Universidad Autónoma Del CarmenEscuela Preparatoria Diurna

Unidad Académica Campus ll

HISTORIA DEL ARTE

“Arte Griego”

Grado: 6º Grupo: “C”

Nombre del Alumno:Morales Abreu Luis Alberto

Nombre del Profesora:L. P. Alejandra Zapata Hernández

Ciclo Escolar(2013-2014)

Ciudad Del Carmen, Campeche 21 de abril de 2014

INTRODUCCIÓN

Aquí se podrá apreciar una información interesante de lo que es el arte griego el

cual muchos no conocemos a profundidad de cómo esta vasado el arte Griego y

que es en realidad, pues mucho no sabrán pero el arte griego se caracterizó por la

representación naturalista de la figura humana, no sólo en el aspecto formal, sino

también en la manera de expresar el movimiento y las emociones. El cuerpo

humano, tanto en las representaciones de dioses como en las de seres humanos,

se convirtió así en el motivo fundamental del arte griego, asociado a los mitos, la

literatura y la vida cotidiana.

Y el arte Griego podremos decir que tienes tres Aspectos Padres en los cuales

están basado la forma de trabajo o artes de representar lo que es, bueno tenemos

lo que es la Arquitectura de las cuales se le conoce diferentes: ARQUITECTURA

GEOMÉTRICA Y ORIENTAL, ARQUITECTURA ARCAICA, ARQUITECTURA

CLÁSICA, ARQUITECTURA HELENÍSTICA y en lo cual cada una tiene algo

diferente aunque todas pertenezcan aúna misma civilización en es te caso es la

griega.

También tenemos lo que su Escultura en lo cual también en esta información

encontraremos un poco de que y como fue dándose y también tenemos diferentes:

ESCULTURAS GEOMETRICAS Y ORIENTAL, ESCULTURA ARCAICA,

ESCULTURA CLÁSICA, ESCULTURA HELENÍSTICA.

Y por lo último tenemos a lo que es la pintura Griega pues lo cual tenemos a lo

que es la alta época clásica casi no se conservan pinturas murales. Éstas

muestran el dominio de la anatomía, del trazo y de las expresiones faciales.

ARTE GRIEGO

(Antecedentes)

El arte griego es producto de varias oleadas de pueblos indoeuropeos que,

procedentes del Norte, se afincan en la Hélade, sintetizando sus aportaciones con

la cultura local.

Hacia el año 2000 a. C. se infiltran los aqueos, dueños del bronce, que suplantan

a la civilización cretense. Un milenio después serán los dorios quienes arruinen a

los aqueos, auxiliados por el hierro.

 De esta combinación de elementos bárbaros y autóctonos surge el “milagro

griego”, que

constituye el mayor triunfo estético del mundo antiguo. Sus logros jamás se

diluirán: Roma los adoptó plenamente, la imagenería cristiana copió la serena

belleza de los dioses paganos, y los principios griegos fueron recuperados por el

Renacimiento y el Neoclasicismo.

Pero los griegos no sólo produjeron arte. También fijaron las coordenadas del

pensamiento moderno, sentaron las bases de la democracia política y echaron los

cimientos de la cultura europea. De ahí que el dramaturgo alemán Goethe dijera

con profunda convicción “Que cada cual sea a su manera griego, pero que lo sea”.

La arquitectura griega se forjó a partir de los órdenes clásicos, entendiendo como

tal es el conjunto de reglas referidas a la escala, forma y decoración del edificio.

En el curso del siglo VII se van concretando los órdenes dórico y jónico,

apareciendo el corintio durante la segunda mitad del siglo V a.C.

 La escala era humana, el dramaturgo Sófocles había afirmado que “numerosas

son las maravillas de la naturaleza, pero de todas ellas la más grande es el

hombre”. Una idea que Protágoras resumirá en la máxima “el hombre es la medida

de todas las cosas” y, a su imagen y semejanza los griegos configuran el panteón

olímpico, y graduaron proporcionalmente sus construcciones.

El arte griego ha marcado la cultura occidental hasta nuestros días, siendo

especialmente uno de las artes donde se exaltó la perfección del cuerpo humano y

su desnudez. El concepto del equilibrio y la proporción es un elemento

fundamental en la civilización griega, y asi todo es proporción en las esculturas

griegas, especialmente en las dedicadas a los dioses.

 Es un arte realista en cuanto a la representación del cuerpo humano. Pero al

mismo tiempo la temática esta influida por la filosofía , la religión politeista , la

mitología.

Arquitectura Griega:

Los edificios griegos eran construidos a la medida del hombre. Los mismos eran

concebidos para ser admirados desde el exterior, es por esto que le dan mayor

importancia a los exteriores y no a los interiores. Los griegos siempre se

esmeraron en los edificios públicos, ya que no daban importancia al hogar. Los

edificios más construidos fueron templos, santuarios. Siempre se basaban en el

concepto de conjunto.

En la arquitectura griega encontramos un elemento considerado básico: la

Columna. Se la considera elemento imprescindible de la estética de su arte.

La arquitectura griega es alquitranada o adintelada, en ella dominan las líneas

rectas, tanto horizontales como verticales.

Gracias al estilo de la columna distinguimos tres órdenes: dórico, jónico, y corintio.

Los cuáles expondremos y explicaremos más adelante.

