.

La Catedral de Beauvais, de enorme altura y colosal cimborrio, de 152 metros, pero que se hundió poco después.

La Sainte-Chapelle de París, caracterizada por su ligereza y luminosidad debido a que los muros son completamente sustituidos por vidrieras.

El Gótico del Sur de FranciaCaracterizado por sus templos sencillos, al margen de las grandes catedrales, de nave única pero muy amplia, de cabecera poligonal, sin girola, tendrá una amplia repercusión en el gótico catalán.

La arquitectura del siglo XVTras la crisis del siglo XIV, debido a la Guerra de los Cien Años, se desarrolla el gótico flamígero, denominado así por su decoración de formas ascendentes, pero ahora será la arquitectura civil la protagonista, los palacios.

1.4. LA ARQUITECTURA GÓTICA EN ESPAÑA

1.4.1. Introducción y Características generales del gótico españolDesde el siglo XII la orden del Císter funda monasterios en la Península Ibérica, así llegan los nuevos conceptos arquitectónicos y los avances técnicos del Gótico.Durante el siglo XIII se levantan las principales obras del gótico castellano, de clara influencia francesa. Durante el XIV el protagonismo pasa a Cataluña y la Corona de Aragón, con un gótico “mediterráneo” con influencias del sur de Francia. Por último, durante el siglo XV vuelve a ser Castilla la que lleve la primacía con el gótico Isabelino.En general el gótico español se caracteriza por su menor altura, su mayor anchura y por unas torres y agujas menos determinantes, en definitiva, por una mayor horizontalidad dentro de la verticalidad y ascensión góticas.

El período de transiciónDurante el último tercio del siglo XII y principios del XIII aparecen en España los primeros templos con estructuras ojivales:

La Catedral de Tarragona es un claro ejemplo de convivencia de estilos, pese a ser iniciada en estilo románico a finales del XII destaca por su fachada occidental con portada abocinada de arco muy apuntado y espléndido rosetón, ya plenamente góticos del siglo XIII.

La Catedral de Lérida, comenzada a principios del siglo XIII en estilo románico pero con muchas notas del estilo de transición, como los arcos apuntados en toda la obra y los pilares cruciformes con columnas románicas adosadas, pero dispuestos ya para recibir los nervios de las bóvedas simples de crucería.

San Vicente de Ávila, también de planta románica pero con portada y bóvedas de la nave central y el crucero ya puramente góticas, además de pilares ya concebidos a tal efecto.

La Catedral de Cuenca, iniciada entre finales del siglo XII y principios del XIII, es de aspecto exterior puramente gótico pese a su sencillez, pero destaca sobre todo por su bello interior, de planta de tres naves con bóvedas sexpartitas, crucero que sobresale en los laterales, espléndida girola y hermoso triforio de arcos apuntados y lobulados con tracería.

El Pleno Gótico del siglo XIIISobresalen las tres catedrales españolas de más clara influencia del gótico clásico francés, pese a las peculiaridades del gótico hispánico:

La Catedral de Toledo, iniciada en el siglo XIII aunque las obras duraron hasta el XV, es una de las más grandes de España, de cinco naves escalonadas gradualmente, más dos de capillas laterales, doble girola con capillas radiales y peculiaridades como el hecho de tener sólo una torre, aunque se proyectaron dos.

La Catedral de Burgos, más homogénea por su rápida construcción, de tres naves con estrecho transepto muy saliente, profundo presbiterio, girola única, grandes capillas absidiales, pilares baquetonados para recoger los nervios de las bóvedas ojivales y triforio ciego al exterior, destaca por sus agujas y cimborrio, ya del siglo XV.

La Catedral de León, la más francesa de todas, de tres naves, profundo crucero, largo presbiterio, girola y capillas absidiales de planta poligonal; es la más calada con grandes ventanales con vidrieras, triforio abierto al exterior y amplísimo claristorio, sustentado todo gracias a robustos contrafuertes exentos y dobles arbotantes.

La arquitectura del siglo XIV Las pequeñas iglesias de Cataluña y Baleares

Enlazan con las del sur de Francia, de nave única, capillas entre los contrafuertes, cabecera sencilla y sin girola.

Los grandes templos de Cataluña y BalearesSe caracterizan por su menor decoración, su mayor horizontalidad, la mínima diferencia de altura entre las naves y la gran anchura de la central, los contrafuertes generalmente sin arbotantes y con capillas entre ellos, las torres de sección poligonal, el menor número y tamaño de sus vanos, etc.La Catedral de Barcelona, de tres naves más dos de capillas entre los contrafuertes, la nave del crucero no sobresale de las laterales, girola con nueve capillas radiales poligonales, nave central muy ancha, destaca por representar sus torres los clavos de la Santa Cruz, dos en el crucero y otra a los pies.

Santa María del Mar es la iglesia más lógica y armoniosa del gótico de su época, de tres naves con girola destaca por sus pilares muy finos y esbeltos.

La Catedral de Gerona, muy original, la cabecera hasta el crucero es normal de tres naves con girola, pero se continúa en una única de una gran anchura hasta los pies, ya en el siglo XV.

La Catedral de Palma de Mallorca, de enormes proporciones en el que predominan las líneas verticales por la abundancia de contrafuertes y su escasa separación, es la segunda más alta de Europa y una de las más anchas también, de tres naves con capillas entre los estribos.

La arquitectura civil de los siglos XIV y XVDestacan el Barrio Gótico de Barcelona, de características calles estrechas medievales, el Palacio de la Generalitat de Barcelona, del que sobresale la escalera del patio, con delgadas columnas y arcos apuntados, el Castillo de Bellver y la Lonja de Mallorca y la Lonja de Valencia, construcción amplia y de elegante sencillez destinada a las transacciones comerciales, de tres naves de igual altura con bóvedas de crucería sobre pilares helicoidales.

El Gótico Tardío (siglo XV)Como características generales de esta etapa podemos citar: la preferencia por plantas rectangulares, sin girola; los soportes muy delgados; las bóvedas cada vez más complejas; la profusa decoración.

La Catedral de SevillaUno de los templos más grandes de España, de planta rectangular, por tanto con cabecera plana, con crucero que no sobresale, de cinco naves, las cuatro extremas de igual altura, capillas laterales y bóvedas estrelladas como características más destacables. No tiene torres, sino que se aprovecha el alminar de la mezquita almohade que existía con anterioridad en el lugar, la Giralda.

El Gótico Flamígero o Isabelino en CastillaEn este caso las influencias van a ser sobre todo flamencas, destacando su riqueza decorativa, basada en la tracería flamígera y en la decoración heráldica, y bóvedas estrelladas cada vez más complejas.

Juan de ColoniaLas Flechas de la Catedral de Burgos, de mediados del siglo XV. Estas exageradas agujas o chapiteles calados son la mejor obra conservada del Gótico flamígero. El cimborrio de la misma catedral también debió ser excepcional, pero lamentablemente se derrumbó menos de un siglo después de ser levantado.

Simón de ColoniaLa Iglesia de la Cartuja de Miraflores, iniciada por Juan fue terminada por su hijo Simón, de nave única y bóvedas

estrelladas, la decoración exterior se centra en la portada, enmarcada por un arco conopial profusamente ornamentado y por escudos y animales heráldicos en las enjutas, lo que va a ser característico del estilo isabelino.La Capilla del Condestable de la Catedral de Burgos, su obra maestra, comenzada a finales de siglo, se caracteriza por ser de planta octogonal y por su suntuosidad decorativa, con tracería flamígera, escudos y bóveda estrellada.La Portada de la iglesia de San Pablo de Valladolid, ejemplo de las denominadas portadas retablo, caracterizadas por su barroquismo, los arcos ya no respetan normas ni trazado alguno, rellenándose con decoración todos los espacios vacíos, de forma que las esculturas y escenas se funden con los elementos no figurativos.El Colegio de San Gregorio de Valladolid, realizado en colaboración con el también escultor, como Simón de Colonia, Gil de Siloé, la fachada se caracteriza igualmente por su recargamiento de ornamentos, poblada de monstruos y vegetación exuberante. No menos importante que la fachada es el patio, con dos pisos de galerías con arcos decorados con tracería sobre columnas de fuste helicoidal.

Juan GuasLa Iglesia de San Juan de los Reyes de Toledo, de Juan Guas, el más perfecto representante del Gótico isabelino, de nave única y muy ancha, cubierta con bóvedas complicadas de crucería estrellada, con abundante decoración heráldica, a base de monumentales escudos, imágenes exentas y temas epigráficos y vegetales. Importante también es su claustro, con amplios arcos divididos por un finísimo mainel y decorados con tracería flamígera.

