collezione punto sull'arte 2016 |

Collezione PUNTO SULL ARTE 2016

SOFIA MACCHI

La felice formula della rassegna “<20 15x15 / 20x20 | Collezione PUNTO SULL’ARTE” è giunta quest’anno alla Terza Edizione e vede raccolti 14 Artisti con molteplici esperienze nazionali e internazionali.Hanno ricevuto dalla galleria tele e tavole quadrate, delle misure di 15x15 cm e 20x20 cm, su cui potersi esprimere liberamente senza temi predefiniti e senza vincoli di tecnica. Ognuno di loro si è espresso con la propria poetica, utilizzando tecniche che vanno dalla pittura ad olio e ad acrilico a quella con smalti, dal watercolor drybrush all’utilizzo della resina, ognuno attraverso il proprio linguaggio e il proprio stile.Il risultato finale è rappresentato anche quest’anno in una grande mostra collettiva, con cui la Galleria PUNTO SULL’ARTE conclude la stagione espositiva annuale; una collezione costituita da opere uniche fortemente personali, inedite, realizzate in edizione limitata e sul medesimo supporto.

The satisfying formula of the exhibition “<20 15x15/20x20 | Collezione PUNTO SULL’ARTE” reached this year its Third Edition: 14 Artists, with multiple national and international experiences, gathered together.They have all received square format canvases and boards – 15x15/20x20 cm – on which they could freely express themselves without themes and without technical constraints. Each one of them has materialized with his own poetry using techniques ranging from oil and acrylic to enamel, from watercolor drybrush to fiberglass, each through their own language and their own style.Also this year the end result is represented in a great group exhibition, with which PUNTO SULL’ARTE ends the exhibition season before summer; a collection of unique works that are strongly personal, unpublished, produced in limited edition and created on the same support.

<20

1 0 G I U G N O - 6 A G O S T O 2 0 1 6

PUNTO SULL ARTE | VIALE SANT’ANTONIO 59/61 | 21100 VARESE (VA) ITALY | +39 0332 320990 | [email protected]

CATALOGO A CURA DI / CATALOGUE CURATED BY: SOFIA MACCHI E GIULIA STABILINI

PROGETTO GRAFICO / GRAPHIC PROJECT: GRETA PALASTANGA

IN COLLABORAZIONE CON / IN COLLABORATION WITH:

Galleria d’Arte Nino Sindoni, Asiago (Ottorino De Lucchi, Matteo Massagrande, Nicola Nannini)

Galleria Villa Del Arte, Barcellona (Tomàs Martínez Suñol)

UN RINGRAZIAMENTO PARTICOLARE A / SPECIAL THANKS TO: TONY PARISH

Copyright © PUNTO SULL’ARTE

C o l l e z i o n e P U N T O S U L L’ A R T E 2 0 1 6

ANNALÙ

MATTHIAS BRANDES

MASSIMO CACCIA

DANIELE CESTARI

OTTORINO DE LUCCHI

ILARIA DEL MONTE

MARICA FASOLI

CLAUDIA GIRAUDO

FEDERICO INFANTE

MATTEO MASSAGRANDE

NICOLA NANNINI

ALEX PINNA

PAOLO QUARESIMA

TOMÀS MARTÍNEZ SUÑOL

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ANNALÙSan Donà di Piave, 1976

Porta avanti da anni un lavoro grafico / pittorico, scultoreo e di installazione. Appartiene a quel genere di artisti per i quali il dominio della materia, della chimica, delle sostanze fisiche, è parte integrante di un più ampio processo di esplorazione che coinvolge certamente l’arte, ma anche le dimensioni più impalpabili dello spirito. Nelle opere dell’Artista è presente un senso di metamorfosi, di passaggio: un’artista discepola della metamorfosi intenta a penetrare i misteri della creazione, capace di assemblare elementi incongruenti come resine e carta, cortecce e lana di vetro, bitume e sabbia, cemento e radici, per creare nuove realtà, mondi sospesi dove l’alchimia è la leggerezza.

