w001 arte de japón - wikipedia, la enciclopedia libre

La gran ola de Kanagawa (1830 - 1833), grabadode Katsushika Hokusai, Metropolitan Museum ofArt, Nueva York.

De Wikipedia, la enciclopedia libre

El arte de Japón ( Nippon bijutsu?) es unaexpresión de la cultura japonesa, desarrollado a lo largo deltiempo en diversos períodos y estilos que se han idosucediendo de forma cronológica, en paralelo al devenirhistórico, social y cultural del pueblo japonés. La evolucióndel arte nipón ha estado marcada por el desarrollo de sutecnología, siendo una de sus señas distintivas el uso demateriales autóctonos. Como en el arte occidental, lasprincipales manifestaciones artísticas han tenido su origenen la religión y el poder político.1

Una de las principales características del arte japonés es sueclecticismo, proveniente de los diversos pueblos y culturasque han arribado a sus costas a lo largo del tiempo: losprimeros pobladores instalados en Japón –conocidos comolos Ainu– pertenecían a una rama caucásica procedente delnorte y este de Asia, llegados posiblemente cuando Japón aún estaba unido al continente. El origen de estospobladores es incierto, barajando los historiadores diversas hipótesis, desde una raza uralo-altaica hasta unposible origen indonesio o mongol. En todo caso, su cultura parecía corresponder al paleolítico superior omesolítico. Posteriormente arribaron a las costas japonesas —al tiempo que a Corea y diversas zonas deChina— varios grupos de raza malaya procedentes del sudeste asiático o islas del Pacífico, que se fueronintroduciendo paulatinamente desde el sur, desplazando a los Ainu hacia el norte de Japón, mientras que en unaposterior oleada llegaron a Japón varios grupos de la misma etnia procedentes de China y Corea.2 A estamezcolanza racial se debe añadir la influencia de otras culturas: debido a su insularidad, Japón ha estado aisladobuena parte de su historia, pero a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales,sobre todo de China y Corea, especialmente desde el siglo V.3 Así, a la cultura ancestral nipona derivada de lassucesivas oleadas inmigratorias se añadió la influencia foránea, forjando un arte ecléctico y abierto a lainnovación y el progreso estilístico. También cabe destacar que gran parte del arte producido en Japón ha sidode tipo religioso: a la religión sintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se añadió elbudismo en torno al siglo V, forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura, y que también ha dejado sureflejo en el arte.4

El arte japonés es pues reflejo de estas distintas culturas y tradiciones, interpretando a su manera los estilosartísticos importados de otros países, que asumen según su concepto de la vida y el arte, reinterpretando ysimplificando sus características peculiares, como los elaborados templos budistas chinos, que en Japónsufrieron un proceso de reducción de sus elementos superfluos y decorativos. Ello da muestra del caráctersincrético del arte japonés, por lo que siempre ha asumido con naturalidad cualquier innovación procedente deotros países.5

El arte tiene en la cultura japonesa un gran sentido introspectivo y de interrelación entre el hombre y lanaturaleza, representada igualmente en los objetos que le envuelven, desde el más ornado y enfático hasta elmás simple y cotidiano. Esto se pone de manifiesto en el valor otorgado a la imperfección, al carácter efímero delas cosas, al sentido emocional que el japonés establece con su entorno. Así, por ejemplo, en la ceremonia del télos japoneses valoran la calma y la tranquilidad de ese estado de contemplación que consiguen con un sencilloritual, basado en elementos simples y en una armonía proveniente de un espacio asimétrico e inacabado. Para

Arte de Japón - Wikipedia, la enciclopedia libre http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_Japón

1 of 31 10/09/2014 13:14

los japoneses, la paz y la armonía están asociadas a la calidez y la comodidad, cualidades a su vez que son fielreflejo de su concepto de la belleza. Incluso a la hora de comer, no importa la cantidad de alimentos o supresentación, sino la percepción sensorial de la comida y el sentido estético que otorgan a cualquier acto. Deigual manera, los artistas y artesanos japoneses tienen un elevado grado de vinculación con su obra, sintiendo losmateriales como parte esencial de su vida y de su comunicación con el ambiente que les rodea.6

1 Fundamentos del arte japonés2 Periodización3 Artes plásticas

3.1 Período Jōmon (11000 a.C.-500 a.C.)3.2 Período Yayoi (500 a.C.-300 d.C.)3.3 Período Kofun (300-552)3.4 Período Asuka (552-710)3.5 Período Nara (710-794)3.6 Período Heian (794-1185)3.7 Período Kamakura (1185-1392)3.8 Período Muromachi (1392-1573)3.9 Período Azuchi-Momoyama (1573-1603)3.10 Período Edo (1603-1868)3.11 Época contemporánea (desde 1868)

4 Otras expresiones artísticas4.1 Literatura4.2 Música4.3 Artes escénicas4.4 Cine4.5 Historieta4.6 Videojuegos

5 Véase también6 Referencias7 Bibliografía8 Enlaces externos

El arte japonés, como el resto de su filosofía –o, simplemente, su forma de ver la vida– es propenso a laintuición, la falta de racionalidad, la expresión emocional y la sencillez de actos y pensamientos, expresados amenudo de forma simbólica. Dos de sus características distintivas son la simplicidad y la naturalidad: lasmanifestaciones artísticas son reflejo de la naturaleza, por lo que no requieren una elaborada producción, sinoque se basan en una economía de medios que otorga al arte una gran trascendencia, como reflejo de algo máselevado que queda tan sólo esbozado, sugerido, siendo posteriormente interpretado por el espectador. Estasimplicidad provocó en pintura una tendencia hacia el dibujo lineal, sin perspectiva, con abundancia de espaciosvacíos, que sin embargo se integran armoniosamente en el conjunto. En arquitectura, queda plasmada en diseñoslineales, con planos asimétricos, en una conjunción de elementos dinámicos y estáticos. A su vez, estasimplicidad está relacionada con una innata naturalidad en la relación entre el arte y la naturaleza, que para losjaponeses es reflejo de su vida interior, y la sienten con un delicado sentimiento de melancolía, casi de tristeza.


2 of 31 10/09/2014 13:14

Santuario Itsukushima, con su torii (arco de acceso aun espacio sagrado) situado sobre el Mar Interior deSeto, ejemplo de integración del arte en el entornonatural.

En la Fiesta del Hanami, los japoneses acuden aparques y jardines a observar la belleza de los cerezosen flor.

En especial, el transcurrir de las estaciones les provoca unasensación de transitoriedad, viendo en la evolución de lanaturaleza lo efímero de la vida. Esta naturalidad se reflejaespecialmente en la arquitectura, que se integra de formaarmoniosa en su entorno, como se denota en la utilizaciónde materiales naturales, sin trabajar, mostrando su aspectorugoso, áspero, inacabado. En Japón, naturaleza, vida y arteestán indisolublemente unidos, y la realización artística esun símbolo de la totalidad del universo.7

En Japón, el arte pretende conseguir la armonía universal,yendo más allá de la materia para encontrar el principiogenerador de vida. La estética japonesa busca encontrar elsentido de la vida por medio del arte: belleza equivale aarmonía, a creatividad; es un impulso poético, un caminosensorial que lleva a la realización de la obra, que no tienefinalidad en sí, sino que va más allá. La belleza es unacategoría ontológica, que remite a la existencia: consiste enalcanzar el sentido con el todo. Como dijo Suzuki Daisetsu: «la belleza no está en la forma exterior, sino en elsignificado que expresa». El arte no está basado en las cualidades sensibles, sino en las sugestivas; no ha de serperfecto, sino expresar una cualidad que lleve a la totalidad. Se pretende captar lo esencial a través de la parte,que sugiere la totalidad: el vacío es un complemento de aquello que existe. En la filosofía oriental hay unaunidad entre materia y espíritu, predominando la contemplación y comunión con la naturaleza, por vía deadhesión interior, de intuición. En Japón, el arte (gei), tiene un sentido más trascendente, más inmaterial que elconcepto de arte aplicado en Occidente: es cualquier manifestación del espíritu –entendido como energía vital,como esencia que insufla vida a nuestro cuerpo–, haciendo que éste se desarrolle y evolucione, consiguiendouna unidad entre cuerpo, mente y espíritu.8

El sentido del arte se ha ido desarrollando en la estéticajaponesa a lo largo del tiempo: las primeras reflexionessobre el arte y la belleza provienen de la antigüedad, cuandose forjaron los principios creadores de la cultura japonesa ysurgieron las principales obras épicas de la literaturajaponesa: el Kojiki (Relatos de cosas antiguas), elNihonshoki (Anales de Japón) y el Man'yōshū (Colecciónde diez mil hojas). En esta época predominó el concepto desayakeshi («puro, claro, fresco»), que hacía referencia a untipo de belleza caracterizada por la simplicidad, el frescor,una cierta ingenuidad, perceptible en el uso de materialesligeros y naturales, como la tierra cocida de las estatuillashaniwa o la madera en arquitectura. Buen ejemplo de ello esel templo sintoísta de Ise, construido en madera de ciprés, y

que se reconstruye cada veinte años desde el siglo VIII para preservar su pureza y frescura. De este concepto sedesprende una de las constantes del arte japonés: el valor otorgado a la belleza efímera, transitoria, fugaz, queevoluciona con el tiempo. En el Man'yōshū el sayakeshi queda reflejado en los sentimientos de fidelidad yhonestidad, así como en la descripción de elementos naturales como el cielo y el mar, que inspiran unasensación de grandiosidad que sobrecoge al hombre. El sayakeshi está ligado al concepto de naru («devenir»),donde se valora el tiempo como una energía vital que confluye en el devenir, en la consumación de todos losactos y todas las vidas.9


3 of 31 10/09/2014 13:14

Jardín de Kenroku-en. En la meditación zen, la laborcotidiana es una manifestación espiritual, reflejada enel movimiento y el paso ritual del tiempo. Así eljardín representa la visión del cosmos, donde el granvacío (mar) se llena con objetos (islas), plasmados enarena y rocas, y en el que la vegetación evoca el pasodel tiempo.

Posteriormente, durante los periodos Nara y Heian, la estética japonesa evolucionó rápidamente gracias a sucontacto con la cultura china, así como a la llegada del budismo. El principal concepto de esta época fue elaware, un sentimiento emotivo que sobrecoge al espectador y le lleva a una profunda sensación de empatía opiedad. Está ligado a otros términos como el okashi, aquello que atrae por su alegría y carácter agradable; elomoshiroshi, propiedad de las cosas radiantes, que llaman la atención por su brillo y claridad; el yūbi, conceptode gracia, elegancia; el yūga, calidad de refinamiento en la belleza; el en, la atracción del encanto; el rei, labelleza propia de la calma; el yasashi, la belleza de la discreción; y el ushin, el sentido profundo de lo artístico.Un hito en la cultura japonesa de esta época fue la Historia de Genji de Murasaki Shikibu, que plasmó un nuevoconcepto estético denominado mono-no-aware –término introducido por Motōri Norinaga–, que transmite unsentimiento de melancolía, de tristeza contemplativa derivada de la transitoriedad de las cosas, de la bellezaefímera, que dura un instante y perdura en el recuerdo. Es un estado de recreación derivado de la fugacidad delas cosas y de una agridulce tristeza a su paso, equivalente en cierta medida al pathos griego y al términovirgiliano lacrimae rerum («lágrimas de las cosas»). En palabras de Kikayama Keita: «es el sentimientoprofundo que nos embarga al contemplar una hermosa mañana de primavera, y también la tristeza que nossobrecoge al mirar un atardecer otoñal. Pero, ante todo, es un sentimiento de delicada melancolía que puedederivar en una profunda tristeza al sentir hondamente la belleza caduca de todos los seres de la naturaleza».10

Esta idea de una búsqueda ideal de la belleza, de un estado de contemplación donde se unen el pensamiento y elmundo de los sentidos, es característica de la innata sensibilidad japonesa para la belleza, y queda patente en lafiesta del Hanami, basada en la contemplación de los cerezos en flor.