El Palacio del Duque del Infantado de Guadalajara, caracterizado por su galería flamígera superior, sobre cornisa de mocárabes, de ascendencia árabe, y la decoración de puntas de diamante del muro, que es ya renacentista.

Enrique EgasLa Capilla Real de Granada, representa el final del estilo isabelino y la transición al plateresco, encargada por Isabel de Castilla para acoger su sepulcro, se caracteriza por su austeridad y simplicidad.

Las catedrales góticas del siglo XVIRealizadas aún en estilo gótico pero durante el Renacimiento, por eso aparecen elementos de este estilo, sobre todo decorativos, etc.

La Catedral de Salamanca, obra muy tardía, de principios del XVI, comenzada por Juan Gil de Hontañón y continuada por otros maestros, como su hijo Rodrigo, es de planta rectangular, de tres naves y capillas laterales, con bóvedas estrelladas muy complejas y recargadas con multitud de nervios, que continúan en forma de finos baquetones a lo largo de los pilares, con portadas muy recargadas según el gusto del Gótico flamígero, igual que la decoración interna, con galerías de tracería gótica, escudos, medallones, etc.La Catedral de Segovia, comenzada a principios de siglo también según planos de Juan Gil de Hontañón, de tres naves más dos de capillas, crucero que no sobresale y bóvedas de un recargamiento excesivo con multitud de nervios ornamentales; la cabecera, con girola con capillas radiales poligonales según modelos góticos fue realizada en la segunda mitad del XVI por Rodrigo Gil de Hontañón, cuando ya se había extendido por España el Plateresco.

1.5. LA ARQUITECTURA GÓTICA EN EL RESTO DE EUROPA

1.5.1. La arquitectura gótica en Inglaterra El Gótico Primitivo o "Early English" (finales del XII y siglo XIII)

Ya desde fechas tempranas se introducen innovaciones en su arquitectura, como las bóvedas ojivales de la Catedral de Durham a principios del siglo XIIPresenta las características siguientes: inicialmente la arquitectura gótica inglesa está íntimamente ligada a la francesa, pero pronto se abandonará esta dependencia francesa para crear un estilo gótico plenamente inglés, como la mayor tendencia a la horizontalidad, las fachadas con arquerías superpuestas también horizontalmente, las cabeceras planas, los dobles transeptos o los grandes cimborrios.

Com ejemplos cabe señalar: la Catedral de York, la Catedral de Lincoln y la Catedral de Salisbury.

El Estilo Ornamental o Gótico Decorativo (finales del XIII y s. XIV)A finales del siglo XIII se inicia una tendencia que se generalizará durante el XIV, el enriquecimiento de la arquitectura mediante la multiplicación de los adornos, la complicación de la tracería calada de los vanos con el uso de formas flamígeras y el mayor barroquismo de las bóvedas, estrelladas al multiplicarse sus nervios.

Como ejemplos tenemos: la Capilla de la Virgen de la Catedral de Ely, la Catedral de Wells y la Catedral de Gloucester.

El Estilo Perpendicular (finales del

XIV y siglo XV)Finalmente, desde finales

del siglo XIV y durante el XV se inicia el protagonismo de las líneas verticales, el aumento de los ventanales y la generalización de las bóvedas de abanico.Ejemplos: el Claustro de la Catedral de Gloucester, la King’s College Chapel del Colegio del Rey en la Universidad de Cambridge y la Capilla de Enrique VII en la abadía de Westminster.

1.5.2. La arquitectura gótica en Alemania Características generales

Como en el resto de Europa se desarrolla partiendo de las premisas fijadas en la arquitectura francesa, cuyas influencias llegan en fechas tempranas, favorecidas por la acusada verticalidad del románico alemán.Como innovaciones plenamente germanas señalar: las plantas de salón, con todas las naves de igual altura, las agujas o flechas de rica tracería calada para subrayar la verticalidad y la generalización de las bóvedas estrelladas.

EjemplosDe las primeras construcciones: la Catedral de Limburgo y la Catedral de Bambert.

De las inspiradas en modelos franceses: la Catedral de Estrasburgo y la Catedral de Colonia.

Del más genuino gótico alemán: la Catedral de Friburgo y la Iglesia de Santa Isabel de Marburgo.

1.5.3. La arquitectura gótica en Italia

Características generalesEn Italia encontramos escasos ejemplos puramente góticos, sobre todo en construcciones de carácter religioso, salvo el caso de la Catedral de Milán, del siglo XIV, por influencias extranjeras.

El gótico es aceptado más en lo decorativo que en las innovaciones constructivas, pudiéndose hablar de un goticismo “a la clásica”, ya que se mantienen generalmente los arcos de medio punto, los vanos pequeños y escasos, con predominio del muro, lo que permite la pervivencia de la pintura al fresco como decoración interior, los gabletes como frontones clásicos y el uso de mármoles polícromos en franjas paralelas y horizontales como decoración exterior, remarcando el predominio de la horizontalidad, aunque como contraste se mantienen las esbeltas torres adosadas, etc.Además, en fechas tempranas, desde el inicio del siglo XV, será sustituido por la estética renacentista.

EjemplosDe los primeros ejemplos: la Basílica de San Francisco de Asís y la Iglesia de Santa María Novella.

De los más puros ejemplos italianos: la Catedral de Siena y la Catedral de Santa María dei Fiori de Florencia.

El grueso del gótico italiano lo encontramos en la arquitectura civil, ejemplos: El Ayuntamiento de Siena y la Signoría de Florencia del foco toscano, caracterizado por palacios de sólidos bloques con escasas y pequeñas ventanas y rematados con almenas, dando la sensación de fortaleza; y el Palacio de los Dux del foco veneciano, más calado y transparente, con amplias galerías abiertas y rica tracería en los vanos.

2. LA ESCULTURA GÓTICA

2.1. CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA GÓTICALa escultura del gótico experimenta una profunda evolución que viene marcada, en primer lugar, por su progresiva independencia de la arquitectura. De este modo, alcanza un mayor volumen, emerge de la misma, mientras que durante el Románico, la escultura aparece acomodada en la fachada y absolutamente sometida a ella. Ya desde el pórtico de Saint-Denis las esculturas que forman parte de las portadas monumentales pertenecen a otra categoría: son estatuas exentas, situadas en un nicho y cubiertas con doseles. Aunque no deben separarse, por su función simbólica, del conjunto, ya no forman una unidad indivisible con el marco arquitectónico como ocurría en el románico. No obstante, la escultura seguirá, en su mayor parte, siendo monumental, es decir, estará ligada a la arquitectura durante todo el siglo XIII. Para algunos autores, en esta “liberación” escultórica tienen mucho que ver los cambios sociales y la decadencia de las relaciones feudales y de dependencia, aun más en el marco urbano, mucho más libre e independiente, que comienza a reivindicar el papel del individuo (“la figura exenta”).En un segundo aspecto, el cuerpo humano se representa de un modo más naturalista, con una mayor fidelidad a la realidad. Frente a la figuración conceptualizada del arte románico que ponía el mensaje, la expresión, por encima de la forma, el arte gótico recuperaba, después de muchos siglos, el afán por lograr el parecido entre las formas naturales y las formas artísticas (realismo y detallismo que se manifestaba en los propios ropajes de los personajes, vestidos a la época, para reflejar su cercanía al espectador), y lo hacía, al igual que una parte importante del arte grecorromano, reduciendo la naturaleza a un ideal, renaciendo lo que hoy entendemos por “belleza”. En este sentido, el canon es ahora más estilizado y los rostros intentan reflejar los sentimientos, al tiempo que los personajes se miran y se sonríen entablando un diálogo (“sacra conversazione”). Esta opción estética tenía su base en los escritos de Tomás de Aquino, que a partir de la filosofía de Aristóteles, defendían lo sensible como fuente de conocimiento. Pero, al mismo tiempo, había quienes mantenían la teoría de los neoplatónicos de que hay  una “idea general” (los

