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Historia #4

Retrato #5

Paisaje #9

Still life #13

Efectos fotográficos #18

-congelado #19-enfoque selectivo #20-efecto panning #21


Historia... La Historia de la fotografía es la rama de la historia que estudia todos los aspectos relacionados con las imágenes fotográficas: procedimientos, inventores, fabricantes, autores de las fotografías, visión artís-tica y documental, progreso técnico y evolución estética, aplicaciones, comercialización y consumo de im-ágenes fotográficas, difusión en otros medios de comunicación, conservación en museos y colecciones.

A principios del siglo XIX, en el año 1816, el científico francés Nicé-phore Niepce obtuvo unas primeras imágenes fin 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas téc-nicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por Fox Talbot obtenía negativos sobre un soporte de papel, y a partir de esos negativos positivaba copi-as positivas, también en papel. El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo.Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos. Es-tos “retratos al daguerrotipo” empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución in-dustrial, por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva téc

La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimen-tos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres foto-grafías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algu-nas fotografías se coloreasen a mano, con acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este colorea-do manual era artístico y no técnicamente fotográ-fico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos, pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se coloreaban muchas

copias a la albúmina, especialmente en los retratos de tipos populares y en las vistas de paisajes y ciudades.La verdadera primera placa fotográfica en color -Autochrome Lumière- no llegó a los merca-dos hasta 1907. Esas placas autocromas eran transparencias de vidrio. La primera película fo-tográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más mod-ernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

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El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en tor-no a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.Su práctica se encuentra ya en los inicios de la foto-grafía donde destaca la labor realizada por los fotógra-fos ambulantes, los fotógrafos comerciales de los es-tudios parisinos, los primeros retratos psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicis-ta, así como la obra documental de David Octavius Hill. Los representantes principales del retrato fotográfico en sus inicios son Nadar, Disdéri, Julia Margaret Cameron, Lewis Carroll, Gustave Le Gray, Etienne Carjat, Antoine Samuel Salomon, Pierre Petit o Lady Clementine Hawarden.

Con posterioridad el género fue evolucionando de for-ma paralela al devenir de la historia de la fotografía razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en exclusiva a lo que podríamos entender como la forma más ortodoxa del retrato fotográfico, nos encontra-mos con fotógrafos adscritos a movimientos concre-tos que se acercan al retrato fotográfico con el empleo de las ideas y técnicas propias de estas corrientes.Figuras de interés en el campo del retrato fotográ-fico son Richard Avedon, Brassaï, Walker Ev-ans, August Sander, Annie Leibovitz, entre otros.Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con fuerza, durante el siglo XIX y principios del siglo XX,un sub-género propio conocido como la fotografía de difuntos, en la que destaca la obra del fotógrafo español Fernando Navarro.

El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artís-ticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las perso-nas que aparecen en las imágenes fotográficas.

Definición:

El rostro, es la parte más importante de un retrato debiendo basar la exposición en la cara y no en el fondo. Para ello, hay que acercarse y verificar que combinación de abertura y velocidad de obturación es la indicada y después volver a la posición desde donde se va a fotografiar.

Retrato


1.- Crear un buen ambiente. El modelo debe encontrarse cómodo y para ello podemos mantener una conversación jocosa, incluso gastar alguna broma. Nuestro objetivo debe ser romper el hielo y que el modelo olvide a la cámara.2.- Utilizar una óptica idónea. Un objetivo interesante para el retrato es el 85-135mm, es decir, un teleobjetivo medio.Cuidado con las longitudes focales grandes (angu-lares), porque distorsionan los rostros si el sujeto se encuentra muy cerca o la cámara está inclinada.3.- No olvidarnos del fondo. El fondo también im-porta. Procura localizar fondos neutros y, si es posi-ble, desenfócalos. Nuestro objetivo es evitar los fon-dos confusos que quiten protagonismo al sujeto.4.- Maquillaje. Sombras de ojos, rímel en las pestañas, polvos de base para evitar brillos en la piel y bril-lo de labios suelen mejorar los retratos femeninos.5.- La luz. La disposición básica de iluminación en estudio implica dos luces: una luz principal (a la izquierda de la