Los griegos también se destacaron por el hecho, de no sobreponer jamás pisos.

Dedicándonos ahora a los materiales, recordaremos que en sus orígenes

utilizaban la madera, posteriormente se hicieron con materiales más sufridos y

duraderos. En un principio, utilizaron el aglomerado, y más tarde utilizaron el

mármol y la piedra por largo tiempo. Se empezó a utilizar mármol en la época

clásica.

Los edificios, en especial los templos, eran policromados. Normalmente se

“policromaban” los frisos y los relieves. El fondo de las metopas era pintado de

verde, y los triglifos de azul.

Ahora nos referiremos a la harmonía visual, gran obsesión de los helenos. Para

conseguir la total harmonía y perfección en los templos, los griegos utilizaron

varias técnicas. Entre ellas se destacan varias. Es el caso de la

mala inclinación de las columnas, porqué desde lejos se veían torcidas. También

se utilizó la entasis, que consistía en un ensanche central de las columnas, para

evitar el deforme visual. Referido a las columnas, encontramos una desigualdad

en la distancia entre ellas.

El arquitrabe se ve afectado por el defecto visual, por su posición totalmente

horizontal. Para solucionarlo curvarán el estereobato y el entablamiento.

Nos centraremos ahora en los tres ordenes en que se divide la arquitectura griega.

ARQUITECTURA

La arquitectura griega es adintelada, no utilizó el arco ni la bóveda. Empleó Como

elemento sustentante la columna, y como material de construcción la piedra caliza

(mármol) pintada en diferentes colores. Con el paso del tiempo esos colores han

desaparecido casi completamente.

A pesar de que construyeron edificios de diverso tipo (teatros, estadios,

hipódromos, bibliotecas, etc.), el edificio más representativo fue el templo, cuya

principal función era albergar la estatua de la divinidad. Los fieles no tenían

acceso al interior de edificio, de ahí que los templos griegos fuesen de menor

tamaño que los egipcios.

DINTE

La mayoría de la arquitectura griega que se nos ha conservado es de carácter religioso, y en menor medida de carácter publica, ambos aspectos relacionados con el estilo de vida y de organización política dominante en las diferentes polis griegas. No nos encontramos con un arte privado, la austeridad de las casas era enorme, e incluso estaba mal visto socialmente que un ciudadano hiciera decorar su casa con pinturas o esculturas. El principal cliente de los talleres artísticos va a ser la ciudad, la colectividad, no podemos perder de vista que la organización política se va a basar en la participación “democrática” de los ciudadanos.

Los templos

El templo es el edificio más significativo. Se construye según unos principios o

normas, conocido como orden o estilo, que están basados en la columna. Estos

órdenes arrancan desde las raíces del arte griego: la raíz doria y la raíz jonia. A

estos se les añade el orden corintio.

El dórico es un orden más sobrio que da una sensación de mayor pesadez. Se ha relacionado con el hombre, es el orden idílico. El jónico es más fino y rico, se ha relacionado con lo femenino. El corintio es más ornamental.

Estos templos están situados en los grandes santuarios: Delfos, Eleusis, Atenas, Delos, Epidauro, Mileto, Éfeso... También hay en las polis, convirtiéndose en su centro.El edificio está cerrado en sí mismo tipológicamente y también por lo que significa. Es la casa de la estatua del dios y por ello es diferente a los templos de otras culturas. En él no se hacen rezos ni celebraciones, es fuera donde se realizan los sacrificios.

Al principio el templo recuerda a una de las estancias de los palacios micénicos, el megaron, y arrancando de esa estructura se va a ir desarrollando. La planta siempre es rectangular, orientada al este y formada por:

Naos o cella: es la estancia que guarda la estatua. Es alargada, en un principio no proporcionada pero luego sí. A veces está dividida por soportes, formando tres "naves" o espacios que en la parte la cabecera muchas veces se unen. Otras veces la columnata divide la naos en dos. En la mayoría de las ocasiones, las columnas son dobles, están superpuestas. Los muros de la naos muchas veces se prolongan sobrepasando la puerta, formando las anta(e). Hay una única puerta los pies, que es por donde entra la luz, ya que casi no hay vanos, sólo pequeñas ventanas en la parte superior de los muros.

Pronaos, un pórtico que precede a la naos.

Opistodomos, un falso pórtico (porque hay columnas pero no entrada) que puede haber en la parte posterior de la naos.

Adyton, una estancia que puede haber tras la naos (y en caso de que haya opistodomos, estaría entre este y la naos) y que está cerrada al exterior pero se comunica con la naos. Las denominaciones que puede tener un templo son

Próstilo: cuando tiene pronaos.Anfipróstilo: cuando tiene pronaos y opistodomos.In antis: cuando tiene columnas entre las antae, lo más frecuente es que sean 2. Lo normal es que cuando se denomina de esta manera es porqe no tiene columnas en la fachada

Períptero: cuando está rodeado de columnas exentas.

Díptero: cuando las columnas exentas que lo rodean son dobles.

Pseudoperíptero: si las columnas que lo rodean están adosadas.

Áptero: si no tiene columnas alrededor.

Monóptero: si es de planta circular.

Dístilo: si tiene dos columnas en el frente o en la parte de atrás (normalmente son un número par, pero también hay algunas excepciones).

Tetrástilo: si tiene 4.

Hexástilo: si tiene 6.