“universales”) en y antes de lo particular, que tuvo como consecuencia el que se tendiera a representar cada ser, humano, animal o vegetal, según un tipo ideal. Como resultado de ambas corrientes de pensamiento el mundo material dejó de ser fuente de pecado, y surgió un interés por el mismo que culminaría con el amor franciscano por la naturaleza más sencilla. En escultura se expresó en los rostros y actitudes de los personajes, a través de una serenidad, gracia y amabilidad nuevas. Esta tendencia al naturalismo acabó desembocando en un marcado amaneramiento, manifestado en ritmos curvilíneos y expresiones más cortesanas que religiosas (“Maestro de los Ángeles” de Reims).Los temas comienzan a sufrir algunas variaciones. Se siguen representando en las portadas Cristos en majestad que muestran las llagas de su Pasión. Pero el Cristo, rodeado de la Virgen y san Juan, se ha convertido en un ser más próximo a los hombres y a su sensibilidad, menos alejado de la humanidad que el Cristo románico. Ese Dios todopoderoso y justiciero que se impone por el temor tiende a desaparecer sustituido por el “Cristo de la pasión” como protagonista de la escultura. Y es que los cruzados dieron fe de la humanidad de Cristo, vieron el lugar donde nació y aquellos en los que padeció el martirio y fue enterrado. La Iglesia, frente a las herejías que negaban la naturaleza humana de Cristo, insistió en su linaje humano (con el tema del “árbol de Jesé”), presentó a la Virgen como su madre biológica y mostró su sufrimiento físico. El tema de la Encarnación, fundamental para la doctrina de la Iglesia, se expresó a través de la “Anunciación”, la “Natividad” o la “Última Cena”. Pero Cristo fue entonces sobre todo el dios crucificado, cuyo evidente dolor debía mover a la piedad de los fieles.Relacionado con el nuevo papel de la Virgen en la vida de Cristo, la mujer experimenta una importante revalorización: deja de ser símbolo del pecado para convertirse en fuente de inspiración. Por un lado, se repiten los temas marianos como la Asunción, Anunciación, Desposorios o Coronación de la Virgen, y por otro, se la interpreta como personificación de la Iglesia. Será frecuente encontrarla en la escultura exenta con el Niño Jesús en los brazos, en el parteluz de una iglesia, no como simple trono de Dios, sino como madre que entabla un diálogo con su hijo, que emana dulzura y sensibilidad.En la escultura exenta se repiten los esquemas generales y así, sus dos temas principales son el Cristo crucificado y la Virgen con el Niño. El crucificado del gótico se sujeta a la cruz con tres clavos y no con cuatro como se hacía durante el Románico, y comienza a dar muestras de sufrimiento adquiriendo una dimensión más humana. En lo que se refiere a la Virgen, su representación como Madre de Dios (“Theotokos”), en la que ésta es casi una excusa para representar a Jesús a modo de trono (pues ambos no mantienen ninguna comunicación, representándose a Jesús en su naturaleza divina, y no como niño dependiente de su madre), es sustituida por una Virgen sentada, o de pie, en ocasiones ya sola (la devoción a María se había multiplicado y por ejemplo todas las grandes iglesias de la época estaba dedicadas a “Nuestra Señora”), con el niño cogido con un brazo. Jesús se manifiesta ya en su naturaleza humana, y no divina, y se presenta como un niño atento a su madre y en una actitud de comunicación con ella, ambos juegan o se acarician, lo que, a la vez permite un mayor juego formal frente al estatismo del románico.  Por otro lado, los santos hicieron de forma masiva su aparición, sobre todo en los momentos finales del gótico en retablos pictóricos y escultóricos o bien en esculturas exentas. Los libros sobre la vida de los santos (Leyenda áurea de Jacobo Da Voragine) se extendieron por toda Europa y los fieles podían reconocer a cada uno por sus atributos o fisonomía, generalmente referidos a su martirio. Los santos son los protectores del hombre, los emisarios de Dios para con la humanidad, todo el mundo, hombres y ciudades, debían hallarse bajo la advocación de un santo patrón. Esta devoción provocará una fuerte demanda, sobre todo en el campo de la escultura.

Finalmente señalar que la temática derivada de los bestiarios cedió paso paulatinamente a otros temas extraídos de la paganidad y cargados de naturalismo simbólico, como los meses, las virtudes y los vicios, los signos zodiacales, e incluso temas de representaciones históricas de carácter simbólico. En este sentido, en una época de oposición entre Papado y poder civil, la realeza bíblica es utilizada como instrumento pedagógico, con el fin de representar a los reyes de los siglos XIII al XV como descendientes temporales de la realeza del Antiguo Testamento (las galerías de los reyes son una constante en las principales portadas catedralicias francesas), a la vez que aboga por la armonía que debe existir entre el gobierno secular y el espiritual. En cuanto a su localización, además de los relieves desarrollados en las fachadas de las iglesias, aparecen ahora nuevos lugares que se decoran con escultura: los retablos de los altares, las sillerías de los coros y los sepulcros.

Los relieves de las portadas de los templos destacan por su carácter narrativo.El tímpano, se divide en el gótico en franjas o frisos horizontales con decoración narrativa y se distingue de los románicos, además, por ser apuntados. Sigue albergando el tema principal, Cristo, la Virgen, el Juicio Final, la Crucifixión u otras escenas evangélicas o de las Sagradas Escrituras.Las arquivoltas, también apuntadas, se distinguen de las del románico en que la decoración escultórica que las adorna se sitúa longitudinalmente a ellas, en lugar de hacerlo verticalmente, de forma radial al semicírculo del tímpano.Las jambas, también con esculturas-columna adosadas de profetas, santos o apóstoles, pero ahora sobre repisas y bajo unos doseletes muy característicos decorados con tracería gótica.El parteluz o mainel, con esculturas de la Virgen, Cristo o el Santo titular, también bajo dosel de tracería gótica.

Los retablosLa obra más original de la escultura gótica europea son los retablos, que primero son muy pequeños, para ir creciendo a medida que avanza la Baja Edad Media, hasta alcanzar enormes dimensiones en el siglo XV.El retablo es un armazón de madera o alabastro que se divide en franjas verticales o “calles” y franjas horizontales o “cuerpos”, formando recuadros donde se alojan estatuas exentas, relieves o pinturas con escenas referentes al santo titular del templo, la Virgen, Cristo o los Evangelios. La parte inferior o pedestal se denomina “banco”.Los retablos son interesantes por ser una nueva forma de narrar propia del gótico, que representa plásticamente cada una de las escenas que componen el hecho narrado y las va hilvanando una tras otra hasta formar un relato, a diferencia del artista románico, que aislaba algunos elementos y los componía en una única escena simbólica.

Las sillerías de los corosOtro espacio típico de la Baja Edad Media, donde el artista gótico concentra su esfuerzo escultórico, es la sillería, en cuyos respaldos se realizan algunas de las más bellas obras góticas, tanto de temática religiosa como profana.

Los sepulcrosTambién hay que subrayar la importancia que toman los sepulcros en esta época, como reflejo de un hombre que evoluciona hacia el individualismo y se preocupa cada vez más por perpetuar su nombre sobre su lecho mortuorio.El período final del gótico y el principio del Renacimiento serán las épocas cumbre del sepulcro, uno de sus más importantes géneros escultóricos y que dejará creaciones memorables.

En cuanto a la tipología destacan:

Exentos, con la figura yaciente. Adosados a un muro, bajo arco, con un

mayor acento arquitectónico, y con la figura yaciente, orante, etc.

Los materiales que el artista del gótico utiliza son: la piedra de diversos tipos, para la imaginería exterior; la madera policromada, para imágenes exentas, retablos, sepulcros y la sillería de los coros; y mármol y alabastro, utilizados frecuentemente en los conjuntos sepulcrales y ocasionalmente en retablos. Digamos también que toda esta escultura aparece pintada, no sólo la de madera, sino también la hecha en piedra o alabastro, acentuando con ello sus rasgos de realismo.Finalmente comentar que la escultura seguirá siendo, como en el románico, un arte mayoritariamente anónimo. Sin embargo, la excelencia de algunos escultores hizo que incluso se conocieran sus nombres, sobre todo en el periodo final con nombres como Claus Sluter, Gil de Siloé o Pere Johan.

2.2. EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA DE LA ESCULTURA GÓTICAEn el gótico la escultura será un arte muy fecundo y en constante evolución desde el punto de vista estilístico:

A finales del siglo XII fase de transición durante la que se aleja del hieratismo y la frontalidad del Románico.

En el siglo XIII se pone de moda un tipo alargado, de pliegues y ornamentos muy sencillos, rostro triangular, sonrisa estereotipada y de cierto amaneramiento.

En la segunda mitad del XIV las figuras se alargan, canon esbelto, y se curvan finamente, ligera sinuosidad en el sentido flamígero comentado en la arquitectura, sus ropajes se pliegan en innumerables pliegues, es el denominado “estilo internacional”.

Por último, en el siglo XV, se experimenta una reacción frente a este arte amanerado y triunfan tipos macizos y pesados, de un mayor realismo.

2.3. LA ESCULTURA GÓTICA EN FRANCIAFrancia, como cuna de este estilo, será la que marque las pautas a seguir también en escultura. Luego cada país le irá infundiendo su propia personalidad, con el tiempo más acentuada.

