antología dibujo y diseño
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OBJETIVO GENERAL
1
COLEGIOCRISTÓBAL COLÓN
BACHILLERATO
ÁREAS DE HUMANIDADES
3° SEMESTRE
ANTOLOGÍA
FORMACIÓN PARA EL TRABAJO
DIBUJO Y DISEÑO
Describir que es el dibujo y diseño,
comparando e identificando diferentes
proyectos de diseño y materiales, para
practicar técnicas de elaboración con
base en proyectos propios con la
utilización de materiales y
herramientas apropiados.
UNIDAD I. TECNICAS DEL DIBUJO
1. DIBUJO. Definición2. DISEÑO GRÁFICO. Definición3. LÁPIZ
Definición Grafito Aplicaciones
4. CLASIFICACIÓN DE LOS LÁPICES5. EL TRAZO
Definición Características del trazo El trazo y la escritura
6. SOPORTE Definición Características
7. TÉCNICAS DE DIBUJO. VISUALIZACIÓN DE CONTORNOS Visualización de contornos de
forma física Visualización de contornos con
figuras geométricas Visualización de contornos por
silueta o sombra Visualización de contornos por
perspectiva8. TOMA DE MEDIDAS CON LA
TÉCNICA DEL LÁPIZ Aplicación de todas las técnicas
anteriores
UNIDAD II. TECNICAS DE REPRESEN-
TACION DE DIBUJO
1. TÉCNICA DE REPRESENTACIÓN DE DIBUJODefinición: Puntillismo Achurados Difuminados
2. COLOR Parámetros del color Psicología del color Círculo cromático Acerca del color
UNIDAD III. TECNICAS DE ILUSTRACION
1. ANTECEDENTES Pintura contemporánea
2. TÉCNICAS DE ILUSTRACIÓN Definición
3. TÉCNICAS Carboncillo Lápiz de color Pastel Acuarela Plumón Óleo Acrílico
2
CRITERIOS DE EVALUACIÓNPRIMER PARCIAL
CRITERIOS% SEGUNDO PARCIAL
CRITERIOSNotas de clase en la libreta de apuntes, resúmenes, investigación.
5 Notas de clase en la libreta de apuntes, resúmenes, e investigación.
Portafolio que incluye los bocetos realizados en clase
35 Portafolio que incluye los bocetos realizados en
3
CRITERIOS DE EVALUACIÓNPRIMER PARCIAL
CRITERIOS% SEGUNDO PARCIAL
CRITERIOSNotas de clase en la libreta de apuntes, resúmenes, investigación.
5 Notas de clase en la libreta de apuntes, resúmenes, e investigación.
Portafolio que incluye los bocetos realizados en clase
35 Portafolio que incluye los bocetos realizados en
UNIDAD I
TECNICAS DEL DIBUJO
1. DIBUJO
4
El dibujo es un lenguaje sin frontera
que puede ser captado por personas
de diferente cultura, idioma o
nacionalidad. Por eso, en la era actual
en que la comunicación entre los
diversos pueblos es esencial, el
lenguaje de la imagen ocupa una
posición destacada. Es el vehículo más
directo para transmitir información.
Resulta imprescindible para que el ser
humano exprese muchas de sus
sensaciones; lo utiliza el técnico para
comunicar sus ideas acerca de una
maquina o de un edificio y es el medio
con que el artista plasma su
concepción de la vida, del entorno, del
arte y de sí mismo.
El hombre es capaz de expresar toda
clase de medios para expresar
gráficamente sus ideas. De ahí surge la
necesidad de estudiar las técnicas del
lenguaje gráfico que conduzcan al
resultado deseado.
Las artes plásticas, además de ser
importantes porque nos ayudan a ver
el mundo de una manera diferente,
constituyen un lenguaje, pues por
medio de ellas es posible
comunicarnos con los demás. El dibujo
es la base de todas las disciplinas
artístico-plásticas; sirve para la pintura,
el grabado, la escultura, y constituye
un lenguaje por sí mismo; es un
verdadero lenguaje, puesto que en él
hay un emisor (el dibujante), un
5
Fig. 1.1 Autorretrato.Dibujo de Vincent Van Gogh.
Fig. 1.2 Croquis de un sacapuntas.
Fig. 1.4 Plano de planta de una vivienda
receptor (el que ve la obra), un
mensaje (el contenido dibujado) y un
código (una serie de leyes sobre la
forma, el color y los símbolos gráficos).
El dibujante utiliza todos los recursos
expresivos del lenguaje gráfico. Éste se
caracteriza porque comunica a grupos
humanos, aunque éstos se encuentren
muy distantes unos de otros en el
tiempo. A través de los grafismos
realizados por el hombre prehistórico
conocemos su forma de vida; del
mismo modo que las imágenes de una
campaña publicitaria actual servirán
para que los hombres del futuro
conozcan nuestra civilización.
Mediante el dibujo comunicamos ideas
y sensaciones que, incluso con las
palabras, algunas veces seríamos
incapaces de trasmitir de manera
elocuente en su autentica grandiosidad
o precisión. El dibujo es un lenguaje
rico en medio y recursos expresivos.
Para comunicar tan diversos mensajes,
el lenguaje gráfico del dibujo utiliza
símbolos técnicos, pero se apoya
fundamentalmente en los conceptos de
forma y color, como se evidencia
tanto en las primeras manifestaciones
del arte rupestre (Fig. 1.3), como en los
grafismos simbólicos usados por los
técnicos en los planos de edificios (Fig.
1.4).