For several years she has been developing a graphic / paint, sculpture and installation work. She belongs to that species of artists for whom dominating matter, chemical, physical substances, is part of a wider exploring process, which no doubt involves art, but also the less palpable dimensions of the soul. In her works is a feeling of metamorphosis, of transition and evolution. The Artist is a disciple of metamorphosis, intent on penetrating the mysteries of creation, able to assemble incongruous elements such as resins and paper, bark and glass wool, bitumen and sand, cement and roots, in order to create new realities, worlds suspended where alchemy is lightness.

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LIVELLO DI ROMBO N.12016 | Inchiostro su vetroresina | 15 x 15 cm

LIVELLO DI ROMBO N.22016 | Inchiostro su vetroresina | 15 x 15 cm

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SPAZIO ACUSTICO N.12016 | Inchiostro su vetroresina | 20 x 20 cm

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SPAZIO ACUSTICO N.22016 | Inchiostro su vetroresina | 20 x 20 cm

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MATTHIAS BRANDESBochum (DE), 1950

Paesaggi pietrosi, ruvidi, dove case, alberi, mare e cielo sembrano costruiti a colpi di scalpello. L’effetto è ambiguo: un senso immediato di pace, davanti alle geometrie precise e rassicuranti, e poi l’inquietudine delle ombre impenetrabili, delle finestre cieche e degli usci troppo stretti perché chiunque possa mai entrarvi. Un mondo altro di sapore metafisico, intriso di reminiscenze giottesche nei volumi turgidi, di echi sironiani nelle prospettive buie, di suggestioni morandiane nella statica regalità degli oggetti. Tedesco di nascita, italiano – anzi veneziano – per elezione, Brandes si è impadronito della grande pittura del nostro Novecento e l’ha rielaborata in strumento per una personalissima lettura della realtà. La sua è una realtà solo apparentemente pacificata, dove la staticità si rivela percorsa da potentissimi movimenti tellurici profondi, dove gli equilibri improvvisamente precipitano generando paesaggi dalle prospettive incongruenti e scivolanti, dove le case si rivelano esseri pensanti, dotati di volontà, materia viva che si agglomera in grappoli, in ammassi soffocanti dei quali non è possibile trovare la chiave, dove gli edifici, poi, magicamente affrancati dalla loro pesante fisicità, si librano in voli ampi per atterrare a testa in giù.

Stony and rough landscapes, whose houses, trees, sea and sky seem to be carved in the same granite. Brandes perfectly describes the reaction produced by his paintings: an immediate sense of peace, caused by the precise and reassuring structures, followed by the fear hidden in the dense shadows, the blind windows and the narrow doors which cannot be entered. A metaphysical world, filled with Giotto’s reminiscences, for the turgid volumes, Sironi’s echoes within the dark perspectives and Morandi’s suggestions for the static regality of the objects. German by birth, Italian – Venetian indeed – by choice, Brandes reworked the Italian painting of the 20th century, turning it into an instrument to interpret reality in a new way. His reality seems to be pacified, whereas it is crossed by deep telluric movements, its balances suddenly fall creating landscapes characterized by slipping and inconsistent perspectives, its houses seem to be thinking objects, gifted with will, alive matter which conglomerates into clusters, asphyxiating groupings which cannot be opened, its buildings, magically freed from their heavy corporeality, fly high landing overturned.

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CASONE2016 | Olio e tempera su tela | 15 x 15 cm

CAPRICCIO LAGUNARE2016 | Olio e tempera su tela | 15 x 15 cm

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PICCOLA VILLA2016 | Olio e tempera su tela | 20 x 20 cm

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PICCOLO PALAZZO2016 | Olio e tempera su tela | 20 x 20 cm

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MASSIMO CACCIADesio, 1970

La stilizzazione allo stato puro è la cifra principale di Massimo Caccia. Protagonisti delle sue opere sono animali immortalati nelle più assurde situazioni, posti in relazione con oggetti quotidiani su fondali uniformi, spesso monocromatici. Definiti da linee pulitissime di eleganza quasi astratta, scanditi in campiture piane a colori accesi e costruiti su impeccabili equilibri spaziali, gli animali di Caccia sono vicinissimi e accessibili nella loro immediata riconoscibilità, ma soprattutto nel loro piccolo dramma personale. Sono conigli minacciati da forchette che stanno precipitando in verticale sulla loro schiena, libellule in equilibrio sulla lama affilata di un taglierino, pesci che tra un istante abboccheranno all’amo; sono esseri al bivio, in bilico tra la salvezza e un destino crudelmente beffardo sul quale non hanno alcun potere di intervenire.