Durante la Edad Media japonesa (periodos Kamakura,Muromachi y Momoyama), en paralelo al militarismo de lasociedad feudal japonesa, se impuso el concepto de dō(«vía»), que ponía énfasis en el proceso creativo del arte, enla práctica ceremonial de los ritos sociales, como se pone demanifiesto en el shodō (caligrafía), el chadō (ceremonia delté), el kadō o ikebana (el arte de los arreglos florales) y elkōdō (ceremonia del incienso).11 En estas prácticas noimporta el resultado, sino el proceso evolutivo, el devenir enel tiempo –nuevamente el naru–, así como el talentodemostrado en la perfecta ejecución de los ritos, que denotadestreza, así como un empeño espiritual de búsqueda de laperfección. En estos nuevos conceptos tuvo una influenciadecisiva una variante del budismo llamada zen, que hacíahincapié en unas determinadas «reglas de vida» basadas enla meditación, donde la persona pierde la conciencia de símismo. Así, cualquier labor cotidiana trasciende su esenciamaterial para significar una manifestación espiritual, la cualqueda reflejada en el movimiento y el paso ritual del tiempo.Este concepto queda reflejado igualmente en la jardinería,que llega a un grado tal de trascendencia donde el jardín esuna visión del cosmos, con un gran vacío (mar) que se llena con objetos (islas), plasmados en arena y rocas, ydonde la vegetación es evocadora del paso del tiempo. La ambivalencia zen entre el carácter sencillo y laprofundidad de una vida trascendente imbuyó de un espíritu de «elegancia sencilla» (wabi) no sólo al arte, sinoal comportamiento, las relaciones sociales y los aspectos más cotidianos de la vida. El maestro Sesshū decía que«el zen y el arte son uno».12

El zen se basa en siete principios estéticos: fukinsei (asimetría), forma de negar la perfección para conseguir elequilibrio presente en la naturaleza; kanso (austeridad), eliminar lo innecesario y superfluo para descubrir la


4 of 31 10/09/2014 13:14

En la Ceremonia del té se relacionan las cosaspequeñas con el orden cósmico, lo temporal con loespiritual. La sala del té es una construcción efímerasin ornamentación e inacabada, pues lo imperfecto sedebe completar en la imaginación. La belleza sólopuede descubrirla quien mentalmente completa loincompleto.

simplicidad de la naturaleza; kokō (dignidad solitaria), cualidad que las personas y objetos adquieren con el pasodel tiempo y les proporciona una mayor pureza de su esencia; shizen (naturalidad), que está ligada a lasinceridad, lo natural es auténtico e incorruptible; yūgen (profundidad), esencia verdadera de las cosas, quetrasciende su mera materialidad, su aspecto superficial; datsuzoku (desapego), libertad en la práctica de lasartes, cuya misión es liberar el espíritu, no controlarlo –así, el arte prescinde de todo tipo de normas y reglas–;seiyaku (serenidad interior), estado de quietud, de sosiego, necesario para que fluyan los seis principiosanteriores.13

Especialmente significativa es la ceremonia del té, donde sesintetiza de forma magistral el concepto japonés del arte y lobello, creando una auténtica religión estética: el «teísmo».14

Esta ceremonia representa la adoración de lo bello enoposición a la vulgaridad de la existencia cotidiana. Sufilosofía, tanto ética como estética, expresa la concepciónintegral del hombre con la naturaleza. Su simplicidadrelaciona las cosas pequeñas con el orden cósmico: la vidaes una expresión, y los actos reflejan siempre unpensamiento. Lo temporal es igual a lo espiritual, lo pequeñoa lo grande. Este concepto queda igualmente reflejado en lasala del té (sukiya), construcción efímera debida a unimpulso poético, despojada de ornamentación, donde se daculto a lo imperfecto, y siempre se deja algo inacabado, quecompletará la imaginación. Es característica la ausencia desimetría, por la concepción zen de que tiene másimportancia la búsqueda de perfección que la propiaperfección. La belleza sólo puede descubrirla quienmentalmente completa lo incompleto.15

Por último, en época moderna –iniciada con el períodoEdo–, aunque perduran los conceptos anteriores se introducen algunas nuevas categorías estéticas, relacionadascon las nuevas clases urbanas que surgen a medida que Japón se va modernizando: el sui es una determinadafinura de corte espiritual, hallada principalmente en la literatura de Osaka; iki es una elegancia honesta ydirecta, presente sobre todo en el teatro kabuki; el karumi es un concepto que ensalza la ligereza como cualidadesencial bajo la cual se alcanza lo «profundo» de las cosas, reflejada especialmente en la poesía haiku; el shiories una belleza nostálgica; el hosomi es una delicadeza que llega hasta la esencia de las cosas; y el sabi es labelleza simple, despojada, sin adornos ni artificios, ensalzando valores como la pobreza y la soledad. Esta últimaentroncó con el concepto anterior de wabi, creando una nueva noción llamada wabi-sabi, la trascendencia de lasimplicidad, donde la belleza reside en la imperfección, en lo incompleto, basada en la fugacidad eimpermanencia. En todos estos conceptos subyace nuevamente la idea del arte como proceso creativo, y nocomo realización material. Okakura Kakuzō escribió que «sólo los artistas persuadidos de la imperfeccióncongénita a su alma son capaces de engendrar la verdadera belleza».16

Para su estudio, el arte de Japón se divide en grandes períodos en términos de producción artística y desarrollospolíticos importantes.17 La clasificación suele variar dependiendo del criterio del autor, además de que muchosde ellos pueden ser subdivididos. Por otro lado, también existen divergencias en cuanto al principio y final dealgunos de estos periodos. La clasificación realizada por el arqueólogo Charles T. Keally es la siguiente:


5 of 31 10/09/2014 13:14

Recipiente de terracota del período Jōmon(hacia 3000-2000 a. C.).

Períodos históricos en la arqueología japonesa

Prehistoria

Paleolítico 50/35.000 -13/9.500 a. P.

Jōmon 13/9.500 - 2.500a. P.

Yayoi 500 a. C. - 300Kofun 300 - 710

Antigua( Kodai?)

Nara 710 - 794Heian 794 - 1185

Medieval( Chūsei?)

Kamakura 1185 - 1392Muromachi 1392 - 1573

Moderna temprana oPremoderna( Kinsei?)

Azuchi-Momoyama 1573 - 1600

Edo 1600 - 1868

Moderna( /

Kindai / Gendai?)

Meiji 1868 - 1912Taishō 1912 - 1926Shōwa 1926 - 1989Heisei 1989 - presente

Período Jōmon (11000 a.C.-500 a.C.)

Durante el mesolítico y el neolítico Japón se mantuvo aislado delcontinente, por lo que toda su producción fue autóctona, aunque deescasa relevancia. Eran sociedades semisedentarias, que habitabanen pequeñas aldeas con casas excavadas en la tierra, obteniendo susrecursos alimentarios principalmente del bosque (ciervos, jabalís,frutos secos) y del mar (peces, crustáceos, mamíferos marinos).Estas sociedades tenían una elaborada organización del trabajo, yestaban preocupadas en la medición del tiempo, como lodemuestran diversos restos de disposiciones circulares de piedras enOyu y Komakino, que actuaban como relojes solares. Al parecer,tenían unidades de medida estandarizadas, como dan fe diversosedificios construidos según determinados patrones.

En los diversos yacimientos Jōmon se han hallado instrumentos dehueso y piedras pulimentadas, cerámica y figuras antropomorfas.Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producidapor el ser humano:18 los primeros restos de una rudimentariaalfarería datan del 11.000 a.C., en pequeños recipientes trabajados amano, de lados pulidos e interiores amplios, con un sentidofuncional y decoración austera. Estos vestigios corresponden a un período denominado «prejōmon»(11000-7500 a.C.), al que sucedió el «Jōmon arcaico» o «temprano» (7500-2500 a.C.), donde se elabora la más


6 of 31 10/09/2014 13:14

Vaso Yayoi procedente de Tokio.

típica cerámica Jōmon, hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda, sobre una base de untipo de vasos profundos en forma de jarra. La decoración básica consistía en impresiones hechas con cuerdaselaboradas con fibras de plantas, que se presionaban sobre la cerámica antes de cocerla. En diversas zonas estasincisiones llegaron a un elevado grado de elaboración, con bordes perfectamente cincelados, dibujando una seriede signos de corte abstracto de gran complejidad. En pocas ocasiones se han hallado restos de escenasfigurativas, generalmente dibujos antropomórficos y zoomórficos (ranas, serpientes), destacando una escena decaza presente en un vaso hallado en Nirakubo, al norte de Honshū. Por último, en el «Jōmon tardío» (2500-400a.C.), los recipientes vuelven a ser de formas más naturales, menos elaboradas, con boles y vasijas de fondoredondeado, ánforas de cuello estrecho y cuencos con asas, a menudo con pie o base elevada. Los principalesyacimientos de cerámica Jōmon son: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Natsushima, Kamo y Okinohara en laisla de Honshū; Sobata en la isla de Kyūshū; y Hamanasuno y Tokoro en la isla de Hokkaidō.

Aparte de vasos, se construyeron en cerámica diversas figurillas en forma humana o animal, construidas porpartes, por lo que se han hallado pocos restos de piezas enteras. Las de forma antropomórfica pueden teneratributos masculinos o femeninos, y también se han hallado algunas de signo andrógino. Algunas presentan unvientre abultado, por lo que posiblemente estaban ligadas al culto a la fertilidad. Es de remarcar la precisión enlos detalles que muestran algunas figuras, como peinados elaborados, tatuajes y vestidos decorativos. Parece serque en esas sociedades tenía gran relevancia el adorno corporal, principalmente en las orejas, con pendientes decerámica de diversa manufactura, decorados con pigmentos rojos. En Chiamigaito (isla de Honshū) se hanencontrado más de 1.000 de estos adornos, lo que hace suponer un taller local de elaboración de estosproductos. También datan de esta época diversas máscaras que denotan un trabajo individualizado de losrostros. Igualmente, se elaboraban diversos tipos de abalorios de jadeíta verde, y conocían el trabajo de la laca,como demuestran varias horquillas halladas en Torihama. También se han hallado restos de espadas de marfil,hueso o astas de animales.19

Período Yayoi (500 a.C.-300 d.C.)

Esta época supuso la implantación definitiva de la sociedad agrícola,que comportó la deforestación de amplias zonas del territorio. Estatransformación conllevó una evolución de la sociedad nipona en losterrenos tecnológico, cultural y social, con una mayor estratificaciónsocial y especialización del trabajo, y supuso el aumento de losconflictos bélicos. El archipiélago nipón estaba jalonado depequeños estados formados en torno a clanes (uji), entre los queprevaleció el de Yamato, que dio origen a la familia imperial.Apareció entonces el sintoísmo, religión de corte mitológico quehacía descender al emperador de Amaterasu, la diosa del sol. Estareligión propició el sentido original de pureza y frescura del artejaponés, con predilección por los materiales puros, sin decorar, conun sentido de integración con la naturaleza (kami osupraconciencia). Desde el siglo I a. C. empezó a introducirse lacivilización del continente, a causa de las relaciones con China yCorea.20

La cultura Yayoi apareció en la isla de Kyūshū en torno al 400-300a.C., pasando a Honshū, donde fue desplazando progresivamente ala cultura Jōmon. Durante este período se difundió un tipo desepulturas de gran tamaño con cámara y túmulo ornamentado concilindros de terracota con figuras humanas y de animales. Los poblados estaban cercados por zanjas, y


7 of 31 10/09/2014 13:14

Vista del Naikū, la zona más sagrada del Santuario deIse.

aparecieron diversos utensilios relacionados con la agricultura (especialmente una herramienta de piedra enforma de media luna usada para la cosecha), así como diversas armas, como arcos y flechas con punta de piedrapulida. La cerámica se producía con torno, principalmente tarros de cuello ancho, botes con tapa, platos anchos,tazas con asas y botellas de cuello estrecho. Eran de superficie pulimentada, con decoración simple,principalmente de incisiones, punteados y serpentinas en zig-zag. La principal modalidad fue un vaso con formade jarra denominado tsubo.21

Destacó el trabajo con metales, principalmente el bronce, como las campanas denominadas dotaku, que servíande objetos ceremoniales, decoradas con espirales (ryusui) en forma de agua que fluye, o bien animales enrelieve (principalmente ciervos, pájaros, insectos y anfibios), así como escenas de caza, pesca y trabajosagrícolas, especialmente los relacionados con el arroz. El ciervo parece ser que tenía una especial significación,quizá ligada con alguna divinidad: en muchos yacimientos se han encontrado multitud de omóplatos de ciervocon incisiones o marcas hechas con fuego, por lo que estaría ligado a algún tipo de ritual. Otros objetosdecorativos hallados en yacimientos Yayoi son: espejos, espadas, diversos abalorios y magatama (piezas de jadey ágata en forma de anacardo, que servían de joyas de la fertilidad).22

Período Kofun (300-552)

Esta era supuso la consolidación del estado central imperial,que controlaba los principales recursos, como el hierro y eloro. La arquitectura se desarrolló preferentemente en elterreno funerario, con unas características tumbas decámara y de corredor llamadas kofun («tumba antigua»),sobre las que se elevaban túmulos de tierra de grandesproporciones. Destacan las grandes sepulturas de losemperadores Ōjin (346-395) y Nintoku (395-427), dondeaparecieron diversas joyas, armas, sarcófagos de piedra oterracota, cerámica y unas figuras antropomórficas deterracota llamadas haniwa, formadas por un pedestalcilíndrico y un medio busto. Estas estatuillas eran de unos60 centímetros, sin apenas expresión, tan sólo unashendiduras en los ojos y la boca, aunque constituyen unamuestra de gran relevancia del arte de esta época. Según suvestimenta y utensilios se distinguen diversos oficios enestas figuras, como granjeros, soldados, sacerdotisas, cortesanas, músicos y bailarines. A finales de este períodotambién aparecieron figurillas de animales, especialmente ciervos, perros, caballos, jabalís, gatos, pollos, ovejasy peces.23 Se han hallado gran variedad de armas (equipos de arqueros, coronas con joyas matagama, estribosde bronce), lo que denota la importancia del estamento militar en esta época, cuyos rasgos estilísticos estánemparentados con la cultura Silla de Corea, al igual que un tipo de cerámica denominada Sueki, oscura y de granfinura, con accesorios tintineantes.

La diferenciación social comportó el aislamiento de las clases dirigentes en recintos exclusivos dentro de lasciudades, como en Yoshinogari, para acabar segregándose definitivamente en recintos aislados como el deMitsudera o los complejos palaciegos de Kansai, Ikaruga y Asuka-Itabuki. En cuanto a arquitectura religiosa, losprimeros templos sintoístas (jinja) fueron en madera, sobre una plataforma elevada y paredes desnudas otabiques corredizos, con pilares que sostienen el techo, que es inclinado. Uno de sus elementos característicos esel torii, arco de entrada que señala el acceso a un lugar sagrado. Cabe destacar el santuario de Ise, que sereconstruye cada veinte años desde el siglo VIII. Comprende dos complejos, el occidental (Naikū), dedicado aAmaterasu (diosa del sol), y el oriental (Gekū), dedicado a Toyouke no Ōmikami (diosa del vestido, el alimento,


8 of 31 10/09/2014 13:14

Haniwa de soldado(Funazuka Kofun).