Poder dibujar lo que se nos ofrece ante
la vista es una actividad sencilla de
aprender. Cierto es que los grandes
artistas nacen, pero para conseguir un
dibujo preciso y sencillo no hace falta
ser un genio, solo hace falta ganas de
6
Fig. 1.3 Pintura rupestre.
trabajar. Este aprendizaje es
semejante al de un deporte o de un
instrumento musical: el secreto reside
en la práctica. Dibujar es ver la
forma, sentirla e interpretarla.
ACTIVIDAD COMPLEMENTARIA:
Dibujar figuras geométricas con forma
y color en cartón rígido.
2. DISEÑO GRAFICO
Esta actividad que hoy conocemos
como diseño gráfico es una profesión
cuyo objetivo principal es comunicar
un mensaje a través de la organización
de palabras e imágenes con
intenciones educativas, deportivas,
políticas, etc. las tecnologías y
métodos utilizados antiguamente para
transmitir la comunicación visual se
han ido modificando sucesivamente.
En un inicio el diseño gráfico lo
producían los artesanos, impresores y
rotulistas, y era más bien visto como
un oficio.
El diseñador (gráfico, industrial o
arquitectónico) actúa como un
mediador que lleva un mensaje del
cliente al consumidor, y para obtener
nuevos resultados debe conocer todos
los medios de producción gráfica,
presupuestos entrevistas, honorarios,
etc.
3. LAPIZ
Los medios utilizados para dibujar son
variados, y en las artes plásticas éstos
suelen combinarse para reforzar el
mensaje que se quiere transmitir.
Los instrumentos de dibujo se dividen
en materiales, que son el gráfito,
carbón, pigmentos, tintas, etc., y
herramientas, como los lápices,
pinceles, plumillas, brochas, los dedos,
etc. El Lápiz es un instrumento de
7
dibujo denominado también “grafito”
porque generalmente está elaborado
con grafito, el cual es un mineral. El
lápiz es una barra negra y levemente
satinada de este material, embutida en
un cilindro de madera.
GRAFITO Y SUS APLICACIONES
El término
grafito deriva
del griego
“graphein” que
significa
escribir.
También se
denomina
plomo negro. El grafito se encuentra en
yacimientos naturales, pero también se
produce artificialmente.
El principal productor de grafito es
China, le siguen la India y Brasil. El
grafito es un mineral poliformo de color
negro con brillo metálico, refractario y
se exfolia con facilidad.
Se utiliza para hacer la mina de los
lápices.
El grafito se emplea en ladrillos,
crisoles, etc.
Al deslizarse las capas fácilmente en
el grafito, resulta ser un buen
lubricante sólido.
Se utiliza en la fabricación de
diversas piezas en ingeniería, como
pistones, juntas, arandelas,
rodamientos, etc.
Este material es conductor de la
electricidad y se usa para fabricar
electrodos. También tiene otras
aplicaciones eléctricas.
Se emplea en reactores nucleares
como moderadores y reflectores.
El grafito mezclado con una pasta
sirve para fabricar lápices.
Es usado para crear discos de grafito
parecidos a los discos de vinilo.
Se puede crear Grafeno, material de
alta conductividad eléctrica y
térmica, futuro sustituto del silicio en
la fabricación de chips.
En homeopatía es utilizado como
medicamento, el cual, después de
ser extraída la tintura madre, diluida
y dinamizada se utiliza para tratar
enfermedades como tristeza,
inquietud, llanto fácil,
desesperación, etc.
4. CLASIFICACION DE LOS LAPICES
Los lápices que más empleamos para
dibujar son los de grafito, los cuales
están clasificados en duros (H) y
blandos (B) y, a la vez, están
8
graduados con una numeración que va
aproximadamente (según la marca del
lápiz) del 1 al 8. Por ejemplo, los 8B
son los más blandos y los 8H, los más
duros.
El lápiz blando (los lápices B) se
emplea para realizar tanto contornos
suaves como contornos enérgicos;
para representar una gran gama de
grises que nos ayuden a crear
volúmenes o masas (virtuales) y que
expresen la proximidad o lejanía de los
objetos representados. Con el lápiz
blando también obtendremos variadas
posibilidades expresivas si creamos
puntos, líneas, tramados, texturas.
RELACIÓN LAPIZ-PAPEL.
Experimentar con lápices de varias
durezas sobre distintas clases de papel
es muy importante del que podremos
extraer conclusiones acerca de las
combinaciones más adecuadas a
nuestros propósitos. Cada clase de
papel posee un grano o finura,
determinado que al dibujar araña al
grafito del lápiz y lo retiene intacto en
la superficie. En el papel basto (que es
tosco y áspero) queda más grafito que
en el suave y la mina blanda
desprende más grafito que la dura.
9
Fig. 1.6 Dibujo con lápiz blando
Fig. 1.5 Diferentes resultados gráficos con el lápiz.
5. EL TRAZO
DEFINICIÓN
Un trazo es una línea o
raya. El término se utiliza
para nombrar a las rectas
o curvas que forman un
carácter o que se
escriben a mano sin
levantar el instrumento de
escritura (lápiz, pluma,
plumón, etc.) de la
superficie. El dibujo,
además de ser el resultado de
aprender a ver, es una creación
formada por trazos donde las líneas se
pueden repetir y exagerar.
Se conoce como trazo, por otra parte, a
la delineación con que se forma el
diseño de una cosa. Los trazos, en
este sentido, son borradores e ideas
tentativas, que se irán corrigiendo y
perfeccionando con el tiempo.
En el ámbito de
la construcción,
el trazo es el
proceso que
consiste en la
medición de un
territorio para
definir la dimensiones que tendrá una
obra. El trazo establece la forma básica
de la superficie e indica los lados
donde se levantarán las paredes.