Stylization is Massimo Caccia’s code. His paintings portray animals in strange situations, set up with everyday objects against uniform and, often monochromatic backgrounds. His animals, defined by tidy, almost abstract, lines, spaced out by vividly coloured fields and built upon perfect balances, are more easily recognizable and their personal drama is more understandable.There are rabbits threatened by falling forks, dragonflies balancing upon a knife, fishes which are going to swallow the hook; living beings balancing between safety and a cruel, inevitable destiny.

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SENZA TITOLO2016 | Acrilico su tela | 15 x 15 cm


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DANIELE CESTARIFerrara, 1983

Daniele Cestari è un pittore, un architetto, un fotografo. La sua formazione di architetto è fondamentale per capire quale fascinazione eserciti su di lui la città. È una metropoli archetipica, la sua, dove la riconoscibilità gioca un ruolo secondario. Perché in realtà non è importante dove siamo ma quello che sentiamo, quel formicolio tipico della città, il brusio di sottofondo che non si spegne mai, neppure di notte, ma di cui oramai nemmeno ci accorgiamo. È questo, la città di Cestari, e anche qualcosa di più: è un mirabile gioco di equilibri formali, declinato su una scala ridottissima di cromie che sono spesso grigie, nere, brune, e raccontano la loro storia in pennellate veloci, come se la sensazione fosse qualcosa di così fuggevole che se non si prende al volo scomparirà per sempre. Macchie, colature, graffi, ombre, improvvise strisce di colore apparentemente incongruenti eppure così necessarie, scandiscono queste tele seducenti, perennemente in bilico tra ragione e pura emozione.

Daniele Cestari is a painter, an architect and a photographer. His education as an architect is one of the key elements to understand why he is so charmed by the city. He creates archetype cities, whose identity plays a secondary role. Since the location is not important, we can focus upon our feelings, the urban swarm, the background buzz which never stops, not even at night, even though we are by now used to it. This is Cestari’s city: an amazing game of formal balances, played upon a limited palette centred upon greys, blacks and browns, telling their story through fast brushstrokes, as if they had to seize something which would otherwise vanish. Spots, pouring, scratches, shadows, sudden coloured stripes apparently incongruous but still essential, scan these charming canvas, constantly balancing between intellect and pure emotion.

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NEL CIELO2016 | Chine, olio e acrilico su tela | 15 x 15 cm

LONTANO2016 | Chine, olio e acrilico su tela | 15 x 15 cm

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CIELO DI GESSO2016 | Chine, olio e acrilico su tela | 20 x 20 cm

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PARIGI PIENA DI MISTERI2016 | Chine, olio e acrilico su tela | 20 x 20 cm

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OTTORINO DE LUCCHIFerrara, 1951

Ha sempre svolto attività artistica intercalandola con la professione di chimico universitario soprattutto durante i lunghi periodi all’estero. Durante la permanenza negli Stati Uniti ha potuto visitare e osservare da vicino l’opera di A. Wyeth, appassionandosi alla tecnica e al virtuosismo dei suoi dipinti definiti come “dry brush”. Senza ulteriori informazioni, ha iniziato una serie di sperimentazioni che hanno portato allo sviluppo indipendente di una tecnica del tutto originale sia nell’esecuzione che nei soggetti. La tecnica prevede l’uso della pittura ad acquerello, dove il rapporto pigmento-legante è ottimale sia per quanto riguarda la trasparenza che la vivacità e la luminosità dei colori. La tramatura pittorica ottenuta utilizzando indistintamente pennelli, carta e tessuti è particolarmente adatta a descrivere la superficie di nature morte, figure e paesaggi. Le velature e le applicazioni di colore ottenute sia direttamente che attraverso attente rimozioni di colore permettono risultati non ottenibili con altre tecniche pittoriche. I risultati particolarmente rilevanti per contrasto e luminosità hanno sorpreso molti cultori sia italiani che stranieri tanto che è stato più volte invitato a illustrare la tecnica in accademie e in istituti d’arte.