7 Claves del Retrato

cámara a unos 45º) y una luz secundaria menos intensa que suaviza las sombras (a la derecha a unos 45º de la cámara).Un esquema con el que se obtienen resultados más glamouro-sos que con el esquema anterior (45º/45º) es con un reflector con paragüas sobre la cámara y otro de relleno a la derecha.No hay que olvidar que con la luz natural podem-os obtener resultados sorprendentes. La luz propor-cionada por el Sol al final del día es muy apropiada.Otra recomendable fuente de iluminación natural son las venta-nas. Podemos colocar a nuestros sujetos cerca de la ventana, y utilizar una cartulina blanca como reflector de relleno.. 6.- La altura de la cámara. Generalmente la mejor altu-ra a la que debemos obtener los retratos nos la mar-cará la altura de los ojos de nuestros protagonistas. Os recomiendo que hagáis una prueba: sacar tres fo-tos, una con la cámara a nivel de los ojos del sujeto, otra por encima y otra por debajo. Veréis la diferencia.7.- El encuadre. Primerísimo plano. Parte del rostro.Primer plano. El rostro ocupa la totalidad de la imagen.Plano medio. Rostro, hombros y pecho, hasta codos.Plano americano. De la rodilla hacia arriba.Plano general. Vista completa del sujeto y parte de su en-torno. Primerísimo plano. Parte del rostro.

Retrato


¡Lafoto más Per-sonal!Aunque genéricamente hab-lamos del retrato como si se tratase invariablemente de la fotografía del rostro de una persona, su esencia va mucho más lejos. Un retra-to implica la participación de muchos elementos y la perfecta armonía de todos ellos. Desde el equipo a em-plear hasta la complicidad del modelo -profesional u ocasional-, debemos tener en cuenta que todos los de-talles son esenciales y que el fallo de uno solo puede echar por tierra el resultado final. Y es que una imagen que transmita un sentimien-to, esa es un retrato. si hay

LA POSE:

Si lo que se persigue con el retrato es subrayar la belleza o resaltar la personalidad, la pose que adopta el modelo es decisiva. La edad, la con-textura física, el sexo, son factores importantes en el momento de elegir la pose. Ante todo, hay que evitar los primeros planos de frente, si no existe una razón es-pecial, ya que favorecen sólo a unos pocos rostros.La toma de perfil puede parecer excesivamente po-sada, sin embargo pued e resultar sorprendente e in-formal si realzamos el ca-bello echando la cabeza hacia atrás y mostrando la grácil y esbelta curva del cuello.El retrato de busto o meOtra cuestión a tener en cuenta es asegurarse de que el modelo se encuentra a gusto, sobre todo si se trata de una persona mayor. Sen-tados en su silla favorita, él o ella adoptarán una postura relajada. La silla ofrece tam-bién un punto de apoyo para los brazos y ayuda a resolver

un problema clave: la colocación de las manos. Con los jóvenes se pu-eden buscar poses menos estáticas y convencionales aprovechando actitudes espontáneas y naturales.

Retrato


Una de las modalidades de foto-grafía más complicadas es pro-

bablemente la fotografía de paisajes. Sin embargo, también se trata de la primera línea de trabajo en la que uno se adentra en fotografía, proba-blemente porque es la más fácil de probar. En este artículo te queremos dar una serie de consejos para que mejores tus fotografías de paisajes.

1. Utiliza la mayor profundi-dad de campo que puedas

Mientras que en otro tipo de fo-tos se juega con la profundidad de campo, utilizando esta faceta como un elemento compositivo más, la fotografía paisajista se caracteriza por aplicar, por regla general, la ma-yor profundidad de campo posible, manteniendo nítida toda la foto.

Recuerda que para conseguir una gran profundidad de campo debes cerrar todo lo que puedas el dia-fragma del objetivo de tu cámara.

2. Utiliza un tripieComo vas a cerrar mucho el dia-

fragma, tendrás que utilizar tiempos de exposición largos. Así que, ne-cesitarás un buen tripie si no quie-res que te salgan movidas las fotos.

En caso de no disponer de uno, puedes probar a abrir algo más el diafragma o a subir la sensibi-lidad ISO, aunque recuerda que haciendo esto último aumentarás la relación de ruido en la imagen.

3. Identifica un centro de interésRecuerda que toda buena foto

debe tener un centro de interés. Identifica uno dentro de tu paisaje. Puede ser el pico de una monta-ña, una roca, un árbol, una silueta,

También acuérdate de situarlo bien dentro de la fotografía. Para ello puedes aplicar la regla de los tercios.

