revistajunio2014 v1
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Revista sobre el mundo del cómicTRANSCRIPT
Glamourosadas……………………………………………………………………...Pág 3
Diario de una volátil………………………..…Pág 8
Pasatiempos………………………………………………………………………..Pág 10
La Biblioteca………………………………....Pág 12
Cocina……………………………………………………………………………..Pág 14
Quino, Premio Príncipe de Asturias……….Pág 15
Jan, en la Feria del Libro de Cádiz………………………………………………..Pág 17
Todo sobre el 32 Salón del Cómic de Barcelona……..Pág 18
Manualidades a Todo Riesgo…………………………………………………………Pág 105
Laly y sus cosas……………………………………..Pág 108
Historias de Bruguera…………………………………………………………………Pág 120
Diario de una volátil
Por Geno Mesa
Agustina Guerrero es una dibujante y diseñadora
gráfica argentina afincada en España desde hace
14 años. Comenzó a dibujar a La Volátil como un
diario íntimo puesto que, según dice, se expresa
mejor así que hablando. Un diario íntimo y
privado pues la protagonista es ella, el chico su
pareja y las primera tiras eran totalmente
autobiográficas.
La Volátil nace hace cuatro años y es hace dos
cuando se da a conocer en un blog. Cuenta su
creadora que todo comenzó cuando un mal día
llegó a casa y se encontró con que le habían
robado todo, todo menos un ordenador y una
carpeta con los dibujos de este personaje. Su rabia
y frustración provocó que publicara esas viñetas y
en muy poco tiempo ya tenía un montón de
seguidores en Facebook.
Es una treintañera menudita, nada tímida que viste
siempre camiseta a rayas y recoge el pelo en un
gran moño. Sus vivencias son de lo más cotidianas
pues están sacadas de la vida real aunque a veces
puede resultar un tanto exagerada en sus
reacciones.
Ahora, además de en el blog
(http://guerreroagustina.blogspot.com.es/),
Facebook y Twitter e Instagram donde también
podemos disfrutar del proceso de creación de las
viñetas, también tenemos las aventuras de este
personaje en papel, un libro publicado por Lumen,
con una gran parte de material inédito y que ya va
por su tercera edición.
Aquellos que visitasteis el Salón del Cómic el mes
pasado en su última edición quizás os la hayáis
encontrado por allí firmando sus libros.
Soluciones a los pasatiempos del mes de mayo
La Biblioteca
Por Silvia Tarragó
Seguramente muchas de vosotras recordareis la
miniserie de la BBC I, Claudius que se emitió por
TVE a finales de los setenta con el título de Yo,
Claudio. Por aquella época yo debía tener siete u
ocho años y, no obstante, la seguí con deleite
semana tras semana. ¡Y eso que la parte de
Calígula me daba bastante miedo! No sé bien que
era lo que me atraía de esa historia, pero es
posible que los cómics de Astérix, que ya me
habían cautivado antes incluso de saber leer, sean
los responsables. Me hacía gracia ver a los
romanos aunque que estos, de carne y hueso, no
fuesen tan divertidos como los de papel y tinta (lo
que sí estaban muchos era, como afirmaba Obélix,
locos). Sea como fuere, unos años después leí las
dos novelas en que se basa la serie (Yo, Claudio y
Claudio el dios y su esposa Mesalina, del escritor
inglés Robert Graves) y pude apreciar todos los
matices de un relato magnífico que consiguió
convertirme en una entusiasta de la novela
histórica y, por extensión, del peplum (género
cinematográfico de películas ambientadas en el
antigüedad). Llevada por esa fascinación lectora
llegué incluso a leer Los doce césares, de
Suetonio y los Anales, de Tácito, con el objetivo
de saber más de aquella época que me había
cautivado, Desde entonces, he leído las novelas de
Graves tres veces y he perdido la cuenta de los
visionados de aquellos venerados capítulos.
Todo esto que cuento es para dar una idea de lo
que experimenté al enterarme de que acababan de
publicar una novela sobre aquella época y
aquellos personajes, que ya son para mí como
unos viejos conocidos. Confieso que me enfrenté
a la lectura de la novela Amor contra Roma entre
esperanzada y temerosa, porque tenía el
convencimiento de que me lo pasaría bien
leyéndola, ya que me reencontraría con los viejos
escenarios, pero sabía que era inevitable no
dejarme arrastrar por las expectativas.
Afortunadamente las dos opciones han jugado a
mi favor: he disfrutado con su lectura y mis
esperanzas han quedado satisfechas.
Por un lado, he podido revivir unos hechos
históricos conocidos pero explicados desde otra
óptica, más actual y narrativamente más ágil. Por
el otro, he disfrutado de una historia muy original
en la que el nombre de la ciudad eterna se alía con
su doble lectura (AMOR-ROMA) para ofrecernos
un retrato de cómo se vivía la sensualidad en la
ciudad eterna, encorsetada como estaba por las
leyes sobre moralidad dictadas por el emperador
Augusto
La primera parte del libro me sorprendió un poco
porque eché en falta una cierta continuidad en los
capítulos, como si se tratasen de piezas sueltas
cuya única finalidad fuera situar al lector en el
contexto histórico. Además, faltaban los
'cliffhangers' (finales que te dejan colgado
esperando saber qué pasa) a que nos tienen
acostumbrados las novelas actuales. Así pues, al
terminar un episodio no sentías ese irrefrenable
deseo de comenzar el siguiente. Pero esto sólo fue
el principio. Muy acertadamente, el autor nos va
introduciendo en una historia de la que demuestra
tener un gran conocimiento. Es por eso que los
capítulos iniciales son más para posicionar que
para enganchar al lector. Sin embargo, una vez
atravesado el vestibulum nos encontramos en una
domus perfectamente edificada. A partir de ese
momento ya no puedes dejar el libro. De hecho,
yo me tragué más de la mitad final en un solo día
Hacía tiempo que no leía con tanta voracidad.
Una vez que el relato toma impulso los detalles
divulgativos parecen no estar tan presentes, pero
están ahí. Sin darnos cuenta, nos convertimos en
testigos de conjuras, intrigas, sufrimiento y
pasiones que hacen referencia a personajes
históricos la mayoría de los cuales son, por
desgracia, verídicos. Así, descubrimos los
caminos oscuros que toma el poder y las
debilidades de los gobernantes, de manera que las
estatuas que los representan se vuelven carne,
huesos y sangre. Esto demuestra el gran trabajo
documental que ha hecho el autor que, además
rescata para nosotros escenas de la cotidianidad y
de la intimidad de aquellos que vivieron en la
Roma de Augusto. Una ciudad de mármol que un
poeta quiso caldear con sus versos: Ovidio.
Amor contra Roma es un fresco preciosista sobre
los últimos años del mandato de César Augusto,
donde éste y el poeta Ovidio encarnan la
contraposición entre deber y placer, el eterno
conflicto apolíneo-dionisíaco. En este escenario
las personas son meros objetos de cambio,
especialmente las mujeres quienes tienen un gran
peso a lo largo de toda la trama.
Con esta novela Víctor Amela consigue que la
erudición dé la mano al ritmo narrativo, para
desentrañar las historias que un día latieron bajo
los adoquines de la Roma Imperial.
Con Remi Riesgo
Flan de queso exprés
Ingredientes para cuatro personas:
200 grs de crema de queso
150 grs. de nata líquida
4 huevos
50 grs. de azúcar
50 grs. de caramelo líquido
Elaboración:
Mezclamos el queso crema, la nata y los
huevos con el azúcar en un bol amplio y
removemos con una batidora eléctrica
hasta que sea una crema homogénea.
Caramelizamos una flanera o un molde que
sea apto para microondas. Usamos para
ello el caramelo líquido y vertemos encima
la mezcla.
Debemos llenar el molde hasta la mitad,
porque suele subir de volumen durante la
cocción, aunque luego con el reposo
vuelva a su volumen original.
Introducimos en el microondas durante 10
minutos a una potencia de 800 W.
Una vez cocinado, dejamos que repose
durante 30 minutos en el frigorífico.
Servimos a temperatura ambiente y
decorado con caramelo líquido y/o nata
montada.
Tiempo de elaboración: 20 minutos
Tiempo de reposo: 30 minutos
Dificultad: baja
Calorías: aprox. 349 kcal. ración
Quino, premio Príncipe de Asturias
Quino (Joaquín Salvador Lavado), nacido en
Mendoza en 1932 fue galardonado el pasado
miércoles 21 de Mayo con el Premio Príncipe de
Asturias de Comunicación y Humanidades. El
jurado estuvo presidido por Víctor García de la
Concha, director del Instituto Cervantes, que se
decidió por el creador de Mafalda por “los
lúcidos mensajes (…) que siguen vigentes por
haber combinado con sabiduría la simplicidad en
el trazo del dibujo con la profundidad de su
pensamiento (…) y el enorme valor educativo de
su obra”.