CARACTERÍSTICAS DEL TRAZO
Intensidad: fuerte o débil (claro)
Calibre: delgado o grueso
Ritmo: Lento o rápido.
EL TRAZO Y LA ESCRITURA
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El escribir también es una forma de
dibujar, porque las letras son trazos de
diferentes tamaños, intensidad y
calibre. En nuestro alfabeto el número
de trazos es irrelevante, lo que importa
es que dichos trazos sean claros para
que las ideas,
sentimientos o
simple
información
escrita sea
fácil de comprender. El arte de escribir
se le llama “caligrafía, palabra griega
que significa “escritura hermosa”.
6. EL SOPORTE
Se llama soporte a la superficie sobre
la que dibuja, traza y trabaja el artista,
ésta puede ser rígida, como el cartón,
la madera, la pared y otras, o flexible,
por ejemplo, el papel, la tela, etc.
El soporte transmite visualmente,
ciertas calidades según sus
caracterísitcas:
Consistencia (blando o duro)
Peso (liviano o pesado)
Textura (corrugada, lisa, áspera,
brillante, mate)
Color
Todos los materiales pueden soportar
una obra de arte, siempre y cuando
ayuden a reafirmar la idea y mantener
los materiales de la mejor manera
posible.
ACTIVIDAD
COMPLEMENTARIA:
1. Consiste en extender con un lápiz
de mina 4B en un papel recio de
embalar, un lavado regular de
grafito repitiendo después la
experiencia con un lápiz de mina
2H. Es fácil observar la diferencia
de calidades entre el peso de la
tonalidad prestada por el grafito
blando y la calidad ligera, casi
metálica que proporciona el grafito
duro.
2. Sobre cuatro tipos de soporte
diferentes, se obtendrá una gama
completa de calidades en función
de las dureza de las minas,.
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empleando una técnica
espontánea.
7. VISUALIZACIÓN DE CONTOR-
NOS
La visualización de contornos es la
forma de “ver” los contornos de los
objetos que nos rodean, aunque en
algunas ocaciones podemos visualizar
algo que imaginamos, pero aún así
nuestra mente toma como referencia a
otro objetivo similar.
Visualizar es estrenar a nuetros
ojos para ver, observar y analizar.
Existen diferentes tipos de
visualizacion de contornos:
a. Físico
b. Figuras
c. Silueta o sombra
d. Perspectiva
A. VISUALIZACIÓN DE CONTORNO DE
FORMA FISICA.
Se le da este nombre porque para
dibujar este tipo de contorno, se
necesita poner fisicamente el objeto
que dibujaremos sobre el papel, y
realizar el delineado correspondiente.
A partir de este procedimiento,
tenemos la mayor certeza de que el
contorno corresponde al objeto.
B. VISUALIZACIÓN DE CONTORNOS
CON FORMAS GEOMETRICAS
En este tipo de técnica, la forma de
visualizar los objetos o imágenes es
como formas geométricas. Una
primera opción es realizando trazos
con círculos, elipses, cuadrados,
rectángulos, etc., dependiendo de la
semejanza que tengan los objetos de
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estas formas geométricas. Después se
completan los detalles.
C. VISUALIZACIÓN DE CONTORNOS
POR SILUETA O SOMBRA
El contorno es el limite de los objetos y
al dibujarlos, se ve su forma en una
línea, es decir, su silueta. Cuando los
dibujantes no se concentran en lo que
realmente ven, trazan estas líneas muy
rapidamente, con la idea que tienen
del objeto.
Para ver el contorno de un objeto es
necesario aprender a sentir que el ojo
“lo toca”. Esto quiere decir que el ojo
se fija atentamente en las variaciones
del borde de los objetos como si pasara
por su superficie.
D. VISUALIZACION DE CONTORNOS
POR PERSPECTIVAS
Si observamos un espacio abierto o
cerrado o algún objeto cualquiera,
encontramos que hay una serie de
factores que intervienen en nuestra
percepción; estos factores son la luz, la
sombra, la distancia y el ángulo de
visión.
Una de las herramientas que tenemos
para representar la profundidad de las
formas y de los espacios es la
perspectiva, con la cual dibujaremos
las cosas no como son, sino como
aproximadamente las vemos.
El principio básico de la perspectiva es
que si nos situamos frente a un objeto
tirdimensional, el plano más cercano
del mismo se verá mas grande que el
plano más alejado.
Para dibujar una perspectiva, nos
ayudamos con algunos puntos y líneas;
estos son el punto de vista (PV) o
punto de fuga (PF), que es el punto
desde donde nacen las líneas que
provocarían que los cuerpos se vean
en perspectiva.
Línea de horizonte (LH). Que
situaremos a la altura del punto de
vistau, además, nos sitúa en el
espacio, o sea, separa el plano superior
del plan inferior.
Linea de tierra (LT). Es sobre lo que se
apoyan los objetos representados.
Las líneas de horizonte y de tierra
siempre son paralelas. La relación que
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hay entre ellas es la que nos hace ver
los objetos representados desde uno u
otro punto de vista. Si la línea de
horizonte sube, nuestro punto de vista
sube también; de esa manera, vemos
el objeto desde más arriba.
La perspectiva se divide en varios
sistemas de proyección. Dentro del
sistema cónico se encuentra la
perspectiva frontal y oblicua.
La perspectiva frontal o paralela es un
sistema de proyección de cuerpos que
se distinguen porque los bjetos
representados se ven de frente y
porque tienen un solo punto de fuga.