4. Piensa en el fondoAl contrario que en otras mu-

chas temáticas, en paisajes el fon-do importa mucho. Estará nítido y forma parte de la composición por completo. Por tanto, tendremos que analizarlo con detenimiento, vien-do donde situamos los puntos de interés, si utilizamos líneas rectas o curvas para conducir la atención en la foto, ver de que manera vamos a crear sensación de profundidad.

5. Ten en cuenta el cieloEl cielo es otro de los pun-

tos a considerar a la hora de componer nuestra foto.

En la mayoría de fotografías de paisajes hay un elemento predo-minante: el cielo o la tierra (vale, o el mar). Si vemos que el cielo no aporta demasiado a la foto, lo suyo es dejar un solo tercio de la fotogra-fía para el cielo, mientras que si el tipo de cielo que estamos sacando es el elemento predominante, por la forma de sus nubes, por el co-lor en función de la hora del día.

Paisaje


6.Captura el movimientoLa mayoría de nosotros aso-

ciamos la idea de paisaje al sen-timiento de calma, paz y tran-quilidad. Lo cierto es que muy pocas veces encontramos esa calma total en la escena que estamos viendo en un momento determinado. El movimiento que se pueda producir a nuestro al-rededor puede añadir a la ima-gen sentimiento o drama, y crear en si mismo un centro de interés.

El viento que mueve los ar-boles, las olas en el mar o la corriente de un río son ejem-plos de movimiento que en-contramos continuamente en la naturaleza y que pode-mos recoger en nuestras fotos.

Para capturar ese movimiento tendremos que utilizar veloci-dades de obturación bajas, lo que nos obligara a cerrar más el diafragma para contrarrestar la cantidad de luz que entra a través del objetivo y puede que algún tipo de filtro para reducir la luz, salvo que esperemos a un momento del día con menos luz.

7. La climatologíaUna escena puede variar

dramáticamente en función del clima que se da en el momento de hacer la foto. Por lo tanto, elegir bien el momento en el que hacer la foto va a resultar determinante para obtener un buen resultado.

Cuando empezamos en el mun-do de la fotografía, asociamos el buen tiempo y los días soleados al mejor momento para hacer fotos. Con el tiempo nos iremos dando cuenta de la infinidad de posibili-dades que ofrecen los días nubla-dos, lluviosos, la niebla o la nieve.

Los días soleados, en las horas centrales del día, generan una luz dura, con sombras muy acusadas y fuertes contrastes entre las luces y las sombras. Por el contrario, los días nublados dan una luz más suave, reduciendo ese contraste.

No debemos dejar de buscar días de tormenta, niebla, viento, cielos especialmente nublados, o nieve. Empezaremos a generar diversi-dad en nuestras imágenes, rom-piendo la monotonía de nuestras

fotos de paisajes, en lugar de estar esperando con nuestra cámara cogiendo polvo a que llegue el próximo día soleado.

8. La hora del díaAunque ciertamente ten-

go pocas oportunidades de hacerlo, me gusta madru-gar para hacer fotos de pai-sajes al amanecer o esperar al atardecer para hacerlas.

El amanecer y el atardecer son los dos mejores momentos para hacer fotos de este tipo. La posi-ción del sol hace que la luz incida sobre los objetos con un ángulo especifico en el que se crean tex-turas y patrones con las sombras.

Paisaje


9. Acuérdate del horizontePosiblemente es la re-

gla más básica de la foto-grafía. Debemos mante-ner en mente siempre el horizonte en dos aspectos.

El primero, manteniéndo-lo recto. Antes de disparar, asegúrate de que el horizon-te esta bien nivelado. Re-cuerda que siempre puedes corregir la inclinación poste-riormente en la edición de la foto, aunque te obliga-ra a recortar la fotografía.

El segundo, en cuanto a su composición. Recuerda la re-gla de los tercios. No pongas el horizonte partiendo la foto, salvo que esté justificado. En la inmensa mayoría de los casos es preferible ajustarlo al tercio inferior o al superior.

10. Cambia el pun-to de vista

Normalmente hacemos las fotos desde el mismo punto de vista. De pie, con la cá-mara a la altura de nuestros ojos. De este modo la foto

resultante transmite siempre la misma sensación. Es lo que vemos habitualmente.

Paisaje


Still life es una composición artística de distintos objetos sobre fondos arti-ficiales o superficies naturales, con el fin de crear distintas formas y luces.Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, ge-neralmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) En un espa-cio determinado. Naturaleza muerta debe expresar claramente una cierta idea. Puede estar compuesto por ob-jetos juntos de acuerdo a su función práctica o de cosas que pueden parecer diferentes a su punto de destino de vis-ta, y en este caso de-ben estar unidos por una idea clara y distinta.