El creador de Mafalda, personaje que cumple 50
años en este 2014, optaba al premio junto a
Jacobo Zabludovsky, periodista mexicano, los
fundadores de Skype, Emilio Lledó, filósofo
español, la agencia de fotografía Magnum, o las
periodistas Caddy Adzuba y Cristiane Amanpour
entre otros, recibirá como premio una escultura
del artista Joan Miró y 50.000 euros en metálico
además de una insignia representativa y un
diploma honorífico.
El Premio Príncipe de Asturias de Comunicación
y Humanidades viene a sumarse a la Medalla de
Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de
Francia, concedido a Quino en 2012 y el
nombramiento como Caballero de la Orden Isabel
la Católica de 2005.
Quino comenzó a publicar sus dibujos por primera
vez en 1954 en el semanario bonaerense “Esto
es”, pero no sería hasta una década más tarde que
Mafalda, una niña inteligente, irónica y crítica con
el mundo, sus ciudadanos y sus políticos llegaría
al mundo de la tira cómica.
Mafalda, nacería 1962 pero no sería publicada
como la conocemos ahora hasta 1964, y a pesar de
estar a punto de cumplir cincuenta años, se
conserva como el primer día en su cuerpo de 6
años, reflejo de la clase media argentina.
Progresista, preocupada por la humanidad y la paz
mundial, sigue a día de hoy rebelándose contra el
mundo dejado por sus mayores.
Originalmente, Mafalda se publicó desde 1964 a
1973. Llegando a ser extremadamente popular en
toda Latinoamérica, Europa, Quebec y Asia, lo
que llevaría la tira a tener su propio libro y una
serie animada.
La revista Primera Plana comenzó a publicar las
tiras en Septiembre del 64, donde solo aparecían
Mafalda y sus padres. En Enero del 65 se
incorporaba el personaje de Felipe y Quino dejaría
la revista ese año para comenzar a publicarla en El
Mundo.
Nuevos personajes se sumaron a la historia, como
Manolito, Susanita o Miguelito, y la madre de
Mafalda quedaría embarazada.
Desafortunadamente, El Mundo cerró en
Diciembre de 1967. Seis meses después, Quino
comenzaba a publicar en Siete Días Ilustrados.
Aquí ya aparecería Guille, el nuevo hermanito de
Mafalda y su amiguita Libertad.
La tira se publicaría por última vez en Junio de
1973, aunque Quino seguiría dibujando Mafalda
de vez en cuando, principalmente para promover
los derechos humanos. En 1976, se convirtió en la
imagen de UNICEF, ilustrando la Convención de
los Derechos del Niño.
Mafalda ha sido traducida a diferentes lenguas
europeas y al chino simple y tradicional. Sin
embargo, solo hay unas pocas publicaciones en
inglés. En Estados unidos, solo existe la
publicación El Mundo de Quino, de 1986, pero a
partir de 2004 Ediciones de la Flor, la editorial
argentina de Quino comenzó a publicar la
colección en inglés Mafalda & Friends.
¿Veremos a Mafalda en el cine? Posiblemente no.
Quino se ha opuesto a la adaptación
cinematográfica de los personajes, aunque sí
accedió a dos series animadas, una compuesta por
260 episodios de 90 segundos de 1972 que se
convirtieron luego en una película completa
estrenada en 1981 y casi desconocida y otra serie
de 104 cortos producidos por un director cubano
amigo personal de Quino.
Jan, en la Feria del Libro de Cádiz
Fotos: Manuel Fernández Cortina
El pasado sábado 10 de Mayo, Juan López “Jan”,
autor también del cartel de este año, acudió a la
Feria del Libro de la capital gaditana, en el que se
proyectó el corto del guionista José Luis Vidal de
Superlópez ante la presencia de un muy
numeroso público, seguido a las 12 de la tarde por
una multitudinaria sesión de firmas en primera
sesión, seguida de una segunda a las 7:30 de la
tarde en el Baluarte de la Candelaria.
Todo sobre el 32 Salón del Cómic de Barcelona
El 32 Salón Internacional del Cómic de
Barcelona, organizado por FICOMIC, cerró sus
puertas habiendo recibido 106.000 visitantes. La
cifra final consolida el impacto del certamen.
“Una cifra de visitantes muy importante cuando
se tuvo que competir con el fútbol la tarde del
sábado”, señaló Carles Santamaría, director
del Salón del Cómic y de FICOMIC. Santamaría
aseguró que, desde la organización, “estamos
satisfechos por la gran participación de público
en las actividades en una edición que ha batido
récord de espacio”.
“La macro exposición Cómics en guerra, con 554
ilustraciones originales que incluía escenografías
de recreación histórica, ha tenido una gran
repercusión. Seguiremos trabajando en una
programación variada que satisfaga tanto a los
aficionados como al público en general”, ha
señalado el director del Salón.
Coincidiendo con el centenario del inicio de la
Primera Guerra Mundial, el Salón del
Cómic dedicó su edición de este año a las viñetas
bélicas con una macro exposición titulada Cómics
en guerra en la que podía contemplarse un
número de originales de récord: más de 550
ilustraciones la conformaban, entre ellas, algunas
realizadas por prisioneros de campos de
concentración. En esta muestra, que ocupaba el
pabellón 1 de Fira Montjuïc, se recreaba el
ambiente de época gracias a diversas asociaciones
de recreación histórica provenientes de toda
Cataluña, así como vehículos de combate e
incluso un tanque. Durante los cuatro días del
certamen, además, se organizaron diversas mesas
redondas y talleres sobre el tema, en las que
participaron autores de la talla de Joe Sacco, Brian
Azzarello, Ramón K. Pérez o Paco Roca.
Además de rendir tributo a la viñeta bélica, esta
edición del Salón del Cómic celebró los
aniversarios de Batman, Lobezno y Popeye, con
exposiciones centradas en estos personajes. El
humor gráfico estuvo una vez más presente a
través de la exposición Por el derecho a sonreír,
y el cómic inspirado en el día a día de sus autores
también con la muestra Viñetas autobiográficas,
en la que participaron desde Moderna de Pueblo
hasta Miguel Fuster. El apartado expositivo lo
cerraron las muestras dedicadas a los ganadores de
la pasada edición del Salón: Purita
Campos, Miguelanxo Prado, Oriol
Hernández y el fanzine Adobo.
Entre los invitados extranjeros destacó la
presencia de Pia Guerra, Mike Carey, Manuele
Fior, Paul Jenkins, R.M. Guéra, Audrey Spiry,
Matt Peters, Bill Presing, Brian Azzarello y
Eduardo Risso. Todos ellos participaron en
numerosos talleres, mesas redondas y encuentros
y estamparon dedicatorias a todos sus fans.
El inimitable historietista e ilustrador Miguel
Gallardo, creador de Makoki y de cómics
autobiográficos de la talla de María y yo, fue
distinguido con el Gran Premio del Salón,
mientras que el último cómic de Paco Roca, Los
surcos del azar, se llevó el galardón a Mejor
Obra de autor español, y El Libro de los
insectos humanos, de Osamu Tezuka, al
de Mejor Obra de autor extranjero. El
de Autor Revelación, galardón patrocinado por la
Fundación Divina Pastora, fue para Clara
Soriano responsable de Colmado Sánchez, y el
de Mejor Fanzine correspondió a Arròs Negre,
mientras que el Premio del P&u acute;blico fue
para Papel estrujado, de Nadar.
El 32 Salón Internacional del Cómic de
Barcelona ha contado con el apoyo del
Departamento de Cultura de la Generalitat de
Catalunya, del Ayuntamiento de Barcelona, del
Ministerio de Educación, Cultura y Deportes y la
Diputación de Barcelona. El certamen además
colabora con el Departament d’Ensenyament de la
Generalitat de Catalunya en el desarrollo de las
actividades de carácter pedagógico del certamen,
que una vez más estuvieron presentes, así como
las entrevistas entre importantes editores y
profesionales. Los medios oficiales del Salón han
sido El Periódico de Catalunya, Máxima FM,
Sàpiens i 8TV. Además ha contado con la
colaboración de Carnet Jove, Fundación Divina
Pastora y Sitges Festival Internacional de Cine de
Catalunya y de la Universidad de Barcelona.
Exposición Cómics en Guerra
A lo largo de su historia, los cómics han reflejado
de una forma u otra los conflictos bélicos de la
humanidad. Desde la antigüedad hasta las guerras
actuales, guionistas y dibujantes han utilizado
como telón de fondo las contiendas históricas,
aportando tratamientos que van desde las visiones
más fidedignas hasta las paródicas, pasando por
las que potencian los valores heroicos o humanos,
e incluso las visiones más críticas. De hecho, el
bélico es uno de los géneros más retratados en la
historieta.
Este año tienen lugar diversas conmemoraciones
como el centenario del inicio de la I Guerra
Mundial, el 75 Aniversario del inicio de la II
Guerra Mundial y el Tricentenario del fin de la
Guerra de Sucesión Española y del 11 de
Septiembre de 1714.