2.3.1. Las portadas del siglo XIIILa escultura francesa durante el siglo XIII se centrará en las grandes portadas de las catedrales:

Las Portadas de la Catedral de ChartresEn el Pórtico Real de la fachada occidental encontramos la transición entre el Románico y el gótico, como se puede apreciar por la mezcla de las características de ambos estilos. En una de las portadas del crucero se representa el Juicio Final, con las

jambas decoradas con altorrelieves de santos y apóstoles, de gran belleza. Al lado opuesto del crucero se representan distintas escenas de la vida de la Virgen (Tránsito, Asunción y Coronación).

Las Portadas de la Catedral de Notre-Dame de ParísLa temática se repite en la portada principal, mediante escenas en franjas paralelas superpuestas de carácter narrativo: el Juicio Final en la central y en las laterales escenas de la vida de la Virgen y Santa Ana, con una imagen de María en el parteluz de justo

renombre y la Crucifixión.

Las Portadas de la Catedral de AmiensLa fachada principal de la Catedral de Amiens es de extraordinaria belleza gracias a sus tres

grandes portadas de arquivoltas abocinadas, una dedicada a San

Fermín, cristianizador de Amiens, las otras dedicadas al Juicio Final, la central, en la que destaca el llamado “Beau Dieu” o Bello Dios del parteluz, y a la Virgen. La Puerta Dorada del transepto sur es algo posterior, de finales de siglo o principios del XIV, es una de las más típicas portadas góticas francesas, con una estilizada y naturalista estatua de la Virgen con el Niño en el parteluz.

Las Portadas de la Catedral de ReimsEn este templo trabajó el que se ha denominado "Maestro de la Sonrisa" pues esculpió a sus personajes con una marcada tendencia a lo amable, a la bondad. En Reims cabe resaltar La Anunciación y La Visitación de las jambas, del mismo autor y de gran naturalismo.

2.3.2. La escultura del siglo XIV Se repiten las fórmulas usadas, acentuando el decorativismo, el refinamiento y la exquisitez de los modelos estilizados del “estilo internacional”.

2.3.3. La escultura del gótico final francésLa escultura del gótico final francés, entre finales del siglo XIV y siglo XV, se desarrolló en Borgoña, en la corte de Felipe

el Atrevido en Dijon, donde destacó la figura de Claus Sluter, que introdujo el fuerte naturalismo característico de los Países Bajos en Francia. En los dolientes que acompañan el Sepulcro de Felipe el Atrevido, realizada junto a su discípulo Claus de Werve, Sluter ofrece un amplio repertorio de expresiones que contribuyen a enfatizar la evocación de tristeza y dolor. En las estatuas de los profetas del Pozo de Moisés de la Cartuja de Champmol transformó a los personajes del Antiguo Testamento en patriarcas flamencos, cuya representación naturalista se funde con un sentimiento de grandeza espiritual.

Su sobrino Claus de Werve repite los modelos de dolinetes de Sluter en el Sepulcro de Juan sin Miedo.

De parecidas características a las anteriores, aunque algo posterior, de finales del XV, es la Tumba de Philippe Pot, de autor anónimo aunque en ocasiones atribuida a Sluter. Se trata de uno de los monumentos funerarios más fascinantes del final de la Edad Media, en el que podemos atisbar rasgos renacentistas en su insólita composición, monumentalidad y expresividad.

2.4. LA ESCULTURA GÓTICA EN ESPAÑAAunque la escultura románica de la segunda mitad del siglo XII y comienzos del XIII muestra un creciente naturalismo, como queda patente en las escenas de la Anunciación de Silos, no se pude hablar todavía de escultura gótica propiamente dicha. Sólo el Maestro Mateo, en el Pórtico de la Gloria, muestra apuntes de un mayor goticismo en sus apóstoles levemente sonrientes y "conversadores".

La introducción del gótico puro francés en España es un hecho ligado a la llegada de de maestros franceses contratados por la monarquía para acometer tres grandes catedrales.

2.4.1. Las portadas del siglo XIIILa mejor escultura gótica en la España del siglo XIII hay que buscarla especialmente en los programas iconográficos de las fachadas y portadas de las catedrales de Burgos y León durante el siglo XIII y las de Toledo desde finales de dicho siglo y durante el XIV.

Las Portadas del Crucero de la Catedral de BurgosLa Puerta del Sarmental o del Obispo, en el brazo derecho o sur del transepto, es una portada típica gótica, aunque no termina de desprenderse completamente del hieratismo románico. En el tímpano se esculpe a Cristo-Doctor dictando su palabra a los cuatro Evangelistas, acompañados por el Tetramorfos simbólico más naturalista. En el dintel aparece el Apostolado y en las arquivoltas ángeles y ancianos músicos. En el parteluz, aparece el Obispo Don Mauricio.

La Puerta de la Coronería o de los Apóstoles, al lado norte del transepto, muestra en sus jambas a los Apóstoles, muy naturalistas, ángeles en las arquivoltas y en el tímpano el Juicio Final. En la parte superior del tímpano figuran las insignias de la Pasión sostenidas por ángeles y Cristo Juez, acompañado de la Virgen y San Juan.

La Triple Portada Principal de la Catedral de LeónNuestra Señora la Blanca, del mainel central de la fachada occidental, es una típica Virgen gótica plena de belleza, alegría, armonía, humanización y naturalismo.

La Puerta del Juicio Final o de la Virgen Blanca, ya de la segunda mitad del siglo, es la central de la fachada occidental: en la parte superior del tímpano, en la que se hace patente un cierto manierismo técnico, aparece Cristo mostrando las llagas y un ángel portando los

instrumentos de la pasión; y en el dintel, la parte más hermosa, figura la separación de los bienaventurados y los condenados después que San Miguel pese las almas.La Puerta de San Juan, la de la izquierda, decorada con escenas de la infancia de Jesús, como la Natividad, la Epifanía, la Degollación de los Inocentes y la Huida a Egipto, enmarcadas por reyes y profetas situados en las arquivoltas.

La Puerta de San Francisco, la de la derecha, está dedicada al Triunfo de la Virgen y en ella aparecen diferentes escenas en varios frisos, como la Muerte, el Entierro o la Coronación de María.

La Puerta del Reloj de la Catedral de ToledoDe finales del siglo XIII es la lateral izquierda, la del transepto norte, es la única obra significativa del XIII de la Catedral de Toledo. Sus arquivoltas aparecen repletas de prelados y ángeles con libros, incensarios y candelas bajo doseletes. En su tímpano se desarrollan, en cuatro registros o franjas horizontales, diversas escenas del Nuevo Testamento con abundancia de detalles narrativos.

2.4.2. La escultura del siglo XIVLa escultura del siglo XIV ofrece, como en Francia, síntomas de decadencia, degenerando en amaneramiento y cierta monotonía. De esta etapa destacan:

Las Portadas de la Catedral de Toledo:

La Puerta del Perdón o de los Reyes, la central de la fachada principal de poniente, tiene como tema principal del tímpano la Imposición de la Casulla a San Ildefonso y muestra influencias de Reims en la expresión sonriente de los rostros y de la escuela italiana de los Pisano, que ya podemos considerar proto-renacentistas. En los apóstoles de las jambas y en algunas figuras de las arquivoltas se puede apreciar la estilización y alargamiento característicos del XIV.

La Puerta del Juicio Final es una obra de taller, no realizada sólo para crear arte sino principalmente para decorar un determinado lugar, que presenta unas composiciones bastante confusas y rostros muy poco

expresivos. La Virgen Blanca

representaciones marianas de nuestro arte medieval debido a su prodigiosa esbeltez y simplicidad, sobre todo por el carácter familiar y naturalista del detalle del Niño acariciando la barbilla de María.

El Sepulcro del Obispo Pedro Tenorio de la Catedral de Toledo, de finales del siglo XIV, su ornamentación lateral se reduce a escasas figuras dentro de medallones cuadrilobulados,

pero los rasgos fisonómicos están ya fuertemente individualizados, preludiando ya lo que va a ser la escultura funeraria del siglo XV.

2.4.3. La escultura del siglo XVEl siglo XV es uno de los más gloriosos para la escultura española, tanto en calidad como en abundancia de obras.Las influencias ahora son de Borgoña, primero, y de Flandes después, en concreto de Claus Sluter, con sus paños ondulados y fuertemente agitados y el penetrante realismo de sus rostros. Toda la elegancia y claridad de la escultura gótica anterior se cambian ahora en opulencia decorativa y en alardes de primorosidad técnica. Se tiende a ocultar las líneas arquitectónicas y a borrar, incluso, las formas humanas entre complicados ropajes. Es una época de auténtico barroquismo, de recargamiento decorativo.