Un poco de historiaTuvo especial influencia en el siglo XVI en Flan-des. Este género era llamado naturaleza muer-ta, que era un tipo de arte simbólica. Se solía hacer en interiores y se le llamaba bodegón porque representaba elementos que estaban en las cocinas, en las bodegas o en las despen-sas (pan, botellas de vino, frutas,...).

Se pueden diferenciar dos tipos:

• Bodegón seco. Son los que tienen más en común con los que se realizaban en pintura (naturaleza muerta). Admiten sombras, textu-ras y el color suele ser cálido: cuerda, made-ra, cereales, barro, frutos y flores secas, pasta, botellas de vino,... En el caso de que quedara una composición muy monótona en cuanto a color, se puede poner un elemento que desta-

que del resto.• Bodegón húmedo. Es más luminoso, brillante. No admite sombras y las texturas son suaves: frutas y verduras, cristal, cubiertos de acero inoxidable, por-celana,...

Still life


La principal aplicación del bodegón es la foto-grafía publicitaria, donde el objetivo es vender un objeto, por lo que se trata de una fotografía muy cuidada y preparada. Los equipos son de gran calidad y se trabaja en estudios.Se deben tener en cuenta tres aspectos:• La composición. Es importante respetar la ley de los tercios: las grandes masas estarán en el centro y los pequeños detalles alrededor. Un bodegón cuenta con varios planos de compo-sición, lo que obliga a trabajar con diafragmas cerrados para conseguir mayor profundidad.• La toma. Es importante la posición de la cámara y los objetivos con los que se va a tra-bajar. Por ejemplo, si el objeto es muy plano, se deberá hacer una toma cenital (desde arriba). La toma que más se utiliza es la toma frontal lige-ramente picada. En cuanto a los objetivos, con ellos se pueden crear diferentes efectos:o Teleobjetivo. Enfoca muy bien el bode-

Aplicaciones de Still Life

gón, pero el fondo queda desenfocado.o Gran angular. Se puede deformar el bode-gón por los extremos.El objetivo que más se utiliza es el teleobjetivo cor-to (70-100) ya que respeta la profundidad de cam-po lo suficiente y no deforma el objeto, ni llega a pegar la perspectiva. En publicidad se trabaja con negativo de 9x12.• La luz. Es muy importante, más que en otros géneros. Dependerá del tipo de bodegón:o Bodegón húmedo. Al no pedir sombras, se deberán evitar éstas y controlar los brillos (deben aparecer en los bordes de los objetos). Los fon-dos son lisos y con colores vivos. Lo ideal es que no haya demasiados objetos y procurar, además, que éstos queden ligeramente sobreexpuestos (de luz). Debe haber profundidad de foco (o campo). Se trabaja con luz difusa. Si se utiliza un foco direc-to, se hará frontal o cenitalmente.o Bodegón seco. Todo lo contrario. Admite sombras, por lo que se utiliza luz directa frontal o lateral. Los fondos son de colores cálidos, fogosos, con texturas,... Quedará mejor cuando los objetos queden ligeramente subexpuestos. A este tipo de bodegones les va bien el fondo desenfocado, por lo que se utilizan objetivos largos.


Si se utilizan líquidos, se iluminarán de mane-ra especial, con un foco dirigido hacia él. Hay que tratar de alejar los elementos más claros de la fuente de luz.Pasos para la toma de un bodegón:• Componer. Una vez compuesto no se debe mover nada. Hay que juntar los elementos.• Situación de la cámara. Se debe colocar en un trípode. Una vez colocada la cámara no hay que moverse.• Elegir el objetivo.• Elegir el diafragma y la obturación.• Iluminación.

