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Uma breve história do vídeoclip
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A primeira era (? – 1965)
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A primeira notícia da música se juntando com o cinema foi em 1894, quando um vendedor de
partituras contratou o eletricista George Thomas para sincronizar uma apresentação ao vivo com
uma lanterna mágica que mostraria imagens projetadas. Isso se tornou muito popular na época e, se
você tiver a chance de ver uma lanterna mágica em um museu, certamente vai explodir sua mente. A
qualidade da fotografia de placas de vidro ainda está muito além de qualquer projeção digital
disponível atualmente.
Show de lanterna mágica: https://www.youtube.com/watch?v=2kU8kF8tvIw
1894
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Se você estivesse trabalhando no final dos anos 20 e 30 em Hollywood, sua vida certamente mudaria.
A era do cinema em silêncio estava começando a cair e toda uma indústria que ainda estava
desenvolvendo sua própria linguagem teve que se renovar e começar do zero e pensar como o som
poderia integrar os filmes. Na época, muitos teóricos do cinema afirmavam que o cinema terminava
nessa transição. Para outros, esse foi um passo necessário para perseverar e tentar entender como o
som poderia afetar a imagem em movimento.
O Jazz Singer foi o primeiro filme a sincronizar áudio e imagem. Isso significa que, pela primeira vez,
você podia ver uma apresentação musical que não estava ao vivo! Até então você só podia ouvir seus
artistas, ver uma foto de como ele parecia ou ter a sorte de vê-los ao vivo.
https://www.youtube.com/watch?v=PIaj7FNHnjQ
1927 – O cantor de Jazz
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A série Spooney Melodey foi a primeira a introduzir o conceito de curtas-metragens, misturando
imagens ao vivo do artista. Foi exibido nos cinemas antes das apresentações principais. Então, agora
você não precisa ver um filme completo para ouvir música e som, você podia ver o artista tocando em
somente uma música! Magia!
https://www.youtube.com/watch?v=SBo98gjikxQ
1930 – Crying for Caroline (Spooney Melody)
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O iPhone de 1958. Se você sonhava em assistir vídeos de música fora de um cinema, o inventor Serge
Gainsbourg tinha o mais novo gadget para você - o Scopitone! Durante os anos 60, essas jukeboxes
começaram a aparecer em todos os bares e casas noturnas da Europa e dos EUA.
Esse jukebox que tocava um filme de 16mm sincronizado com áudio (tecnologia inventada para a
Segunda Guerra Mundial) foi a fúria dos anos 60.
Em questões de linguagem cinematográfica, o Scopitone trouxe uma dimensão muito interessante
que está fortemente ligado à era do vídeo e a telas pequenas como os nossos iPhones – o
enquadramento era pensado para uma tela pequena. Quase não vemos cenas em grande angular e,
em vez disso, focamos em planos médio a closes do artista tocando. Tudo planejado, já que a tela
seria abarrotada em um canto com muitas pessoas ao redor.
https://www.youtube.com/watch?v=E8ZCvYg5-ZQ
1958 – Le poinçonneur des Lilas (Scopitone)
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Descobrindo o que é o videoclip
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Com a tecnologia cinematográfica e o 16mm ficando mais barato e
acessível junto com crescimento da televisão aberta houve o
surgimento da cultura pop no final dos anos 60 e início dos anos 70.
Esse foi um tempo de explorar todos esses novos fenômenos como
uma forma de promover o artista musical.
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Considerado o primeiro videoclipe a ser transmitido na televisão. Os Beatles já estavam fazendo
alguns filmes de longa metragem muito populares e estavam procurando uma maneira de promover
seus lançamentos de discos sem ter que fazer aparições em pessoa (principalmente nos EUA). O
conceito é bem simples e foi concebido para se misturar com os programas de televisão que estavam
sendo feitos no momento.
https://www.youtube.com/watch?v=Qyclqo_AV2M
1965 – We Can Work it Out (The Beatles)
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Juntamente com o diretor Michael Lindsay-Hogg, o vídeo musical inicia seus primeiros passos para
se distanciar da gravação da performance ao vivo e começar a explorar mais opções no mundo da
linguagem cinematográfica.