Pere JohanPere Johan fue el principal escultor catalán de la primera mitad del siglo XV. En el San Jorge de la Generalitat de Barcelona la búsqueda de lo dinámico y la representación de lo suntuoso y espectacular son las notas dominantes de su estilo.El Retablo de Santa Tecla de la Catedral de Tarragona, de alabastro de ligera policromía realzada con oro, contiene episodios de la vida de la Virgen y del martirio de Santa Tecla, descritos con gran dramatismo.

Lorenzo MercadanteLorenzo Mercadante, escultor francés activo en la segunda mitad del XV, trabajó en Sevilla entre 1454 y 1467. Realiza el Sepulcro del Cardenal Cervantes de la Catedral de Sevilla, de mediados de siglo, ya más relacionado con el arte flamenco que con el borgoñón, sepulcro-túmulo que descansa sobre leones, con

el frente decorado con escenas de la vida de Jesús y el obispo yacente, destacando el naturalismo de su rostro.

Las Portadas Laterales del Nacimiento y del Bautismo de la Fachada Principal de la Catedral de Sevilla, de barro cocido, cuyo estilo se caracteriza por lo abultado y flotante de los ropajes.

Egas Cueman. Escultor y arquitecto flamenco del siglo XV que llegó a España hacia 1440. De la Puerta de los Leones de la Catedral de Toledo, también de mediados de siglo, destacan las estatuas de los apóstoles San Pedro y San Pablo, de intensa expresión y duros plegados.La Sillería de la Colegiata de Belmonte en Cuenca, con varios temas bíblicos, desde la Creación del Mundo hasta pasajes del Nuevo Testamento, con figuras de acentuado claroscuro y plegados en “V”.

Rodrigo Alemán, escultor español de finales del siglo XV y la primera mitad del XVI cuya obra se inspira en el estilo germánico-gótico del norte de Europa. Entre sus obras cabe señalar la Sillería Baja del Coro de la Catedral de Toledo, decorada con escenas bélicas de la Guerra de Granada en

alabanza de las figuras de los Reyes Católicos y documento histórico incomparable.

Sebastián de Almonaciden Castilla y de su obra destacan los asuntos funerarios: el Sepulcro del Doncel de Sigüenza, de finales del siglo XV, en realidad el caballero Martín Vázquez de Arce, muy original porque no representa al difunto yaciente u orante, sino en actitud naturalista, leyendo ligeramente incorporado, vestido con armadura de la Orden de

Santiago, embutido en un gran nicho del muro bajo un arco.Los Sepulcros de Álvaro de Luna y Juana de Pimentel en la Catedral de Toledo, con la forma tradicional de túmulo, pero con la novedad de tener las esquinas guarnecidas por figuras orantes.

Simón de Colonia, arquitecto y escultor español de finales del siglo XV y principios del XVI, se caracterizó por decorar profusamente sus arquitecturas

y por mostrar un marcado gusto germánico. Junto con Juan Guas y Gil de Siloé forma el núcleo de los principales escultores del Gótico Isabelino.

La Decoración Escultórica de la Fachada de San Pablo de Valladolid, donde es de resaltar el relieve de la Coronación de la Virgen en presencia de Fray Alonso de Burgos, obispo de Palencia y

promotor de la obra.La Fachada Retablo del Colegio de San Gregorio de Valladolid, realizada en colaboración con Gil de Siloé, típica obra de carácter decorativo de la época enriquecida con toda clase de recursos ornamentales.

La Decoración Escultórica de la Capilla del Condestable de la Catedral de Burgos, con temas heráldicos.

Juan Guas, arquitecto y escultor español de la segunda mitad del siglo XV, representante máximo del Estilo Isabelino en Toledo. Son de su mano:

La Decoración Escultórica del Presbiterio de San Juan de los Reyes de Toledo, también con los escudos heráldicos y las figuras muy estilizadas y de quebrados paños característicos del Gótico Isabelino.

Gil de Siloe, el escultor más grande de finales del siglo XV, una de las máximas figuras de la escultura hispánica y europea del siglo XV, siendo el principal representante del estilo Gótico Isabelino. Desarrolló su actividad en Castilla, en Burgos y sus alrededores, entre los años 1486 y 1501. Entre sus obras destacamos:La Fachada Retablo del Colegio de San Gregorio de Valladolid, realizada en colaboración con Simón de Colonia, típica obra de carácter decorativo de la época enriquecida con toda clase de recursos ornamentales.

El Conjunto Escultórico de la Cartuja de Miraflores de Burgos: el Sepulcro de Juan II y su Esposa Isabel de Portugal, de planta estrellada, decorado con finos y calados elementos arquitectónicos y las figuras yacientes tratadas con gran virtuosismo técnico y calidades de insuperable belleza; el Sepulcro del Infante Don Alfonso, en la modalidad de arcosolio, con la figura orante embutida en el muro bajo arco de estilo flamígero, destacando la gran minuciosidad con que está tratado el vestido; y el Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores, obra en la que los efectos de riqueza y barroquismo alcanzan límites insospechados y en la que Gil de Siloe sustituye el típico retablo dividido en cuerpos y calles por una original organización a base de círculos presidida por el Calvario y cuatro escenas de la Pasión de Cristo.

Los Grandes Retablos de finales del XV

El Retablo Mayor de la Catedral de Sevilla, tal vez el mayor del mundo, con las calles de igual dimensión, salvo la central, más ancha, y la parte superior que avanza formando un cuerpo final con la Piedad y los Apóstoles.

El Retablo Mayor de la Catedral de Toledo, en la que intervinieron los principales escultores y pintores de la época, asentado sobre un banco con cinco relieves consta de cinco calles, siendo la central también más ancha, decoradas con escenas de la vida de Cristo y de la Virgen; es una de las obras más importantes del siglo XV, ya de transición al Renacimiento en alguno de sus compartimentos, como los atribuidos al borgoñón Felipe Bigarny.

2.5. LA ESCULTURA GÓTICA EN EL RESTO DE EUROPA2.5.1. La escultura gótica en AlemaniaSus principales características son su honda expresividad y el fuerte naturalismo, que en el siglo XV llega al realismo, casi a ser auténticos retratos, y al barroquismo, sobre todo en los angulosos plegados de los vestidos.

Como ejemplo destaca la Portada de la Catedral de Bamberg, del siglo XIII, por los gestos y ademanes exagerados del grupo de condenados del Juicio Final en fechas aún tempranas.

2.5.2. La escultura gótica en ItaliaEn Italia podemos casi hablar de una completa carencia de ejemplares escultóricos plenamente góticos, ya que desde el principio aparecen las formas clásicas que nos permiten hablar de un protorrenacimiento desde el siglo XIII.

Como ejemplos de esto destacar, sobre todo, a Nicola Pisano, con el Púlpito del Baptisterio de la Catedral de Pisa y el Púlpito de la Catedral de Siena, realizado éste junto a su hijo Giovanni. Ya del siglo XIV señalar a Andrea Pisano con las Primeras Puertas del Baptisterio de Florencia.

3. LA PINTURA GÓTICA

3.1. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA GÓTICA

3.1.1. PrecedentesLos precedentes de la

pintura gótica hay que buscarlos en la pintura

románica occidental, frescos, frontales de altar e iluminación de libros sobre todo, y principalmente en la pintura y mosaicos bizantinos, muy especialmente sus iconos.

3.1.2. Soportes y técnicasLa pintura gótica implica grandes cambios respecto a la pintura románica debido a la sustitución de los muros por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes y técnicas.Al principio el protagonismo será casi exclusivamente de las vidrieras y de la iluminación de libros con miniaturas, desarrollándose en una fase más avanzada del gótico la pintura sobre la tabla.

Las técnicas empleadas en pintura son variadas, según los soportes: en pintura sobre tabla el temple, con aglutinante de huevo o colas, permite su aplicación con finos pinceles, lográndose un gran detallismo y colores más intensos y brillantes, y, a partir del siglo XV, también el óleo, con aceites como aglutinante del color, lo que permite el repinte; y el fresco en las pinturas murales allí donde siguen siendo importantes.

Las VidrierasLa técnica de las vidrieras comienza en Francia en el siglo XII: se montan los vidrios, coloreados con tonos azules, rojos, amarillos y verdes en la pasta vítrea fundida o posteriormente, sobre un bastidor emplomado, logrando el efecto de un mosaico transparente. Su momento culminante fue el siglo XIII, con los grandes ciclos de Chartres, Reims o León. Posteriormente evoluciona en paralelo a la pintura, mayor gama cromática, sustitución de loo personajes aislados por representaciones de carácter narrativo, etc.