Throughout his life he has always carried out his artistic activity interposing it with his career of academic chemist, especially during his years abroad. During his stay in the United States he could closely observe the works by A. Wyeth, getting excited about the technique and virtuosity of his “dry brush” paintings. Without any further detail, he started a series of experimentations which led to the independent development of an original technique with regards to the execution and the chosen subjects. This technique is based upon watercolour painting, where the relationship pigment-binder is optimal both for the transparency and the vividness and brightness of the colours. The pictorial weft obtained by using paintbrushes, paper and fabric is particularly fit to describe the surface of still lives, figures and landscapes. The transparencies and glazes, obtained both directly and through careful removals of colour, could not be reached by using other painting techniques. The results regarding contrast and brightness are so relevant that he has been often invited to describe his technique in various academies and Art Institutes.

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PRIMI DI OTTOBRE2016 | Watercolor drybrush su tavola | 15 x 15 cm

PRIMI DI OTTOBRE2016 | Watercolor drybrush su tavola | 15 x 15 cm

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MESE DI APRILE2016 | Watercolor drybrush su tavola | 20 x 20 cm

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TEMPO DI VENDEMMIA2016 | Watercolor drybrush su tavola | 20 x 20 cm

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ILARIA DEL MONTETaranto, 1985

Ilaria Del Monte è una cantastorie contemporanea, una maga inventrice di favole intrise di incantesimi e abitate da personaggi fatati. Giovanissima, padroneggia una pittura potente e intensa, figlia del grande Novecento italiano. Nelle sue tele si respirano echi di De Chirico e Carrà, di Casorati e del più vicino Balthus, ma anche suggestioni che possiamo far risalire fino al nostro Quattrocento. Con grazia, senza alcuna pesantezza, l’artista rielabora queste lezioni preziose e ce le restituisce in punta di pennello attraverso i suoi interni fioriti, deliziosamente folli, dove figure femminili leggiadre si intrattengono con piante sottilmente invasive o chiacchierano con animali parlanti, come giovani bellissime streghe. Nell’architettura perfetta di queste stanze si svolgono dialoghi misteriosi, si odono sussurri squisitamente femminili, si colgono gesti e danze di cui a volte sfugge il senso ma che lasciano incantati e ipnotizzati, mentre decifriamo qualche traccia leggibile nei simboli dell’iconografia classica che l’artista ha disseminato nel dipinto per noi.

Ilaria Del Monte is a contemporary story teller, a sorceress who creates fairy tales filled with spells and enchanted characters. Although very young, she masters a powerful and intense painting, deeply inspired by the Italian painting of the XX century. Her works recall De Chirico, Carrà, Casorati and Balthus, as well as suggestions from XV century art. She gracefully reworks their lessons through her flowered, delightfully weird, interiors where feminine figures entertain with plants or chat with talking animals, like wonderful witches. Her virtuosity and precise brush strokes give birth to soft and bright skin, voluminous hair, huge blooms and tropical plants which seem to rise from the carpets. Within her perfectly structured rooms mysterious dialogues develop, feminine whispers can be perceived, as well as enchanting gestures and dances, while iconographical symbols fill the painting.

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LA PROFEZIA2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

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LA TRAPPOLA2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

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LA PRIMA SERA2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

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MARICA FASOLIBussolengo, 1977

Artista freschissima e tuttavia con una maturità da fuoriclasse, un passato nel restauro che le ha insegnato l’attenzione e la pazienza, Marica Fasoli è un personaggio sui generis nel panorama attuale italiano. Il primo pensiero che viene alla mente davanti ai suoi lavori, condotti con un’attenzione spasmodica al dettaglio infinitesimale, è probabilmente iperrealismo, se non addirittura trompe-l’oeil. Ma poi, a ben guardare, la strada che prende l’artista è diversa. Non le interessa rendere il mondo nella sua esattezza, quanto piuttosto offrircene una versione che si potrebbe definire “riveduta e corretta”. Le sue sono immagini intrise di una luce che pare provenire dall’interno, portatrici di una gioia giocosa, contagiosa, veicolata da una scelta di colori zuccherini e smaltati che fanno pensare alle meringhe e alla glassa. E come a un vassoio di pasticcini ci si avvicina alla sua pittura: con il desiderio di toccarla, di annusarla, di farsene catturare.