Templo de Hōryū-ji, en Nara.

la vivienda, la agricultura y la industria), con un total de unos 125 santuarios. Eledificio principal (Shoden) es de planta alzada y tejado a dos aguas, sobre nuevecolumnas, al que se accede por una escalera exterior. Es de estilo shinmeizukuri,que refleja el estilo Shintō tardío, previo a la llegada del budismo a Japón. Elsantuario es centro de peregrinación (o-ise-mairi), ya que, según la tradición, lospracticantes del Shintō deben acudir al santuario al menos una vez en su vida.24

Otro templo mítico de origen incierto es el Izumo Taisha, cerca de Matsue, fundadolegendariamente por Amaterasu. Es de estilo taishazukuri, considerado el másantiguo entre los santuarios, caracterizado por la elevación del edificio sobrepilastras, con una escalinata como acceso principal, y acabados sencillos de maderasin pintura. Según las crónicas, el santuario original tenía una altura de 50 metros,pero debido a un incendio fue reconstruido con una altura de 25 metros. Susedificios principales son el Honden («santuario interior») y el Haiden («santuarioexterior»). A esta época pertenece igualmente el Kinpusen-ji, el templo principaldel shugendō, una religión ascética que combina el sintoísmo, el budismo ycreencias animistas. En su estructura destaca el templo principal o Zaōdō, que es lasegunda construcción de madera más grande de Japón, sólo superada por el

Daibutsuden de Tōdai-ji; junto a la Puerta de Niō, ha sido catalogado como Tesoro Nacional de Japón.

En este período encontramos las primeras muestras de pintura, como en el enterramiento real de Ōtsuka y lastumbas en forma de dolmen de Kyūshū (siglos V-VI), decoradas con escenas de caza, guerra, caballos, pájaros ybarcos, o bien con espirales y círculos concéntricos. Eran pinturas murales, elaboradas con rojo hematites, negrocarbón, amarillo ocre, blanco caolín y verde clorito. Uno de los dibujos representativos de esta época es elllamado chokkomon, compuesto de líneas rectas y arcos trazados sobre diagonales o cruces, y presente enparedes de tumbas, sarcófagos, estatuas haniwa y espejos de bronce.25

Período Asuka (552-710)

El estado de Yamato forjó un reino centralizado siguiendo elmodelo chino, plasmado en las leyes de Shōtoku-Taishi(604) y la Taika de 646. La llegada del budismo produjo enJapón un gran impacto a nivel artístico y estético, con fuerteinfluencia del arte chino. Fue especialmente fructuoso parael arte el gobierno del príncipe Shōtoku (573-621), quefavoreció el budismo y la cultura en general. Laarquitectura, en forma de templos y monasterios, se haperdido en su mayoría, suponiendo la sustitución de laslíneas sencillas sintoístas por la magnificencia provenientedel continente. Como edificio más destacable de esteperíodo hay que mencionar el templo de Hōryū-ji (607),representante del estilo Kudara (Paikche en Corea). Seconstruyó en el recinto del templo Wakakusadera, erigidopor Shōtoku e incendiado por sus enemigos en 670. Construido con una planimetría axial, está formado por unconjunto de edificios donde destacan la pagoda (Tō), el Yumedomo («salón de los sueños») y el Kondō («salóndorado»). Es de estilo chino, utilizándose por vez primera un tejado de azulejos de cerámica. Otro ejemplocaracterístico es el Santuario Itsukushima (593), construido sobre el agua, en el Mar Interior de Seto, destacandoentre el conjunto de sus edificios el Gojūnotō («pagoda de los cinco niveles»), el Tahōtō («pagoda de los dosniveles») y varios honden (edificios con altares). Fue nombrado Patrimonio de la Humanidad en 1996.26


9 of 31 10/09/2014 13:14

Estatua delpríncipe Shōtokuen Asuka-dera(Nara).

Pagoda del Este de Yakushi-ji, en Nara.

La escultura, de tema budista, era en madera o bronce: las primeras imágenes de Budafueron importadas del continente, pero luego se instalaron en Japón gran número de artistaschinos y coreanos. Proliferó la imagen de Kannon, nombre japonés del bodhisattvaAvalokiteśvara (llamado Guanyin en chino), como el Bodhisattva Kannon, obra delcoreano Tori; el Kannon situado en el Yumedomo del templo de Hōryū-ji; y el Kannon deKudara (siglo VI), realizado por un artista desconocido. Otra obra de relevancia es laTríada de Sâkyamuni (623), en bronce, obra de Tori Busshi instalada en el templo deHōryū-ji. En general, eran obras de un estilo severo, anguloso y arcaizante, inspirado en elestilo coreano Koguryŏ, como se aprecia en la obra de Shiba Tori, que marcó el «estilooficial» del período Asuka: Gran Buda Asuka (templo Hoko-ji, 606), Buda Yakushi (607),Kannon Guze (621), Tríada Shaka (623). Otro artista seguidor de este estilo fue Aya noYamakuchi no Okuchi Atahi, autor de los Cuatro Guardianes Celestes (shitenno) del SalónDorado de Hōryū-ji (645), que pese al aire arcaico presentan una evolución volumétrica enlas formas más redondeadas, con rostros más expresivos.27

La pintura seguía los patrones chinos, en tinta o pigmentos minerales sobre seda o papel, enrollos de pergamino o colgando de la pared. Denota un gran sentido del dibujo, con obras degran originalidad, como el relicario de Tamamushi (Hōryū-ji), en madera de alcanfor yciprés, con bandas de filigrana de bronce, presentando varias escenas en óleo sobre maderalacada, en una técnica denominada mitsuda-i procedente de Persia y relacionada con la

pintura china de la dinastía Wei. En la base del relicario se muestra un jataka (relato sobre las vidas anterioresde Buda), que muestra al príncipe Mahasattva ofreciendo su propia carne a una tigresa hambrienta. En estaépoca empezó a cobrar relevancia la caligrafía, a la que se otorgó el mismo nivel de artisticidad que a lasimágenes figurativas. También destacaron los tapices en seda, como el Mandala Tenjukoku dedicado a Shōtoku(622). La cerámica, que podía ser esmaltada o no, tuvo escasa producción local, valorándose más la deimportación china.28

Período Nara (710-794)

Durante este período se estableció la capital en Nara (710), primeracapital fija del mikado. En esta época tuvo su apogeo el arte budista,continuando con gran intensidad la influencia china –los japonesesveían en el arte chino una armonía y perfección similares al gustoeuropeo por el arte clásico grecorromano–. Los escasos ejemplos dearquitectura de la época son construcciones de aire monumental,como la Pagoda del Este de Yakushi-ji, los templos de Tōshōdai-ji,Tōdai-ji y Kōfuku-ji, y el almacén imperial Shōso-in de Nara, queconserva multitud de objetos de arte de la época del emperadorShōmu (724-749), con obras procedentes de China, Persia y Asiacentral. La ciudad de Nara se construyó según una planimetríareticular, siguiendo el modelo de Chang'an, la capital de la dinastíaTang. Se otorgó igual importancia al palacio imperial que almonasterio principal, el Tōdai-ji (745-752), construido según unplano simétrico en un gran recinto con dos pagodas gemelas, ydonde destaca el Daibutsuden, el «gran salón de Buda», con unagran estatua de bronce del Buda Vairocana (Dainichi en japonés),de 15 metros, donada por el emperador Shōmu en 743.Reconstruido en 1700, el Daibutsuden es el edificio de madera másgrande del mundo. Otro importante recinto del templo es el Hokkedō («salón del loto», también llamado


10 of 31 10/09/2014 13:14

Santuario de Fushimi Inari-taisha (711),Fushimi-ku, Kioto, con sus característicostorii de color rojo.

Pintura mural de la tumbaTakamatsuzuka.

Sangatsudō, «salón del tercer mes»), que cuenta con otra magnífica estatua, el Kannon Fukukenjaku, unbodhisattva de ocho brazos realizado en laca, de cuatro metros de altura e influencia Tang, perceptible en laserenidad y placidez de los rasgos faciales.29

En cambio, la Pagoda del Este de Yakushi-ji supuso el intento de losarquitectos japoneses de buscar un estilo propio, alejándose de lainfluencia china. Destaca por su verticalidad, con una alternancia detejados de distinto tamaño, dándole la apariencia de un signocaligráfico. En su estructura destacan los aleros y balcones,formados por barras de madera entrelazadas, en colores blanco ymarrón. En su interior alberga la imagen del Yakushi Nyorai («Budade la Medicina»). Está inscrito como Patrimonio de la Humanidadbajo la denominación de Monumentos históricos de la antigua Nara.Igual grado de asimilación nacional tuvo el Tōshōdai-ji (759), quemuestra un claro contraste entre el Kondō («salón dorado»), de unasolidez, simetría y verticalidad de influencia china, y el Kodō(«salón de conferencias»), de una mayor simplicidad yhorizontalidad que denotan la tradición autóctona. Otro exponente

fue el Kiyomizu-dera (778), cuyo edificio principal destaca por su enorme baranda, sostenida por cientos depilares, que sobresale de la colina y ofrece impresionantes vistas de la ciudad de Kioto. Este templo fue uno delos candidatos en la lista a Nuevas Siete Maravillas del Mundo, aunque no salió elegido. Por su parte, el Rinnō-jies famoso por el Sanbutsudō («Salón de los Tres Budas»), en donde se encuentran tres estatuas laminadas enoro de Amida, Senjūkannon (Kannon de los mil brazos) y Batōkannon (Kannon con cabeza de caballo). Comosantuario sintoísta destacó el Fushimi Inari-taisha (711), dedicado al espíritu de Inari, especialmente conocidopor los miles de toriis rojos que delimitan el camino por la colina en la cual se encuentra situado el santuario.30

Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda, con estatuas de granbelleza: Sho Kannon, Buda de Tachibana, Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. En elperíodo Hakuhō (645-710), la destitución del clan Soga y el afianzamiento imperialcomportó el fin de la influencia coreana y su sustitución por la china (dinastíaTang), produciéndose una serie de obras de mayor magnificencia y realismo, conformas más redondas y gráciles. Este cambio es perceptible en el grupo de estatuasde bronce dorado del Yakushi-ji, compuesto del Buda sedente (Yakushi) flanqueadode los bodhisattvas Nikko («Luz de Sol») y Gakko («Luz de Luna»), que muestranun mayor dinamismo en su postura de contrapposto, y una mayor expresividadfacial. En cambio, en Hōryū-ji continuó el estilo Tori de origen coreano, como en elKannon Yumegatai y la Tríada Amida del Relicario de la señora Tachibana. En eltemplo de Tōshōdai-ji se encuentra una tríada de estatuas de tamaño colosal, hechasde laca seca hueca, destacando el Buda Rushana central (759), de 3,4 metros dealtura. Se encuentran también representaciones de espíritus guardianes (MeikiraTaisho), reyes (Kamokuten), etc. Son obras en madera, bronce, arcilla cruda o lacaseca, de gran realismo.31

La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII), como los frescos delKondō, que muestran similitudes con los de Ajantā en la India. También surgieron diversas tipologías como elkakemono («pintura colgante») y el emakimono («pintura en rollo»), historias pintadas en un rollo de papel oseda, con textos que explican las distintas escenas, llamados sūtras. En el Shōso-in de Nara existe una serie depinturas de tema profano, con diversos géneros y temáticas: plantas, animales, paisajes y objetos de metal. Amediados del período se puso de moda el estilo pictórico de la dinastía Tang, como se vislumbra en los murales


11 of 31 10/09/2014 13:14

Templo de Byōdō-in, también llamado del Fénix, enUji.

de la tumba Takamatsuzuka, de alrededor del año 700. Por el decreto Taiho-ryo de 701 el oficio de pintor quedóregulado en gremios artesanales controlados por el Departamento de Pintores (edakumi-no-tuskasa),dependiente del Ministerio del Interior. Estos gremios eran los encargados de la decoración de palacios ytemplos, y su estructura perduró hasta la era Meiji. La cerámica evolucionó notablemente gracias a diversastécnicas importadas de China, como el empleo de colores brillantes aplicados sobre la arcilla.32

Período Heian (794-1185)

En este período se produjo el gobierno del clan Fujiwara,que implantó un estado centralizado inspirado en el gobiernochino, con capital en Heian (actual Kioto). Surgieron losgrandes señores feudales (daimyō), y apareció la figura delsamurái. En esta época surgió la escritura hiragana, queadaptó la caligrafía china al lenguaje polisilábico japonés,utilizando los caracteres chinos para los valores fonéticos delas sílabas. La ruptura de las relaciones con China produjoun arte más típicamente japonés, surgiendo junto al artereligioso un arte seglar que sería fiel reflejo del nacionalismode la corte imperial. La iconografía budista tuvo un nuevodesarrollo con la importación de dos nuevas sectas delcontinente, Tendai y Shingon, basadas en el budismotántrico tibetano, que incorporaron elementos sintoístas yprodujeron un sincretismo religioso característico de estaépoca.33

El Shingon era un tipo de budismo esotérico centrado en la relación entre materia y espíritu, que se reflejó en losmandalas, imágenes pictóricas o esculpidas que se centraban en el Diamante (mundo espiritual) y el SenoMaterno (mundo material), así como representaciones del Dainichi Nyorai (el «Gran Sol»). Por su parte, elTendai se centró en la salvación del hombre, con una cierta moralidad de origen confuciano y un gransincretismo con la religión sintoísta. Otorgó gran relevancia al arte, llegándose a afirmar que el Tendai convertía«la religión en arte y el arte en religión». Uno de sus principales cultos fue al Paraíso Occidental de la TierraPura de Amida, del que se realizaron numerosas imágenes. Una de las que más prosperaron fue la imagen delraigo-zu, Buda transportando almas al Paraíso, que proliferó en numerosas pinturas, como el panel central delTríptico de Amida en Hokkeji (Nara).34

La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios, que se erigían en lugares apartados, pensadospara la meditación. Los templos más importantes son el Enryaku-ji (788), el Kongōbu-ji (816) y el santuario-pagoda de Murō-ji. El Enryaku-ji, situado en el entorno del monte Hiei, forma parte del conjunto deMonumentos históricos de la antigua Kioto, declarados Patrimonio de la Humanidad en 1994. Fue fundado en788 por Saichō, que introdujo la secta budista Tendai en Japón. Enryaku-ji llegó a tener unos 3000 templos, yfue un enorme centro de poder en su época, siendo destruidos la mayoría de sus edificios por Oda Nobunaga en1571. De la parte que sobrevivió destacan hoy día el Saitō («salón del oeste») y el Tōdō («salón del este»),donde se encuentra el Konpon chūdō, la construcción más representativa de Enryaku ji, donde se conserva unaestatua de Buda esculpida por el propio Saichō, el Yakushi Nyorai.35

En arquitectura civil destacó la construcción del Palacio Imperial, de puro estilo japonés. Durante el períodoFujiwara (897-1185), el templo volvió a situarse en la ciudad, siendo centro de reunión de las clases dirigentes.La arquitectura religiosa imitó a la de los grandes palacios, con una decoración muy desarrollada, como en elmonasterio de Byōdō-in –también llamado del Fénix–, en Uji (fundado en 1053). En este templo destaca el


12 of 31 10/09/2014 13:14

Amida Nyorai (hacia 1053), pan deoro y laca sobre madera, obra deJōchō, en el monasterio deByōdō-in.