El retabloEl retablo será el soporte gótico por excelencia, evolucionando al pasar de una tabla a dos "díptico", tres "tríptico" o a muchas, "políptico". A veces las tablas laterales eran abatibles con el fin de cerrar el conjunto, en este caso su cara exterior se pinta con tonos grises, "grisallas", que semejan esculturas. El retablo hasta mediados del siglo XIV consistía simplemente en una serie de tablas pintadas con sentido ilustrativo y descriptivo de la vida del santo titular, ocupando el centro la efigie del mismo y a su alrededor, en pequeños recuadros, escenas de su vida.

Pero en la segunda mitad del s. XIV el retablo pictórico ya está formado, es rígido, con múltiples tablas, con una ordenación de base arquitectónica y con una distribución iconográfica uniforme. Su organización es del modo siguiente:

En la predela o banco, parte inferior de menor altura, pintan bustos de santos. En el cuerpo central está representado el tema principal de la obra. En las calles o zonas verticales se recogen las escenas secundarias o complementarias

del tema central, organizadas en cuerpos o divisiones horizontales que forman recuadros que se decoran con un marco gótico trobolado y remate de tracería, generalmente flamígero.

En las entrecalles, pequeñas tablas pintadas con santos en unos retablos, y en otros finas columnas o pilares. En ambos casos rematadas con pináculos con cardinas, decoración vegetal a base de hojas.

Las cumbreras o espigas son los remates superiores de las calles. En la central se pinta, casi sin excepción, el Calvario, en las restantes los temas no están fijados.

3.1.3. Elementos plásticos El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos

compositivos. Importancia del modelado, pasando con el tiempo desde los tonos planos al juego de

contraluces. La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener

contenido simbólico. El color es un elemento clave, pero con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido

simbólico. El interés por la perspectiva también evoluciona, apareciendo la preocupación por el espacio

pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional, pero serán sus primeros grandes maestros, en el XV, los pintores del primer Renacimiento italiano y los primitivos flamencos, dentro de este tema dedicado al gótico.

Pero siguen siendo muy abundantes los típicos fondos neutros dorados a base de pan de oro. La composición se basa en el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro

teórico del cuadro. Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado

individual y expresivo, individualizándose los rostros, incluso en los grupos, al igual que en la escultura.

3.1.4. Temática e iconografía

La temática es fundamentalmente religiosa. Los temas se inspiran en la vida de Jesús, de la Virgen y de los Santos destacando entre estos

En menor escala también encontramos ejemplos de pintura profana, desarrollándose ahora el retrato.

Por último decir que la pintura gótica tiene un carácter narrativo y una finalidad didáctica y devocional.

3.2. EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA: PRINCIPALES ESCUELAS DE LA PINTURA GÓTICAEn la evolución de la pintura gótica se distinguen cuatro estilos, cuya cronología es difícil de concretar por la simultaneidad de algunos de ellos:

3.2.1. El Estilo Franco-Gótico o Gótico LinealDesde el siglo XIII hasta mediados del siglo XIV, coexistiendo en esta centuria con el estilo de influencia italiana. Francia dará, como en arquitectura y escultura, las primeras pautas a seguir. Ejemplos casi exclusivamente de miniaturas, desde los más arcaicos hasta modernos, como El libro de las muy ricas horas del Duque de Berry, ya del XV:

Características: El dibujo tiene gran importancia, las líneas limitan las superficies coloreadas, el

cromatismo es vivo. El naturalismo se manifiesta en el estudio de las formas y de los paños, en los trozos

de paisaje que aparecen y en las construcciones del fondo con un somero estudio de la perspectiva lineal.

Presenta ciertos convencionalismos, como los doseletes con ángeles, el tipo oval de la cabeza, la incurvación del cuerpo y el alargamiento de las figuras.

3.2.2. El estilo italo-gótico: Los Primitivos ItalianosDos escuelas de pintores italianos relevan a Francia en su labor rectora y serán las que marcarán las pautas a seguir por la pintura gótica desde finales del siglo XIII hasta mediados del XIV, la Escuela de Siena y la Escuela de Florencia.

Características generales del estilo: En Italia se mantiene el protagonismo de las pinturas murales al fresco. Riqueza cromática, azules intensos, rojos profundos, amarillos, rosas que no son

naturales y se adaptan a la psicología de los personajes. Modera el uso de los tonos dorados características del gótico.

Naturalismo en la representación de un espacio tridimensional por medio del sombreado, que rompía con los colores planos heredados de las vidrieras góticas.

El desarrollo de un marco real con paisajes urbanos o rurales donde superponen las figuras.

También naturalismo en la expresión del sentimiento, de los estados anímicos por medio del gesto, la actitud que busca la aproximación al alma del personaje.

Esta preocupación por el hombre y su entorno está relacionada con la religiosidad franciscana que abría el cristianismo a la naturaleza.

Característica principal de la Escuela de Siena es su dulzura y elegancia y la búsqueda de la belleza pura concentrada. También señalar la monumentalidad de las figuras, que van a tener proporciones humanas, como característica principal de la Escuela de Florencia.

A) Escuela de Florencia Cimabué

Suele ser considerado como uno de los fundadores del arte moderno y se cree que fue maestro de Giotto. Se le considera el iniciador del movimiento que partiendo de la “maniera greca” (bizantina) tendría que llevar al naturalismo que culminaría en el Renacimiento. Buena prueba del carácter innovador de su obra la proporciona la mención que de ella hace Dante en la “Divina Comedia”: “Creía Cimabue ser el primero en la pintura, pero ahora tiene Giotto esta primacía hasta el punto que se ha oscurecido la fama de aquél”.

Maestá o Virgen de los Ángeles: obra básica para comprender el cambio estilístico que se produjo en la pintura florentina de finales del siglo XIII, conserva los elementos compositivos simétricos y la iconografía de los modelos bizantinos, pero busca a la vez una tercera dimensión, que obtiene con la perspectiva que da al trono y el contrate de luces y sombras que dan volumen a las figuras; también intenta romper con el hieratismo dando un carácter más humano a las figuras, que se manifiesta en la expresividad de los rostros.

Crucifixión: en la que destaca la expresión dramática, de dolor, del Crucificado. Giotto

Conocemos, por las crónicas de sus contemporáneos, la gran revolución que supuso su nueva concepción artística, que se puede considerar como precursora de las innovaciones que cambiarán la marcha de la pintura occidental en el Renacimiento.Giotto es el gran iniciador del espacio tridimensional en la Pintura Europea, en sus obras , que se caracterizan por la evidente observación de la naturaleza, las planas y simbólicas figuras del Arte Bizantino dan paso a otras modeladas e individualizadas en perspectiva, además adoptó el lenguaje visual de escultores al darle volumen y peso a sus figuras.

Virgen en el Trono: la composición y el fondo dorado hacen pensar en una concepción gótica de origen bizantino, pero el naturalismo y la monumentalidad de la Virgen nos muestran el personalísimo sello de Giotto.

Frescos sobre la vida de San Francisco en la iglesia de Asís: plenamente naturalistas, las figuras cobran volumen y las escenas con pasajes de la vida del santo perspectiva, disponiéndose en profundidad en diversos planos en un marco paisajístico y arquitectónico.

Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua: dedicados a Jesucristo, la Virgen y San Joaquín y Santa Ana; más perfectos son considerados como el máximo exponente de la madurez artística de Giotto, que ya ha encontrado su auténtico estilo.

Frescos de la Basílica de Santa Croce de Florencia: representan el estadio más avanzado de su estilo, en el que las figuras humanas aparecen agrupadas en posturas dinámicas, que reflejan movimiento.

B) Escuela de Siena Duccio

Fue el fundador de la escuela pictórica de Siena. Sus trabajos, de carácter religioso, se caracterizan por la sensibilidad del dibujo, la habilidad de la composición, la calidad decorativa y una intensidad emocional mayor que la del modelo bizantino que seguía.

Gran Maestà: gran retablo pintado por ambas caras, la parte frontal muestra a la Virgen entronizada y rodeada de un gran número de ángeles, santos y apóstoles, levemente naturalistas.

Madonna Rucellai: se trata de un retablo que muestra a la Virgen sentada en el trono con el Niño Jesús, con un fondo de oro de tradición bizantina y flanqueada por ángeles de rodillas.

Simone MartiniSimone Martini fue el otro gran maestro de la escuela sienesa. Debió de formarse en el círculo de Duccio, pero desarrolló de manera muy personal el estilo de su maestro y le añadió un gran interés por los efectos de perspectiva, reflejo de las tendencias vigentes en la época. Hizo un uso decorativista de la línea y del color, como en las miniaturas francesas del Gótico-Lineal, y fue

un creador genial de composiciones delicadas, elegantes y amables, imbuidas de armonía y refinamiento.