A spontaneous artist yet gifted with an outstanding maturity, an experience as a restorer which provided her with attention and patience, Marica Fasoli is an atypical personality within the current Italian panorama. The first impression raised by her works, characterized by a spasmodic attention for details, recalls hyperrealism, if not even trompe-l’oeil. However, at a closer look, the artist chooses a different path. She doesn’t want to accurately reproduce reality, but rather represent its “revised” version. Her images are filled with a light which seems to come from their inside, carrying a playful and contagious joy, conveyed by a sugary and polished palette which recalls meringues and glaze. Getting to know her paintings is like approaching a pastry-tray: urged by the desire to touch and smell them, as if completely seized by them.

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SUMO WRESTLER 2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

KOJ FISH2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

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BUTTERFLY2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

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CRANE2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

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CLAUDIA GIRAUDOTorino, 1974

L’artista si propone al pubblico con l’ambizione di creare un ponte immaginifico tra il passato, attraverso la memoria, e il presente, attraverso personaggi verosimilmente appartenenti a questo mondo ma collocati in uno spazio e in un tempo onirici. Che venga declinata in un omaggio simbolico alla produzione e alla creazione del poeta o che si materializzi nel mondo del circo e in particolare nella figura del funambolo, quello che lega tutta la produzione della Giraudo è la volontà di poetizzare la vita come forma di coincidenza tra l’immaginario e l’esistenziale, tra il desiderio e l’oggetto, seguendone ogni suo aspetto visionario. Nei suoi mondi si muovono figure diverse, legate da fili che ne segnano le connessioni, o in equilibrio in impossibili contrasti fra leggerezza e pesantezza, o appartenenti a un mondo circense inteso come metafora dell’illusione della vita: figure dai gesti minimi permeati da una profonda forza simbolica, “messe in scena” in un tempo sospeso, che non sono altro che delicate elegie, affascinanti paradigmi della condizione dell’uomo e dell’Arte.

The artist aims at creating an imaginary bridge between the past, through memories, and the present, through characters who seem to belong to our reality although being placed within oneiric space and time. May it be represented as a tribute to poetic production and creation or materialized within a circus world, especially the wirewalkers, the common trait of Claudia Giraudo’s production is the will of poetizing life as it were the connection between imagination and existence, desire and object, following each of its visionary aspects. Her worlds are inhabited by different figures, tied by strings defining their connections, or their balance between lightness and heaviness, or their belonging to a circus that represents the illusion of life: figures whose gestures are slight, even though permeated by a deep symbolic power, and “staged” within a suspended time. They are nothing more than elegies, fascinating paradigms of humanity and Art’s conditions.

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ANGELICA / SOUVENIR III2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

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SALTIMBANCO TURCHINO / SOUVENIR II2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

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FAUNO / SOUVENIR I2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

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FEDERICO INFANTESantiago (CL), 1982

Giovane artista cileno, Federico Infante si può annoverare tra gli artisti più promettenti del panorama internazionale. La sua creatività si esprime in perfetto equilibrio tra il linguaggio della tradizione e le inquietudini più sottili e insidiose della contemporaneità. Quelli di Federico Infante sono dipinti che richiedono una lettura lenta e meditata e tuttavia capaci di toccare immediatamente le nostre corde più profonde, conducendoci attraverso percorsi di libere associazioni che partono dal subconscio dell’artista e arrivano dritte al cuore dello spettatore. Giovane ed entusiasta, Federico Infante è già un artista così maturo da aver individuato, con precisione chirurgica, quello che per lui è lo scopo assoluto dell’arte: l’autenticità. E per raggiungerla si muove attraverso un processo complesso e precisissimo che partendo dall’istinto e dal caos arriva a rintracciare una ragione e un ordine che diano senso alla nostra esistenza.