Octástilo: si tiene 8.

Decástilo: si tiene 10.La cubierta exterior es a dos aguas. Está realizada a base de tejas planas con una pequeña teja curva en las junturas. Estas tejas sirven para embellecer el tejado y para expulsar el agua lejos de los muros. En el tejado hay otros elementos: las gárgolas, con la misma función, las antefijas, piezas de cerámica policromadas

colocada en un extremo del tejado para ocultar el extremo de una hilada de tejas y las acróteras, piezas que rematan los vértices de un frontón con un carácter meramente decorativo. El frontón corona el tejado. Es el lugar donde más frecuentemente se incorpora la escultura. Suelen ser dos, uno en la parte delantera y otro en la posterior, pero a veces, al principio, sólo hay uno en la parte delantera, creándose una cubierta a triple vertiente.

Los principales templos clásicos

Acrópolis

Conserva restos de templos jónicos y dóricos ya totalmente configurados. Su

origen está en época micénica, en la que estaba amurallada y tenía un claro

sentido defensivo. Resistió durante mucho tiempo, pero en el 480 a.C. fue

destruida por los persas, acabando con las obras que ya se habían empezado.

Así, fue ya en época de Pericles cuando se reconstruye, convirtiéndose en

santuario, aunque también había construcciones civiles. Junto a otros arquitectos,

destaca Fidias, que dirige el conjunto y además es el encargado del Partenón, el

edificio más importante. La acrópolis está amurallada y tiene una única puerta

monumental al oeste, los propileos, aunque también había otras pequeñas

puertas.

Partenón

Es el templo más importante de la Acrópolis. Se realizó en el 447a.C. , momento

de esplendor de Pericles. Fidias dirige la obra y los arquitectos son Ictino y

Calícrates: fue un trabajo en equipo. En realidad se había iniciado antes, pero los

persas invadieron y arrasaron Atenas, por lo que hubo que reconstruirlo y se le dio

una nueva traza en este año. Ha sufrido muchísimas incidencias: fue convertido

en iglesia bizantina, en mezquita, en arsenal de los turcos, en el s.XVII cayó una

bomba que casi lo destruyó y en el s.XIX hubo un gran terremoto. Se ha rehecho y

hoy lo podemos ver levantado, aunque las obras continúan. La gran mayoría de su

decoración escultórica se encuentra en el Museo Británico.

Está dedicado a Atenea Partenos, de la que había una gran estatua criselefantina

realizada por Fidias en la naos. Está realizado totalmente en mármol, hasta las

tejas, a excepción de los dos primeros escalones del estilóbato. Supone la cima de

la perfección de la arquitectura clásica. Se hicieron múltiples correcciones para

evitar efectos ópticos no deseados y que están recogidas en un libro de Ictino. Por

ejemplo, la línea del estilóbato tiene una ligera curva en las esquinas para no dar

sensación de que el edificio se va a caer, aunque otros estudiosos dicen que es

para que caiga mejor el agua: las columnas de los ángulos son ligeramente más

gruesas para que a la vista todas parezcan iguales, aunque quizá fue para dar un

mayor refuerzo; las líneas del frontón y de las columnas están ligeramente

echadas hacia atrás para evitar la sensación de que se nos cae encima.

Su estructura es similar a la de otros templos. Es un templo dórico, octástilo,

períptero y anfipróstilo, pero su opistodomos tiene una puerta que da a una

estancia que es la única novedad que presenta el templo. Pese a ser dórico, tiene

algunas notas que se corresponden con el orden jónico, con columnas jónicas en

la cámara del interior y un friso corrido con relieves que aparece alrededor de la

cella, aunque al exterior tiene triglifos y metopas como corresponde al dórico. La

cella está dividida en dos estancias: la del este es la que guardaba la escultura de

Atenea. Está dividida en tres naves que no llegan al final sino que se unen tras el

lugar que ocupaba la estatua. Las columnas que separan las naves son dobles

superpuestas y la cubierta es adintelada. La estancia del oeste se conoce con el

nombre del tesoro porque allí es donde se guardó, entre cuatro columnas jónicas

no superpuestas, el tesoro de la Liga de Delos. Sin embargo, es una estancia

relacionada con las jóvenes panateneas.

Las columnas laterales son el doble más una que las del frente, como en otros

templos. Los últimos triglifos de cada lado coinciden en las esquinas, característica

típica del orden dórico. La krepis es irregular para ajustarse a las irregularidades

del terreno.

LOS ÓRDENES CLÁSICOS

Orden Dórico:

Es el más antiguo y se distingue por su sencillez y fortaleza, propia del modo de

ser de los dorios, ya que se crea como consecuencia del dominio cultural de los

Dorios.

Deriva de las antiguas construcciones en madera del periodo geométrico, de un

pilar de madera de sección cuadrada, al que se fueron biselando las esquinas

hasta hacerlo circular.

 Características:

La columna no posee basa, descansa directamente sobre el basamento, que tiene

tres escalones. El superior se llama estilóbato.

El fuste es más ancho abajo que arriba, posee estrías de cantos vivos, el éntasis

de la columna dórica es fundamental, a éntasis más pronunciados, mayor

arcaísmo de la columna dórica. Tiene de 16 a 20 estrías en arista viva, y el perfil

es ligeramente convexo. La altura del fuste es de unos 15 módulos.