Escena del Genji Monogatari.

Hōōdō («Salón del Fénix»), situado al borde de un estanque que leproporciona una apariencia lírica y espiritual, con unas líneas dinámicas yelegantes donde destacan los tejados de esquinas curvilíneas, que otorganun aire ascensional al conjunto. Este salón conserva una imagen del BudaAmida («Señor de la Luz Infinita), de 2,5 metros, en madera lacada, obradel maestro Jōchō.36

La escultura sufrió un ligero descenso en comparación con las épocasanteriores. De nuevo destacan las representaciones de Buda (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai del templo de Jingo-ji en Kioto; Amida Nyorai enel monasterio de Byōdō-in), así como algunas diosas sintoístas (Kichijoten,diosa de la felicidad, equivalente de la Lakshmī india). La excesiva rigidezde la religión budista limitaba la espontaneidad del artista, que se veíacircunscrito a rígidos cánones artísticos que mermaban su libertad creativa.Entre 859 y 877 se produjo el estilo Jogan, caracterizado por figuras de unaseveridad casi intimidatoria, con cierto aire introspectivo y misterioso, comoel Shaka Nyorai de Murō-ji. Durante el período Fujiwara cobrópreeminencia la escuela fundada por Jōchō en Byōdō-in, con un estilo más

grácil y esbelto que la escultura Jogan, logrando unas perfectas proporciones anatómicas y un gran sentido delmovimiento. El taller de Jōchō introdujo las técnicas yosegi y warihagi, consistentes en dividir la figura en dosbloques que posteriormente se unían para tallarlas, evitando así su posterior resquebrajamiento, uno de losprincipales problemas de las figuras de gran tamaño. Estas técnicas permitían igualmente un montaje en serie, yse desarrollaron con gran éxito en la escuela Kei del período Kamakura.37

La pintura al inicio de este período estaba pocodesarrollada, con poca libertad creativa y ausencia delconcepto de espacio. La aparición de la escuela de yamato-e(«pintura japonesa») supuso la independencia de la pinturajaponesa de la influencia china. Se caracteriza por suarmonía y su concepción diáfana y luminosa, con coloresvivos y brillantes, líneas simples y decoración geométrica.Las obras principales se encuentran en los monasteriosbudistas (Byōdō-in, Kongōbu-ji). Son de remarcar losmurales del Salón del Fénix del Byōdō-in, cuyos paisajessintetizan por primera vez el gusto estético más propiamentejaponés, con su sentido de melancólica emotividad. Sesustituyen los elementos típicos chinos por otros de gusto nipón, como los cerezos en flor en vez de los ciruelosnevados de moda en la pintura Tang, o los arrozales en vez de las elevadas cumbres montañosas chinas. Junto aotros elementos como glicinas, orquídeas, peonías, bambú, la luna, la niebla, el mar, la lluvia, etc, se creó en estaépoca la más típica imaginería paisajística japonesa. Igualmente, la composición asimétrica, el espacio vacío, elambiente etéreo, el movimiento ondulado, los detalles anecdóticos, la aplicación del color más por manchas queen pinceladas, el carácter lírico y emotivo del conjunto serán típicos de la pintura japonesa, tanto mural como engrabados y biombos. Pese a ello, la influencia china continuó en edificios públicos y oficiales, ya que estabaligada al prestigio funcionarial. Denominada kara-e, la pintura china prosperó en el círculo imperial, como sepercibe en obras como el Biombo de los sabios y el Biombo del lago Kunming.38

La pintura yamato-e se desarrolló notablemente en los rollos manuscritos denominados emaki, que conjugabanlas escenas pictóricas con la elegante caligrafía katakana. Estos rollos narraban pasajes históricos o literarios,como la Historia de Genji, novela de finales del siglo X de Murasaki Shikibu. Mientras que el texto era obra de


13 of 31 10/09/2014 13:14

Puerta Sanmon del Chion-in, Kioto (TesoroNacional de Japón).

reputados calígrafos, las imágenes fueron ejecutadas generalmente por cortesanas de la corte, como Ki noTsubone y Nagato no Tsubone, suponiendo una muestra de estética femenina que tendría gran relevancia en elarte japonés. Surgió entonces una distinción entre pintura femenina (onna-e) y masculina (otoko-e), quemarcaba una distinción perceptible entre el mundo público, considerado masculino –cuyo arte mantenía lainfluencia china– y el privado, de carácter femenino y estética más propiamente nipona. En onna-e, además dela Historia de Genji, destacó el Heike Nogyo (Sūtra del loto), encargado por el clan Taira para el SantuarioItsukushima, con un total de 33 rollos sobre la salvación de las almas pregonada por el budismo. El otoko-e eramás narrativo y enérgico que el onna-e, más lleno de acción, con más realismo y movimiento, como en los rollosShigisan Engi, sobre los milagros del monje Myoren; el Ban Danaigon E-kotoba, sobre una guerra de clanesrivales en el siglo IX; y el Chōjugiga, escenas de animales de signo caricaturesco y tono satírico, criticando a laaristocracia.39

En esta época, la cerámica no tuvo una especial relevancia, destacando en cambio las obras en laca–generalmente cajas para cosméticos– y los objetos de metal, donde destacan los espejos. En laca surgió latécnica maki-e, consistente en espolvorear polvo de colores, oro y plata sobre la laca húmeda, creando dibujosde gran finura y sutil tonalidad. A veces incluía incrustaciones de nácar (raden). También adquirieron relevancialos abanicos, decorados con textos de los sūtras budistas y con escenas de género.40

Período Kamakura (1185-1392)

Tras diversas disputas entre los clanes feudales, se impuso elde los Minamoto, que instauraron el shogunato, un tipo degobierno de corte militar. En esta época se introdujo enJapón la secta zen, que influiría poderosamente en el artefigurativo. La arquitectura era más sencilla, funcional,menos lujosa y recargada. La influencia zen provocó elllamado estilo Kara-yo: los monasterios zen seguían laplanimetría axial china, aunque el edificio principal no era eltemplo, sino la sala de lectura, y el lugar de honor no loocupaba una estatua de Buda, sino un pequeño trono dondeel abad enseñaba a sus discípulos. Destacan el conjunto decinco grandes templos de Sanjūsangen-dō, en Kioto (1266),así como los monasterios Kennin-ji (1202) y Tōfuku-ji(1243) en Kioto, y Kenchō-ji (1253) y Engaku-ji (1282) enKamakura. El Kōtoku-in (1252) es famoso por su estatua debronce del Buda Amida, de 13 metros de alto y un peso de 93 toneladas, siendo el segundo Buda más grande enJapón después del de Tōdai-ji. En 1234 se construyó el templo de Chion-in, sede del budismo Jōdo shū («Sectade la Tierra Pura»), que desataca por su colosal puerta principal (Sanmon), que es la estructura más grande de sutipo en Japón. Uno de los últimos exponentes de este período fue el Hongan-ji (1321), formado por dos templosprincipales: el Nishi Hongan-ji, que incluye los salones Goei-dō («salón del fundador») y Amida-dō («salón delBuda»), junto a un pabellón de té y dos escenarios de teatro nō, uno de los cuales presume de ser el más viejoque se conserva; y el Higashi Hongan-ji, donde se encuentra el famoso el jardín de Shosei-en.41

La escultura adquirió gran realismo, encontrando el artista mayor libertad creativa, como se denota en losretratos de nobles y militares, como el de Uesugi Shigefusa (de artista anónimo), un militar del siglo XIV. Lasobras zen se centraron en la representación de sus maestros, en un tipo de estatua llamada chinzo, como la delmaestro Muji Ichien (1312, de autor anónimo), en madera policromada, que representa al maestro zen sentadoen un trono, en actitud de relajada meditación. Cobró especial importancia por la calidad de sus obras la escuelaKei de Nara, heredera de la escuela Jōchō del período Heian, donde destacó el escultor Unkei, autor de las


14 of 31 10/09/2014 13:14

Estatua de bronce del Buda Amidaen el templo Kōtoku-in, Kamakura(1252 ).

Uno de los Kongo Rikishiesculpidos por Unkei enTōdai-ji, Nara (1203).

Rollo con descripciones del ataquenocturno al palacio Sanjō, detalle de losRollos ilustrados de los sucesos de la eraHeiji (siglo XIII), anónimo, Museum ofFine Arts, Boston.

estatuas de los monjes Muchaku y Seshin(Kōfuku-ji de Nara), así como imágenes delos Kongo Rikishi (espíritus guardianes),como las dos colosales estatuas situadas enla entrada del templo Tōdai-ji (1199), de 8metros de altura. El estilo de Unkei, influidopor la escultura china de la dinastía Song,era de gran realismo, captando a la vez elmás detallado estudio fisonómico con laexpresión emotiva y la espiritualidad interiordel individuo retratado. Se llegó incluso aincrustar cristales oscuros en los ojos, paradar mayor expresividad. La obra de Unkeisupuso el inicio del retratismo japonés.Continuó su obra su hijo Tankei, autor delKannon Senju para el Sanjūsangen-dō.42

La pintura se caracterizó por unmayor realismo y por su

introspección psicológica. Se desarrolló principalmente el paisajismo(La catarata de Nachi) y el retratismo (El monje Myoe encontemplación, de Enichi-bo Jonin; conjunto de retratos del temploJingo-ji de Kioto, obra de Fujiwara Takanobu; retrato del emperadorHanazono, de Goshin). Continuó el estilo yamato-e y la pinturanarrativa en rollos, algunos de hasta 9 metros de longitud. Estosrollos reflejaban aspectos de la vida cotidiana, escenas urbanas orurales, o bien ilustraban acontecimientos históricos, como la guerrade 1159 en Kioto entre ramas rivales de la familia imperial. Sepresentaban en escenas sucesivas, siguiendo un orden narrativo, conuna panorámica elevada, como a vista de pájaro. Destacan losRollos ilustrados de los sucesos de la era Heiji (Heiji monogatari)y los rollos Kegon Engi, de Enichi-bo Jonin. La pintura relacionada con la secta zen era de influencia másdirectamente china, trazada en sencillas líneas de tinta china siguiendo la máxima zen de que «demasiadoscolores ciegan la visión».43

En esta época se inició la producción de la que sería la cerámica más típicamente japonesa, destacando la figurade Toshiro. Creció la artesanía destinada a la vida militar, especialmente armaduras y espadas (katana)confeccionadas con dos capas de hierro y acero sometidas a ignición e inmersión, con una característica marcatemplada al vapor denominada ni-e.44

Período Muromachi (1392-1573)

Durante este periodo el shōgunato fue ostentado por los Ashikaga, cuyas luchas internas favorecieron elcreciente poder de los daimyō, que se repartieron el territorio. La arquitectura era más elegante y típicamentejaponesa, destacando las mansiones señoriales, monasterios como el de Zuiho-ji, y templos como los deShōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji o Pabellón de Oro (1397) y Ginkaku-ji o Pabellón de Plata (1489), en Kioto. ElKinkaku-ji fue construido como villa de descanso del shōgun Ashikaga Yoshimitsu, como parte de su propiedadllamada Kitayama. Su hijo transformó el edificio en un templo de la secta Rinzai. Es un edificio de tres plantas,con las dos superiores recubiertas con hojas de oro puro. El pabellón funciona como un shariden, guardando las


15 of 31 10/09/2014 13:14

Templo de Kinkaku-ji, Kioto 1397.