https://www.youtube.com/watch?v=qf5Eclt6_ac
1966 – Paperback Writer (The Beatles)
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O primeiro lyric vídeo?
https://www.youtube.com/watch?v=MGxjIBEZvx0
1966 – Subterranean Homesick Blues (Bob Dylan)
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Viva o diretor Peter Goldman! Finalmente, começamos a ver algumas técnicas do avant garde e do
cinema underground que já vinham sendo usadas há décadas no cinema em um vídeoclip.
https://www.youtube.com/watch?v=S-rB0pHI9fU
https://www.youtube.com/watch?v=8UQK-UcRezE
1967 – Strawberry Fields & Penny Lane (The Beatles)
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Com o caminho aberto por Goldman e seus filmes para os Beatles, artistas e gravadoras começam a
interagir mais com cineastas experimentais. Como resultado, os filmes musicais começam a se
consolidar como uma plataforma válida para experimentações mais audaciosas no campo estético. O
que anteriormente era apenas relegado aos cinemas de arte agora é visto por milhões de pessoas.
https://www.youtube.com/watch?v=58IkwjKXBc0
1968 – Interstellar Overdrive (Pink Floyd)
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Rolling Stones, Pink Floyd, David Bowie, The Kinks, etc. Livres de restrições de requisitos
promocionais (graças ao Beatles e ao Goldman novamente!) e abertos a experimentações, esta foi
uma das épocas mais interessantes para explorar como a música e o filme funcionavam juntos.
1968 to 1974 – A era de experimentação no vídeoclip
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Video matou a estrela da radio
(1974- 1992)
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As infinitas possibilidades do vídeo revolucionam a forma como o
videoclipe é feito. Juntamente com as oportunidades criativas, toda
uma nova plataforma se eleva para de uma vez por todas matar a
estrela de rádio. A televisão.
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O videoclipe que praticamente inventou a MTV 7 anos antes de seu lançamento. Esta canção é
"amplamente creditada como o primeiro single global de sucesso para o qual o vídeo foi fundamental
para a estratégia de marketing"
(Fowles, Paul (2009). A Concise History of Rock Music. Mel Bay Publications, Inc. p. 243.)
https://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQ
1974 – Bohemian Rhapsody (Queen)
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O videoclipe mais caro feito até então, e também um dos mais emblemáticos. O interesse de Bowie
em explorar uma natureza mais complexa faz deste filme um trampolim para camadas mais
profundas de significado em vídeos de música.
https://vimeo.com/61213949
1980 – Ashes to Ashes (David Bowie)
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O primeiro vídeo musical veiculado na MTV profetiza o impacto que ele terá na indústria da música.
Os videoclipes se tornam uma das principais plataformas para novos artistas ganharem atenção e
para artistas consolidados mostrarem seus trabalhos mais recentes. A abordagem de vídeo DIY que
inicialmente inundou a MTV no início dos anos 80 logo se desvaneceu e enormes orçamentos de
produção inicia uma era em que o videoclipe custava mais do que os longas-metragens.
https://www.youtube.com/watch?v=W8r-tXRLazs
1981 – MTV LAUNCHES – Video Killed the Radio Star (The Buggles)
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Estreou mundialmente na MTV no mesmo horário em todos os países. Michael Jackson e John Landis
trazem de volta a ideia de misturar filmes com videoclipes (lembre-se dos longa-metragens dos
Beatles dos anos 60?).
https://www.youtube.com/watch?v=sOnqjkJTMaA
1983 – Thriller (Michael Jackson)
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A era dos diretores(1992-2004)
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Quase 10 anos após seu lançamento, a MTV em novembro de 1992
adicionou o diretor nos créditos de cada videoclipe. Essa mudança
refle o fato de que os videoclipes se tornaram cada vez mais um meio
de comunicação. Diretores como David Fincher (que nos anos 80
fazia videoclipes) começam a dirigir longas, enquanto toda uma nova
geração de diretores jovens e talentosos entram em cena para
expressar sua visão única.