Comics en guerra, la exposición, aporta una
visión antológica de las viñetas bélicas, dividida
cronológicamente en los diversos periodos de la
historia, desde los tiempos prehistóricos hasta las
últimas y recientes contiendas. El visitante pudo
visualizar originales de guerras de la Edad Media,
la Edad Moderna o la contemporánea,
especialmente de aquellas que, en 2014, cumplen
aniversarios, como la Guerra de Sucesión de
1713-1714 en Catalunya, la I Guerra Mundial, la
Guerra Civil española o la II Guerra Mundial. Se
contó con páginas de los más destacados
dibujantes bélicos de todo el mundo, en una gran
exposición de más de 200 originales. También
hubo apartados dedicados a los efectos de la
guerra en la población civil y a los genocidios,
además de una sección sobre los corresponsales de
guerra.
Para la escenografía se contó con la colaboración
de diversas asociaciones de reconstrucción y
recreación histórica como la Asociación Catalana
de Coleccionismo de Uniformes Históricos
(ACCUH), la Asociación Batalla del Ebro, la
Asociació Miquelets de Catalunya y la Associació
de Recreació Histórica Coronela de Barcelona.
Con su colaboración se recrearon diferentes
conflictos armados teniendo el cómic como su
marco.
Además, en el Palacio 1 tuvieron lugar
conferencias y mesas redondas. La Universidad de
Barcelona y FICOMIC llegaron a un acuerdo de
colaboración para desarrollar una serie de
conferencias con la participación de historiadores
y autores de cómic. En el Palacio 1 también hubo
lugar para los juegos de estrategia y el modelismo,
así como videoproyecciones con montajes
audiovisuales.
Os dejamos con imágenes de esta impresionante y
gigantesca exposición dedicada al tebeo de guerra.
Guerra de Vietnam, 1959-1975. Portada revista Chicharras, 1984. Lápiz grafito, acuarela y tinta china, de Luis García
Guerra de Irak, 2003-2011. “Guerra por el petróleo”, técnica mixta, jean Jacques Loup
Los cuatro originales de Edmond en la exposición dedicada al cómic de Guerra. Jan Europa, “El hombre que regresó de la
muerte”, tinta china, páginas aparecidas en Mortadelo (438 y 440).
Revolución cubana (1953-1959). “The man with the
beard”, Battle nº 66, Marvel Cómics, 1959. Guión
atribuído a Stan lee. Dibujos: Joe Sinnot
Revolución Sandinista, 1979-1990. Manfred Sommer,
Somoza y Gomorra
Ifni, Marruecos, 1962. Las Guerras Silenciosas (Normal,
2014). Guión y dibujos: Jaime Martín
Guerra de Afghanistan, 2001-2014. The Pass, Part One.
Guión: Andy Diggle, dibujos: Jock
75 Años de Batman
La luminosidad de Superman quedó contrastada
con la irrupción de un caballero oscuro. Batman
nació de la mano de Bill Finger y Bob Kane y
debutó en el nº 27 de Detective Comics (mayo de
1939). Batman es Bruce Wayne, un playboy
multimillonario y filántropo de Gothan City. De
niño, y tras presenciar en el transcurso de un
atraco el asesinato de sus padres, Thomas y
Martha Wayne, el joven Bruce juró venganza. Se
sometió a un duro entrenamiento físico y mental
para consagrarse a la lucha contra el crimen.
Batman no posee superpoderes inherentes. Para
compensarlo, se basa en su conocimiento
científico, sus habilidades detectivescas y su
perfecta preparación física. También utiliza un
arsenal de artefactos y vehículos especializados,
cuyos diseños siempre comparten el motivo del
murciélago. Durante 75 años, los sucesos
cronológicos del personaje han sido objeto de
revisiones y cambios, llegando incluso a haber
otros portadores del manto del murciélago.
Esta muestra contó con originales de algunos de
los más populares dibujantes de todas las series de
Batman, incluidos varios historietistas españoles.
Asimismo, la exposición se complementó con
objetos y figuras de merchandising del Caballero
Oscuro.
Uno de los secretos del éxito de Batman es la
galería de desquiciados villanos, empezando por
el Joker, un personaje capaz de llevar al
superhéroe al límite.
Batman es, sin duda, uno de los héroes más
fascinantes del mundo del cómic.
La extraña pareja
Al principio de la saga, Wayne adopta a un joven
huérfano, Dick Grayson. Este habilidoso
trapecista de circo, conocido como Robin el Chico
Maravilla, se convertirá en su inseparable
compañero desde 1940. Había nacido el Dúo
Dinámico.
Con Robin (co-creado por Kane, Finger y Jerry
Robinson), Batman tenía por fin a alguien con
quien compartir sus aventuras. Los lectores de
Batman se identificaron inmediatamente con este
adolescente, que con su presencia aportaba algo de
color al tenebroso ambiente de la serie. Al mismo
tiempo, ayudó a humanizar la figura de Batman.
Dick Grayson también formó parte del grupo de
Jovenes Titanes, pero no fue siempre el Robin
compañero de Barman. Con el tiempo ha habido
diversos Robin (Jason Todd, Tim Drake o Damian
Wayne, el hijo de Batman), e incluso una mujer,
Stephanie Brown.
Finalmente, tras haber tomado la personalidad de
su mentor en varias ocasiones, Dick Grayson
asumió la identidad de un nuevo superhéroe:
Nightwing.
El Caballero Oscuro
A lo largo de su dilatada trayectoria, el Hombre
Murciélago ha recibido diversos apodos: el Mejor
Detective del Mundo, el Cruzado Enmascarado, el
Señor de la Noche…
Sin embargo, la sombra de Frank Miller y de su
The Dark Night Returns (1986) es muy alargada.
El impacto de esta obra cambió el destino del
personaje y reforzó su presencia en el cómic book.
A partir de ese momento, solemos referirnos a
Batman como el Caballero Oscuro.
Desde entonces, Batman ha retornado a sus
auténticas raíces como un personaje sombrío e
inquietante. Y reacio a trabajar en grupo, pese a
ser uno de los miembros más destacados de La
Liga de la Justicia. Paradójicamente, en 1983
fundaría y lideraría su propia agrupación de
superhéroes: los Outsiders.
Recientemente, Bruce Wayne ha creado Batman
Inc., un grupo de agentes distribuidos por todo el
mundo para luchar contra la organización
terrorista Leviatán.
Los aliados de Batman
Batman cuenta con muchos aliados incluso entre
la policía. Su relación con el comisario James W.
Gordon ha sido una constante desde la primera
historia publicada del superhéroe. Posteriormente
aparecieron el mayordomo Alfred Pennyworth y
el director ejecutivo Lucius Fox.
Otro aliado de Batman es Barbara Gordon (la
Batgirl original), hija del comisario Gordon quien
tras quedar paralítica se convierte en la hacker
Oráculo. También han llevado la máscara de
Catgirl Cassandra Cain y, más recientemente,
Stephanie Brown, hija del criminal Cluemaster.
Entre los amigos de Batman están Kate Kane, rica
heredera y acróbata que se convierte en
Batwoman. Ace el Batsabueso, ataviado con una
máscara y un collar con batemblema, o Batmito,
unduende interdimensional llegado a la Tierra
para observar a su idolatrado héroe.
Batman es padre de dos hijos: Damian Wayne (el
último Robin), cuya madre es Talia, heredera del
villano Ra’s Al Ghul, y Helena (la Cazadora de la
realidad paralela de Tierra-2), hija de Batman y
Catwoman.
Los malhechores más peculiares
En la galería de enemigos de Batman podemos
encontrar desde delincuentes comunes hasta
supervillanos más estrambóticos.
Su más peligroso oponente es el Joker, un
criminal sociópata que, como personificación de
lo irracional, representa todo lo opuesto a Batman.
Otros antagonistas recurrentes de Batman son:
Catwoman, experta ladrona de habilidad felina; el
Espantapájaros, que utiliza sus conocimientos de
bioquímica para crear drogas inductoras del
miedo; el Pingüino, un hombre de intelecto
privilegiado, amante de las aves y de sus mortales
sombrillas; Dos Caras, exfiscal del distrito de
Gotham City que enloqueció cuando su rostro fue
medio desfigurado al ser rociado con ácido, o el
Acertijo, un delincuente al que le encanta
confundir a la policía con sus acertijos y juegos de
palabras.
La lista de habituales enemigos de Batman se
completa con el Sombrerero Loco, especialista
en neurociencia y más concretamente en el control
de la mente; Mr. Frío, experto en criogenia que
posee una temible arma para congelar a sus
adversarios; Hiedra Venenosa, una atractiva
pelirroja que utiliza las toxinas de las plantas para
llevar a cabo sus crímenes o Ra’s Al Ghul,
brillante estratega y genio de la alquimia que
posee el don de la inmortalidad.
En los años noventa, la saga Knightfall sacude el
mundo del murciélago e introduce a Bane, uno de
sus más enconados y peligrosos enemigos, que
destaca por su impresionante altura y su fuerza
sobrehumana.
La Bat-tecnología
Aunque Batman no disponga de superpoderes,
evidencia una gran inteligencia y una férrea
determinación para aplicar la justicia. Además,
como acaudalado empresario que es, utiliza parte
de su inmensa fortuna para imponer la paz en
Gotham City.