El capitel se compone de collarino, equino y ábaco, los cuales sobresalen

considerablemente (rasgo de arcaísmo).

Sobre el ábaco descansa el entablamiento compuesto por: el arquitrabe o dintel

(liso), el friso y la cornisa.

El friso es interrumpido por triglifos y metopas. En la metopa del friso dórico y en el

interior de los frontones es donde se desarrolla la escultura.

El orden jónico:

Fue el favorito de griegos asiáticos. Es la aportación del mundo oriental, bajo planteamiento griego. Produce impresión de elegancia, fragilidad y

riqueza. Dórico y jónico se desarrollan en ámbitos geográficos distintos. El dórico es utilizado para las construcciones de la Grecia peninsular y la Magna Grecia. Sin embargo, el orden Jónico se utiliza para la construcción de templos jónicos solo en Jonia.

OrdenCompleto20 m

Entablamiento4 m

Cornisa 1 + 1/2 mFriso 1 + 1/2 mArquitrabe 1 m

Columna16 m(máximoen el ordendórico)

Capitel 1 m

Fuste 15 m

Características: Las columnas tienen basa y son más altas y delgadas que las dóricas. El entablamento posee un frontón decorado por acróteras. Cornisa de menos vuelo que la dórica y decorada con dentellones, óvulos y otras molduras. Friso totalmente corrido, decorado con bajorrelieves continuo. Arquitrabe es liso, dividido en tres  franjas (platabandas) horizontales escalonadas. Capitel formado por un cuarto adorno, decorado con una línea de ovas, un cordón de perlas y dos grandes volutas a cada lado, en espiral. Las volutas se encuentran ubicadas a los extremos y se unen por una línea curva. El conjunto recuerda dos rollos de papel separados. El equino está adornado con ovos. Fuste cilíndrico estriado de cantos planos (acanalado). Es monolítico (una pieza). A veces se observa éntasis. Basa ática formada por dos toros separados por una escocia. A veces se apoya en un pedestal cuadrado llamado plinto.

El orden corintio:

Es el resultado de la fusión de elementos de la Grecia Clásica más elementos del

mundo oriental. Su novedad estriba en el capitel, donde encontramos una

decoración vegetal, producto de los capiteles orientales.

Es naturalista, muy empleado por los arquitectos helenísticos, expresa el sentido

fastuoso y femenino del mundo alejandrino. Se dice que su invención fue casual,

al poner una joven una cestilla llena de flores sobre un pilar roto.

Características:

OrdenCompleto22 + m

Entablamiento4 + 1/2 m

Cornisa 1 + 3/4 mFriso 1 + 1/2 mArquitrabe 1 + 1/4 m

Columna18 m

Capitel 1 mFuste 16 mBasa 1 m

Tiene basa y el fuste es muy esbelto ya que la altura del fuste es mayor, lo que le

da un aspecto frágil y elegante. Es similar en muchos aspectos al orden jónico,

pero generalmente de proporciones más estilizadas. Caracterizado especialmente

por un capitel de forma de campana o flor abierta, de gran altura, decorado con

dos filas de hojas de acanto, tallos enroscados, un ábaco con lados cóncavos,

integra cuatro pequeñas volutas jónicas y entre ellas hojas de acanto haciendo

esquina. Es el de mayor riqueza decorativa, el más Barroco. Se acentúan los

elementos decorativos en el friso y la cornisa. En el periodo post−clásico

empezamos a ver este orden, pero no en templos sino en edificios

conmemorativos y construcciones helenísticas. En el arquitrabe, el friso es corrido

y decorado. Utilizan el entablamento Jónico. Es el más ornamental de los cinco

órdenes clásicos; desarrollado por los griegos en el siglo IV a.n.e. Fue empleado

con mayor profusión en la arquitectura romana.

25 mColumna20 m

Capitel 2 + 1/3 mFuste 16 + 2/3 mBasa 1 m

Periodos de la Arquitectura Griega.

Período arcaico tardío

Es la primera etapa. Tiene varias fases. Comienza a principios del primer milenio antes de Cristo y se cierra en el primer tercio del siglo V a. C.

La arquitectura, definida como edificaciones ejecutadas según un diseño estético consciente, desapareció de Grecia desde finales del periodo micénico (alrededor de 1200 a. C.) hasta el siglo VII a. C., cuando la vida urbana y la prosperidad se recobraron hasta el punto de poder emprenderse la edificación pública. Pero a partir de entonces muchos edificios griegos durante el periodo de las colonizaciones (siglos VIII - VI a. C.), se hacían de madera o adobe o arcilla, nada queda de ellos excepto unos pocos planos sobre el terreno, y casi ninguna fuente escrita sobre esta arquitectura temprana o descripciones de estos primeros edificios.

Alrededor del año 600 a. C., las columnas de madera del antiguo Hereo de Olimpia sufrieron una transformación material, conocida como «petrificación», en la que fueron reemplazadas por columnas de piedra. Poco a poco, otras partes del templo fueron petrificadas hasta que todo él estuvo hecho de piedra. Con la expansión de este proceso a otros santuarios, los templos griegos y edificios significativos desde el siglo VI a. C. en adelante, fueron construido en gran parte con piedra, y unos pocos ejemplos afortunados han sobrevivido a lo largo de los siglos. La introducción de paredes de piedra también permitieron que los tejados con techo de paja fueran reemplazados por tejas que actuaron como medio para mejorar la resistencia ante el fuego.