Condotiero Guidoriccio de Fogliano del Palacio Comunal de Siena: extraordinario retrato ecuestre en el que destaca la figura grandiosa y solitaria del condotiero sobre un fondo de paisaje.

Frescos de la vida de San Martín en la Basílica de Asís: con escenas y anécdotas de la vida del santo, muy detalladas, llenas de color en sus figuras perfectamente delineadas, igual que los elementos del fondo, por la línea omnipresente del pintor.

La Anunciación: considerada como una de las mejores realizaciones de la escuela de Siena, esta obra es un testimonio de la persistencia entre los pintores de Siena de una tendencia hacia el color brillante, los fondos dorados y el valor de la línea, que, a pesar de que está muy lejos de la fórmula bizantina, participa del espíritu medieval de idealización de las formas y poetización del tema sagrado.

Hermanos LorenzettiLos hermanos Lorenzetti, Pietro y Ambrogio, muestran una mezcla de influencias entre Duccio y Giotto: pintan figuras caracterizadas por su monumentalidad, pero también por una elegancia y una gracia conmovedoras y claramente sienesas. También fueron los encargados de introducir en Siena una pintura mucho más burguesa y costumbrista. Virgen con el Niño: de Pietro Lorenzetti, quien crea tipos de vírgenes

característicos luego seguidos por otros pintores italianos: una gruesa, tranquila, apacible, de rostro redondo, boca carnosa y ojos rasgados y vueltos hacia lo alto; otra delgada, demacrada, intensa y expresiva.

Frescos con las Alegorías del Buen y el Mal Gobierno del Palacio Comunal de Siena: de Ambroggio Lorenzetti, más naturalista, preocupado por el costumbrismo, por los detalles de la vida diaria y por los estudios de perspectiva; en esta obra la verdadera protagonista es la ciudad medieval, por primera vez en la pintura; en relación a las figuras decir que no son elegantes, alargadas y sinuosas como las sienesas, sino macizas y gruesas como las florentinas.

C) La Pintura del siglo XIV en España sigue la elegante línea marcada por Siena. Ferrer Bassa

Murales del Monasterio de Pedralbes: Ferrer Bassa viaja por Italia y conoce a florentinos y sieneses, siendo el introductor del estilo de estos últimos en España, claro al observar el alargamiento y la delicadeza de sus figuras.

Hermanos Serra Retablo de la Virgen de Sigena: de Jaume Serra, presidido por

una Virgen con el Niño de gran delicadeza.

Retablo del Santo Espíritu de la Catedral de Manresa: de Pere Serra, también presidido por la Virgen, pero en este caso junto al encanto decorativo sienes podemos apreciar también la monumentalidad florentina, aunque está mucho más cerca de la obra de Simone Martini que de la de Giotto.

Virgen de Tortosa: de Pere Serra, obra maestra de similares características; para algunos críticos si hubiese nacido en

Italia Pere hubiese sido considerado como uno de los grandes maestros del Trecento Italiano.

3.2.3. Estilo Gótico InternacionalEn la segunda mitad del siglo XIV la influencia de la manera italiana condujo a la creación del denominado “estilo internacional” que va a desarrollarse hasta la primera mitad del siglo XV.

Características: Riqueza cromática con colores brillantes a veces irreales. Las figuras, de una elegancia amanerada, se hacen alargadas y espirituales.

Predominio de la línea curva que se manifiesta en el movimiento y en los ropajes que dibujan plegados abundantes y sinuosos.

Paisaje convencional en el fondo de las representaciones. La técnica minuciosa y el detalle realista junto con el estudio de la perspectiva son notas que distinguen también este estilo.

Se acentúa el carácter narrativo, apareciendo incluso elementos pintorescos sacados de la vida diaria.

El retrato se desarrolla en las pequeñas figuras de los donantes.

3.2.4. Escuela de los Primitivos FlamencosEn la segunda mitad del siglo XV y hasta principios del XVI una serie de factores contribuyeron a producir un prodigioso florecimiento artístico en las ciudades de Flandes. La influencia de la pintura flamenca se extiende por Europa. En España, por ejemplo, la pintura de estos años se va a denominar estilo hispano-flamenco.

A) Características Los artistas que hoy en día conocemos como Primitivos flamencos desarrollarían un estilo

pictórico propio, caracterizado por un exacerbado naturalismo y un extraordinario cuidado del detalle, que inmediatamente les supuso un reconocimiento internacional. Captación de la

realidad mediante:

El

detallismo: es una pintura para ser vista de cerca y el artista tiene interés por todo. Se recrea lo mismo en las personas que en las pequeñas cosas que llenan la vida cotidiana, objetos, mesas, telas, etc.

Estas últimas las reproducen minuciosamente, pero las dota de unos pliegues duros, metálicos.

El paisaje: los pintores flamencos fueron los creadores de amplios y luminosos paisajes, así como los primeros en representar interiores llenos de intimidad.

La creación de un espacio pictórico mediante la difusión de la luz sobre los objetos. Sus obras, principalmente pinturas al óleo sobre tabla y obtenidas mediante la minuciosa

superposición de capas de color transparentes y luminosas, marcan una etapa decisiva en la historia del arte universal y sitúan, junto con el arte italiano, los fundamentos del arte europeo moderno.

Los flamencos, en relación con lo anterior, también fueron los creadores del cuadro de caballete al ir simplificando el retablo hasta reducirlo a una sola tabla.

El desarrollo de escenas de la vida cotidiana en los temas religiosos, que son la mayoría, así como los promotores retratados junto a Cristo, la Virgen o santos. Introducción del retrato a través de la imagen del donante, hasta que acabó por tener una autonomía en sí mismo.

Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas. El predomino pictórico se ve favorecido por la aparición de una nueva clientela, la burguesía

ciudadana que se convierte en promotora de obras artísticas.

En resumen, características entre el Renacimiento

(el tratamiento de la luz y el paisaje) y aún otras del Gótico (las figuras aún estáticas, la escasa relación entre las figuras,

representadas generalmente frontalmente, y que primen los detalles sobre el conjunto).

B) Principales ejemplosUna primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck, Roger Van Der Weyden, Robert Campin o Patinir. En una segunda generación de pintores flamencos, que se extiende hasta principios del siglo XVI, destacan pintores como Memling, Gerad David o El Bosco.

Hermanos Van EyckLos hermanos Van Eyck, Hubert y Jan, iniciadores de la escuela flamenca, son conocidos en particular por el uso extenso que hacen del óleo. En la obra de Jan van Eyck, el más destacado de los dos hermanos, confluyen elementos de una tradición en muchos aspectos aún medieval junto a arriesgadas novedades formales e iconográficas de una sorprendente modernidad, que introduce paulatinamente en su obra.

Políptico de la Adoración del Cordero Místico: obra de Jan y Hubert Van Eyck, pintada como un cúmulo de mensajes, de alegorías y de recreaciones evangélicas; el políptico consta de 12 tablas en su posición abierta y ocho en el reverso; la tabla central representa la adoración del cordero místico, cordero que simboliza a Dios y que es adorado encima de un altar, que simboliza la Eucaristía; dos semicírculos de personajes rodean la fuente, arrodillados en actitud de adoración, los profetas, junto con los patriarcas a la izquierda, los apóstoles a la derecha junto con Papas y obispos; destacables también son las tablas extremas de la parte superior, que presentan a Adán y Eva, desnudos pero tapándose sus intimidades tras el pecado original, son dos bellos y exquisitamente proporcionados desnudos, iluminados en contraste con un fondo oscuro; todas las escenas tienen como fondo un bellísimo y delicado paisaje con árboles de variadas especies, flores, prados y ciudades, todo ello extremadamente

pormenorizado; por último mencionar las tablas intermedias, que contienen los ángeles cantores y los ángeles músicos, en los que resulta impresionante el tratamiento de los detalles en los ropajes, cabellos y rostros.

La Virgen del Canciller Rollín: Jan van Eyck introduce una nueva iconografía, la Virgen en lugar de estar entronizada en el centro aparece en una posición lateral, compartiendo a partes iguales con el donante la totalidad del campo compositivo del cuadro; toda la composición, desde la distribución y el realismo de las figuras y los objetos cotidianos que las rodean, la aparición del paisaje de la ciudad en el fondo, la igualdad en el tratamiento de la figura del donante y de la Virgen tiene una intencionalidad predeterminada y una clara originalidad.