Su patrimonio le permite disponer de un
departamento de investigación propio, que genera
una tecnología muy útil en su lucha contra el
crimen. Trajes, vehículos, armas, dispositivos
diversos, múltiples instrumentos miniaturizados;
todos los artilugios que necesita puede
desarrollarlos y almacenarlos en su Batcueva.
Y es que Batman ha sabido evolucionar e
incorporar los avances de la ciencia y de la
tecnología para dotarse de “batgadgets” cada vez
más sofisticados. Son herramientas que le
permiten salir airoso de las complejas situaciones
que tiene que afrontar.
Un extenso abanico de títulos
Batman protagoniza su propio comic book desde
1940. Al año siguiente aparece en World’s Finest
Comics formando equipo con Superman e
inaugurando una tradición: la de asociarse a otros
personajes del universo DC, costumbre que
desarrollará en colecciones como The Brave and
the Bold.
En solitario, o en compañía de Robin y de otros
superhéroes, Batman aparecerá en diversas tiras
de prensa entre 1943 y 1991.
El Caballero Oscuro ha protagonizado varias
series regulares, números especiales, series
limitadas y novelas gráficas como Batman,
Legends of the Dark Night, Detective Comics,
Batman: Año Uno, La broma asesina, Arkham
Asylum o The Darknight Returns. Su figura
incluso ha surcado el skyline de la ciudad de
Barcelona en Batman Barcelona: El Caballero del
Dragón (2009).
También ha compartido páginas con personajes de
DC y de otras editoriales, como Spiderman, Lobo,
Hulk, Predator o incluso The Spirit. Y ha
protagonizado libros y colecciones ambientadas
en diversas épocas históricas. Por otro lado,
algunos de sus aliados se han escindido de los
títulos de Batman para protagonizar sus propias
series; es el caso de Nightwing, Robin, Catwoman,
Batgirl o Man-Bat.
Actualmente, el Señor de la Noche encabeza
colecciones del Nuevo Universo DC, como
Batman, Detective Comics o Justice League.
Versiones gráficas del Señor de la Noche
Aparte de Bob Kane, dibujantes como Jerry
Robinson o Sheldon Moldoff marcaron la
trayectoria estética de Batman en sus primeros
años de vida. No obstante, en años posteriores,
sería Dick Sprang quien mejor definiría el
grafismo de este personaje.
En la década de los años sesenta, Carmine
Infantino marcó cambios es su aspecto, llevando
al personaje a una estética más realista. En los
años setenta, Batman volvió a revitalizarse gracias
al trabajo del dibujante Neal Adams, que supo
actualizar las esencias del Hombre Murciélago. En
1986, Frank Miller, con su personal grafismo,
insufló una inusitada madurez al personaje. En
estos últimos treinta años, Gotham City y la figura
de Batman han sido retratados por dibujantes de
estilos muy diversos como Brian Bolland, Dave
McKean, David Mazzucchelli, Tim Sale, Jim Lee
o Greg Capullo, además de la impactante versión
de The Batman Adventures, con dibujantes como
Bruce Timm o Rich Burchett.
A lo largo de sus 75 años de historia, las aventuras
de Batman han sido escritas por guionistas del
talento de Dennis O’Neil, Alan Moore, Granat
Morrison, Jeph Loeb, Paul Dini o Dough Moench.
Publicaciones Ibero-Americanas editó en 1948 un
curioso pastiche, Robin y el Murciélago, realizado
por los guionistas W. Benson y J. Fernández y por
el dibujante catalán Julio Ribera. En estos 13
cuadernillos apaisados, los autores empezaron
plagiando las viñetas de las tiras de prensa
originales de 1943, para acabar realizando sus
propias historietas apócrifas.
Batman en pantalla
El Señor de la noche protagonizó dos seriales para
la gran pantalla en 1943 y 1949. En 1966, la
emisora CBS estrenó una serie de televisión de
tono ligero muy popular, con Adam West y Burt
Ward como Batman y Robin. Tim Burton dirigió
dos películas, Batman (1989) y Batman Returns
(1992), protagonizadas por Michael Keaton.
Posteriormente, Joel Shumacher realizaría otros
dos largometrajes: Batman Forever (1995), con
Val Kilmer como Bruce Wayne, y Batman and
Robin (1997), coprotagonizada por George
Clooney (Batman) y Chris O’Donnell (Robin).
Las últimas versiones cinematográficas de este
personaje se conocen como “la trilogía de
Christopher Nolan”: (Batman Begins, 2005; El
Caballero Oscuro, 2008, y El Caballero Oscuro:
La leyenda renace, 2012), guionista y director que
ha redefinido a un Batman más humano, al tiempo
que más tenebroso que nunca.
En el terreno del dibujo animado, Batman destaca
por las series iniciadas en 1992 con diseños de
Bruce Timm, de las que se han emitido diversas
temporadas, además de algunos largometrajes. La
franquicia de Batman en videojuegos empezó en
1986 y perdura hasta la actualidad con la saga
Arkham o su versión Lego.
85 Años de Popeye el Marino
Popeye el Marino es un icono de la cultura pop,
famoso gracias a las series de dibujos animados.
Pero este legendario personaje tuvo su origen y
desarrollo en el cómic. El 32 Salón Internacional
del Cómic de Barcelona quiso rendirle un cariñoso
homenaje, con una exposición donde se pudieron
ver tiras de cómic de diferentes épocas, así como
merchandising de época y actual.
El personaje fue creado por Elzie Crisler Segar,
apareciendo en la tira Thimble Theatre producida
por King Features Syndicate, el 17 de enero de
1929. Inicialmente fue un personaje secundario de
la tira que protagonizaban los hermanos Castor y
Olivia Oyl. Este marinero fortachón, siempre
dispuesto a repartir mamporros, se fue haciendo
con el protagonismo de la serie hasta darle
nombre a la tira.
Tras la muerte de Segar en 1938, diversos autores
la continuaron, aunque destaca la aportación de
Bud Sagendorf, que se hizo cargo de la tira a lo
largo de 28 años (1958-1986). Entre los
personajes secundarios que han acompañado a
Popeye en sus 85 años de aventuras destacan,
además de su eterna novia Olivia, el malhumorado
Bluto (también conocido como Brutus), el glotón
Pilón, el bebé Cocoliso o el extraño animal
Eugenio el Genio (Eugene the Jeep).
En 1933 se empezaron a realizar los primeros
cortos de animación y a partir de los años 50 se
produjeron dibujos animados para televisión. En
1980 el director Robert Altman dirigió la comedia
musical Popeye, film protagonizado por Robin
Williams.
Popeye ha traspasado el mundo del cómic y la
animación para ser imagen de diversas campañas
publicitarias y también de merchandising. Uno de
los elementos más asociados a Popeye son las
espinacas, cuyo consumo le proporciona una
fuerza sobrehumana.
Entre los originales expuestos, destacar
especialmente los realizados por su creador, Elzie
Crisler Segar (1894-1938). Dos de estas planchas
corresponden a Sappo, serie complementaria de
Segar aparecida en la parte superior de las páginas
dominicales de Thimble Theatre.
Autorretrato de Segar
Durante 20 años (1939-1959), el dibujante de los
cómics de prensa de Popeye fue Bela Zaboly
(1910-1985), que trabajó con guionistas como
Tim Sims y Ralph Stein.
Esta muestra recogió originales de su primera
etapa con este personaje, en las que se puede
comprobar su versión tanto de Popeye como de
Pilón.
Desde el verano de 1959, Bud Sagendorf (1915-
1994) sustituyó a Bela Zaboly en las tiras diarias y
páginas dominicales de Popeye. Esta exposición
recogió dos de sus aportaciones, fechadas en 1970
y 1971 con, aparte del protagonista, la presencia
de Olivia, Cocoliso y Pilón.
Una de las tiras, inédita y de autor y fecha
desconocidos, pertenece a la colección privada de
Jerry Robinson (1922-2011), autor de comic
books especialmente recordado por sus
aportaciones a la serie Batman.
Popeye y sus amigos
La aparición de un nuevo personaje en una tira
diaria del 17 de enero de 1929 cambió para
siempre el devenir de Thimble Theatre, serie de
prensa de humor y de aventuras protagonizada por
Castor Oyl, su hermana Olivia y el novio de la
misma, Ham Gravy.
Cuando el trío protagonista, acompañado de una
peculiar gallina mágica, decide trasladarse a una
isla africana, contrata para la travesía a un marino
tuerto. Se trata de Popeye, un tipo bravucón y
pendenciero con cara de pocos amigos.
En este viaje, Popeye adquiere unos poderes y una
fuerza sobrehumanos al frotar la cabeza de la
gallinácea. Cuando en 1933 la empresa Fleischer
Studios inicia la realización de cortometrajes
cinematográficos con Popeye como figura
principal, la extremada fuerza del personaje ya no
procede de ninguna gallina mágica, sino de la
ingestión de espinacas. A partir de entonces, fue la
deglución de esta verdura la que otorgó sus
poderes a Popeye también en los cómics.