En esta época se usaba el orden dórico, incluso el jónico.

Período clásico

Es la segunda etapa, que se corresponde con los siglos V y IV a. C.

Como la pintura y la escultura de la época, la arquitectura griega de la primera

mitad de la Antigüedad clásica no era «arte por el arte» en el sentido moderno. El

arquitecto era un artesano empleado por el estado o por un rico cliente privado. No

se distinguía entre el arquitecto y el constructor. El arquitecto diseñaba el edificio,

contrataba a los obreros y artesanos que lo construían, y era responsable tanto de

su presupuesto, como de su acabado a tiempo. No disfrutaba del estatus noble

que tienen los modernos arquitectos de edificios públicos. Incluso los nombres de

los arquitectos son desconocidos antes del siglo V a. C.. Un arquitecto

como Ictino, que diseñó el Partenón, que hoy en día sería considerado un genio,

era tratado en vida tan sólo como un comerciante experto y muy valioso.

Supone el apogeo de los órdenes dórico y jónico.

Período helenístico

Es la tercera y última etapa del arte griego. Se extiende desde el siglo

III a. C. hasta mediados del siglo II a. C., tomándose como fecha simbólica de

cierre el año 146 a. C., cuando la ciudad de Corinto es conquistada por

los romanos.

El peso del desarrollo artístico se trasladó hacia Oriente. En esta época se

desarrollaron grandes construcciones en Pérgamo(Altar de

Zeus), Rodas y Alejandría. De esta época es el Mausoleo de Halicarnaso.

Lo más destacado son los proyectos urbanísticos como los de Hipodamo de

Mileto, con organizaciones en cuadrículas, ejemplo que fue seguido en siglos

posteriores.

Se abandonó el severo estilo dórico.

Período arcaico

ESCULTURA GRIEGA:

 Escultura griega clásica ha sido considerada durante mucho tiempo la cima del

desarrollo del arte escultórico en laAntigua Grecia. Se suele tomar como un punto

de partida aproximado para describir esta escultura clásica el año 450 a. C. que

fue cuando apareció un tratado sobre las proporciones del cuerpo humano escrito

por Policleto; su final está marcado por la conquista macedónica sobre Grecia en

el 338 a. C., momento en el que el arte griego comienza una gran difusión hacia

el oriente, de donde recibió influencias, cambió su carácter y se convirtió en

cosmopolita, en la etapa conocida como el periodo helenístico. Es en ese

momento cuando se consolida la tradición del clasicismo griego, tomando al

hombre como la nueva medida del universo, y cuyo reflejo en la escultura es la

primacía absoluta de la representación del cuerpo humano desnudo. La escultura

clásica desarrolló una estética que combinaba los valores idealistas con una

representación fidedigna de la naturaleza, pero evitó la caracterización y la

interpretación excesivamente realista de las sensaciones emocionales y

permaneció por lo general en un ambiente formal de equilibrio y armonía. Incluso

cuando los personajes se encontraban representados en escenas de batalla, su

expresión no reflejaba la violencia de los hechos.1 2

El clasicismo elevó al hombre a un nivel de dignidad sin precedentes, al mismo

tiempo en que se le dio la responsabilidad de crear su propio destino y ofrecer un

modelo de convivencia armonioso, un espíritu de una educación integral para

unaciudadanía ejemplar. Estos valores, junto con su tradicional asociación de

la belleza con la virtud, encontraron en la escultura del período clásico, con su

retrato idealizado del ser humano, un vehículo especialmente adecuado para

expresarlo, y un eficaz instrumento de educación cívica, ética y estética. Se

inauguró una nueva forma de representar el cuerpo humano que fue una de las

claves para el nacimiento de una nueva filosofía, la estética, además de haber

Período clásico Período helenístico

sido el fundamento de movimientos de enorme importancia, como

el Renacimiento y el Neoclasicismo; incluso sigue siendo válido hasta el día de

hoy. Por lo tanto, su impacto en la cultura occidental es muy importante, y es

tomada como la referencia central para el estudio de la Historia del arte occidental.

Pero más allá de su valor histórico, su calidad artística intrínseca raramente ha

sido puesta en duda; la gran mayoría de los críticos antiguos y modernos la

enaltece y los museos que la conservan son visitados por millones de personas

cada año. La escultura griega clásica, aunque a veces ha recibido algunas críticas

relacionadas con sus ideologías, el dogmatismo estético y otras exclusividades,

todavía puede tener un papel positivo y renovador en el desempeño del arte y la

sociedad contemporánea.

PERIODO DE FORMACION:

En el primer período después de los rudimentarios ídolos de madera

llamados xoanon, planos por delante y por detrás y redondeados en los bordes,

descubiertos en Delos (atribuidos al mítico Dédalo) y después de las primeras

estatuas de mármol de tosco labrado y a modo de columnas, va recorriendo el arte

un camino de progreso que empieza en las escuelas jónico-asiáticas

de Samos y Quíos (islas de Asia Menor) y sigue en la dórica Sición (Peloponeso)

a principios del siglo VI. Las jónicas se distinguen por cierta elegancia y simetría

en el plegado de los paños como es de ver en las

diferentes Ártemis (o Dianasprimitivas) que son obras principales de dichas

escuelas. La dórica, por la robustez y el aspecto varonil de sus figuras y unas y

otras por los reflejos de la tradición asiática en que debieron inspirarse, imitando

modelos de procedencia oriental, traídos por el comercio. No obstante, en la

escuela dórica se hace menos visible el influjo asiático y se revela ya por el

espíritu de independencia sobre todo, en la talla de sus Apolos desnudos y de

aspecto varonil. En los relieves de este periodo se advierte por lo general la misma

técnica de los asirios arriba mencionada.