La perspetiva oblicua se diferencia de
la perspectiva paralela porque las
figuras no se ven de frente, y porque
para hacer su proyección se necesitan
dos puntos de fuga, los cuales
situaremos de preferencia en los
extemos de la línea de horizonte.
ACTIVIDAD COMPLEMENTARIA:
Trazo de una composiciónmodular en
perspectiva. Consiste en dibujar una
red cuadrangular, crear varios módulos
diferentes y realizar el que más te
guste sobre la red previamente trazada
en perspectiva.
TOMA DE MEDIDAS CON LA “TECNICA
DEL LAPIZ”
En muchas ocaciones seria imposible
tomar las medidas reales de un objeto
para dibujarlo,por ejemplo una casa
sobre una montaña. Sin embargo
podemos estimar “a ojo” la medida de
los objetos. Para calcular el tamaño y
la posición de los objetos se levanta un
lápiz a la altura de los ojos cerrando
uno de ellos, con el brazo
completamente extendido. De esta
manera se toman medidas
14
proporcionales que nos auxilian en el
trazo de nuestro dibujo. Esta técnica es
propuesta por la artisa Betty Eduards,
en su libro titulado “Aprender a
dibujar”.
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UNIDAD 2
TÉCNICAS DE REPRESENTACIÓN
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PUNTILLISMO.
Se designa con este nombre, a una
tendencia o procedimiento pictórico. El
puntillismo y “la técnica puntillista” fue
un movimiento pictórico, aparecido en
1884, y que fue encabezado por los
pintores Neo-Impresionistas Georges
Seurat (pintor francés 1859-1891),
Lucas Karagozian y que poco después
fue adoptado por Paul Signac y,
diversamente y de un modo pasajero,
por Camille Pizarro.
Georges Seurat, realizó estudios
cromáticos a partir del cual en el año
1884, logró separar los tonos, gracias a
la yuxtaposición de puntos de colores
puros, que vistos a una distancia
determinada, van creando la
combinación deseada a la retina. Otra
manera de llamar a esta técnica es
divisionismo. Con esta técnica
resurgen los principios del dibujo con
los principios ópticos, disminuyendo en
lo posible los temas y el paisaje,
sometiéndolos al cálculo y el orden.
El movimiento parte de la imagen de la
naturaleza, es por eso que es una
derivación del impresionismo.
Con las pinceladas minúsculas en
forma de puntos, lograron acumular
(aún en superficies pequeñas), gran
variedad de colores y tonos, y cada
uno corresponde con uno de los
elementos que contribuye a la
apariencia del objeto. A determinada
distancia, estas partículas se mezclan
óptimamente, esta mezcla debe
producir una intensidad de colores
mayor que la de cualquier mezcla de
pigmentos.
ACHURADOS.
La técnica del achurado es parecida al
puntillismo. Es una repetición
modulada de trazos pero su diferencia
radica en que permite aplicar líneas
rectas o curvas para ilustrar el dibujo.
Se recomienda que las líneas de
achurado no midan más de medio
centímetro para obtener trabajos finos,
aunque los volúmenes y grosores
dependerán de lo que el dibujante
desee lograr, pudiendo crear diseños
17
cada vez más complejos de acuerdo a
su creatividad.
Esta técnica tiene como objeto
elaborar diferentes imágenes a través
del uso único de la línea en sus
diferentes estilos:
Delgada
Gruesa
Continua
Intermitente
También se debe tomar en cuenta la
dirección del trazo que puede ser
horizontal, vertical o diagonal.
Al cuidar aspectos del achurado, tales
como la cercanía entre una y otra línea
o las diferencias de trazo entre sí, se
puede lograr una óptica o una
composición de cualquier cosa,
incluyendo objetos con volumen,
matices y desde luego sombras.
DIFUMINADOS
Unos de los instrumentos con que se
realiza el difuminado, es por medio de
los dedos (de ahí el origen de su
nombre), aunqe en ocaciones por lo
sucio que resulta esta tarea, se utiliza
un instrumento llamado difuminador.
Se puede difuminar el lápiz de grafito,
de colores, el pastel, el carboncillo, etc.
Se logran efectos de luz dentro del
difuminado, ahciendo borradores con
la goma.
ACTIVIDAD COMPLEMENTARIA:
Realizar un ejercicio de cada una de las
técnicas.
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COLOR
Una de las dificultades con las que se
enfrenta un diseñador es asegurarse
de que los colores finales de la obra
impresa igualen a los escogidos en el
diseño original. En América se utilizan
2 muestrarios de color: uno llamado
Sistema Munsell yel más conocido
llamado PANTONE.
PARÁMETROS DE COLOR.
Tono: se refiere a la naturaleza del
color. Ejemplo: rojo o azul.
Valor o luminosidad: es la
medida de su claridad u oscuridad,
o sea, de la cantidad de blanco o
negro que contenga.
Pureza o saturación: un color
puro está completamente saturado.
El grado de saturación se reduce
aplicando gris.
PSICOLOGÍA DEL COLOR
ROJO: captador natural de la
atención.
Destaca el color de las emociones.
Los rojos vivos y fuertes pueden
simbolizar la sangre, la ira, el
peligro, el fuego, etc.
AZUL: sugiere serenidad y pureza.
Es considerado comúnmente un
color “frío”. Sugiere sensaciones de
frescura, limpieza, frialdad y pureza.
AMARILLO: atrae la antención y es
amable.
Es el más visible y reconocido de los
colores, por este motivo se ha
adoptado como señal de peligro. Es
calido, alegre y lleno de energía.
VERDE: limpieza fría y refrescante.