Aparte de Popeye y de la exigente y voluble
Olivia, E.C. Segar concibió a varios singulares
personajes para la serie de prensa, como Bluto, un
derroche de fuerza física pero de cortas luces,
rival de Popeye por el amor de Olivia; Pilón (J.
Wellington Wimpy), un hombre inteligente y
sofisticado cuya debilidad es la ingestión
incontrolada de hamburguesas; el bebé Cocoliso
(Swee’Pea), un niño al que Popeye encuentra en la
puerta de su casa y al que decide adoptar; y
Eugenio el Genio (Eugene the Jeep), un
misterioso animal procedente de África que posee
habilidades mágicas.
¿Sabías que…?
¿… el apellido original de Pilón, Wimpy, fue
utilizado por una cadena de restaurantes de
hamburguesas entre los años treinta y sesenta del
siglo XX?
¿… en 1937 la ciudad del Estado de Texas Crystal
City, capital de las espinacas en EEUU, erigió una
estatua en honor de Popeye por su positiva
influencia para vender esta verdura por todo el
país?
¿… se supone que las espinacas otorgaban una
fuerza sobrehumana a Popeye por su riqueza en
hierro pero que, en realidad, eso no es más que un
mito, ya que no contienen más de 2.7 mg de este
elemento?
¿… el apodo del personaje de Eugenio el Genio
(Eugene the Jeep), fue el que dio nombre al
automóvil todoterreno creado por la empresa
Willys-Overland en 1941?
¿… Bluto fue rebautizado Brutus entre los años
sesenta a los ochenta del siglo pasado? La razón
es que cuando King Features Syndicate produjo la
serie de televisión Popeye el marino en 1960,
pensaba que el nombre de Bluto estaba registrado
por Paramount Pictures.
¿… Popeye colaboró en la promoción para la
venta de sellos de guerra durante la II Guerra
Mundial?
¿… otro de los autores de Popeye fue Bobby
London, que realizó sus tiras diarias entre 1986 y
1992?
¿… a día de hoy se siguen publicando nuevas
páginas dominicales de Popeye realizadas por Hy
Eisman, autor de las mismas desde 1994?
Popeye animado y en 3 dimensiones
Entre 1933 y 1957, el estudio de dibujos animados
de Max y Dave Fleischer realizó 125
cortometrajes de cine de animación de la serie
Popeye el marino. Más que sus cómics, fueron
estos excelentes cortos los que lanzaron al
estrellato a la figura de Popeye.
King Features Syndicate produjo una serie de
animación para la televisión titulada Popeye el
marino, de la cual en solo tres años (1960-1962)
se emitieron 220 capítulos. En 1978, y hasta 1981,
el personaje de Segar volvería a protagonizar una
nueva serie de animación, El nuevo show de
Popeye, esta vez a cargo de Hanna-Barbera.
Popeye volvió a televisión en 1987 durante una
única temporada con Popeye y su hijo, y en 2004
Lions Gate Entertainment produjo un especial
televisivo titulado El viaje de Popeye, realizado en
animación tridimensional.
En el cine, el marino tuerto ha protagonizado el
largometraje musical Popeye, realizado por
actores de carne y hueso y dirigido en 1980 por
Robert Altman, con guion de Jules Feiffer; fue
protagonizado por Robin Williams (Popeye),
Shelley Duval (Olivia) y Paul Smith (Bluto).
Sonny Pictures Animation ha anunciado para el
año 2016 una nueva película de Popeye, esta vez
en animación en 3D.
Tazas, camisetas, muñecos, pijamas, paraguas,
botellas, papelería… la popularidad de Popeye ha
llegado también al merchandising. Su figura y la
de los personajes de la serie han sido
comercializadas desde hace muchos años en todo
tipo de objetos.
Viñetas autobiográficas
La exposición Viñetas autobiográficas pretendió
evidenciar una tendencia que cada vez se está
haciendo más presente en el mundo del cómic en
estos últimos años: la historieta autobiográfica. Y
lo hizo concentrándose en los autores españoles,
en una selección de originales que revisó las
viñetas autobiográficas de los autores autóctonos
desde sus inicios hasta el momento actual. De
alguna manera, son historietas que reflejan
momentos vitales de sus creadores pero también
de sus respectivas generaciones, tanto a nivel
social como cultural e histórico.
Esta muestra recogió, por un lado, algunas páginas
de los primeros autores españoles que utilizaron
su propia vida como reflexión de su entorno, en la
década de los 70, como es el caso de Enric Sió,
Luis García y Carlos Giménez.
Una segunda generación realizó entre los años 80
y 90 nuevas incursiones en esta tendencia, como
Joan Mundet o Ramón Boldú.
Ya en el siglo XXI, realizaron viñetas
autobiográficas de distinto calado social autores
como Miguel Gallardo, Angel de la Calle,
Antonio Altarriba y Kim, Nacho Casanova,
Cristina Durán y Miguel Angel Giner, Bié,
Gabi Beltrán y Tomeu Seguí o Miguel Fuster.
También la última generación de creadores está
aportando su grano de arena en este terreno, con
nombres como los de Rubén del Rincón, Sandra
Uve, Moderna de Pueblo, Oscar Sarramia,
Isabel Franc Sussana Martín o Ramón
Rodríguez y Cristina Bueno. La muestra acogió
trabajos de todos ellos.
Ausencias, de Cristina Bueno con guion de Ramón Rodríguez
Cuaderno de dibujo de Oscar Sarramia
Y de repente pasa (Oscar Sarramia). Abajo, cuaderno de Miguel Gallardo
Moderna de Pueblo
Miguel Fuster
Altarriba y Kim
Cristina Durn y Miguel Angel Giner
Nacho Casanova
Sandra Uve
Carlos Giménez
Enric Sió
Luís García
Nacho Casanova
Cristina Durán y miguel Angel Giner
Miguel Fuster
Adobo: el fanzine de la mala hostia corrupta
“Fanzine de cómics underground con extra de
cafeína”; así se autodefine esta publicación,
ganadora del Premio al Mejor Fanzine en el
pasado Salón Internacional del Cómic de
Barcelona. La exposición fue una muestra
antológica con material de toda la trayectoria de
Adobo, un fanzine que en 2012 publicó su último
número, el 9, con el título de Adobo Final, un
especial con 160 páginas que incluía dos
cuadernillos y una exclusiva colección de cromos.
En sus cinco años de vida, Adobo ha apostado por
un producto técnicamente muy bien elaborado, y
una selección de material de creadores jóvenes
que aportan obras muy personales, siempre
irreverentes y provocadoras. Nacido en 2007,
Adobo ha publicado historietas de autores como
Alexis Nolla, Claudio Buenafuente, El otro Samu,
Fresús, Joaquín Aldeguer, Marc Torices, Moig H,
Nacho García, Néstor F., Pablo Muñoz, Nathan,
Pau Anglada, Elenilla, Kwyjibo o Joseba Glorieta.
Por el derecho a sonreír
El Salón Internacional del Cómic de Barcelona
quiso rendir un sincero homenaje a los humoristas
gráficos que día a día nos hacen sonreír con su
visión sobre la actualidad. El análisis del
humorista, irreverente y lúdico, permite al lector
interpretar la realidad con una nueva mirada, más
desenfadada y libre. Y el debate político sobre el
derecho a decidir en Cataluña no ha sido ajeno a
los humoristas gráficos.
Desde el Saló se reivindica el derecho a sonreír, el
derecho a decirlo, el derecho a respetar la opinión
de los otros, el derecho de afrontar la realidad sin
prejuicios. Esto es lo que hacen cada día los
dibujantes.
El 32 Salón Internacional del Cómic produjo la
exposición Por el derecho a sonreír, que reunió
viñetas y tiras de autores que publican en
diferentes medios de comunicación y que incluyen
un amplio espectro ideológico. Lo hizo queriendo
ser una ventana abierta al diálogo. Un recordatorio
de que el diálogo no consiste en hablar mucho,
sino en saber escuchar… y también en sonreír.
La exposición contó con un amplio abanico de
ilustraciones y tiras de autores, entre los que se
encontraban:
Albert Monteys (El Jueves)
Alfonso López (publico.es)
Asisko (Argia) Caín (La Razón)
Enrique Pérez (Información de Alicante)
Fer (El Punt Avui)
Ferreres (El Periódico de Catalunya)
Guillermo (El Jueves)
Harca (revista Saó)
Idígoras y Pachi (El Mundo)
Jesús Zulet (El Correo)
José Luis Martín (El Jueves)
José Manuel Puebla (ABC)
José Orcajo (Adelantado de Segovia)
Juan Carlos Contreras (Diario de Jaén)
Kap (La Vanguardia)
Kiko da Silva (El Jueves)
L'Avi (El Punt/Avui)
Manel Fontdevila (eldiario.es)
Oroz (Diario de Navarra)
Pepe Farruqo (Ara y El Economista)
Pep Roig (Última Hora)
Peridis (El País)
Pinto & Chinto (La Voz de Galicia)
Rafa Sañudo (La Razón)
Ricardo Martínez (El Mundo)
Toni Batllori (La Vanguardia)
La exposición se organizó dentro de cabinas de
voto con sus cortinillas.