Jardín japonés del Museo de Adachi.

reliquias de Buda. También contiene varias estatuas de Buday figuras de bodhisattvas, y en el techo está ubicado unfenghuang o «fénix chino» dorado. También posee unmagnífico jardín adyacente, con un estanque llamadoKyōko-chi («espejo de agua»), con numerosas islas y piedrasque representan la historia de la creación budista. Por suparte, el Ginkaku-ji fue construido por el shōgun AshikagaYoshimasa, quien buscaba emular el Kinkaku-ji construidopor su abuelo Yoshimitsu, pero lamentablemente no pudorecubrir el edificio con plata tal y como lo había planeado.También es característica de la arquitectura de esta época laaparición del tokonoma, habitación reservada a lacontemplación de una pintura o un arreglo floral, enconsonancia con la estética zen. De igual forma, se introdujoel tatami, un tipo de alfombra confeccionada con paja dearroz, que hizo más agradable el interior de la vivienda japonesa.45

En esta época se desarrolló notablemente el arte de lajardinería, sentando las bases artísticas y estéticas del jardínjaponés. Surgieron dos principales modalidades: tsukiyama,alrededor de una colina y un lago; y hiraniwa, jardín planode arena rastrillada, con piedras, árboles y pozos. Lavegetación más habitual consiste en bambú y diversosgéneros de flores y árboles, ya sean de hoja perenne, comoel pino negro japonés, o de hoja caduca, como el arcejaponés, siendo igualmente valorados elementos comohelechos y musgos. Otro elemento típico de la jardinería y elinteriorismo es el bonsái. A menudo los jardines incluyen unlago o estanque, diversos tipos de pabellones (generalmentepara la ceremonia del té) y linternas de piedra. Uno de losrasgos típicos del jardín japonés –como en el resto de su

arte– es el aspecto imperfecto, inacabado, asimétrico. Hay diversos tipos de jardines: de «paseo», que secontemplan caminando por un sendero o en torno a un estanque; de «aposento», que se disfrutan desde un lugarfijo, generalmente un pabellón o cabaña tipo machiya; de «té» (rōji), alrededor de un camino que conduce a lacasa de té, con baldosas o piedras para marcar el camino; y de «contemplación» (karesansui, «paisaje demontaña y agua»), que es el más típico jardín zen, que se contempla desde una plataforma ubicada en losmonasterios zen. Un buen ejemplo es el denominado Paisaje sin agua del jardín de Ryōan-ji, en Kioto, obra delpintor y poeta Sōami (1480), que representa un mar –hecho con arena rastrillada– plagado de islas –que sonrocas–, elaborando un conjunto que aúna realidad e ilusión y que invita a la quietud y la reflexión.46

También floreció la pintura, enmarcada dentro de la estética zen, que recibió la influencia china de las dinastíasYuan y Ming, reflejada principalmente en el decorativismo. Se introdujo la técnica de la aguada, perfectatrascripción de la doctrina zen, que pretende reflejar en los paisajes lo que significan, más que lo querepresentan. Surgió la figura del bunjinso, el «monje intelectual» creador de sus propias obras, estudiosos yseguidores de las técnicas chinas en tinta monocroma, en pinceladas breves y difusas, que reflejaron en susobras elementos naturales como pinos, juncos, orquídeas, bambúes, rocas, árboles, pájaros y figuras humanasinmersas en la naturaleza, en actitud de meditación. Algunos de estos monjes-artistas fueron: Mokuan Reien,Gyokuen Bompo, Ue Gukei, etc.47


16 of 31 10/09/2014 13:14

Vista de Ama-no-hashidate, de Sesshū Tōyō.

Castillo Himeji, Himeji (1601-1608).

En Japón, esta técnica con tinta china recibió el nombre desumi-e. Basado en los siete principios estéticos del zen(véase el apartado Teoría y estética), el sumi-e («pintura atinta») pretendía reflejar las más intensas emocionesinteriores por medio de la sencillez y la elegancia, en líneassimples y modestas que trascienden su aspecto externo parasignificar un estado de comunión con la naturaleza. Para losmonjes zen, el sumi-e era una vía (dō) para buscar la pazinterior, la realización espiritual. Las propiedades tonales dela tinta, sutiles y difusas, permitían al artista captar laesencia de las cosas, en una impresión sencilla y natural,pero a la vez profunda y trascendente. Es un arteespontáneo y de rápida ejecución, imposible de retocar, hecho que lo vincula con la vida, donde es imposiblevolver al pasado. Cada pincelada expresa la energía vital (ki), ya que es un acto de creación, donde se pone elespíritu en acción, y donde importa más el proceso que no el resultado.48

Los principales artistas del sumi-e fueron: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei y, sobre todo, SesshūTōyō, autor de retratos y paisajes, primer artista que pintó del natural. Sesshū era un gaso, un monje-pintor, queviajó a China entre 1467 y 1469, donde estudió el arte y el paisaje natural. Sus paisajes están compuestos porestructuras lineales, iluminados por una luz súbita que refleja el concepto zen del instante trascendental. Sonpaisajes con presencia de elementos anecdóticos, como templos en la lejanía o pequeñas figuras humanas,enmarcados en parajes recónditos como acantilados.49

Surgió igualmente un nuevo género de pintura-poema, el shigajiku, donde un paisaje ilustra un poema deinspiración naturalista. Cabe mencionar también la escuela Kanō, fundada por Kanō Masanobu, que aplicó latécnica de la aguada a temas tradicionales, ilustrando de esta manera temas sagrados, nacionales y paisajes. Laaguada también se aplicó en biombos y en paneles pintados en las puertas correderas fusuma, características delinteriorismo japonés. En cerámica destacó la escuela de Seto, siendo la tipología más popular el llamadotemmoku. También son muestras remarcables de esta época los objetos de laca y metal.50

Período Azuchi-Momoyama (1573-1603)

En esta época Japón fue de nuevo unificado por OdaNobunaga, Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu, queeliminaron a los daimyō y se sucedieron en el poder. Sumandato coincidió con la llegada de comerciantesportugueses y de misioneros jesuitas, que introdujeron elcristianismo en el país, aunque llegando sólo a una minoría.La producción artística de esta época se alejó de la estéticabudista, remarcando los valores tradicionales japoneses, conun estilo grandilocuente. La invasión de Corea en 1592comportó el traslado forzoso de numerosos artistas coreanosa Japón, instalados en centros productores de cerámicaaislados del resto. Asimismo, durante este período serecibieron las primeras influencias de Occidente, reflejadasen el estilo Nanban («bárbaros del sur», nombre dado a loseuropeos), desarrollado en la escultura miniaturista, de temaprofano, objetos decorativos en porcelana y biombos decorados en estilo yamato-e, con colores brillantes y pande oro, en escenas que narran la llegada de los europeos a las costas japonesas. La influencia occidental


17 of 31 10/09/2014 13:14

La llegada de los portugueses (siglo XVI), de KanōNaizen, Kōbe Shiritsu Nanban Bijutsukan, Kōbe.

introdujo la pintura al óleo y el uso de la perspectiva, aunque en general no tuvieron mucho éxito en el artetradicional japonés.51

En arquitectura destacó la construcción de grandes castillos (shiro), que fueron fortificados por la introducciónen Japón de armas de fuego de origen occidental. Buenas muestras de ello son los castillos de Himeji, Azuchi,Matsumoto, Nijō y Fushimi-Momoyama. El castillo de Himeji, una de las principales construcciones de la época,combina unas macizas fortificaciones con la elegancia de una estructura de aspecto vertical, en cinco pisosconstruidos en madera y yeso, con tejados de suaves formas curvilíneas similares a los de los tradicionalestemplos japoneses. También proliferaron las villas rústicas para la ceremonia del té, compuestas de pequeñasvillas o palacios y amplios jardines, y se construyeron en algunas ciudades teatros de madera para lasrepresentaciones de kabuki.52

En pintura, la escuela Kanō recibió la mayoría de encargosoficiales, desarrollando la pintura mural de los principalescastillos japoneses. Figuras destacadas son los nombres deKanō Eitoku y Kanō Sanraku. Para los castillos, con pocailuminación debido a sus estrechas aberturas defensivas, secreó un tipo de mamparas con fondo dorado que reflejabanla luz y la esparcían por toda la estancia, con grandesmurales decorados con escenas heroicas, animales comotigres y dragones, o bien paisajes con presencia de jardines,estanques y puentes, o sobre las cuatro estaciones, un temabastante frecuente en la época. Continuó el estilo yamato-eprincipalmente entre la clase burguesa, representada por laescuela Tosa, que continuó la tradición épica japonesa deescenas históricas y paisajes, destacando las figuras de TosaMitsuyoshi y Tosa Mitsunori. También se desarrollónotablemente la pintura en biombos, generalmente en tintasaguadas, siguiendo el estilo sumi-e, como se aprecia en laobra de Hasegawa Tōhaku (Bosque de pinos) y KaihōYūshō (Pino y ciruelo a la luz de la luna). Destacó

igualmente la figura de Tawaraya Sōtatsu, autor de obras de gran dinamismo, en rollos manuscritos, biombos yabanicos. Creó un estilo lírico y decorativo inspirado en la escritura waka de la época Heian, que fue llamadorinpa, produciendo obras de gran belleza visual e intensidad emocional, como Historia de Genji, La senda de lahiedra, Los dioses del trueno y del viento, etc.53

La alfarería alcanzó un momento de gran esplendor, desarrollándose la cerámica destinada a la ceremonia del té,inspirada en la cerámica coreana, cuya rusticidad y aspecto inacabado traducían perfectamente la estética zenque impregna el rito del té. Surgieron nuevos diseños como los platos nezumi y las jarras de agua kogan,generalmente de cuerpo blanco bañado en una capa de feldespato y decorado con sencillos dibujos realizadoscon una barbotina de hierro. Era una cerámica gruesa y de aspecto vidriado, con un tratamiento inacabado,dando una sensación de imperfección y vulnerabilidad. Seto continuó siendo uno de los principales centros deproducción, mientras que en la localidad de Mino nacieron dos importantes escuelas: Shino y Oribe. Tambiéndestacaron la escuela de Karatsu y dos originales tipos de cerámica: Iga, de burda textura y una espesa capa devidriado, con profundas rajaduras; y Bizen, loza de un marrón rojizo y sin vidriar, retirada aún tierna del tornopara producir unas pequeñas grietas e incisiones naturales que le daban un aspecto quebradizo, nuevamentesegún la estética zen de imperfección.54

Uno de los mejores artistas de esta época fue Honami Kōetsu, que destacó tanto en pintura como en poesía,


18 of 31 10/09/2014 13:14

El puente Ōhashi en Atake bajouna lluvia repentina (1857), deUtagawa Hiroshige, BrooklynMuseum of Art, Nueva York.

jardinería, laca, etc. Educado en la tradición artística procedente del período Heian y en la escuela Shorenin decaligrafía, fundó una colonia de artesanos en Takagamine, cerca de Kioto, gracias a unos terrenos cedidos porTokugawa Ieyasu. La colonia se nutrió de artesanos de la escuela budista Nichiren, y produjo una serie de obrasde gran calidad. Se especializaron en objetos de laca, principalmente accesorios de escritorio, decorados conincrustaciones de oro y nácar, así como en diversos utensilios y vajillas para la ceremonia del té, destacando elcuenco fujisan, con un cuerpo rojizo cubierto de una barbotina negra y, en la parte superior, un blanco vidriadoopaco que da el efecto de nieve que cae.55

Período Edo (1603-1868)

Este período artístico se corresponde con el histórico de Tokugawa, en elque Japón se cerró a todo contacto exterior. La capital se estableció en Edo,futura Tokio. Los cristianos fueron perseguidos y los comerciantes europeosexpulsados. Pese al sistema de vasallaje, proliferó el comercio y laartesanía, apareciendo una clase burguesa que fue creciendo en poder einfluencia, y que se dedicó al fomento de las artes, especialmente grabados,cerámica, lacas y productos textiles.56

Los edificios más importantes son el Palacio de Katsura de Kioto y elmausoleo de Tōshō-gū en Nikkō (1636), que forma parte de los «Santuariosy Templos de Nikkō», Patrimonio de la Humanidad reconocido por laUNESCO en 1999. De formas híbridas sinto-budistas, es el mausoleo delshōgun Tokugawa Ieyasu. El templo es una estructura rígidamente simétricacon relieves coloreados que cubren toda la superficie visible. Destacan susedificios coloristas y adornos sobrecargados que se distancian de los estilosde los templos de aquella época. Los interiores están adornados conlaqueados, minuciosas esculturas de vivo colorido y magistrales panelespintados. El Palacio de Katsura (1615-1662) fue construido con un planoasimétrico de inspiración zen, donde las líneas rectas de la fachada exteriorcontrastan con la sinuosidad del jardín circundante. Villa de descanso de lafamilia imperial, incluye un edificio principal (Shoin), varios pabellones,casas de té y un parque de siete hectáreas. El palacio principal, que tieneuna sola planta, se divide en cuatro pabellones unidos por las esquinas:Shōkintei, Shōkatei, Shōiken y Gepparō. Todos están elevados sobre pilares y construidos en madera conparedes encaladas y puertas deslizantes que conducen al jardín, y contienen pinturas de Kanō Tan'yū. Tambiénson características de esta época las casas de té (chashitsu), generalmente pequeñas construcciones de maderacon tejado de bálago, rodeadas de jardines en un estado de aparente abandono, con líquenes, musgo y hojascaídas, siguiendo el concepto zen de imperfección trascendente.57

Se desarrolló notablemente la pintura, que adquirió gran vitalidad. Se trabajaba en diferentes formatos, desdepaneles murales y biombos hasta pergaminos, abanicos y pequeños álbumes. Cobró un gran auge el grabado enmadera, surgiendo una importante industria en núcleos urbanos especializada en textos ilustrados y estampas.Inicialmente eran grabados en tinta negra sobre papel coloreado a mano, pero a mediados del siglo XVIII surgióla impresión en color (nishiki-e).58

Continuó el estilo rinpa iniciado por Sōtatsu en la obra de Ōgata Kōrin, uno de los más grandes artistas de laépoca. Su producción, alegre y sardónica, se dirigió a las clases mercantiles, con obras de una elegancia urbanay un realismo un tanto irreverente, aunque con un gran virtuosismo y un profundo conocimiento de los maestrosclásicos, como demuestra en los biombos Ciruelos rojos y blancos, Olas, Lirios y La historia de Ise. La escuela


19 of 31 10/09/2014 13:14

Dios del Viento, Dios del Trueno, de Ōgata Kōrin.En esta pintura se muestra a los dioses del trueno(izquierda) y del viento (derecha), al inicio de uncombate celestial.