Representa paz y tranquilidad. Es un
color usado en de interiores para
crear un entorno confortable. El
verde es también adoptado
universalmente por los ecologistas.
NARANJA: vibrante y vital, atrae
siempre la mirada.
Es un color cálido, vibrante, vivo y
claro. Es una opción natural para
crear una atmósfera tropical y
exótica.
PÚRPURA: símbolo del poder y el
prestigio.
Representa la realeza, el alto rango
y la excelencia. Este color usado
junto con el oro y la plata es lujoso y
de aspecto caro. No todos los
diseños favorecen el empleo del
púrpura.
MARRÓN: representa la vida san y la
honestidad.
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Es un color cálido, tranquilizante y
confortable. El marrón cobrizo
contiene grandes cantidades de rojo,
el marrón verdoso aceitunado con
mucho verde y el marrón tostado
pequeñas cantidades de negro
(beige, café pálido, etc.)
BLANCO, NEGRO Y GRIS:
sofisticación y seriedad.
Son los colores tradicionales que
acepta la imprenta y se usan para
los trabajos de un solo color.
Proporcionan
LOS COLORES VIVOS: combinaciones
de gran relieve.
Sugieren animación, felicidad,
dinamismo. Son los colores de los
jugluetes infantiles y por ello aportan
la idea de diversión.
LOS COLORES PASTEL: delicadeza,
pureza y romanticismo.
Tradicionalmente se consideran
femeninos. Pueden dar al diseño una
apariencia inocente, sin
sofisticación, sugiriendo seguridad y
confianza.
LOS COLORES APAGADOS: una
buena opción para un aire “de
espoca”. Contienen una cierta
cantidad de gris o negro. Los colores
apagados son buenos para diseños
que evoquen un sentido del pasado.
Se asocian con la masculinidad y
dan un aire sólido y robusto al
diseño.
CÍRCULO CROMÁTICO
El círculo cromático es un esquema
convencional creado en 1839 por el
químico y artista francés Michel
Eugene Chevreui, en el cual de manera
intercalada, se ubican los colores
primarios, secundarios y terciarios.
Colores primarios: se han llamado así
porque a partir de ellos se pueden
obtener casi todos los demás, pero
ninguno de dichos colores puede ser
obtenido de la mezcla de otros colores.
Se consideran primarios el amarillo
(yellow), azul (cyan) y rojo (magenta).
Colores secundarios: son los
producidos por la mezcla en partes
iguales de dos colores primarios. Son
tres: naranja, verde y violeta.
Colores terciarios: son los obtenidos al
mezclar en partes iguales, un color
primario y su secundario (ubicado a su
derecha o izquierda del primario). Por
esta razón se forman 6 que suelen
llamarse con la combinación de los
20
nombres de los colores que los
originaron: amarillo verdoso o verde
amarillento, amarillo anaranjado o
naranja amarillento, rojo naranja o
naranja rojizo, rojo morado o morado
rojizo, azul morado o morado azulado,
azul verdoso o verde azulado.
ACERCA DEL COLOR
En colores pigmento (por ejemplo: los
lápices de color que usas, acrílicos,
etc.) al combinar todos los colores dan
como resultado el NEGRO. Por lo tanto
el blanco sería la ausencia de color.
Sin embargo, hablando del color-luz,
en la ciencia de física la
descomposición de la luz proviene de
la luz blanca, por lo tanto el BLANCO
sería la suma de todos los colores, y el
negro la ausencia de color.
COLORES COMPLEMENTARIOS
Se denominan colores
complementarios a aquellos que, en la
composición cromática, se
complementan. Si observamos el
círculo cromático, son los que estarían
situados diametralmente opuestos, por
lo que el complementario de un
primario (P) será un secundario (S), y
viceversa, el de un secundario (S) será
un primario (P) y el de un intermedio (I)
será otro intermedio (I), por ejemplo: el
complementario del amarillo es el
violeta y viceversa, observad los pares
de colores complementarios que en
relación biunívoca, se muestran a
continuación:
Colores complementariosP <==> S
P <==> S
P <==> S
I <==> I
I <==> I
I <==> ICuando dos complementarios se
mezclan tienden a neutralizarse y
agrisarse mutuamente, llegando a
producir un gris oscuro casi negro
cuando se realiza en proporciones
iguales. Aunque para producir el negro,
una de las mezclas que da unos
buenos resultados es la del verde
viridian con el carmín. Para producir
gamas de grises de un color
21
determinado, escogeremos la gama de
complementarios que contenga el color
deseado: Si deseamos producir una
gama de grises azulados, escogeremos
la mezcla de azul y su complementario
el naranja, variando los valores hasta
conseguir la gama adecuada.
+ =
+ =
+ =
ACTIVIDAD COMPLEMENTARIA:
Se realizará una variación cromática,
aplicad a diferentes esquemas.
22
UNIDAD III
TÉCNICAS DE ILUSTRACIÓN
ANTECEDENTES
PINTURA CONTEMPORANEA:
REALISMO
El realismo surge después de la
revolución francesa de 1848. El
23
Las Espigadoras, Henri Matisse
desencanto por los frances
revolucionarios hace que el arte
abandone los temas políticos y se
concentre en temas sociales. La
industrialización determinó la
desaparición del artesanado y la
formación de una numerosa población
obrera acumulada en los centros
urbanos. Con ello, las condiciones de
vida económica y social sufren una
alteración profundísima, que se refleja
en las ideologías. Los artístas toman
conciencia de los terribles problemas
sociales como el trabajo de niños y
mujeres, los horarios excesivos, las
viviendas insalubres y consideran que
deben denunciar estas lacras.