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O que eu pessoalmente adoro em Spike Jonze é o quão bom ele explora o vernáculo visual americano
(programas de TV, campanhas publicitárias, filmes B) transformando-os ao avesso e também como o
movimento corporal em seus filmes supera a coreografia para ter vida própria. Ambos os temas vêm
do interesse natural do diretor e da dicotomia entre sua personalidade Spike Jonze e seu nome
verdadeiro Adam Spiegel.
Adam Spiegel cresceu em Maryland e faz parte da família que administra o negócio de catálogos
Spiegel (uma empresa multibilionária fundada em 1865). No entanto, isso nunca o impediu de
perseguir suas paixões. Ele foi apelidado de Spike Jonze em uma loja de BMX onde trabalhou e acabou
mudando-se para Los Angeles para trabalhar em uma revista de skate, direcionando vídeos de skate e
depois de dirigir videoclipes e filmes.
Em seu trabalho, podemos ver tanto Adam Spiegel através de suas referências ao imaginário
americano e Spike Jonze, o garoto skatista de espírito livre onde reina o movimento.
Spike Jonze
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Spike Jonze
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Spike Jonze
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Os Beastie Boys não tavam afim de fazer uma grande produção e optaram por Spike Jonze e seu filme
de guerrilha. Eles colocaram tudo dentro de uma van e ficaram indo ao redor de Los Angeles filmando
um videoclipe sem qualquer licença. O resultado é um dos videoclipes mais emblemáticos dos anos
90, uma homenagem à tradicionais séries de policiais americanas dos anos 70.
https://youtu.be/z5rRZdiu1UE
1994 – Sabotage (Beastie Boys)
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Uma banda recente no meio de uma série dos anos 70? É como se o Spike tivesse colocado uma
banda indie que bombou esse ano no meio de um programa do chaves.
https://youtu.be/kemivUKb4f4
1994 – Buddy Holly (Weezer)
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Se um videoclipe resumisse a mescla entre as influências de Jonze e seus pontos principais, seria
esse: O perfeito estereótipo americano de esporte e superação juntado com o movimento do corpo
como uma forma de liberação.
Ps.: Quem atua é a Sofia Coppola!!!!
https://youtu.be/kemivUKb4f4
1997 – ElektroBank (The Chemical Brothers)
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Se um videoclipe resumisse a mescla entre as influências de Jonze e seus pontos principais, seria
esse: O perfeito estereótipo americano de esporte e superação juntado com o movimento do corpo
como uma forma de liberação.
Ps.: Quem atua é a Sofia Coppola!!!!
https://www.youtube.com/watch?v=_4Xw_vQPpOc
1997 – ElektroBank (The Chemical Brothers)
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O movimento do corpo como o principal veículo de expressão! Jonze literalmente corta todos os
excessos e vai para a frente da câmera junto com o inventado Torrance Community Dance Group.
O primeiro “viral” sobre uma ação da história!
https://youtu.be/Ex1qzIggZnA
1999 – Praise You (Fatboy Slim)
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O mesmo conceito de Praise You, apenas um “pouco” mais elaborado.
https://youtu.be/wCDIYvFmgW8
1999 – Praise You (Fatboy Slim)
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O diretor francês que transforma seus sonhos em imagens. O mestre das técnicas visuais! Michel
Gondry consegue misturar a realidade com imagens oníricas e um senso de humor peculiar e único
em seus videoclipes. As imagens criadas por Gondry lembram uma invenção em que o espectador é
convidado a espiar seu funcionamento interno e ver como o mecanismo gira.
Michel Gondry
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Michel Gondry
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Spike Jonze
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Uma das assinaturas de Gondry é como ele brinca com movimento da câmera e a mise-en-scène para
criar conceitos que derretem a mente.
https://youtu.be/EN9auBn6Jys
1996 – Sugar Water (Cibo Matto)
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Around the Wold é considerado por Gondry como o videoclipe que ele mais gosta e nós podemos ver
o porquê. Ele embala todos os elementos pelos quais ele ficou famoso: a visualização da música
através de coreografia, um design minimalista e imagens oníricas que mais tarde se tornaram suas
assinatura.