Tigre y dragón (1781), biombo de dos pantallas, de Maruyama Ōkyo,Detroit Institute of Arts.

Kanō recibió los principales encargos oficiales del gobierno,con un estilo de estética zen de fuertes pinceladas. Suprincipal representante fue Kanō Tan'yū, nieto de KanōEitoku, que trabajó en el palacio imperial y en el castilloNagoya, al tiempo que realizó una notable labor eruditarecogiendo notas sobre todo tipo de obras de arte, concomentarios y esbozos (shukuzu) de las obras, gran fuentede información para la historiografía del arte. Por su parte,la escuela Tosa estuvo representada por Tosa Mitsuoki, quecontinuó la tradición épica del yamato-e.

En el siglo XVIII apareció la escuela nanga o «pinturaidealista», de signo confuciano patrocinado por el shogunatoTokugawa, muy influida por el arte chino, que consideraban

la cuna de su civilización. Se adoptó el estilo wenren de los eruditos-pintores aficionados chinos, reducido apequeños círculos intelectuales formados por profesionales de diversa procedencia, desde samuráis hastamonjes, mercaderes y funcionarios. Su principal punto de referencia fue la escuela de Li Guo de la dinastíaSong, de pincelada ancha y curvilínea, que llegó a Japón a través de la escuela coreana de An Kyon. El centroneurálgico del nanga fue el monasterio Mampuku-ji, fundado en 1661 a las afueras de Kioto, que se convirtió enel centro de la cultura china en Japón. El principal tema representado fue el paisaje, a menudo con elementoscomo flores y pájaros, y era usual la combinación de pintura y poesía (haiga). Esta escuela dio varios artistas degran calidad: Ikeno Taiga, Yosa Buson, Uragami Gyokudō, Aoki Mokubei, Tani Bunchō, Gibon Sengai, HakuinEkaku, etc.59

En Kioto nació otra interesante escuelapictórica, fundada por Maruyama Ōkyo, quecombinó diversas técnicas e influencias,desde la china hasta la occidental, queconoció a través de grabados holandeses.Realizó rollos y biombos con paisajes yfondos dorados, siendo una característica desu estilo la plasmación del paisaje conapuntes tomados directamente de lanaturaleza. Fueron discípulos suyosMatsumura Goshun, cofundador con Ōkyode la escuela Maruyama-Shijō; Itō Jakuchū,artista de gran personalidad que se dedicó algénero de la naturaleza muerta, poco frecuente hasta entonces en Japón; y Nagasawa Rosetsu, que llegó adominar con maestría las técnicas occidentales de la perspectiva y el claroscuro.60

La escuela más conocida y notable fue la de ukiyo-e («estampas del mundo que fluye»), que destacó por larepresentación de tipos y escenas populares. Desarrollada alrededor de la técnica del grabado –principalmentexilografía–, fue un estilo de corte laico y plebeyo, eminentemente urbano, que inspirándose en temasanecdóticos y escenas de género les otorgaba un lirismo y una belleza extraordinarias, con una sutil sensibilidady un gusto refinado de gran modernidad.61 El fundador fue Hishikawa Moronobu, al que siguieron figuras comoOkumura Masanobu, Suzuki Harunobu, Isoda Koryūsai y Torii Kiyonobu, fundador de la escuela Torii. Variosartistas se especializaron en la reproducción de los actores del teatro popular japonés kabuki (yakusha-e,«cuadros de actores»), con un cierto aire caricaturesco, entre ellos Torii Kiyomasu, Torii Kiyomitsu y, sobretodo, Tōshūsai Sharaku. Otro género bastante corriente fue el bijin-ga («cuadros de mujeres hermosas»), que


20 of 31 10/09/2014 13:14

representaba a geishas y cortesanas en actitudes íntimas y escenas de tocador, con gran detallismo,principalmente en sus ropajes, como se denota en la obra de Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro y Keisai Eisen.Otra variante fue el shunga («estampas primaverales»), de contenido más explícitamente erótico. El paisajismofue introducido por Utagawa Toyoharu –fundador de la escuela Utagawa–, que aplicó la perspectiva occidentalal paisaje japonés.62

Tres señoras sentadas conlinternas, tetera, candelabroe instrumento de cuerda(siglo XVIII), de KitagawaUtamaro, Brooklyn Museumof Art, Nueva York.

En la orilla del ríoSumida, de UtagawaKuniyoshi, siglo XIX.

Estación 16: Yui, de la serie53 Estaciones de Tōkaidō, deUtagawa Hiroshige.

El Fuji visto desde laplataforma de Sasayedo, deKatsushika Hokusai,Brooklyn Museum of Art,Nueva York.

A principios del siglo XIX, cuando el arte ukiyo-e parecía declinar, apareció la gran figura de KatsushikaHokusai, autor de unos 30.000 dibujos que recopiló en 15 volúmenes, que tituló Manga (1814). Reflejóespecialmente la vida urbana de Edo, con un cierto toque humorístico, en un estilo enérgico de fuertes trazos.También fue un gran representante del paisajismo, siendo uno de sus motivos fundamentales el monte Fuji, enescenas de gran colorido, con un sello fuertemente personal, ni realista ni idealizado, reflejando siempre la visióninterna del artista. Uno de sus últimos exponentes y gran maestro de la escuela fue Utagawa Hiroshige,igualmente un gran paisajista, como denota en sus Cien famosas vistas de Edo. Tenía un estilo más realista queHokusai, pero más lírico y evocador, utilizando a menudo una perspectiva de fondos encuadrados en un primerplano de ramas, hojas u otros objetos.

La cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto, con influencia del arte chino y coreano;su principal artista fue Nonomura Ninsei. En Hagi surgió una escuela de influencia coreana, caracterizada por eluso de formas sencillas y tonalidades claras, destacando la figura de Ōgata Kenzan, hermano de Ōgata Kōrin.Continuó la cerámica destinada a la ceremonia del té, decorada con elementos aparentemente irregulares yasimétricos, como signos y líneas de corte casi abstracto, según el ideal de imperfección de la estética zen. En


21 of 31 10/09/2014 13:14

Porcelana de Imari hecha en el siglo XVIII.

Camille Monet vestida dejaponesa (1876), deClaude Monet, Museumof Fine Arts, Boston.

este período se produjeron las primeras porcelanas, con un primercentro productor en Arita, en la prefectura de Saga (llamadaporcelana de Imari), donde el alfarero coreano Yi Sam-pyeong hallóen 1616 un tipo de arcilla blanca ideal para porcelana. Destacaronlas escuelas de Kakiemon, Nabeshima y Ko-Kutami, que produjeronuna serie de platos, cuencos y botellas de sake de gran calidad yrefinamiento, con vidriado de esmalte decorado en color azul,verde, amarillo, rojo, beige y berenjena pálido. También proliferaronlos objetos de laca, metal, marfil y nácar, y alcanzaron gran calidadartística objetos como los inro (cajas de medicamentos), los netsuke(dijes esculpidos) y los tsuba (guardias de sable).63

De igual manera, cobró gran relevanciael arte textil, principalmente en seda,que llegó a cotas de altísima calidad, detal manera que a menudo las túnicas(kimono) en seda con brillantes colores y refinados dibujos eran colgadas paraseparar habitaciones, como si fuesen biombos. Se usaban diversas técnicas, como eltinte, el bordado, el brocado, el repujado, los apliques y el pintado a mano. La sedaestaba al alcance tan sólo de las clases altas, mientras el pueblo vestía en algodón,confeccionado según la técnica indonesia ikat, hilado por secciones y teñido encolor añil alternado con el blanco. Otra técnica de menor calidad era elentrecruzamiento de hilos de algodón de diversos colores, con tintes caserosaplicados al modo del batik mediante una pasta de arroz y salvado de arroz hervidoy apelmazado.64

Cabe destacar que, así como en el siglo XIX el arte japonés recibió la influencia delarte occidental, también éste se vio influido por el exotismo y la naturalidad del artenipón. Surgió así en Occidente el llamado japonismo, desarrollado principalmenteen la segunda mitad del siglo XIX sobre todo en Francia y Gran Bretaña. Se puso demanifiesto en las llamadas japonaiseries, objetos inspirados en las estampas,

porcelanas, lacas, abanicos y objetos de bambú japoneses, que se pusieron de moda tanto en la decoracióninterior como en numerosas prendas personales que recogían la fantasía y el decorativismo de la estéticajaponesa. En pintura, se recibió con entusiasmo el estilo de la escuela ukiyo-e, siendo muy apreciadas las obrasde Utamaro, Hiroshige y Hokusai. Los artistas occidentales imitaron la simplificada construcción espacial, loscontornos sencillos, el estilo caligráfico y la sensibilidad naturalista de la pintura japonesa. Algunos de losprincipales artistas que recibieron esta influencia fueron: Édouard Manet, James Abbott McNeill Whistler,James Tissot, Mary Cassatt, Pierre Bonnard, Georges Ferdinand Bigot, Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh, Gustav Klimt,etc.65

Época contemporánea (desde 1868)

En el período Meiji (1868-1912) se inició una profunda renovación cultural, social y tecnológica en Japón, quese abrió más al exterior y empezó a incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. La Carta de1868 abolió los privilegios feudales y las diferencias de clase, lo cual no propició una mejora de las clasesproletarias, sumidas en la miseria. Se inició una época de fuerte expansionismo imperialista, que desembocó enla Segunda Guerra Mundial. Tras la contienda, Japón ha vivido un proceso de democratización y desarrolloeconómico que la ha convertido en una de las principales potencias económicas mundiales y centro puntero en


22 of 31 10/09/2014 13:14

Gimnasio Yoyogi, de Kenzō Tange.

Kioto Concert Hall, de Arata Isozaki.

producción industrial e innovación tecnológica. A la eraMeiji sucedieron las eras Taishō (1912-1926), Shōwa(1926-1989) y Heisei (1989-).

Desde 1930, la progresiva militarización y la expansión porChina y el sur de Asia, con el consiguiente incremento derecursos destinados al presupuesto militar, provocó unacaída en el mecenazgo artístico. Sin embargo, con eldespegue económico de la posguerra y la nueva prosperidadconseguida con la industrialización del país, las artesrenacieron, inmersas ya plenamente en los movimientosartísticos internacionales debidos al proceso de globalizacióncultural. Asimismo, la prosperidad económica favoreció el coleccionismo, creándose numerosos museos ycentros de exposiciones que han ayudado a la difusión y conservación del arte japonés e internacional.66

En el ámbito religioso, la instauración durante la era Meiji del sintoísmo como única religión oficial (Shinbutsubunri) propició el abandono y la destrucción de los templos y obras de arte budista, que habría sido irreparablesin la intervención de Ernest Fenollosa, catedrático de filosofía de la Universidad Imperial de Tokio, que junto almagnate y mecenas William Bigelow rescataron gran cantidad de obras que nutrieron la colección de artebudista del Museum of Fine Arts de Boston y la Freer Gallery of Art de Washington D.C., dos de las mejorescolecciones de arte asiático del mundo.67

La arquitectura presenta una doble dirección: la tradicional (santuario Yasukuni, templos de Heian Jingu y deMeiji, en Tokio) y la de influencia europea, que incorpora las nuevas tecnologías (Museo Yamato Bunkakan, deIsohachi Yoshida, en Nara). La occidentalización conllevó la construcción de nuevos edificios como bancos,fábricas, estaciones de tren y edificios públicos, construidos con materiales y técnicas occidentales, emulando enun principio (finales del siglo XIX) la arquitectura victoriana inglesa. También trabajaron en Japón algunosarquitectos extranjeros, como Frank Lloyd Wright (Hotel Imperial, Tokio).

La arquitectura y el urbanismo recibieron un gran impulso tras laSegunda Guerra Mundial, debido a la necesidad de reconstruir elpaís. Surgió entonces una nueva generación de arquitectosencabezada por Kenzō Tange, autor de obras como el MuseoMemorial de la Paz de Hiroshima, la Catedral de Santa María deTokio, el Estadio Olímpico para los Juegos Olímpicos de Tokio de1964, etc. Tange y sus discípulos desarrollaron el concepto de laarquitectura entendida como «metabolismo», considerando losedificios como formas orgánicas que deben adaptarse a lasnecesidades funcionales. Movimiento fundado en 1959, tenían unaidea de la ciudad del futuro habitada por una sociedad masificada,caracterizada por estructuras flexibles y extensibles con uncrecimiento similar al orgánico. Entre sus miembros contó con

Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe y Kiyonori Kikutake. Otro exponente fue Maekawa Kunioque, junto a Tange, introdujeron las antiguas ideas estéticas japonesas en los rígidos edificios contemporáneos,utilizando de nuevo técnicas y materiales tradicionales como el tatami y el uso de pilares –elementoconstructivo tradicional en los templos japoneses–, o la integración de jardines y esculturas en sus diseños. Otroprincipio estético japonés, el del vacío, fue estudiado por Fumihiko Maki en la relación espacial entre el edificioy su entorno.68

A partir de los años 1980 tuvo una fuerte implantación en Japón el arte postmoderno, ya que desde antaño ha


23 of 31 10/09/2014 13:14

La orilla del lago (1897), de KurodaSeiki, pintura de estilo occidental(yōga).

sido característica la fusión entre el elemento popular y la sofisticación de las formas. Este estilo ha estadorepresentado fundamentalmente por Arata Isozaki, autor del Museo de Arte de Kitakyūshū y del Kioto ConcertHall. Isozaki estudió con Tange, y en su obra sintetizó los conceptos occidentales con ideas espaciales,funcionales y decorativas típicas de Japón. Por su parte, Tadao Andō desarrolló un estilo minimalista, con granpreocupación por el aporte de luz y espacios abiertos al aire exterior (Capilla sobre el Agua, Tomanu, Hokkaidō;Iglesia de la Luz, Ibaraki, Osaka; Museo de los Niños, Himeji). Shigeru Ban se ha caracterizado por el uso demateriales no convencionales, como papel o plástico: tras el terremoto de Kōbe de 1995, que dejó a muchaspersonas sin casa, Ban contribuyó diseñando La casa de papel y La iglesia de papel. Por último, Toyō Itō haexplorado la imagen física de la ciudad de la era digital (Torre de los Vientos, Yokohama; Mediateca de Sendai,Sendai; Edificio Mikimoto Ginza 2, Tokio).69

En escultura existió igualmente la dualidad tradición-vanguardia, destacando los nombres de Yoshi Kinuchi yRomorini Toyofuku, además de los abstractos Masakazu Horiuchi y Yasuo Mizui, este último instalado enFrancia. Isamu Noguchi y Nagare Masayuki recogieron la rica tradición escultórica de su país en obras queestudian el contraste entre la rugosidad y la pulidez de la materia.