IMPRESIONISMO
Movimiento que se considera punto de
partida del arte contemporáneo. Los
impresionistas se caracterizan por su
técnica rápida, de largas pinceladas
cargadas de materia pictórica. Esto fue
duramente criticado por los más
anclados a la tradicón, llegando a decir
que “los nuevos” estrlujaban
directamente sus tubos sobre los
lienzos. De la última etapa de Monet se
dice que sus obras no son pinturas,
sino más bien escultura sobre el lienzo.
Sus temas también son de la vida
cotidiana pero de una clase social alta.
Parisinos en parques, restaurantes,
paseando en barco, etc. Su principal
exponente es Edouard Manet, Monet ,
Renoir.
POST-IMPRESIONISMO
El
impresionismo, con su afán por captar
la
luz natural, había ido disolviendo las
24
Girasoles, Vincent Van Gogh
El almuerzo de los remeros, Pierre-Auguste Renoir
formas en su ambiente y todos los
elementos del cuadro habían ido
perdiendo volúmen, dibujo y sentido
del espacio. En los últimos años del XIX
y principios XX nos encontramos con
unospintores que partiendo del
impresionismo, derivan hacia una
pintura que anuncian algunos de los
movimientos pictóricos más
importantes del siglo XX. El
postimpresionismo supone entre otras
cosas una recuperación de la
importancia del dibujo y de la
preocupación por captar no sólo la luz
sino también la expresividad de las
cosas y de las personas iluminadas. Su
trascendencia para la evolución del
arte ess, si cabe, mayor que la de los
pintores impresionistas.
Por primera vez se desarrolló el
dividionismo (puntillismo). Las líneas
se distorsionaban y ers típico el uso del
color puro. Sus principales exponentes
son Vincent Van Gogh, Pisarro,
Gauguin, Toulose-Loutrec.
FAUVISMO
El fauvismo fue un movimiento
pictórico francés de escasa duración.
Se aportaciones desarrolló entre 1904-
1908 aproximadamente.
El Salón de Otoño de 1905 supuso la
primera exhibición para el grupo. El
crítico de arte Louis Vauxcelles tras
contemplar las gamas cromáticas
estridentes y agresivas de los trabajos
expuestos les atribuyó el término
"fauves", que en español significa
fieras. El nombre asignado era en
origen un calificativo peyorativo, como
les sucedió a otros movimientos
artísticos del S. XX, pero fue asumido
por el público y posteriormente
introducido en la historia del arte sin
connotaciones despectivas.
El movimiento se fraguó en torno a
Henri Matisse y sus integrantes fueron
André Derain, Maurice de Vlaminick,
Henri Manguin, Albert Marquet, Jean
Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se
unieron también George Braque y
Raoul Dufy.
El Fauvismo no fue un movimiento
conscientemente definido, careció de
un manifiesto. Fue un mosaico de en el
25
que cada pintor acometía sus obras
como una experiencia personal
cargada de espontaneidad y de
frescura. Les unió la actitud violenta
con la que se enfrentaron a los
convencionalismos de la época
rechazando las reglas y los métodos
racionales establecidos. Reaccionan
contra el Impresionismo y contra la
importancia que éstos habían dado a la
luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los
colores podían expresar sentimientos y
este pensamiento condicionó su forma
de pintar. No buscan la representación
naturalista, sino realzar el valor del
color en sí mismo. Por ello, rechazaron
la paleta de tonos naturalistas
empleada por los impresionistas a
favor de los colores violentos para
crear un mayor énfasis expresivo.
EXPRESIONISMO
El Expresionismo es una corriente
artística que busca la expresión de los
sentimientos y las emociones del autor
más que la representación de la
realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida
generado por las circunstancias
históricas del momento. La cara oculta
de la modernización, la alineación, el
aislamiento, la masificación, se hizo
patente en las grandes ciudades y los
artistas, creyeron que debían captar
los sentimientos más íntimos del ser
humano. La angustia existencial es el
principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto
emocional del espectador
distorsionando y exagerando los
temas. Representan las emociones sin
preocuparse de la realidad externa,
sino de la naturaleza interna y de las
impresiones que despierta en el
observador. La fuerza psicológica y
expresiva se plasma a través de los
colores fuertes y puros, las formas
retorcidas y la composición agresiva.
No importa ni la luz ni la perspectiva,
que se altera intencionadamente.
La obra de arte expresionista presenta
una escena dramática, una tragedia
26
El Grito, Edvard Munch
interior. De aquí que los personajes
que aparecen más que seres humanos
concretos reproduzcan tipos. El
primitivismo de las esculturas y
máscaras de África y Oceanía también
supuso para los artistas una gran
fuente de inspiración.
CUBISMO
Los orígenes del Cubismo giran en
torno a 1907, fecha en la que Picasso
concluye Las Señoritas de Avignon,
que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son
los inspiradores del movimiento y
algunos de los principales maestros
son Juan Gris, Fernand Leger, Jean
Metzinger y Albert Gleizes, pero con
anterioridad, Cézanne ya habría
marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del
Impresionismo y reaccionó contra él.
Rechazó la impresión en favor de una
comprensión más profunda de la
realidad. Su fórmula era la forma-color.
Él cree que la naturaleza no se dibuja,
sino que se manifiesta a través del
color. Cuanto más color se precisa más
aparece el dibujo de los objetos, pero
aparece en la forma. Por eso, la pintura
de Cézanne no es una pintura
dibujada, sino una pintura de
volúmenes, de formas. Y una vez
creadas, hay que relacionarlas entre sí,
surgiendo aquí el problema de los
planos, que lo impulsa a mirar los
objetos desde varios puntos de vista.