PERÍODO ARCAICO:

El segundo período se caracteriza por la independencia que el arte griego, ya formado, va realizando respecto de imitaciones orientales y por el tipo atlético dado a sus estatuas que en su gran parte representan a los vencedores en los juegos olímpicos aunque se llamen Apolos.

Esta última y quizás también la de Egina más bien deben llamarse escuelas áticas de influencia dórica pues seguían la tradición jónica en el plegado de los paños con bastante finura y exceso de simetría. Las escuelas propiamente dóricas se reducen a las tres primeras ciudades de la lista como situadas en el Peloponeso, las cuales forman la llamada escuela argivo-sicionia, que labró las estatuas atléticas de bronce. En Asia Menor y las islas del mar Egeo continúan vivas en este periodo las imitaciones orientales y en todos los centros nombrados aún se observa alguna rigidez, uniformidad y falta de expresión en las figuras con cierta sonrisa amanerada e inexpresiva lo cual es distintivo del periodo arcaico.

En la escultura griega arcaica se mantienen aún los rasgos hieráticos y rígidos con composiciones geométricas y cerradas respetando la ley de frontalidad. Se creó un convencionalismo formal de la figura tendente a su geometrización con los brazos rectos y pegados al cuerpo (a excepción de las mujeres con brazos en posición oferente), la anatomía muscular marcada de forma esquemática y un pelo largo y recto con corte rectangular que enmarca unos ojos almendrados y una orejas en forma de voluta que recordarían al orden jónico arquitectónico. Las vestimentas de las mujeres eranpolicromadas y con motivos geométricos.

Su evolución haría que las formas se estilizaran y se pulieran las más toscas y rectas en la época clásica.

Ejemplo de este tipo de escultura del período preclásico griego es el kuros, procedente del Asclepeion de Paros, mármol pario, h. 540 a. C., Museo del Louvre, con la típica sonrisa arcaica o eginética. Otra muestra de este periodo es la conocida como Dama de Auxerre, una koré.

PERÍODO CLÁSICO:

El tercer período señala el apogeo de la escultura, siendo Fidias el que a mediados del siglo V a. C. la llevó a su esplendor. Pero antes forman una especie de transición los escultores Calamis y Mirón, los cuales vencen la rigidez del anterior periodo dando a las figuras delicadeza y gracia el primero y expresión de movimiento el segundo. Fidias, condiscípulo de Mirón en la escuela de Agéladas (de Argos), se celebra como escultor de los dioses pues nadie como él en el mundo antiguo supo dar a sus creaciones artísticas actitud noble y serena y sello de lo divino sin que le hiciera falta para ello el simbolismo. Obras suyas fueron entre otras:

Las estatuas crisoelefantinas (de oro y marfil) y la estatua de Zeus (Júpiter)

para el templo de Olimpia

las estatuas de Atenea o Minerva para el Partenón de Atenas. Esta estatua se

dice que medía unos doce metros sobre su pedestal

Las esculturas que adornaban los tímpanos y frisos de este segundo templo.

Contemporáneo y condiscípulo de Fidias fue Policleto, que en su tiempo alcanzó

tanta fama como él, notable por la corrección en el dibujo, finura en los detalles y

expresión noble de la fuerza y forma humanas, en contraposición al tipo

sobrehumano de Fidias. Ambos artistas se consideran como genios superiores de

la escultura. Policleto fijó el canon escultórico, modificado después por Eufránor y

Lisipo y representa con Mirón el progreso de la escuela argivo-sicionia o dórica

deCanaco y Agéladas, siendo obras suyas varios atletas y la

famosa Amazonapresente en los Museos Vaticanos.

PERÍODO HELESNÍSTICO:

El cuarto período que es el de difusión se llama también alejandrino y helenístico

por corresponder a la época de helenismo abierta por Alejandro Magno.

En él, las escuelas salen de Grecia y figuran principalmente

en Pérgamo, Rodas, Tralles, Antioquía y Alejandría, distinguiéndose por su

realismo, alguna exageración en las actitudes, predilección por las escenas

trágicas o dolorosas y cultivo por el retrato. Son muy celebrados:

el grupo de Laoconte y sus hijos de la escuela de Rodas, que hoy se halla en

el Museo del Vaticano

el Toro Farnesio de la escuela de Tralles

el Gálata moribundo de la escuela de Pérgamo.

La escuela griega de Alejandría se distinguió por los asuntos simbólicos o

alegóricos y los rústicos o campestres que fueron objeto de sus relieves o

estatuas.

PINTURA GRIEGA

Pintura griega clásica se llama a la pintura del periodo clásico en la Antigua Grecia

(Hélade) que comprende la época entre las Guerras Médicas y hasta el reinado de

Alejandro Magno, desde el siglo V hasta mediados del siglo IV a.C. Es conocida

como la etapa de elegancia que sigue a la pintura arcaica y precede a la pintura

helenística.