Es uno de los temas fotográficos más exigen-tes de la fotografía profesional, pues requiere equipo y preparación técnica de alto nivel: sistemas sofisticados de iluminación, cámaras de medio y gran formato, un amplio abanico de accesorios como fondos, elementos de atrezzo.., Por no hablar de los conocimien-tos necesarios para obtener el máximo ren-dimiento de tanto utillaje. Todo esto acaba por disuadir al aficionado, que raras veces se atreve a adentrarse en este mundo apa-rentemente reservado a los profesionales. Sin embargo, conseguir un buen bodegón se

encuentra al alcance de cualquiera, vamos a verlo.Es difícil que los aficionados, incluso con cono-cimientos se atrevan con los bodegones. Esto se debe principalmente a que en ellos el fotó-grafo no se encuentra con nada hecho y debe construir por completo la totalidad de la ima-gen. En un paisaje, la iluminación o los elemen-tos del mismo no dependen exclusivamente de nosotros, al igual que en el reportaje donde se trabaja con sujetos “fuera de control” bajo una iluminación dada.


En un bodegón, sin embargo, todo lo pone la imaginación de su autor, resulta de su ca-pacidad para producir y crear la escena: primero con la acertada elección de sus objetos, prestando especial atención a sus formas, volúmenes, tamaños, colores y tex-turas; segundo con un perfecto dominio de la iluminación que cree la atmósfera ade-cuada y proporcione un toque especial a lo fotografiado, resaltando con fuerza sus ca-racterísticas. Tercero, con una composición y encuadre elegantes fruto de una colocación armónica de los elementos y de un fondo acorde con ellos.Estos tres factores (tema, luz y composición) resultan determinantes a la hora de conse-guir una foto de bodegón que merezca la pena, pero no es cierto que debamos partir de planteamientos complejos y elaborados o que hagan falta equipos especializados. Los bodegones sencillos apenas son exigen-tes en este sentido; vale cualquier cámara analógica o digital equipada con una óptica zoom estándar que permita intervenir al fotó-grafo en los controles básicos de exposición, diafragma y enfoque. La iluminación puede ser sólo natural, con lo que eliminamos la ne-cesidad de saber iluminar, aunque algún es-quema sencillo también explicaremos con el propósito de ayudar a quienes quieran hacer sus “pinitos” en el estudio.Los requerimientos, sin embargo, en estos bo-degones minimalistas de creatividad y saber hacer son máximos: no vale cualquier tema, iluminación ni fondo o composición, algo co-mún a toda fotografía, pero que en el bode-gón resulta todavía más evidente, en el sen-tido de que en este caso sí que tales factores se deben sólo al fotógrafo.En otra clase de tomas el azar o la luz am-biente nos pueden echar una mano, en el bodegón los posibles fallos dejan al desnu-do sin más nuestras carencias fotográficas. Lo que no es nada malo, muy al contrario, el bodegón es una escuela excelente para aprender y practicar la fotografía porque ayuda a resolver sus aspectos esenciales de forma y contenido, simplemente al plantear-los desde el principio como la única forma de construir la imagen fotográfica, esa mez-cla de composición, luz y tema.

Still life

Still life

Hay muchas formas de tomar una fotogra-fía, el más mínimo efecto, hace que nues-tra composición tome otro sentido. Los efectos fotográficos nos ayudan a darles una vista diferente a nuestra imágenes.

En esta ocasión veremos

> Panning

> Enfoque selectivo

> Movimiento congelado


Efectos fotograficos

Una de las características mas fascinantes de la fotografía es su capacidad de detener el tiempo. Capturar momentos en una fracción de segundo. Mostrar la belleza del “movimiento congelado”.

Para lograr esto tenemos que jugar con la velocidad de obturación de la cámara.

La capacidad de congelar (o de representar) el movimiento de un motivo en una fotografía reside en el obturador. Velocidades altas (1/250, 1/500 y 1/1000) corresponden a tiempos muy breves de obturación. Si trabajas en modo automático, para obtener la velocidad de obturación lo más alta posible de-berás seleccionar la posición “S”. Con este ajuste podrás escoger una velocidad alta y la cámara seleccionará el diafragma que le corresponda para una exposición correcta. Si la velocidad es-cogida es muy alta, puede que en algunas situa-ciones la cámara no pueda seleccionar la ab-ertura máxima de diafragma necesaria. En este caso deberás reducir la velocidad. Que te sea posible ajustar una velocidad de obturación alta está en función de:

■ Luz ambiente intensa ■ Posibilidad de abrir al máximo la abertura de diafragma ■ Sensibilidad del CCD

Disponer de una luz ambiente de cierta intensidad (trabajar a pleno sol, por ejemplo), permite ob-tener una combinación de velocidad/diafragma que facilita congelar el movimiento de un motivo. Esta situación te permitirá, al mismo tiempo, que la cámara ajuste un diafragma relativamente cerrado, lo que comporta una profundidad de campo aceptable. En condiciones de poca luz, necesitarás abrir el diafragma al máximo para poder ajustar una velocidad de obturación alta. Una abertura máxima de diafragma comporta poca profundidad de campo. Presta mucha at-ención a la operación de enfoque. Recuerda la

técnica de enfocar el motivo protagonista, blo-quear el enfoque y, si es necesario, reencuadrar la escena.