DADAISMO
El Dadaísmo surge con la intención de
destruir todos los códigos y sistemas
establecidos en el mundo del arte. Es
un movimiento antiartístico,
antiliterario y antipoético, ya que
cuestiona la existencia del arte, la
literatura y la poesía. Se presenta
como una ideología total, como una
forma de vivir y como un rechazo
absoluto de toda tradición o esquema
anterior.
Está en contra de la belleza eterna,
contra la eternidad de los principios,
contra las leyes de la lógica, contra la
inmovilidad del pensamiento y contra
lo universal. Los dadaístas promueven
un cambio, la libertad del individuo, la
espontaneidad, lo inmediato, lo
aleatorio, la contradicción, defienden el
caos frente al orden y la imperfección
frente a la perfección.
Proclaman el anti-arte de protesta, del
shock, del escándalo, de la
27
Retrato de los jugadores de ajedrez,
provocación, con la ayuda de medios
de expresión irónico-satíricos. Se basan
en lo absurdo y en lo carente de valor
e introducen el caos en sus escenas,
rompiendo las formas artísticas
tradicionales.
El origen del término Dadaísmo es
confuso. La versión más aceptada dice
que al abrir un diccionario al azar
apareció la palabra dada, que significa
caballito de juguete, y fue adoptada
por el grupo.
El movimiento dada nació en un café
cantante de Zurich en 1916, donde se
recitaban poemas. Esta ciudad, se
había convertido a partir del estallido
de la Primera Guerra Mundial en un
centro de refugio para emigrantes
procedentes de toda Europa que
querían escapar de la guerra. Allí se
reunieron representantes de diversas
escuelas como el expresionismo
alemán, el futurismo italiano y el
cubismo francés. Esto da al dadaísmo
la particularidad de no ser un
movimiento de rebeldía contra una
escuela anterior, sino que cuestiona el
concepto del arte antes de la Primera
Guerra Mundial.
Hugo Ball, director de teatro y su
mujer, concibieron el proyecto de crear
un café literario que acogiera a todos
estos artistas exiliados, el Cabaret
Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de
Febrero de 1916. Allí se congregaron
Tristan Tzara (poeta, líder y fundador
del movimiento), Jean Arp, Marcel
Janko, Hans Richter y Richard
Huelsenbeck entre otros.
La difusión del dadaísmo se debió a la
publicación de la revista Dada, que
gracias a ella, sus ideas se extendieron
por Berlín, Colonia, París y Nueva York.
SURREALISMO
El Surrealismo comienza en 1924 en
París con la publicación del "Manifiesto
Surrealista" de André Breton, quien
estimaba que la situación histórica de
posguerra exigía un arte nuevo que
indagara en lo más profundo del ser
humano para comprender al hombre
en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la
posibilidad que ofrecía el psicoanálisis
como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del
automatismo puro, es decir, cualquier
28
Marilyn Monroe,
forma de expresión en la que la mente
no ejerza ningún tipo de control.
Intentan plasmar por medio de formas
abstractas o figurativas simbólicas las
imágenes de la realidad más profunda
del ser humano, el subconsciente y el
mundo de los sueños. Para lo que
utilizan recursos como: animación de lo
inanimado, aislamiento de fragmentos
anatómicos, elementos incongruentes,
metamorfosis, máquinas fantásticas,
relaciones entre desnudos y
maquinaria, evocación del caos,
representación de autómatas, de
espasmos y de perspectivas vacías. El
pensamiento oculto y prohibido será
una fuente de inspiración, en el
erotismo descubren realidades
oníricas, y el sexo será tratado de
forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de
los pueblos primitivos, el arte de los
niños y de los dementes. Preferirán los
títulos largos, equívocos, misteriosos,
lo que significa que importaba más el
asunto que la propia realización.
POP-ART
El Pop Art es un movimiento artístico
que utiliza la técnica de la
yuxtaposición de diferentes elementos
como cera, oleo, pintura plástica con
materiales de desecho, fotografías,
trapos, viejos, collages, assemblages,
etc. Este movimiento irónico de
pintura, surge en 1960 en
Norteamérica. El Pop nace en dos
ciudades New York y Londres.
Los temas pictóricos del “Pop Art”
están motivados por la vida cotidiana,
reflejan las realidades de una época y
refuerzan el cambio cultural. La Coca-
Cola, los helados, el Seven-Up, la
Pepsi-Cola, la pasta de dientes, la sopa
de conserva, los cigarrillos, etc., se
convierte en la iconografía del “Pop
Art”. Sus principales exponentes son
Richard Hamilton, Roy Lichtenstein,
Tom Wesselmann, James Rosenquist y
Andy Warhol.
TÉCNICAS DE ILUSTRACIÓN
Es la forma de plasmar ideas por
medio de imágenes con diferentes
sustancias y en diferentes sustratos o
soportes.
TÉCNICAS
TÉCNICA DEL CARBONCILLO
Fuel el primer medio con el que el
hombre comenzó a dibujar, permite la
29
realización de una extensa gama de
tonos que abarcan desde los mas
sutiles grises a los negros mas
profundos, permite la realización de
degradados tonales con un simple
frotado de dedos. Proviene de la
madera carbonizada de sauce o nogal,
su polvo es muy inestable y fácil de
manipular. Al igual que los lápices de
grafito se clasifican en duros y blandos.