Young Chilean artist, Federico Infante can be included among the most promising artists of the international panorama. His creativity balances between traditional language and the subtle and insidious anxieties of contemporary. Although Federico Infante’s paintings require a slow and reasoned analysis, they immediately reach our inner chords, leading us through paths of free associations which start from the subconscious of the artist to arrive at the heart of the audience. Young and enthusiast, Federico Infante is such a mature artist to have identified, with surgical precision, what is, according to him, the absolute aim of Art: authenticity. In order to reach it, he moves through a complex and accurate process which, starting from instinct and chaos, finds reason and order, thus giving a meaning to our lives.

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STUDY OF FLOWERS2016 | Acrilico su tela | 15 x 15 cm


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MATTEO MASSAGRANDEPadova, 1959

Le stanze di Matteo Massagrande sono ambienti dall’incanto ipnotico in cui viene voglia di perdersi. Vuote, sì, in quanto non solo disabitate, ma prive addirittura di arredi, di qualsiasi lascito. Eppure l’effettivo vuoto fisico è a malapena avvertito, subito emendato dalla profondità degli echi che risuonano tra i muri scrostati e le piastrelle consumate dal tempo, dai raffinatissimi giochi della luce morbida e pulviscolare, dal senso di un vissuto che si avverte ancora lì, presenza invisibile ma potente. Muri scabri, infissi che portano inciso il proprio vissuto, pavimenti consumati da passi perduti. Così sono le stanze di Matteo Massagrande, luoghi abbandonati con un’unica protagonista: la luce. A volte esplicitamente invitata ad entrare dalle grandi finestre che si spalancano su giardini fissati in un’eterna primavera, altre volte discreta, come se fosse riuscita a insinuarsi quasi in punta di piedi tra le fessure. Ma è lei ad abitare quelle stanze, a emendare la suggestione del vuoto fisico trasformandolo in presenza intensa e vivida.

The rooms by Matteo Massagrande are enchanted spaces which urge to get lost. Empty chambers, deprived of any human presence and furniture. Nonetheless, their physical void is barely perceived, since it is filled by the deep echoes ringing among scraped walls and old tiles, by the soft and dusty light, by the invisible but powerful lives which crossed them. Rough walls, fixtures whose past is carved upon them, floors worn out by lost paces. These are Matteo Massagrande’s rooms, abandoned places crossed by one and only protagonist: light. Sometimes explicitly entering from the huge windows placed in front of vernal gardens, other times sneaking delicately through the cracks. It lives in those chambers, turning their void into intense and vivid presence.

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AUTUNNO2016 | Tecnica mista su tavola | 15 x 15 cm

PRIMAVERA2016 | Tecnica mista su tavola | 15 x 15 cm

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LA STANZA D’ANGOLO2016 | Tecnica mista su tavola | 20 x 20 cm

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LA PORTA DEL GIARDINO2016 | Tecnica mista su tavola | 20 x 20 cm

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NICOLA NANNINIBologna, 1972

Armonie d’insieme e letteratura del dettaglio; prospettive sghembe, sguardi a volo d’uccello, dai “marciapiedi” in primo piano agli azzurri sfuocati di un lontano infinito. Un mondo in divenire, foriero di mille storie, una nell’altra, quotidiane e così umane, di terra e di cielo. La pittura di Nannini narra dell’uomo e del suo ambiente, dell’uomo dentro e dell’uomo fuori. Le sue opere affrontano fondamentalmente i temi classici della pittura occidentale, la figura e il paesaggio e tuttavia in maniera inedita, poiché l’impostazione dell’immagine apre ad un ripensamento dello spazio pittorico più concettuale che reale, mai rinunciando alla verità, in bilico tra “metalinguaggio” e “figurazione”. Il suo stile si anima di fuochi fiamminghi di iper-focalizzazione, zone ibride di movimento, e territori che non interessano né allo sguardo né alla memoria, e che quindi rimangono non-finiti. Dal più piccolo “tocco” al gesto più azzardato, dalla colatura alle larghe campiture, dalla materia in rilievo all’iper-vero, il soggetto è sempre “vivo” e mai “quieto”, visibile o invisibile, solido, ma leggero. “La pittura si ferma quando la carne è carne e il colore è colore”.