En una situación política como la actual, con los
gobiernos de Madrid y Barcelona enrocados en
posturas inamovibles en el debate sobre el derecho
a decidir, los autores reivindican el derecho a
sonreír. Y el derecho a entendernos y a respetar la
opinión de los demás, el derecho a enfrentarnos a
la realidad sin prejuicios. Esto es lo que cada día
hacen los humoristas gráficos.
Los dibujantes satíricos miran la actualidad con
mordacidad e ironía desde las páginas de prensa.
El análisis del humorista, irreverente y lúdico,
permite al lector interpretar la realidad como una
nueva mirada, más desenfadada y libre.
Ardalén, de Miguelanxo Prado
¿Son nuestros recuerdos reales? ¿Escenifican lo
que hemos vivido? ¿Podemos hacer nuestra
memoria de otras personas? De hecho, somos lo
que recordamos, pero la memoria no es un registro
objetivo e inalterable. En Ardalén, la última obra
de Miguelanxo Prado, ganadora del Premio a
Mejor Obra de un autor español del pasado Salón
Internacional del Cómic de Barcelona, el artista
gallego reflexiona sobre este planteamiento. El 32
Salón del Cómic le dedicó a Ardalén una
exposición donde se podrá ver el proceso creativo
de la obra, con páginas originales y también
material inédito.
La trama se centra en Sabela, una mujer en crisis
que intenta reconstruir una parte de su propia
historia familiar por medio de la memoria de
Fidel, un anciano que atesora muchos aunque
vagos recuerdos. Y en ocasiones no está seguro de
diferenciar lo vivido respecto a lo imaginado En
este fascinante relato sobre los recuerdos y la
memoria, Miguelanxo Prado, que dibujó la que es
su obra más extensa y personal durante tres años,
crea personajes inolvidables con la maestría
habitual de uno de nuestros mejores autores de
cómics. Ardalén es también la ganadora del
Premio Nacional de Cómic de 2013.
Miguelanxo Prado (A Coruña, 1958), es uno de
los autores españoles de cómic más importantes
tanto a nivel nacional como internacional. Se
inició en el mundo del cómic en los años ochenta
y publicó en revistas tan emblemáticas como
Creepy, Comix Internacional, Zona 84, El Jueves,
Cimoc o Cairo. De la misma época son sus
primeros títulos recopilatorios Fragmentos de la
Enciclopedia Délfica, Stratos y Quotidianía
delirante. En los años noventa experimenta con
otros medios, con trabajos para televisión (suyo es
el diseño de personajes de la serie estadounidense
de animación Men in Black, producida por
Dreamworks) y en el campo de la ilustración.
Prado ha dirigido el largometraje de animación De
Profundis. Desde 1998 dirige Viñetas desde o
Atlántico, el festival de cómic de A Coruña.
No es la primera vez que el Salón del Cómic
distinguía una historieta de Miguelanxo Prado. En
1989 ya recibió el premio a la Mejor Obra por
Quotidianía delirante, el mismo galardón que
recibió en 1994 por Trazo de Tiza y en 2005 por
La mansión de los Pampín (que también obtuvo el
premio al Mejor Guión). En 2007 el Salón otorgó
el Gran Premio del Salón a toda su trayectoria.
También ha ganado el Premio Aplh-Art del Salón
de Angulema en 1991 y 1994 y un premio Eisner
en 2004 a la mejor antología por Sandman:
Noches eternas, entre otros muchos galardones.
Oriol Hernández: Retrato de la Mafia
La piel del oso, escrita por Zidrou y dibujada por
Oriol Hernández (Terrasa, Barcelona, 1983), fue
el cómic ganador del Premio Autor Revelación
en el Salón de 2013, galardón patrocinado por la
Fundación Divina Pastora. Con un grafismo
evocador muy personal, de calidades cromáticas
que potencian los efectos dramáticos de las
viñetas, Oriol plasma una historia que se inician
un pequeño pueblo italiano con Amadeo, un joven
que cada día le lee el periódico al anciano don
Palermo. Aunque parece un hombre desvalido,
don Palermo fue en su juventud aspirante a
mafioso que trabajó a las órdenes de uno de los
capos más poderosos de su ciudad. Esta fábula
sobre el tiempo y la memoria, con ribetes de serie
negra, es la protagonista de esta muestra, que
incluirá una selección de originales con el proceso
de creación de diversas páginas, desde el lápiz de
las viñetas al acabado final.
Oriol Hernández aparte de dedicarse a los cómics
y a la enseñanza, da clases en la Escuela Joso de
Barcelona, también ha hecho ilustración,
publicidad y animación. Destacan los dos años
que trabajó en Filmax Animación, participando en
las películas Donkey Xote y Nocturna. Como
ilustrador ha publicado los libros ilustrados El
Zombi y ¡A mí no me gustan los libros!, ambos en
2010. Con el guionista belga Zidrou ha firmado
varias historietas publicadas en el mercado franco-
belga, como el libro colectivo Joyeuses nouvelles,
pour petit adultes et grands enfants (2010), La
piel del oso (2012) y Les 3 fruits, que actualmente
está en proceso de realización.
La Piel del Oso es su primer gran trabajo en el
mundo del cómic, una historia sobre la mafia con
una trama de amor y venganza llena de acción y
emoción. Los personajes de Oriol parten de un
universo personal y único que, de la mano del
laureado guionista Zidrou, componen la receta
perfecta para el éxito.
Este cómic ha ganado seis premios
internacionales, entre ellos el mencionado Premio
al Autor Revelación del pasado certamen, motivo
por el cual se expuso esta muestra de originales
que revela el proceso creativo de su trabajo.
Esta exposición estuvo dedicada a todos los
artistas con quien Oriol comparte su afición por el
dibujo y una estrecha amistad: Miki Montlló,
Oriol Pérez, Helena Rossetti, Jonás Mas Gaz,
Josep Homs, Roger Ibáñez, Jordi Lafebre, Santi
Arcas, Pepe Larraz, Diego Olmos, Francis
Porcel… y tantos otros.
Lobezno, la madurez del superhéroe
Su imponente figura apareció por vez primera en
los números 180 y 181 de The Indredible Hulk
(octubre y noviembre de 1974), en una historia
escrita por Len Wein y dibujada por Herb Trimpe.
Lobezno, pues, celebra en 2014 sus primeros 40
años de historia. En 1975, se convierte en
miembro de La Patrulla-X. Poco a poco, su fuerte
personalidad se fue imponiendo, hasta que en
1988 obtuvo una colección propia. Desde
entonces, la fama de Lobezno se ha incrementado,
hasta el punto de protagonizar en solitario alguna
de las películas de la franquicia X-Men. Aparte de
su condición de mutante, posee una cobertura de
Adamantium sobre su esqueleto, lo que lo hace
casi invulnerable y es capaz de aurorregenerarse
de todo tipo de heridas. Sus garras retráctiles le
convierten en un enemigo feroz y peligroso, y su
cinismo y carácter extrovertido y complejo hacen
de él una especie de anti-héroe.
Esta muestra contó con originales de algunos de
los más populares dibujantes de todas las series de
Lobezno, incluidos varios historietistas españoles.
Asimismo, la exposición se complementó con
objetos y figuras de merchandising de Logan.
La forja de un mito
James Hudson Howlett nace a finales del siglo
XIX en el seno de una familia acomodada de
Alberta (Canadá). Como sus progenitores,
desciende de una sub-raza humana evolucionada a
partir de lobos, lo que le concede unos poderes
que descubrirá siendo niño. A causa del trauma
que le supone ser testigo de la muerte de sus
padres, pierde la memoria, adopta el nombre de
Logan y empieza a trabajar en una colonia minera.
Reconvertido en soldado mercenario, se traslada a
Madripur y a Japón, donde se casa y su mujer es
asesinada. Con el nombre clave de Lobezno,
participa en el Proyecto Arma-X, un laboratorio
de manipulación genética donde le es implantado
el adamantium que recubre su esqueleto.
A causa de la adulteración de su cuerpo, Lobezno
se convierte en un ser salvaje. Poco después, y
siendo relativamente capaza de controlar sus
instintos, se une al grupo de superhéroes
canadienses Alpha Flight.
Lobezno ha participado en conflictos como la I
Guerra Mundial, la Guerra Civil española y la II
Guerra Mundial.
Sí, Lobezno luchó en la Guerra Civil española
contra los fascistas, concretamente en 1937, en
Gernika; arriba, página 1 del número 37 de
Wolverine (marzo 1991), con guion de Larry
Hama, lápiz de Marc Silvestri y tinta de Dan
Green con color de Glynis Oliver.
Protagonista único
Que Lobezno es el más popular de la nueva
hornada de mutantes queda patente al ser el
primero de ellos que adquiere cabecera propia.