https://youtu.be/7exajMfNiFQ
1997 – Around the World (Daft Punk)
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Agora misture a excelente mise-en-scène, os movimentos analógicos da câmera com VFX,
coreografia e a cenografia que tornaram o diretor famoso dois anos antes e você terá Michel Gondry
no seu melhor!
https://youtu.be/s5FyfQDO5g0
1999 – Let it Forever Be (The Chemical Brothers)
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Tudo parece normal até que não. Até hoje, a ideia de como ele surgiu com a ideia de transformar a
vista de um trem em uma forma de onda de áudio surpreende os espectadores e é uma maravilha do
videoclipe moderno.
https://youtu.be/0S43IwBF0uM
(making-of https://youtu.be/0S43IwBF0uM)
2001 – Star Guitar (The Chemical Brothers)
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Uma, duas, três Kyle Minogues. Um simples passeio pela praça se transforma em uma saturação
opressiva da vida cotidiana.
https://youtu.be/63vqob-MljQ
2002 – Come Into My World (Kylie Minogue)
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Gondry volta a ser um garoto fazendo filmes de lego novamente!
https://youtu.be/fTH71AAxXmM
2002 – Fell in Love With a Girl (The White Stripes)
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A lista de diretores brilhantes continua nesse período. Como cobrindo todo mundo é simplesmente
impossível, eu listo alguns exemplos de alguns que caracterizaram a era com seu estilo pessoal.
Outros diretores
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Os futuros distópicos eletrônicos escuros foram a marca que Cunningham trouxe para o final dos
anos 90.
https://youtu.be/TZ827lkktYs
https://youtu.be/AjI2J2SQ528
Come to Dady (Aphex Twins, 1997) & All is Full of Love (Björk, 1999)
Chris Cunningham
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Sua sensibilidade e movimentos nervosos da câmera davam luz a mundos escuros e texturizados
escondidos em uma parte mais profunda de nossas mentes.
http://www.floriasigismondi.com/film/music-videos/david-bowie-little-wonder/
https://youtu.be/Ypkv0HeUvTc
Little Wonder (David Bowie, 1996) & Beautiful People (Marilyn Manson, 1996)
Floria Sigismondi
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O diretor que praticamente sozinho criou toda uma estética para os videoclipes de R & B e Hip Hop.
Juntando conceitos ridículos com uma abordagem materialista, Hype Williams é uma das influências
mais pesadas para os vídeos musicais contemporâneos.
https://youtu.be/9UvBX3REqSY
https://youtu.be/cdFcHc2yDQ0
Sock It 2 Me (Missy Elliot, 1997) & Gotham City (R. Kelly, 1997)
Hype Williams
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A era do youtube(2005-?)
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Embora você pudesse encontrar videoclipes na Internet desde 1997, foi em 2005 quando o Youtube
lançou que toda a indústria da música foi obrigada a mudar. Junto com a MTV abandonando em
meados dos anos 2000 a exibição de videoclipes para transmitir reality shows, o Youtube tornou-
se o lar de artistas e diretores para explorar novos conceitos e alcançar uma audiência mundial.
Um foco em novas ideias fez videoclipes de baixo orçamento se tornarem virais. Livres da censura
da televisão aberta conceitos que não podiam ser transmitidas começam a aparecer nos
vídeoclipes.
Combine todos esses fatores com os preços das câmeras digitais baixando e a qualidade das
imagens subindo, o que resultou que, no final da primeira década foi que cineastas independentes
poderiam produzir imagens semelhantes aos filmes de alto orçamento.
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Tudo isso vem com uma explosão de vídeoclipes. Nunca foram produzidos tantos vídeos e com a
grande quantidade de novos vídeos lançados a cada dia, tornou-se ainda mais importante descobrir
formas narrativas e comerciais para alcançar o público.
Seleciono apenas alguns dos diretores e videoclipes que melhor exemplificam alguns conceitos-
chave dos tempos em que vivemos atualmente.