Nannini’s style of painting is harmonic and detailed; oblique prospective seen from above or from below with dominating blue colours that blur into the distance. A new world is evolving, heralding a thousand stories, one after the other but so real and human. Nannini’s works talk about man and his environment about his most intimate feelings. Nannini’s works portray man and his environment from his intimate self to his worldly looks. He is concerned with the classical themes of western paintings even if the landscapes and figures are represented in a very original manner. His works lend to a reinterpretation of space, which becomes more conceptual than real but is nevertheless reality seen through different filters. The effect is to create a picture, which is more conceptual than real but the truth remains. One can see the fires of Flemish inspiration with astonishing details, areas free of movement, and others that may pass unobserved and are thus unfinished. The artist alters small “touches” with vigorous brushes. The subject is always alive, vivid, hardly ever quiet thanks to sublime brushstrokes sometimes light or at other times more daring filtering on the hinges of the painting’s background. The main figures are always alive, never calm whether they be visible or invisible. “The painting becomes firm when the flesh is flesh and colour is colour”.

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FARI NELLA NOTTE2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

NOTTE IN CAMPAGNA 2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

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CASE SUL FIUME2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

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PICCOLA CITTÀ 2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

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ALEX PINNAImperia, 1967

Caratterizzati dal fisico esile e dalle gambe lunghissime, i personaggi protagonisti dei lavori di Pinna sono senz’altro figli della poetica di Giacometti, alleggerita però della sua cupa drammaticità per acquisire una sorta di malinconico sorriso, uno sguardo tra l’ingenuo e il disincantato sulla realtà. Innamorato dei fumetti e di tutti i linguaggi capaci di parlare immediatamente al cuore della gente, l’artista riesce nella difficile impresa di comunicare emozioni, sentimenti, tratti psicologici senza il bisogno delle espressioni del volto (i visi dei suoi personaggi sono risolti in pochi tratti: la fronte e la linea del naso) ma con il solo incurvarsi pensoso di una schiena, o con l’inclinarsi del corpo in precarie situazioni di disequilibrio, lasciando nello spettatore un sottile senso di instabilità esistenziale. Alex Pinna è una delle voci più fresche e interessanti della scultura italiana. Gli piace sperimentare, cambiare, rinnovarsi sempre, e questo ha fatto, negli anni, pur rimanendo assolutamente coerente a se stesso. Utilizza diversi materiali: bronzo, corda, ferro, acciaio e vetro, per dare vita a una serie di personaggi inquieti, che sembrano uscire tutti dalla stessa fiaba, leggera e profondissima.

Pinna’s sculptures, characterized by thin bodies and long legs, certainly derive from Giacometti’s poetics, though unburdened from their gloomy gravitas and gifted with a melancholy smile and a naïve and disenchanted glance upon reality. The artist, deeply in love with comics and any language which can easily reach people’s heart, manages to convey emotions, feelings and mental features without availing himself of facial expressions (his characters’ faces are composed by few traits: forehead and nose), but only of the thoughtful bending of a spine or the imbalanced tilting of a body, communicating a sensation of existential instability. Alex Pinna represents one of the coolest and most interesting voices of Italian sculptor. He enjoys experimenting, changing, continual renewal, and that is what he has been doing over the past years but always maintaining his own style. He uses different kind of materials: bronze, iron, steel and glass, to create restless characters, which look as if they have come straight out of the same light and profound fairy tale.

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SENZA TITOLO2016 | Corda su tela | 15 x 15 cm

SENZA TITOLO2016 | Corda su tela | 20 x 20 cm

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PAOLO QUARESIMAMerano, 1962

Impareggiabile cantore delle piccole cose della quotidianità, Paolo Quaresima fa propri gli oggetti e i materiali del quotidiano con l’abilità di un prestigiatore. Il metallo lucido, la porcellana appena sbeccata, la pittura parzialmente scrostata su una vecchia persiana di legno, l’intonaco del muro, i riflessi baluginanti di uno specchio d’acqua, la piega di una tovaglia, la grana ruvida di una tappezzeria balzano fuori dalle sue tavole ancora più veri del vero, toccando corde percettive che nemmeno credevamo di possedere. E restano lì, icone scolpite da una luce tagliente e implacabile. Bandito dall’inquadratura, l’uomo è qui assenza presente, indiscusso protagonista raccontato nei piccoli riti quotidiani attraverso l’impronta che di lui rimane sul mondo con il quale è venuto a contatto. Basta una piccola scalfittura al bordo della caraffa per affermarne l’uso, così come la piega acuminata della tovaglia dichiara la fatica di chi l’ha stirata. L’artista, poeticamente, definisce questi piccoli segni “memorie di vite ordinarie e irripetibili; testimoni muti di emozioni, sentimenti, ansie e speranze”.