El Matrimonio Arnolfini: obra maestra de Jan Van Eyck; Van Eyck retrata a un acomodado matrimonio burgués del Flandes de la época; la escena aparentemente simple esconde algunas claves necesitadas de interpretación puesto que objetos vulgares son alegorías de virtudes, el perrito significa la fidelidad, estar descalzos la intimidad, la cama la vida conyugal, los frutos en la ventana los alimentos compartidos; la luz entra por la ventana de la izquierda e ilumina a los dos esposos; la lámpara es extraordinaria y el espejo, en el que aparece el propio pintor, nos da la visión completa de la estancia.

El Hombre del Turbante: se considera un autorretrato del artista, de impresionante verismo. La maestría técnica de Van Eyck para modelar figuras y objetos con luz y color y su detallada representación de superficies y texturas resumen el estilo de un artista que tomaron como modelo numerosas generaciones de pintores.

Rogier Van der WeydemComo buen pintor flamenco va a dedicar especial atención a los detalles, el vivo colorido y el realismo de las figuras, pero a esto se debe añadir el dramatismo que caracteriza sus escenas, como elemento esencial de su pintura.

La Piedad o el Descendimiento: llama la atención el cuidadoso estudio de la composición de un numeroso grupo de figuras alojadas en un reducido y corto espacio; el conjunto parece cerrada por dos paréntesis, a la izquierda San Juan y a la derecha María Magdalena, sirviendo de eje la cruz y de centro de la composición las dos figuras paralelas, dispuestas en diagonal, de Cristo y María; el sentimiento de drama, y de contenida tristeza en el rostro de los personajes consagra a Weyden como uno de los pintores más trágicos de la escuela flamenca.

La Crucifixión: nota característica de su arte es el abandono del paisaje y del mundo concreto, pero

después de un viaje a Italia los incluye de nuevo, pero en general se aprecia en su obra un cierto arcaísmo, como en este ejemplo, en el que las figuras alargadas y sinuosas recuerdan el “estilo internacional”.

Joachim PatinirUna de las características más relevantes de Patinir es el especial protagonismo que concede al paisaje en sus composiciones; el argumento y las figuras de sus cuadros resultan accesorios, son un mero

pretexto para desarrollar sus luminosos fondos y sus amplias y bellas panorámicas. Esta característica principal de Patinir la podemos observar en dos de sus obras maestras.

El descanso en la Huida a Egipto: de temática religiosa, aunque excusa de un estupendo marco paisajístico.

La Laguna Estigia: de idénticas características, aunque combinando motivos cristianos y paganos.

El BoscoUna de sus fuentes de inspiración favoritas fue la cultura

popular, los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples temas para

tratar en sus cuadros. Como características técnicas, subrayamos la minuciosidad en el detalle, el gusto por la variedad y riqueza del color además del cuidado por la perspectiva.Pero en su obra destaca sobre todo la originalidad en el tratamiento del tema, al dar a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convertir las escenas en momentos delirantes, llenos de simbolismos, con imágenes inquietantes, absurdas y fantásticas; todos sus cuadros están impregnados de un sentido del humor burlesco.

El Jardín de las Delicias: esta es la pintura más famosa, la más estudiada, y también la más enigmática y difícil de interpretar de las que pintó El Bosco; en la tabla de la izquierda se presenta la creación del hombre; en la central los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en la de la derecha; se considera una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza humana.

El Carro del Heno: tríptico muy sugerente en cuya tabla central aparece un enorme carro repleto de heno y un sinfín de personajes; en la cima del carro se desarrolla una escena cortesana, unos amantes, la música, y un ángel y un diablo; según todos los expertos, el tema alude a un versículo de Isaías: “Toda carne es como el heno y todo esplendor como la flor de los campos, el heno se seca, la flor se cae”, por tanto estamos ante una alegoría de lo efímero de los bienes y placeres materiales y de lo pasajero de todo lo de este mundo; a la felicidad terrenal y material, representada por el carro, quieren subirse todas las clases sociales, reyes y obispos, pueblo llano; a los pies del carro vemos los pecados capitales; la riqueza de detalles es sobrecogedora; en las tablas laterales aparecen la creación del hombre, el paraíso y la expulsión (izquierda) y el infierno (derecha) en un tratamiento algo distinto al de El Jardín de las Delicias.

La Adoración de los Reyes Magos: la Virgen tiene al Niño sobre su regazo, mientras los Reyes Magos efectúan la ofrenda de los dones; se pueden apreciar detalles muy precisos, llama la atención el personaje semidesnudo que se encuentra a la entrada de la cabaña con una llaga en una de sus piernas, simboliza al Anticristo, según algunas opiniones; los paneles laterales están dedicados a los donantes, acompañados por San Pedro y Santa Inés.

C) La pintura española del siglo XVEn España, la influencia flamenca destaca en los catalanes Luis Dalmau y Jaume Huguet; en Castilla sobresalen Bartolomé Bermejo y Fernando Gallego.

Lluis Dalmau, fue un pintor valenciano que vivió en Flandes, donde acusó la influencia de la obra de Van Eyck.

La Virgen de los Consellers: su obra maestra, representa a la Virgen con el Niño en el trono, flanqueados por los donantes en actitud orante (consellers), la composición es evidentemente simétrica; destaca también tratamiento de los paños y el detallismo arquitectónico donde aparece con gran realismo la bóveda de crucería del edifico bajo el que transcurre la escena.

Jaume Huguet. En la pintura de Jaume Huguet se puede ver la fusión de lo cortesano y de lo religioso.

San Abdón y San Senén: en sus composiciones muestra escaso interés por problemas espaciales y sus figuras, diseñadas con preciso dibujo, son elegantes y estilizadas y suelen tener una expresión poética, de cierta melancolía; la principal cualidad de su pintura es la unión de la energía plástica del gótico final con el recuerdo del delicado y exquisito amaneramiento del estilo internacional.

Bartolomé Bermejo. Tuvo amplia actividad en diferentes puntos de la Corona, Soria, Zaragoza, Toledo, siendo el primer artista español reclamado por diferentes lugares para trabajar.Su influencia fue crucial en los círculos de otros pintores y se le considera actualmente como uno de los grandes genios de la pintura gótica.Seguramente estudió en Flandes, pues se percibe una gran influencia flamenca, de Van Eyck y Van der Weyden, además, su perfecto conocimiento de la técnica al óleo refuerza aún más la idea de una posible estancia en Flandes.

Santo Domingo de Silos: esta pintura es una de las más monumentales del arte medieval español; el autor de la obra, pintor andaluz que trabajó sobre todo en el reino de Aragón, lo presentó como un obispo, revestido con el atuendo y los atributos propios de esta dignidad, sentado en un trono de composición casi arquitectónica; en sus hornacinas se alojan representaciones de las virtudes cristianas; destaca el realismo del rostro del santo (influencia flamenca) sobre la abundancia de pan de oro (tradición netamente española).

La Piedad del Canónigo Desplá: encargo de este religioso para su capilla de la catedral de la capital catalana, interesante tanto por la composición como por los rostros, de aguda expresividad, o por la perspectiva del fondo, el mejor paisaje de la pintura española del siglo XV.

Fernando Gallego, es posiblemente el pintor más importante de este periodo. Debió conocer bien la pintura de los primitivos flamencos y es posible que fuera allí en alguna de las expediciones que partieron desde Castilla.

La Piedad: visión sobrecogedora, en la que María aproxima su rostro amorosamente al rostro cadavérico de Cristo, inánime en sus brazos, cubierto tan sólo con el paño de pudor y conmovedor en su desnudez; la Virgen lleva una túnica roja cubierta por un pesado manto, ambos se pliegan y quiebran angulosamente, casi con paroxismo, acentuando el dramatismo crispado de la escena; esta intensidad no se refleja en sangre, heridas ni otros elementos agresivos, sino en la fuerza de la expresión, siendo ésta una de las más preciadas características de la pintura hispanoflamenca.

Martirio de Santa Catalina: la escena se desarrolla al aire libre, en el paisaje del fondo se aprecia un gran detallismo en los motivos arquitectónicos; en el desnudo de Santa Catalina, contemporánea al Nacimiento de Venus de Boticelli, todavía no hay rasgos de la antigüedad clásica, sino que se trata de una figura medieval; otro hecho destacable es el caricaturismo con que pinta a los verdugos.

Maestro de los Reyes Católicos Virgen de los Reyes Católicos: tabla de muy dudosa atribución, que podemos

considerar anónima aunque a veces catalogada como obra de Fernando Gallego, de patente estilo flamenco en la perspectiva, los paisajes del fondo, el realismo de rostros y plegados de los ropajes, algo acartonados, aparición de los donantes en el primer plano; aunque la composición geométrica, triangular, es de origen italiano.