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Se o Youtube tivesse um filho e ele se tornasse uma banda, seria Ok Go. A banda é provavelmente o
exemplo de como um grupo é famoso somente pelos seu videoclipes. Desde que seu primeiro vídeo
(“A Million Ways” – 2005) se transformou em um viral do youtube, a banda tá constantemente
procurando novas ideias para continuar viralizando, de esteiras de corrida a uma queda em gravidade
zero de um avião russo .
https://youtu.be/dTAAsCNK7RA
Ok Go – Here it goes again (Ok Go, 2006)
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Ace Norton tem sido aplaudido por sua combinação de imagens curiosas e ilusões de ótica bizarras,
provocando um sensação de ter que olhar uma segunda vez para realmente entender o que está
acontecendo. E enquanto uma afinidade por efeitos práticos, formatos analógicos e uma estética em
grande parte feita à mão ajudou a caracterizar a produção do Norton no passado, recentemente, seu
trabalho adquiriu uma qualidade mais narrativa, como pode ser visto em seus filmes de moda
recentes.
https://vimeo.com/53472904
Ace Norton
Hustler (Simian Mobile Disco, 2007)
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Romain Gavras dirige videoclipes e filmes desde 2001, e entrou no mapa com seu videoclipe para o
Justice. Entretanto foi o Born Free que estabeleceu seu estilo de direção - a aspereza da vida na rua e
no gueto com imagens de alta energia e uma câmera de estilo documentário portátil (talvez seja a
influência de seu pai Costa Gavras e seus filmes políticos como Z?). Um filme de 9 minutos de
duração que seria difícil transmitir em qualquer televisão agitou a mídia quando foi lançado pela
primeira vez no Vimeo devido a restrições do YouTube na época.
Embora Gavras tenha agora alcançado fama internacional, seu estilo de direção é claramente visível
através de seus novos filmes.
https://youtu.be/IeMvUlxXyz8
Romain Gavras
Stress (Justice) & Born Free (MIA, 2010)
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DANIELS é o nome coletivo da dupla de direção Daniel Kwan e Daniel Scheinert. Eles se
estabeleceram com um incrível corpo de trabalho que combina comédia física, coreografia bizarra e
um charme da imaturidade dos seus conceitos. Levar uma ideia maluca ao extremo e torná-la coesa
durante todo o videoclipe não é uma tarefa fácil, e isso é algo que a DANIELS dominou a ponto de
fazer um longa-metragem inteiro com os mesmos conceitos-chave que eles trabalharam nos seus
videoclipes.
https://youtu.be/_GMQLjzVGfw
DANIELS
Houdini (Foster the People, 2012)
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Bock desenvolveu um estilo centrado em poderosos estudos de caráter emocional, como a figura
patinadora em seu vídeo para Grizzly Bear. Com uma capacidade de contar histórias que lhe permite
alternar entre videoclipes e documentários, seu estilo aprofunda temas complexos de uma forma
poética e lírica.
https://youtu.be/AuG9i5cwGW0
Emily Kai Bock
Yet Again (Grizzly Bear, 2012) & Afterlife (Arcade Fire)
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O background de Hiro Murai em ilustração e efeitos visuais significa que seus vídeos são cheios de
sutilizas visuais e imagens poderosas, ele força seus olhos para cada centímetro da tela apenas para
ter certeza de que você absorveu tudo isso. Quando combinada¡o com conceitos visuais atraentes,
pelo que ele é conhecido, os resultados são nada menos que hipnotizantes.
https://youtu.be/2lXD0vv-ds8
Hiro Murai
Never Catch me Flying (Flying Lotus, 2014), Black Man in White World
(Michel Kiwanuka), Sweatpantes (Childish Gambino, 2014)
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Nabil Elderkin ganhou notoriedade como diretor através de suas freqüentes colaborações com Kanye
West. Desde então, Nabil tornou-se um dos mais empolgantes diretores de videoclipes de sua
geração, evoluindo de imagens fixas para imagens em movimento, criando vídeos memoráveis para
artistas como Frank Ocean, John Legend, Bon Iver, The Foals e Arctic Monkeys. Com uma estética
cinematográfica deslumbrante, uma voz narrativa forte e uma dose de realismo mágico que une seu
trabalho, seus vídeos nunca deixam de cativar.
https://youtu.be/dCCXq9QB-dQ
Nabil
Hunger of the Pines (Alt-J, 2014)
G.ProduçãoMultimídia
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