La sensibilidad del CCD, combinada con la luz ambiente, es la que determina la exposición necesaria (velocidad/diafragma). La cámara te permite realizar diversos ajustes de sensibilidad, pero ya sabes que sensibilidades superiores a la normal (equivalente a 100 ISO) comportan un cierto nivel de “ruido” en la imagen. En la posición “Auto” la cámara trabaja a 100 ISO, salvo cuan-do las condiciones de luz son precarias, que la sensibilidad se ajusta, de forma automática, a un nivel suficiente que permita captar la fotografía. Cada vez que se dobla la sensibilidad ISO, se pu-ede doblar la velocidad de obturación (1/125, 1/250, 1/500, por ejemplo) y mantener el mismo

Movimiento congelado



Enfoque selectivo

El enfoque selectivo significa dar nitidez sola-mente a lo que interesa, lo que permite un mayor control sobre el contenido y la interpretación final de la fotografía. La operación de enfoque está desvinculado del encuadre, es decir, una cosa es lo que se encuadra y otra muy distinta es lo que se enfoca dentro del encuadre. El fotógrafo decide primero el encuadre y después enfoca aquello que te parece más conveniente, lo cual no ha de coincidir forzosamente con el centro del encuadre.

Dejar nítida sólo una parte de la imagen, mien-tras el resto queda desenfocado, es una buena fórmula para destacar el centro de interés. Esta opción se llama enfoque selectivo.

Destacar, acentuar determinados aspectos o cu-alidades del motivo y transmitir emociones son las metas que se han de conseguir. Éstas son, en de-finitiva, las diferencias que determinan que una fotografía sea, además de correcta, interesante.

Para mejorar resultados, el fotógrafo debe edu-car su manera de mirar el entorno e incorporar a sus reflejos la mirada selectiva e instintiva ante cualquier situación. Un buen ejercicio para con-seguirlo es mirar repetidamente por el visor de la cámara y analizar lo que se ve a través de él con ojos críticos, como serán los del observador de la fotografía.


El efecto panning es el efecto creado cuando fotografiamos algún objeto en movimiento de manera que conseguimos que dicho objeto esté enfo-cado y congelado mientras que el fondo está movido. Lo que debemos hacer es:

La dificultad principal es conseguir que el objeto de la foto esté bien enfocado. Deberemos val-orar si utilizar el autofocus, el autofocus en modo contínuo o enfocar de manera manual en la zona donde por la os que pasará el objeto a fotogra-fiar. Esto dependerá de la cámara que tengas y tu habilidad para hacerlo.

Si utilizáramos un tiempo de exposición corto, con-gelaríamos tanto el motivo fotográfico como el fondo, y perderíamos por completo la sensación de velocidad.


Panning

■Utilizar un tiempo de exposición largo. Podemos empezar por 1/30, por ejemplo.■En el momento en el que disparamos la foto-grafía, deberemos seguir el objeto fotografiado con nuestro objetivo, normalmente girando sobre nuestro eje o desplazándonos sobre la horizontal.■Un tripié o estabilizador de imágen casero nos vendrá de mucha ayuda.

5 consejos breves para un barrido exitoso:

1. Pon las manos firmes y una velocidad de obturación relativamente baja.

2. Baja la velocidad de obturación a medida que aumenta tu experiencia con la técni-ca, comienza con una velocidad mediana-mente rápida.

3. Asegúrate que el sujeto permanece en la misma porción de la imagen durante toda la exposición.

4. Comienza con sujetos en movimientos más lentos para ir aumentando el desafío a me-dida que vas alcanzando tus primeros logros.

5. ¡Diviértete! Y si al principio no resulta, tran-quilo; arriba el ánimo, espera un poco y vuelve a intentarlo una y otra vez.

El panning, también conocido como barrido, es eso, una técnica fotográfica a través de la cuál captas un sujeto en movimiento siguiéndolo con tu cámara, de esta forma el objeto a fotografiar parece estar estático en tanto que la zona que lo rodea es la que brinda la sensación de mov-imiento.

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