TÉCNICA DE LÁPIZ DE COLOR
El lápiz de color consiste en una barrita
de madera con una mina coloreada en
su interior, más dura y fina que los
colores pastel, pero con mayor
facilidad de uso. La mina se compone,
actualmente de cera y resina con
pigmentos de color. Al igual que ocurre
con los lápices de grafito, hay lápices
de colores de distintas durezas,
aunque estas no suelen venir
indicadas. Ya se usaban con frecuencia
en Francia en el siglo XVI para la
realización de retratos. Se empezaron
a fabricar industrialmente en el siglo
XIX.
Las ventajas de usar los lápices de
colores son:
Riquezas de tonos
Posibilidad de hacer tramas y
fusiones
Posibilita las variaciones vibrantes
en los paisajes
Son prácticos y de uso inmediato.
TÉCNICA DEL PASTEL
Esta técnica pertenece a las técnicas
llamadas SECAS, ya que no se utiliza
ningún disolvente, es de sencillo
manejo pues no requiere de paleta y
pinceles y se aplica directamente sobre
la superficie del trabajo. Como soporte
se utiliza papel de buena calidad de
color neutro y ligera rugosidad, como
el papel tipo Canson o Ingres, pero
también es posible utilizar otros
soportes como ciertas telas. Deriva de
la palabra PASTA, pues está compuesto
de pigmento puro en polvo, yeso y cola
que se aglutinan, con esta mezcla se
hace una pasta que se moldea para
darle forma de barra; los pasteles de
gran calidad no llevan yeso en su
composición. La ventaja de su rapidez
es que no es necesario esperar a que
la pintura se seque para aplicar nuevas
capas encima, son limpios, intensos y
saturados.
TÉCNICA ACUARELA
30
Esta técnica pertenece a las técnicas
llamadas AGUADAS, etimológicamente,
deriva de la palabra “agua”, y se
define como pintura realizada con
colores diluidos en agua. El agua es el
medio por el cual se transmite al papel
la cualidad y calidad del color de los
distintos pigmentos diluidos en este
medio. Los colores de acuarela se
forman con un compuesto de
pigmentos secos, en polvo, mezclados
con goma arábica y solubles en agua, y
se aplica al papel por medio de un
pincel. La característica principal de los
trabajos en acuarela es la
transparencia que producen estos
pigmentos diluidos, lo que hace que la
técnica sea difícil de corregir o
disimular un error. Toda acuarela
palidece si se expone al sol, los colores
permanecen si los pigmentos son de
buena calidad. Podemos encontrarlos
en tubos o pastillas. El soporte más
común es el llamado Guarro o
cualquier otro que contenga gran
cantidad de algodón o material
absorbente.
TÉCNICA DE PLUMON
Existen una gran variedad de
plumones en el mercado, que hacen
rápida la ejecución de un dibujo. El
inconveniente es que estos colores no
son sólidos y palidecen cuando se le
exponen a la luz del sol.
Las agencias publicitarias los utilizan
como recursos para presentaciones
ante clientes porque la gama de tonos
de color es muy amplia y realista. El
soporte mas común es el llamando
Rododendro.
TÉCNICA DEL ÓLEO
Esta técnica se aplica desde el siglo
XV, sobre diversas bases sin que
cambie de aspecto final, el soporte
más empleado es el lienzo, por su
ligereza ya que se presta para la
realización de obras de gran tamaño.
La tela más empleada para
confeccionar los lienzos es el lino, el
algodón y la seda no sirven para este
propósito, estos tienden a quebrarse
por la acción de los aceites y son muy
porosos. El lienzo debe colocarse sobre
un bastidor de madera y tensado. La
pintura al óleo consiste en una mezcla
de pigmentos coloreados con aceite
formando una pasta espesa. Una de las
técnicas más usadas en la pintura al
óleo, es la aplicación del color por
veladura. Se aplica capas tenues, que
31
van del claro al oscuro. Los
instrumentos para realizar esta técnica
son:
Un caballete para el lienzo
Caja de pintura al oleo
Una paleta para mezclar los colores
Aceite de linaza para disolver la
pintura y limpiar los pinceles.
Pinceles de buena calidad en
tamaños y formas.
Trapo para limpiar los pinceles
Barniz protector
TÉCNICA DEL ACRÍLICO
Las pinturas con acrílicos están hechas
en base a una técnica que emplea los
mismos pigmentos utilizados en el óleo
o acuarela, la diferencia aquí es que
éstos se diluyen en un aglutinante
acrílico compuesto por resina sintética.
Como característica principal de este
tipo de obras, decimos que es muy
fácil trabajarlas debido a que el acrílico
se seca rápidamente brindándole a la
superficie pintada un acabado mate
muy particular. Este material ofrece
muchas más ventajas con respecto a
otros que se emplean en el medio tales
como agregar más pintura a la
superficie ya trabajada, utilizando
incluso una técnica diferente; el
acrílico es estable, resistente a la
oxidación, eso explica por qué las
pinturas con acrílico poseen una mayor
vida útil. A diferencia del óleo, el
acrílico permite empastes de mejor
resistencia, el primero, con el paso de
los años tiende a cuartearse; puede
trabajarse sobre cualquier superficie
que sea absorbente de forma directa o
como imprimación. Se cree que las
pinturas con acrílico pertenecen al
período de arte contemporáneo,
teniendo su auge en la década del 50’
en el ámbito americano del
expresionismo abstracto, sus
practicantes más fieles fueron Pollock y
Rothko.
ACTIVIDAD COMPLEMENTARIA:
Se realizará un dibujo por cada una de
la técnicas de ilustración.
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CITAS BIBLIOGRAFICAS
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expresión plásticas. (5th ed.) México
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