Incomparable cantor of the little details of everyday life, Paolo Quaresima seizes daily objects and materials with the ability of a magician. Shiny metal, chipped porcelain, scraped painting upon a wooden shutter, plaster, glimmering glares upon a stretch of water, folds of a tablecloth, rough grain of a wallpaper leap out the canvas more real than reality itself, awakening unknown perceptions. His subjects resemble icons carved by a cutting and implacable light. Banned from the framing, man becomes present absence and undisputed protagonist described through the trace of his daily gestures. A scratch upon the edge of a pitcher confirms it has been used, as the barbed fold of the tablecloth declares the strain of who has ironed it. The artist defines these traces as “memories of ordinary and unique lives; mute witnesses of emotions, feelings, anxieties and hopes”.

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GIALLOCAFFÈ2016 | Olio su tavola | 15 x 15 cm

THE ROSSO2016 | Olio su tavola | 15 x 15 cm

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CASSETTA COLAZIONE2016 | Olio su tavola | 20 x 20 cm

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THE O CAFFÈ?2016 | Olio su tavola | 20 x 20 cm

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TOMÀS MARTÍNEZ SUÑOLDieulefit (FR), 1964

Scorci disabitati, spogli, immersi in un silenzio polveroso; angoli incuneati tra i vicoli dove il sole lascia solo qualche traccia, ma poi sparisce, ricordato da un’afa vagamente soffocante. E questo silenzio, questi odori, quest’afa trovano consistenza nelle strisce di colore denso e materico che scandiscono la tela in campiture. Quelli che l’artista racconta sono i paesaggi delle sue radici, radici strappate, però, perché lui, catalano per eredità famigliare, è stato costretto per motivi politici a nascere in Francia. Ci torna non appena può, in quella Badalona che era stata la casa natale dei suoi genitori, e allora comincia a dipingerla. Sono grigi terrosi screziati di rossi e di bruni, gialli pieni e roventi, blu polverosi su cui la città di Badalona appare come una presenza fantasmatica, definita da segni sottilissimi e piccoli solchi a indicare porte e finestre (ma così strette da non riuscire ad immaginarvi un passaggio) o a suggerire infinite fughe di vicoli. Il senso di smarrimento davanti a un luogo profondamente proprio e purtuttavia mai afferrato completamente è tutto lì, in quella materia ruvida che pone le opere sempre in bilico tra una figurazione leggera e un’astrazione potente.

Deserted and bare views, wrapped within a dusty silence; corners of alleys enlightened by traces of a pale sun, mainly perceived through the suffocating mugginess. The consistency of the silence and smells lies within the thick and tactile paintbrushes, which articulate the canvas into coloured fields. The artist represents his native landscapes to recall his ripped roots since, although belonging to a Catalan family, he had to born in France for political reasons. He got back in Badalona, his parents’ natal house, as soon as he could and he started to paint it. Earthy greys mottled with reds and browns, full and scorching yellows, dusty blues upon which Badalona looks like a ghost town, built through thin marks and little ruts indicating doors and windows (so narrow that they can hardly resemble a passage) or endless escape routes. The bewilderment caused by not belonging to his native place is perfectly conveyed by the coarse material, hanging the works in a balance between faint depiction and strong abstraction.

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TARDA2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

ROIG2016 | Olio su tela | 15 x 15 cm

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CALOR2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

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RATLLA I PUNT2016 | Olio su tela | 20 x 20 cm

di SOFIA MACCHI

VIALE SANT’ANTONIO 59/6121100 VARESE (VA) ITALY+39 0332 32 09 90

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collezione punto sull'arte 2016 |

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