La pintura también siguió dos corrientes: tradicional (nihonga) yoccidentalista (yōga), aunque independiente de ambas destacó aprincipios del siglo XX la figura de Tomioka Tessai. El estilo nihongafue promovido a finales del siglo XIX por el crítico de arte OkakuraKakuzō y por el educador Ernest Fenollosa, buscando en el artetradicional la forma de expresión arquetípica de la sensibilidad nipona,aunque este estilo también recibió alguna influencia occidental, sobretodo del prerrafaelismo y el romanticismo. Estuvo representadoprincipalmente por Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, ShimomuraKanzan, Maeda Seison y Kobayashi Kokei. La pintura de corteeuropeísta se nutrió en principio de las técnicas y temáticas vigentes enEuropa a finales del siglo XIX, vinculadas principalmente alacademicismo –como en el caso de Kuroda Seiki, que estudió nueveaños en París–, pero más adelante siguió las distintas corrientes que sefueron produciendo en el arte occidental: el grupo Hakubakai recogióla influencia impresionista; la pintura abstracta tuvo como figuras principales a Takeo Yamaguchi y MasanariMunai; entre los artistas figurativos destacaron Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen y Higashiyama Kaii.Algunos artistas se establecieron fuera de su país, como Genichiro Inokuma en Estados Unidos y TsuguharuFoujita en Francia.70

En el período Taishō predominó el estilo yōga sobre el nihonga, aunque el aumento en la utilización de la luz yla perspectiva occidentales disminuyó las diferencias entre ambas corrientes. Así como el nihonga adoptó enbuena medida las innovaciones del postimpresionismo, el yōga manifestó una inclinación por el eclecticismo,surgiendo una gran diversidad de movimientos artísticos divergentes. Durante esta época se creó la Academia deBellas Artes de Japón (Nihon Bijutsuin). La pintura de la era Shōwa estuvo marcada por la obra de YasurioSotaro y Umehara Ryuzaburo, quienes introdujeron los conceptos de arte puro y pintura abstracta a la tradiciónnihonga. En 1931 se creó la Asociación de Arte Independiente (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) para promover elarte de vanguardia.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la censura y los controles gubernamentales permitieron únicamente laexpresión de temas patrióticos. Tras la guerra, los artistas japoneses prosperaron en las grandes ciudades–particularmente en Tokio–, creando un arte urbano y cosmopolita, que fue siguiendo con devoción lasinnovaciones estilísticas producidas a nivel internacional, especialmente en París y Nueva York. Después de losestilos abstractos de los años 1960, en los 1970 se volvió al realismo favorecido por el pop-art, como se denota


24 of 31 10/09/2014 13:14

Páginas del Nihonshoki.

en la obra de Shinohara Ushio. Aun así, a finales de los años 1970 hubo un retorno al arte tradicional japonés, enel que veían una mayor expresividad y fuerza emocional. La tradición del grabado continuó en el siglo XX en unestilo de «grabados creativos» (sosaku hanga) dibujados y tallados por artistas preferentemente de estilonihonga, como Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi y Munakata Shiko.

Entre las últimas tendencias, tuvo bastante renombre dentro del llamado arte de acción el grupo Gutai, queasimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones cargadas de ironía, con un gransentimiento de crispación y una agresividad latente. Entre sus miembros destacan: Jirō Yoshihara, SadamasaMotonaga, Shozo Shimamoto y Katsuō Shiraga. Vinculados al arte postmoderno figuran varios artistas, inmersosen el fenómeno reciente de la globalización, marcada por la multiculturalidad de las expresiones artísticas:Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Otros artistas destacados del Japón contemporáneo son: Tarō Okamoto,Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, ShigeoFukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 y Takashi Murakami.72

Literatura

La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china, debidosobre todo a la adopción de la escritura china. El testimonio másantiguo conservado es el Kojiki (Relatos de cosas antiguas), especiede historia universal de corte mítico y teogónico. Otro testimonio derelevancia es el Nihonshoki (Anales de Japón). La poesía estárepresentada por el Man'yōshū (Colección de diez mil hojas),antología de poemas de diverso signo, con gran variedad temática yestilística, redactado por varios autores entre los que destacanOtomo Yakamochi y Yamanoue Okura.73

Durante la Edad Media japonesa la literatura continuó bajo elinflujo de la china, sobre todo en poesía, donde la mayor producciónfue en lengua china, considerada más culta: tenemos así el Kaifuso(Tiernos recuerdos de poesía, 751), antología de varios poetas. En época Heian hubo un renacer de las letrasjaponesas, destacando la narrativa: Genji Monogatari (Relato de Genji), de Murasaki Shikibu, es un clásico dela literatura nipona, describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo, de tono a veces erótico. Lapoesía de la época fue compilada en la antología imperial Kokinshu, donde se exaltaba preferentemente lanaturaleza, escrita en waka (composición de 31 sílabas). En el período Kamakura la literatura se vio afectadapor las constantes guerras feudales, reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado: Hojoki (Narraciónde mi cabaña), de Kamo no Chomei. Del período Muromachi cabe destacar el Tsurezuregusa (Ensayos en ocio),de Yoshida Kenkō, y el Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes), anónimo.74

Durante el período Edo la literatura evolucionó hacia un mayor realismo, generalmente de tono costumbrista ycon una sutil vena humorística, como se aprecia en la obra de Saikaku Ihara, Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. Enpoesía, la principal modalidad es el haiku, composición de 17 sílabas, generalmente de tono bucólico, centradasen la naturaleza y el paisaje, destacando Matsuo Bashō, Yosa Buson y Kobayashi Issa. Continuó el género de lawaka, generalmente en chino, representada principalmente por Rai Sanyo. En el siglo XIX destacó el novelistaTakizawa Bakin, autor de Satomi Kakkenden (Vidas de ocho perros).75

En época contemporánea la litaratura ha recibido -como en el resto de las artes- la influencia occidental,perceptible desde finales del siglo XIX en el influjo ejercido por autores como Victor Hugo y Lev Tolstói,


25 of 31 10/09/2014 13:14

Interpretación de teatro nō en el TemploItsukushima (Hiroshima).

principalmente en novelistas como Mazamune Hakucho, Kafū Nagai, Natsume Sōseki, Morita Sohei, YasunariKawabata (premio Nobel de literatura en 1968), etc. Esta generación se vio truncada con la Segunda GuerraMundial, donde se impuso una estricta censura. Con posterioridad, las letras japonesas se han visto inmersas enlas corrientes vanguardistas, aunque algunos escritores han continuado con el estilo tradicional, como ShōheiŌka, Hotta Yoshie y Fukuda Tsuneari. Entre los principales escritores contemporáneos se encuentran: YukioMishima, Kōbō Abe, Shintarō Ishihara, Ito Sei, Murō Saisei, Miki Rofu, Satō Haruo y Kenzaburō Ōe (premioNobel en 1994).

Música

La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en las honkyoku («piezas originales»), que se remontan alsiglo XIX a. C., así como el min'yō, canciones folklóricas japonesas. Los ritos sintoístas tenían coros querecitaban un trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto).La principal modalidad de música y danza sintoísta es la kagura, sobre el mito de Amaterasu, diosa del sol. Seejecuta con los instrumentos mencionados, y otros como el hichiriki (oboe) y tambores como el o-kakko y elo-daiko.76

La llegada del budismo comportó la influencia extranjera, surgiendo dos corrientes: la música izquierda, deorigen indio y chino; y la música derecha, de origen manchú y coreano. Estas modalidades empleabaninstrumentos como el biwa (laúd de cuello corto), el taiko (tambor japonés), el kakko (tambor chino), el shôko(gong), el sô-no-koto (cítara), el koma-bue (flauta), el hichiriki (oboe), el ôteki (flauta travesera) y el shô(órgano soplado). Asimismo había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos másantiguos eran shōmyō («hombre gordo que canta») y gagaku («música graciosa»), ambos provenientes de losperíodos Nara y Heian. Adicionalmente, el gagaku se divide en sōgaku (música instrumental) y bugaku (músicay danza).77

Durante el período Edo la música fue principalmente de cámara, de tipo profano, desarrollada con diversosinstrumentos entre los que destacan el shamisen (laúd de tres cuerdas), el shakuhachi (flauta de bambú) y elkoto (cítara de 13 cuerdas). El koto, principalmente, tuvo un gran auge a partir del siglo XVII, siendopopularizado por el músico ciego Yatsushashi. Se tocaba solo, con diversas variaciones (dan) de 52 compases(hyoshi), o acompañado de voz (kumi).78

Artes escénicas

En teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō,drama lírico-musical en prosa o verso, de tema histórico omitológico. Su origen se sitúa en el antiguo baile kakura y en laliturgia sintoísta, aunque posteriormente fue asimilado por elbudismo. Está caracterizado por una trama esquemática, con trespersonajes principales: el protagonista (waki), un monje itinerante yun intermediario. La narración es recitada por un coro, mientras losactores principales se desenvuelven de forma gestual, enmovimientos rítmicos. Los decorados son austeros, frente a lamagnificencia de vestidos y máscaras. Su principal exponente fueChikamatsu Monzaemon.79

Durante el período Edo surgió la modalidad del kabuki, que sintetizólas antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como demímica y danza, con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas. Así como el nō era de tono


26 of 31 10/09/2014 13:14

Cuentos de Tokio, de Yasujirō Ozu.

aristocrático, el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. La puesta en escena era de gran riqueza, condecorados donde destacaba la composición cromática, vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico,representando según el color diversos personajes o estados anímicos. La dicción era de tipo ritual, mezcla decanto y recitativo, en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje.80

Cine

El cine japonés aúna la moderna tecnología con la temática tradicional,con un particular sentido estético que otorga gran importancia a la líricavisual. Introducido en 1896, siempre ha gozado de gran popularidad. En1908 se crearon los primeros estudios cinematográficos japoneses,destacando con posterioridad la Nikkatsu (creada en 1912) y la Shōchiku(aparecida en 1920). Desde el principio el cine tomó numerosospréstamos del teatro tradicional japonés, y se dividió en dos tendencias:gendai-geki, de tema contemporáneo, y jidai-geki, de tema histórico. Elcine mudo incorporó figuras como el onnagata, actor que representa unrol femenino, y el benshi, recitador que comenta la película durante laproyección. Entre los primeros realizadores destacan Yasujirō Ozu yMikio Naruse. En 1931 se introdujo el cine sonoro, surgiendo la granfigura de Kenji Mizoguchi (Las hermanas de Gion, 1936). Con elconflicto chino-japonés se pusieron de moda los filmes bélicos, y durantela contienda mundial el cine fue un instrumento de propagandanacionalista. En la posguerra se recibió una mayor influencia occidentaly vanguardista, con un estilo entre tradicional e innovador que, junto aelaborados guiones, destacaba por su idealización visual y el valor otorgado a la fotografía. El principalexponente de esta etapa fue Akira Kurosawa, autor de obras como Rashōmon (1950), Los siete samuráis(1954), Yojimbo (1961), Dersu Uzala (1975), Kagemusha (1980) y Ran (1985). Posteriormente han destacadodirectores como Nagisa Ōshima, Hiroshi Inagaki, Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Shohei Imamura, KinjiFukasaku, Hayao Miyazaki, Takeshi Kitano, Takashi Miike, Mamoru Oshii, Hirokazu Koreeda, etc.81

Historieta

Japón es el centro productor del manga, un género de historieta que ha tenido gran éxito a nivel internacionaldesde los años 1980. Se caracteriza por largas epopeyas de gran dinamismo, con abundantes efectos sonoros,teniendo un punto de origen en la tradición gráfica del ukiyo-e. Aunque su inicio se vincula a la revista MangaShōnen (1947), de Osamu Tezuka, sería a finales de los 1980 cuando alcanzaría su mayor repercusión, conAkira de Katsuhiro Otomo (1982-93) y Dragon Ball de Akira Toriyama (1984-95). Desde unos inicios con unaestética un tanto infantil, el manga ha evolucionado a un estilo más realista y de tono fotográfico, abriéndose anuevos géneros y tipologías e incorporando elementos satíricos, humorísticos, terroríficos, violentos y eróticos(hentai). Entre los principales creadores de estos últimos años destacan: Fujio Akatsuka, Tetsuya Chiba, RiyokoIkeda, Shigeru Mizuki, Gō Nagai, Keiji Nakazawa, Monkey Punch, Tsukasa Hōjō, Ryōichi Ikegami, MasakazuKatsura, Mitsuru Adachi, Jirō Taniguchi, Takehiko Inoue, Eiichirō Oda, Masashi Kishimoto, Masami Kurumada,Naoko Takeuchi, Chiho Saito y Hiro Mashima.82