Tras protagonizar dos series limitadas (Lobezno:
Honor, 1982, y Kitty Pryde y Lobezno, 1984-
1985), en noviembre de 1988 Marvel publica el
primer número de Wolverine, escrito por Chris
Claremont y John Buscema.
Hasta 2013, Lobezno protagonizaría otras dos
series regulares (2003-2010 y 2010-2013), para en
mayo de 2013 empezar la actual colección. Y todo
ello sin olvidar el título Wolverine and the X-Men,
iniciado en 2011 y todavía en activo en su
segunda etapa.
Aparte de las citadas series, Lobezno se
convertiría en solitario protagonista de muchas
series limitadas y libros, además de reforzar su
presencia tanto en series de los X-Men como de
otros personajes del Universo Marvel.
Es evidente que los lectores de comic books
adoran al personaje, por lo que Marvel lo ha
utilizado ampliamente hasta revelar su enigmático
pasado a principios de este nuevo milenio.
Wolverine and the X-Men, núm. 1 (dic. 2011)
Rose, el primer amor de James Howlett, portada del núm 6
deYoung Avengers (Aug. 2013)
Héroes de pocos amigos…
Lobezno es un personaje con una nula capacidad
de empatía social, por lo que cuenta con muy
pocos amigos. Aunque paradójicamente haya
compartido sus aventuras con diversos grupos, no
le gusta trabajar en equipo.
Por otro lado, le persigue una extraña maldición:
las mujeres de las que se enamora, acaban siendo
asesinadas. Entre ellas Rose, su primer amor, que
murió accidentalmente a manos del propio
Lobezno; Silver Fox, que tras vivir un romance
con Logan en Canadá fue supuestamente
asesinada por Dientes de Sable; Mariko Yashida,
líder del clan Yashida de los Yakuza, que al ser
envenenada le pidió una muerte rápida a su amado
o Itsu, que se enamoró y esposó con Logan
concibiendo un hijo, Daken. Otras mujeres
importantes en su vida han sido Víbora, Tyger
Tiger, Mística, Yukio, Melita Garner y Jean Grey.
Lobezno también ha sido mentor de Kitty Pryde y
de Júbilo, ambas asociadas a los X-Men.
… Y de muchos enemigos
Su gran archienemigo no es otro que Victor
Creed, un mutante conocido como Dientes de
Sable, del que se llegó a pensar que mantenía un
vínculo familiar con Lobezno. Pero la lista de sus
enemigos es extensa:
Víbora: una asesina miembro de HYDRA y aliada
del Samurai de Plata (Keniuchio Harada),
hermanastro de la que fuera prometida de
Lobezno, Mariko Yashida.
Dama Mortal (Yuriko Oyama): hija del científico
japonés que creó el sistema para introducir
adamantium en el cuerpo humano, culpó a
Lobezno de la muerte de su padre.
Magneto: principal enemigo de los X-Men, le
arrancó el adamantium a Lobezno, pero su factor
de curación le salvó la vida.
Rómulo: Líder de los Lupus Sapiens, una especie
similar a la humana que ha evolucionado a partir
de los caninos en lugar de los primates, y a la que
supuestamente pertenecen Lobezno o Dientes de
Sable.
Perro Logan: medio hermano de Lobezno al que
Spiderman, tras un accidentado viaje al siglo XIX,
trajo consigo al presente.
Logan, en su condición alternativa de antihéroe o
por motivos personales, también ha tenido sus
más y sus menos con otros superhéroes como
Hulk, Capitán América o Cíclope.
Rómulo y Perro Logan
Lobezno pasa a formar parte de la nueva Patrulla-X por
derecho propio. Número 1 de Giant-Size X-Men (julio
1975)
Un individualista entre semejantes
El Departamento H del Ministerio de Defensa de
Canadá, que controlaba a los superhéroes de
Alpha Flight, quería que Lobezno liberase el
grupo. Pero su condición de mutante y sus
especiales poderes, llamaron la atención de
Charles Xavier, quien propone a Logan
convertirse en miembro de los X-Men.
Desde su presencia en la Patrulla-X en el comic
book Giant-Size X-Men (1975) Lobezno ha vivido
una parte de su agitada trayectoria junto a este
grupo de mutantes. Pero su carácter,
individualista, pendenciero y poco amigo de la
disciplina (al margen de su interés personal por
Jean Grey), han hecho que Logan mantenga una
vida al margen de los X-Men.
Aparte de sus aventuras en sus propias
colecciones, Lobezno ha formado parte también
de otros grupos de superhéroes, como X-Force,
Los Vengadores e incluso Los Nuevos 4
Fantásticos, junto a Spiderman Hulk Gris y el
Motorista Fantasma.
Logan y sus autores
Lobezno fue desarrollado por un maestro de las
tramas complejas, el guionista Chris Claremont, y
por el argumentista y dibujante John Byrne en The
Uncanny X-Men (1977-1981) quienes lo
convirtieron en el mutante más popular.
Claremont y Frank Miller establecieron
importantes matices en su vida en la miniserie
Lobezno: Honor (1982).
Parte de su pasado fue revelado en la miniserie
Arma X (1991) que Barry Windsor-Smith dibujó
con perfección prerrafaelita. Finalmente, los
lectores llegarían a la gran revelación en Lobezno:
Origen (2001-2002), una trama urdida por Bill
Jemas, Joe Quesada y Paul Jenkins e ilustrada por
Andy Kubert y Richard Isanove.
En 1991 la nueva serie mutante X-Men del
dibujante Jim Lee (con guiones de Claremont),
con Lobezno como figura estelar, se convierte en
uno de los cómics más vendidos de la historia.
Otros guionistas y dibujantes que han
caracterizado la trayectoria de Lobezno son, entre
otros: Peter David, Archie Goodwin, Mark Millar,
Frank Tiery, Howard Chaykin, Adam Kubert,
David Williams, Leinil Francis Yu, Jon Romita
Jr., Tom Sale, Humberto Ramos o Alan Davis. Y,
por supuesto, algunos dibujantes españoles, como
los que integran algunos de los originales que
fueron expuestos en esta muestra.
Alan Davis (lápices); Mark Farmer (tinta). Pág 4 de la
actual serie regular de Agosto del 2013
Salvador Espín (El Esparragal, Murcia, 1982)). Fotógrafo,
animador e ilustrador. Desde 2008 dibuja los lápices de
Exiles, WWH Aftersmash: Dammage Control, Wolverine:
First Class Deadpool o Hércules.
Rafa Garrés (Canovelles, Barcelona), ilustrador e
historietista de color impactante. En 200AD ilustró Sláine
o Judge Dredd. Para DC Comics ha dibujado portadas e
interiores de Lobo, The Spectre y Johan Hex. En Marvel
ha publicado Wolverine 1000 o Marvel Zombies 5
Pantallas Rasgadas
El personaje más icónico del universo mutante ha
protagonizado películas como X-Men Orígenes:
Lobezno (2009) y Lobezno Inmortal (2013).
También aparece en la serie de largometrajes
iniciada con X-Men (2000) y continuada con X-
Men 2 (2003) y X-Men: la decisión final (2006),
así como en la precuela de la saga: X-Men:
primera generación (2011). En el cine, Lobezno
ha sido siempre interpretado por el actor
australiano Hugh Jackman, que repite este papel
en X-Men: Días del futuro pasado (1914).
Asimismo, Lobezno ha protagonizado algunas de
las diferentes series de dibujos animados sobre
mutantes, y aparece en otras sagas de animación
de superhéroes del Universo Marvel, como
Spider-Man and his Amazing Friends, Los
Vengadores: Los Héroes Más Poderosos del
Planeta o Ultimate Spiderman.
Su figura también ha sido la estrella de muchos
videojuegos de los X-Men y de algunos
exclusivos de Lobezno, como: Wolverine (1991),
Wolverine: Adamantium Rage (1995), X-Men:
Wolverine’s Rage (2001), X2: Wolverine’s
Revenge (2004) o X-Men Origins: Wolverine
(2009).
Howard Chaykin (1950)
John Byrne (1950)
Tim Sale (1956)
John Cassaday(1971)
David A. Williams
Stuart Immonen
Daniel Acuña (Aguilas, Murcia). 1998
David Baldeón (Cantabria)
Paco Díaz (Puerto de Pollensa, Illes Balears)
Purita Campos. Más allá de Esther
La exposición que todos los fans de Pura Campos
y Esther esperábamos. Ganadora del Gran
Premio del Salón internacional del Cómic de
Barcelona de 2013, Purita Campos (1937) es, sin
duda, una de nuestras historietistas más populares.
Esta edición del certamen barcelonés le dedicó
una muestra antológica dedicada a su carrera, con
originales de sus historietas y originales de
portadas e ilustraciones.
Purita Campos entró a trabajar en Editorial
Bruguera en los años 50 de la mano de Manuel
Vázquez, donde inicialmente dibujó portadas y
pequeñas ilustraciones para más adelante hacer de
historietista en las revistas femeninas como Dalia
(1959), As de Corazones (1961), Sissí (1961),
Blanca (1961), Can Can (1961) o Celia (1963).