Como se menciona en el resumen de la pintura griega, apenas se han conservado

obras pictóricas de este y otros periodos del arte griego. Su estudio se basa en los

pocos vestigios que se han encontrado (por ejemplo, fragmentos de tablillas), en

los textos de los historiadores clásicos y las copias romanas posteriores.

Al igual que durante el periodo arcaico, la mayor muestra pinturas griegas clásicas

son los vasos de cerámica pintados. Pero al ser una pintura de tipo decorativa,

dependiente del soporte y muy condicionada por su forma y dimensiones; sacar

conclusiones generales a partir del estudio de estas piezas ofrece una visión

sesgada e incompleta de la pintura de este periodo.

Además se considera que durante la pintura griega clásica, puestos a analizar la

disciplina a través de obras no originales, existe una correlación más precisa entre

las obras pictóricas y las copias romanas (mosaicos y frescos) que entre estas y la

cerámica pintados.

Características de la pintura griega clásica

La pintura griega clásica, como en el periodo arcaico, se sigue usando para la

decoración de piezas de cerámica, en ornamentos escultóricos de la arquitectura

griega (en templos, tumbas, palacios, etc.), en la policromía de estatuas y relieves,

en estelas funerarias y tablillas independientes.

Los cuadros pequeños son las pinturas de moda en este periodo. Se sabe por la

literatura clásica que las exhibiciones y concursos eran habituales en ciudades

como Atenas o Delfos. Su polaridad contrasta con la pérdida de interés por las

grandes pinturas murales.

De las características de la pintura arcaica se mantienen el predominio del dibujo y

la importancia de la línea, la economía en los detalles y la aplicación

de colores planos.

Sin embargo, durante la pintura clásica griega, el dibujo de las figuras se refina, se

exploran nuevas vistas en la representación del cuerpo humano y sus partes, y

aunque la anatomía se mantiene idealizada (por ejemplo: el perfil griego) su efecto

es más realista.

También se avanza en los efectos de tridimensionalidad de la pintura. Se ponen

en práctica unas formulas básicas de perspectiva como la superposición de figuras

y su situación en distintos planos de la escena (arriba o abajo) según su distancia.

Intermitentemente, también probarán los pintores griegos a crear un efecto

de claroscuro primitivo enfatizando las líneas de algunos pliegues y con un

sombreado a rayas para modelar objetos curvos.

Tanto los conocimientos de perspectiva y anatomía alcanzados durante este

periodo, no serán superados hasta el Renacimiento.

Se cree que el fondo de las populares tablillas era pintado de blanco con líneas

base que separaban los grupos de figuras y que, ocasionalmente y al contrario

que en la cerámica, los escenarios eran ambientados con los elementos sencillos

de un paisaje (por ejemplo: árboles y rocas).

Periodo geométrico

Durante la llamada Edad Oscura Griega hubo una recesión casi absoluta de la

cultura y la gloria artística de los tiempos micénicos cayó al olvido; no obstante la

producción de cerámica no se extinguió. Los vasos eran decorados con grecas

geométricas, tales como líneas ondulantes, triángulos, rombos o círculos

concéntricos, de allí que se denomine esta etapa como geométrica.

A medida que avanza la técnica, la decoración se vuelve cada vez más abundante

y se tiende a decorar todos los espacios en lo que se denomina “Horror vacui” o

miedo al vacío, que se mantendrá hasta el final del período.

La figura esquematizada del hombre y de los animales aparece a mediados del

siglo VIII a.C., casi en lenguaje abstracto se representan los rasgos más

significativos a los fines de identificar a la figura, así por ejemplo una espalda

ancha y triangular, cintura estrecha y piernas protuberantes servían para

reconocer a un guerrero griego. Estas figuras de hombres y animales se alternan

con líneas o bandas de motivos geométricos,

Los temas más explotados, además de la decoración con grecas, son de tipo

funerario tales como las “Próthesis” o llanto fúnebre y la “Ekphora” o traslado del

difunto hasta su inhumación.

Período Oriental

A finales del siglo VIII a.C. surge en Corintio un estilo de cerámica con marcada

influencia oriental. Las figuras de animales mitológicos o reales como grifos,

esfinges y leones son el motivo más frecuente los cuales se dibujan de manera

más natural que en el período anterior. La figura humana aparece en escenas

bélicas o de caza y continúan utilizándose los motivos geométricos para rellenar el

espacio.Este estilo se expandió por toda Grecia, en Creta y las islas Cicladas los

vasos eran moldeados con la figura del animal.

Cerámica de figuras negras

La técnica de las figuras negras nace en Corinto, no obstante es en Atenas, a

mediados del siglo VI donde alcanza su mayor grado de perfección.

Se trata de una cerámica de fondo rojizo con figuras dibujadas en negro e

incisiones en rojo para marcar los detalles.

La figura humana es la principal protagonista de esta época, junto a caballos y

monstruos mitológicos. Los temas preferidos son la mitología y los juegos

deportivos.En cuanto a la forma de representar la figura humana se siguen los

parámetros de la escultura arcaica, pero con mayor libertad de movimiento.-

Los artistas suelen firmar sus obras, en consecuencia se conocen los nombres de

Exequias pintor del vaso de Aquiles y Ayax y Clitias, autor del vaso francois.