Videojuegos

Japón es uno de los principales países productores de videojuegos, género artístico reconocido en Europa por lospremios BAFTA y recientemente en Estados Unidos por la NEA. Los videojuegos tuvieron una crisis en 1983,pero gracias al diseñador de videojuegos japonés Shigeru Miyamoto lograron salir adelante y siguen formando


27 of 31 10/09/2014 13:14

Donkey Kong II, un título de laserie Nintendo Game & Watch(1980).

parte de la cultura contemporánea de Japón. Uno de los primeros éxitos dela industria de videojuegos japonesa fue Space Invaders, de la CorporaciónTaito (1978). Posteriormente, la principal productora de videojuegos enJapón ha sido Nintendo, dirigida por Hiroshi Yamauchi, que convirtió unapequeña empresa familiar de cartas hanafuda en una multimillonariacompañía de videojuegos reconocida mundialmente. Fue Yamauchi quiencontrató a Shigeru Miyamoto, y juntos revolucionaron el mundo delvideojuego. El primer éxito de Nintendo fue la serie Game & Watch, unasmáquinas de tecnología LCD que hacían las veces de reloj, ideadas porGunpei Yokoi. En 1983 lanzaron al mercado su consola Famicom, queobtuvo un gran éxito, y que contaba en su catálogo con juegos como elclásico Donkey Kong. Posteriormente surgieron videojuegos de tanto éxitocomo Tennis, Dragon Quest, The Legend of Zelda o Final Fantasy. En losaños 1980 también surgieron otras empresas -generalmente dedicadas alarcade- como Capcom, Konami, Irem, Jaleco, SNK o Sega. Tras la crisis de 1983 Nintendo reconvirtió laFamicom en Nintendo Entertainment System, con la que se lanzó a la conquista del mercado americano yeuropeo, y que con la nueva creación de Miyamoto, Super Mario Bros., cosechó un gran éxito. Desde entonces,la constante innovación en el mundo de las consolas (Sega Mega Drive, Super Nintendo, Game Boy, Playstationde Sony, Nintendo DS, Sony PSP, Nintendo Wii) han hecho de la industria japonesa una de las principalesproductoras de videojuegos a nivel mundial.83

Portal:Japón. Contenido relacionado con Japón.Historia de JapónCultura de JapónEstética japonesaArquitectura japonesaPintura de JapónCaligrafía japonesaJardín japonésCastillo japonésCerámica y porcelana japonesaCeremonia del té japonesaIkebanaOrigamiMangaShungaTanbo artBiomboJaponismoJaponologíaWabi-sabiTesoro Nacional de JapónPraemium ImperialeAnexo:Patrimonio de la Humanidad en Japón


28 of 31 10/09/2014 13:14

↑ AA.VV. (2002), p. 7732.1.↑ Gutiérrez (1999), p. 31-32.2.↑ AA.VV. (2002), p. 7729.3.↑ AA.VV. (1997), p. 2148.4.↑ «Arte japonés (http://www.temakel.com/galeriajapon.htm)». Consultado el 22 de enero de2011.

5.

↑ Stanley-Baker (2000), p. 7-14.6.↑ Gutiérrez (1999), p. 13-28.7.↑ Vicente Camarasa. «La estética zen. Ideas parameditar (http://sdelbiombo.blogia.com/2008/091104-la-estetica-zen.-ideas-para-meditar.php)».Consultado el 15 de marzo de 2009.

8.

↑ Souriau (1998), p. 708.9.↑ Salvatore Vinyatti. «Haiku (mono-no-aware)(http://salvatorevinyatti.obolog.com/haiku-mono-no-aware-23190)». Consultado el 03 de octubre de2010.

10.

↑ Taisen Deshimaru. «Zen y arte: la doble vía(http://zenyarte.blogspot.com/2010/09/la-doble-via.html)». Consultado el 22 de enero de 2011.

11.

↑ Souriau (1998), p. 709.12.↑ Manrique (2006), p. 17-19.13.↑ Okakura (1999), p. 135.14.↑ «La ceremonia del té en Japón. Chanoyu. Ritual.Fases. Elementos. Desarrollo.(http://www.protocolo.org/internacional/asia/la_ceremonia_del_te_en_japon_chanoyu_ritual_fases_elementos_desarrollo.html)».Consultado el 22 de enero de 2011.

15.

↑ Souriau (1998), p. 710.16.↑ Minneapolis Institute of Arts. «Guide to JapaneseHistorical Periods (http://www.artsmia.org/art-of-asia/history/japan-historical-periods.cfm)» (eninglés). Consultado el 1 de noviembre de 2009.

17.

↑ Onians (2008), p. 46-49.18.↑ Stanley-Baker (2000), p. 15-18.19.↑ Stanley-Baker (2000), p. 19.20.↑ Stanley-Baker (2000), p. 20-22.21.↑ Onians (2008), p. 88-89.22.↑ Kidoma. «Haniwa (http://ceramica.wikia.com/wiki/Haniwa)». Consultado el 22 de enero de 2011.

23.

↑ «Santuario sintoísta de Ise(http://www.historiadelarte.us/japon/ise.html)».Consultado el 30 de enero de 2011.

24.

↑ Stanley-Baker (2000), p. 22-24.25.↑ Honour-Fleming (2002), p. 289.26.↑ Stanley-Baker (2000), p. 37-40.27.↑ Onians (2008), p. 140.28.↑ Honour-Fleming (2002), p. 292.29.↑ Stanley-Baker (2000), p. 46-53.30.↑ Stanley-Baker (2000), p. 42-44.31.↑ Stanley-Baker (2000), p. 44-45.32.↑ Honour-Fleming (2002), p. 294.33.↑ Stanley-Baker (2000), p. 59-62.34.

↑ Stanley-Baker (2000), p. 63-68.35.↑ Honour-Fleming (2002), p. 295.36.↑ Stanley-Baker (2000), p. 68-73.37.↑ «Arte japonés (http://www.ar.emb-japan.go.jp/Contenido/07.Arte.htm)». Consultado el 28 de enerode 2011.

38.

↑ Stanley-Baker (2000), p. 80-90.39.↑ Honour-Fleming (2002), p. 295-296.40.↑ «Arquitectura del período Kamakura (1185-1333)(http://ice.unizar.es/arte_japon/archivos_propios/arquitecturakamakuraweb.pdf)». Consultado el 22de enero de 2011.

41.

↑ Honour-Fleming (2002), p. 298.42.↑ Stanley-Baker (2000), p. 113-115.43.↑ Stanley-Baker (2000), p. 106-108.44.↑ Stanley-Baker (2000), p. 121-122.45.↑ «El jardín zen (http://www.grancanariaweb.com/edgar/japon/zen.htm)». Consultado el 17 de octubrede 2010.

46.

↑ Stanley-Baker (2000), p. 115-119.47.↑ Manrique (2006), p. 20-22.48.↑ Honour-Fleming (2002), p. 571.49.↑ Onians (2008), p. 141.50.↑ Honour-Fleming (2002), p. 576-577.51.↑ Honour-Fleming (2002), p. 573.52.↑ Stanley-Baker (2000), p. 138-146.53.↑ Stanley-Baker (2000), p. 153-157.54.↑ Stanley-Baker (2000), p. 158-160.55.↑ Stanley-Baker (2000), p. 138-139.56.↑ Honour-Fleming (2002), p. 575.57.↑ Onians (2008), p. 204-205.58.↑ Stanley-Baker (2000), p. 171-175.59.↑ Stanley-Baker (2000), p. 176-179.60.↑ Honour-Fleming (2002), p. 706.61.↑ Fahr-Becker (2007), p. 7-22.62.↑ Stanley-Baker (2000), p. 156.63.↑ Stanley-Baker (2000), p. 169-170.64.↑ Tarabra (2009), p. 318-323.65.↑ Onians (2008), p. 308-309.66.↑ Stanley-Baker (2000), p. 191-192.67.↑ Emilio Martín Gutiérrez. «El movimientometabolista: Kisho Kurokawa y la arquitectura de lascápsulas (http://ruc.udc.es/dspace/bitstream/2183/5206/1/ETSA_12-3.pdf)». Consultado el 22de enero de 2011.

68.

↑ Honour-Fleming (2002), p. 868.69.↑ Pilar Cabañas. «Kokoro Nihonga: Pintura japonesaal estilo tradicional (http://www.adamar.org/oldesign/num2/pag2_25.htm)». Consultado el 22 de enero de2011.

70.

↑ Honour-Fleming (2002), p. 891.71.↑ Exposicion en 2009 en el Guggenheim Bilbao(http://www.guggenheim-bilbao.es/microsites/murakami)

72.

↑ Riquer-Valverde (2007), vol. II, p. 843.73.


29 of 31 10/09/2014 13:14

↑ Riquer-Valverde (2007), vol. II, p. 844-847.74.↑ Riquer-Valverde (2007), vol. II, p. 847-848.75.↑ Robertson-Stevens (2000), p. 87-89.76.↑ Robertson-Stevens (2000), p. 89-96.77.↑ Robertson-Stevens (2000), p. 96-100.78.↑ Oliva-Torres Monreal (2002), p. 435.79.↑ Oliva-Torres Monreal (2002), p. 435-436.80.↑ Alfredo Domingo Colozzo. «Reseña histórica del81.

cine japonés (http://www.temakel.com/cinehcinejapones.htm)». Consultado el 23 de enerode 2011.↑ Guzmán Urrero. «Historia del manga. El cómicjaponés (http://www.guzmanurrero.es/index.php/Comic/Historia-del-manga.-El-comic-japones.html)». Consultado el 23 de enero de 2011.

82.

↑ Donovan (2010), p. 169-192.83.

AA.VV. (1991). Enciclopedia del Arte Garzanti. Ediciones B, Barcelona. ISBN 84-406-2261-9.AA.VV. (1997). Enciclopedia Salvat, tomo 10. Salvat Editores, Barcelona. ISBN 84-345-9717-9.AA.VV. (2002). Gran Enciclopedia Espasa, tomo 18. Espasa Calpe, Madrid. ISBN 84-239-9972-6.Donovan, Tristan (2010). Replay, The History of Video Games (edición electrónica) (en inglés) (1ªedición). Yellow Ant. ISBN 978095607228 |isbn= incorrecto (ayuda).Fahr-Becker, Gabriele (2007). Grabados japoneses. Taschen, Colonia. ISBN 978-3-8228-3480-0.Gutiérrez, Fernando G. (1999). El arte del Japón, Col. Summa Artis. Espasa Calpe, Madrid. ISBN84-239-5221-5.Honour, Hugh y Fleming, John (2002). Historia mundial del arte. Ed. Akal, Madrid. ISBN 84-460-2092-0.Manrique, María Eugenia (2006). Pintura zen. Método y arte del sumi-e. Ed. Kairós, Barcelona. ISBN84-7245-621-8.Okakura Kakuzo (1999). El libro del té. Edicomunicación, Barcelona. ISBN 84-7672-925-1.Oliva, César y Torres Monreal, Francisco (2002). Historia básica del arte escénico. Cátedra, Madrid.ISBN 84-376-0916-X.Onians, John (2008). Atlas del arte. Ed. Blume, Barcelona. ISBN 978-84-9801-293-4.Riquer, Martín de y Valverde, José María (2007). Historia de la literatura universal II. Gredos, Madrid.ISBN 978-84-249-2876-6.Robertson, Alec y Stevens, Denis (2000). Historia general de la música I. De las formas antiguas a lapolifonía. Istmo, Madrid. ISBN 84-7090-034-X.Souriau, Étienne (1998). Diccionario Akal de Estética. Akal, Madrid. ISBN 84-460-0832-7.Stanley-Baker, Joan (2000). Arte japonés. Destino, Madrid. ISBN 84-233-3239-X.Tarabra, Daniela (2009). Los estilos del arte. Electa, Milán. ISBN 978-8156-89396-471-6.

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Arte de Japón.Arte japonés (http://www.historiayarte.net/a-arte-japones.html)Arte japonés o la belleza de lo efímero (http://web.archive.org/web/http://usuarios.netgate.com.uy/carlosfleitas/japon1.htm)Español/(en japonés) Kato, Kauro (sic) ( Katō Kaoru) (Universidad de Kanagawa (Q(http://www.wikidata.org/wiki/Q203624#sitelinks-wikipedia))), traductor: Saeko Yanagisawa."Acercamiento a la influencia del movimiento muralista mexicano en el arte contemporáneo de Japón(http://www.ojs.unam.mx/index.php/cronicas/article/viewFile/17312/16505)." (

, Archivo (http://www.webcitation.org/6OdUkD8Hg)) Crónicas. El Muralismo,Producto de la Revolución Mexicana, en América. Universidad Nacional Autonoma de México.Diciembre de 2008, No. 13, p. 237-264. Español: p. 237-255, japonés: p. 256-264.

Obtenido de «http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Arte_de_Japón&oldid=76883640»Categorías: Arte de Japón Arte Oriental


30 of 31 10/09/2014 13:14

Esta página fue modificada por última vez el 10 sep 2014 a las 03:27.El texto está disponible bajo la Licencia Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0; podrían seraplicables cláusulas adicionales. Léanse los términos de uso para más información.Wikipedia® es una marca registrada de la Fundación Wikimedia, Inc., una organización sin ánimo delucro.


31 of 31 10/09/2014 13:14

w001 arte de japón - wikipedia, la enciclopedia libre

Documents