Cerámica de figuras rojas

A finales del siglo VI aparece en Atenas la cerámica de figuras rojas. Este estilo de

cerámica se impone durante el período clásico griego y al contrario del estilo

anterior, las figuras mantienen el color de la arcilla y sólo se pintaba de negro el

fondo.

En estos vasos hay mayor realce del dibujo, en especial en los drapeados de los

vestidos, en la marcación de los músculos y en el tratamiento de las telas

transparentes, porque los detalles no se hacían mediante un corte o hendidura

sino que se pintaban de negro.

Se conocen los nombres de varios pintores de esta época: Eufronio, Nicóstenes,

Amasis y Andócides, de este último se conservan unas quince piezas.

Al final del período las figuras rojas y negras se mezclan en la llamada cerámica

bilingüe y surgen escenas sobre la vida privada y costumbres domesticas, en

especial sobre el gineceo, parte de la casa reservada a las mujeres.

Período helénico

La producción de cerámica sufre un retroceso, los vasos más que pintados son

adornados con relieves. Los talleres suelen utilizar una decoración negra brillante

adornada con flores o animales, algunas veces se pintaba la pieza después de su

cocción, por lo que los colores eran mucho menos duraderos.

Características de la pintura griega

En la Antigua Grecia la pintura se usó abundantemente en la decoración de las

obras arquitectónicas de todo tipo: religiosas, civiles, funerarias… También se

pintaban los ropajes y el cabello de las esculturas (excepcionalmente también la

piel). Esta actividad era considerada un arte en sí mismo, no un mero acabado o

decoración.

Según los historiadores, sin embargo, las pinturas más valoradas fueron aquellas

pintadas en tabla. Pero al ser la madera un material tan vulnerable a la erosión no

disponemos de ninguna obra maestra para su estudio con la excepción de las

tablillas funerarias encontradas en Egipto (los retratos de Fayum) que están

consideradas como una continuación de la tradición pictórica greco-romana.

El origen de la pintura griega estuvo asociado a las formas geométricas e

idealizadas fuertemente influenciadas por el arte egipcio y asirio. Aunque se

mantuvo la hegemonía de la línea y el dibujo en la pintura y las masas de colores

planos, también desarrolló una identidad y características propias.

Entre las innovaciones que la pintura griega ha aportado a la historia del arte cabe

mencionar:

La introducción de vistas novedosas del cuerpo humano y sus partes (más

allá de la frontalidad).

Unos conocimientos de perspectiva (superposición de figuras) y naturalismo

que no serán superados hasta el Renacimiento.

El inicio del modelado de los pliegues y los objetos curvos enfatizando el grosor de

las líneas y con tramas de rayas. Una forma primitiva de claroscuro.Materiales y

técnicas de la pintura griega clásica

Aunque la mayoría de las muestras de pintura clásica están pintadas sobre piezas

de cerámica, esto no quiere decir que fuese el soporte predilecto. Los medios y

técnicas de la pintura griega fueron tan variados como sus usos.

Para las pinturas al fresco o al temple de los muros, las esculturas de piedra

pintadas con tempera y encáustica y las tablillas de madera y terracota, se supone

que se empleaba una amplia paleta de colores: rojo, amarillo, negro,

blanco, verde, azul, púrpura y marrónbasándose en las muestras de los

excepcionales lecitos áticos blancos con figuras polícromas y los mosaicos

romanos que copiaron pinturas de este periodo.

En la decoración de los vasos de cerámica por lo general la paleta de colores se

limitaba a aquellos pigmentos capaces de soportar las altas temperaturas del

horno (amarillo, rojo, blanco y negro) y sus combinaciones. Características de este

periodo son las vasijas de figuras rojas sobre fondo negro.

Temas de la pintura griega clásica

Junto a los temas mitológicos, batallas históricas y heroicas y las escenas de la

vida cotidiana que ya se pintaban durante el periodo arcaico, la demanda creciente

de encargos privados introduce otros temas como:

Tablas votivas para ser ofrecidas en los templos.

Bodegones decorativos con cornucopias y guirnaldas de flores y frutos.

Imágenes eróticas.

La introducción al retrato y a la caricatura de cuerpo entero con características

generales.

Pintores de la Grecia clásica

El nombre de los pintores griegos clásicos y los títulos o detalles de algunas de

sus obras se conocen gracias a los registros de los historiadores clásicos:

Polignoto de Tasos: A Polignoto se le atribuye el posicionamiento de las

figuras a distintas alturas dentro de una escena. También fue apreciado por la

expresividad de sus figuras y la calidad de sus dibujos.

Apolodoro de Atenas: Apolodoro está considerado el inventor del sistema

primitivo de claroscuro (skiagrafía, σκιαγραφία) con una trama de líneas para

modelan los objetos y figuras curvos.

Zeuxis de Heraclea: Zeuxis fue apreciado por sus pinturas de escenas

cotidianas sobre tablillas.

Parrasio: Al igual que Zeuxis, Parrasio perteneció a la escuela naturalista

jónica. Destacó por la elegancia y expresión dramática en el dibujo de sus

figuras.

Ejemplos de la pintura griega clásica

Vasos de figuras rojas. Lecitos áticos blancos.

BIBLIOGRAFIAS:

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http://html.rincondelvago.com/arquitectura-griega_2.html

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