En la década de los 70 comenzó a trabajar para
revistas inglesas a través de la agencia Creaciones
Editoriales. Su grafismo, dinámico y muy
cuidado, especialmente atractivo en las figuras
femeninas, es el ideal para dar vida a los guiones
de Phillip Douglas en la serie Patty’s World. Las
aventuras cotidianas de la adolescente
protagonista, serán pronto editadas en España con
el título de Esther y su mundo, obteniendo
rápidamente una gran popularidad entre sus
lectoras.
Además de Esther, Purita Campos dibujaría series
también protagonizadas por mujeres, como Tina
(escrita por Andries Brandt y Marjolein Winkel),
Gina o Dulce Carolina, estas dos con guiones de
Francisco Ortega.
A partir de 2006, gracias al éxito de las
reediciones del personaje, inicia Las nuevas
aventuras de Esther, con guion de Carlos Portela
y editado por Ediciones Glénat (actualmente la
casi desaparecida EDT). En Febrero de 2010, el
Gobierno de España le concedió la Medalla de
Oro al Mérito en las Bellas Artes.
Si se hiciera una encuesta entre mujeres de 35 a
55 años y se les preguntara por un personaje
llamado Esther, buna parte de ellas abriría los ojos
como platos recordando la lectura infantil y
juvenil de sus aventuras. Esther y su mundo fue y
sigue siendo una de las heroínas de papel más
populares de la historieta. Pero su dibujante,
Purita, es mucho más que Esther. Es, sin duda,
una de las historietistas más queridas e idolatradas
por sus lectoras.
Diseño de moda
El dibujo fue siempre uno de los objetivos
principales de Purita Campos. Estudió en la
Escuela de Artes y Oficios de Barcelona y desde
los 14 años se dedicó al dibujo de figurines de
moda y a tomar apuntes en desfiles para modistas
de alta costura. De hecho, y mientras seguía
estudiando, ejerció de figurinista y diseñadora de
moda hasta los 22 años, colaborando con modelos
en revistas francesas como Carnet Elegance o
Dames de France. Ya desde sus primeros
diseños, como se puede comprobar, Purita
evidencia una ductilidad exquisita en su grafismo.
El mundo de Esther
Ya en la década de los sesenta, Purita Campos
concentró su actividad profesional en la creación
de historietas románticas para diversas
publicaciones británicas. Sus viñetas aparecieron
en revistas como Marty, Boy Friend, Mirabelle,
Valentine, Romeo o Princess Tina. Fue
precisamente en esta última cabecera donde, en el
número del 31 de Julio de 1971, se publicó el
primer capítulo de Patty’s World, saga romántica
ambientada en Inglaterra escrita por Philip
Douglas. La serie se convertiría muy pronto en
una de las más populares de Princess Tina, y será
publicada hasta el año 1988 también en otras
revistas como Pink (1974-1980), Mates (1980-
1981) y Girl (1981-1988).
Patty’s World llegó a España en 1974 de la mano
de Editorial Bruguera. Con el título de Esther y su
mundo la editorial barcelonesa comenzó a publicar
las andanzas de Esther, su hermana mayor Carol,
su amiga Rita y su amor platónico Juanito en la
revista Lily. El éxito de la serie entre las lectoras
españolas (y entre los lectores) fue prácticamente
inmediato y Bruguera comenzó a recopilar sus
aventuras a partir de 1977 en la colección de
libros Joyas Literarias Juveniles Serie Azul, para
entre 1981 y 1985 editar una revista con su
nombre. Entre 1986 y 1988 MC Ediciones retomó
a Esther en la revista Pecosa.
Las intrigas de Tina
Mientras dibujaba las páginas de Esther y su
mundo, Purita Campos recibió otro encargo, esta
vez de la versión holandesa de la revista Princess
Tina, titulada Tina. En 1975 y con guiones
primero de Andries Brandt y posteriormente de
Marjolein Winkler, comenzó a producir la serie
Tina, protagonizada por una joven modelo que
comparte piso con una diseñadora de moda.
Esta serie mezcla el género romántico con el de
aventuras y el de misterio. Tina sería dibujada por
Purita Campos hasta 2007, cuando fue continuada
por otro autor español, Edmond. Muchas de las
portadas de esta revista holandesa fueron
realizadas con su característica y atractiva técnica
pictórica por Purita Campos. Tina fue publicada
en España en las revistas Christie (1977) y Jana
(1983-1984).
La vida de Gina
Esther y su Mundo y Tina están todavía vivas en
los pinceles de Purita Campos, cuando esta
inquieta creadora concibe otro personaje
femenino. Junto al guionista Frank Elliot
(Francisco Ortega) crean una serie muy especial,
en la que reproducen la vida y los sentimientos
reales de la madurez de una adolescente entre
finales de los años setenta y ochenta. Gina será
publicada inicialmente en España por Editorial
Bruguera en la revista del mismo título (Gina,
1978-1980), para aparecer posteriormente en Gran
Bretaña y otros países.
A diferencia de otras series de marcado estilo
romántico, Gina muestra las vivencias cotidianas
de su protagonista con naturalidad, espontaneidad
y verosimilitud. Para muchas lectoras, esta serie
fue un espejo en el que se reflejaba su vida diaria,
con personajes creíbles y un evidente reflejo de la
sociedad de la época. En 2005, Ediciones Glénat
publicó un recopilatorio de sus aventuras con una
historieta inédita. Ortega y Purita crearían en 1988
otra serie con protagonismo femenino, Dulce
Carolina, publicada en el TBO de Ediciones B.
Ilustraciones de Purita Campos de 1995
Mar de fons
El Institut d'Estudis Baleàrics lleva a Ficòmic de
Barcelona la exposición 'Mar de fons'.
“Se conoce como ‘mar de fondo’ al movimiento
de las olas que se propaga fuera de la zona donde
se ha generado y que puede llegar a lugares muy
alejados. Por tanto este estado del mar no tiene
relación alguna con el viento presente, aunque su
causa sea el viento que se haya originado en otra
área distinta.
MAR DE FONS está dedicada a los autores de las
Islas Baleares que en su juventud vivieron la
explosión y la tempestad creativa que trajo
consigo el boom del cómic de los ochenta, y que,
hoy en día, con la sabiduría y el dominio que da la
experiencia, se mantienen a la búsqueda de
nuevos caminos.
El Institut d'Estudis Baleàrics y la Consellería
d’Educació, Cultura i Universitats del Govern de
les Illes Balears presentaron en esta ocasión la
obra de Joan Escandell, Tatúm, Maz, Pere Joan,
Vaquer, Bartolomé Seguí, Gabi Beltrán y Linhart.
Es la segunda exposición dedicada a los autores
de la Isla que publican de forma profesional y
demuestra una vez más el buen momento del
sector del cómic.
Arriba y en la página anterior, ilustraciones de
Escandell. Abajo, obras de Pere Joan.
Tatúm:
Max:
Vaquer:
Gabi Beltrán:
Bartolomé Seguí:
Linhart:
20 años de Hellboy
Novedoso este año el stand de la editorial Norma
que presentaba, además de uno de sus laterales
decorado con escenografía bélica, la parte
posterior dedicada a una exposición de
reproducciones de originales de Hellboy para
conmemorar su 20 aniversario.
Otras Exhibiciones
Ediciones Babylon organizó junto a su stand la
exposición Cinco Sentidos donde se mostraban
originales y láminas de algunos de sus autores que
podían adquirirse desde la módica suma de 20
euros, lo que convirtió la exposición-venta en un
auténtico éxito.
El cine
Las últimas novedades cinematográficas
estuvieron presentes como de costumbre en el
salón, aunque no en tan elevado número como en
eventos anteriores. Estas promociones cinéfilas
contaron con varias actividades y regalo de
posters y flyers.
Al Filo del Mañana:
Godzila:
El Corredor del Laberinto:
Y cómo no, cualquier salón que se precie ha de
tener su tropa de Star Wars lista para recorrer el
salón a la búsqueda de prisioneros y enemigos y
dejarse fotografiar con todo ser viviente…
Los miembros de Star Wars Catalunya y Legion
501 Vader, que con sus mejores galas escoltaron
a algunos de los artistas a lo largo del Saló.
Algunos de los autores presentes:
Uno de los momentos más esperados de todo Saló,
Expocómic o muestra es la llegada de ese autor
favorito que plasme su firma, dibujo o ambos en
una de sus obras para tu colección en casa. Este
año, uno de los más esperados ha sido Joe Sacco,
nacido en Malta en 1960 que tuvo su primer gran
éxito en los noventa con su novela gráfica
Palestina, producto de su inmersión durante dos
meses en los territorios de Gaza y Cisjordania.
Esta novela le llevó a ganar el American Book
Award.
Su siguiente obra no vería la luz hasta el año
2000, Gorazde: zona protegida, sobre la guerra
civil en la Bosnia Oriental y que le supuso el
Guggenheim Fellowship y el premio Eisner. El
New York Times lo escogió como uno de los
mejores libros del año y la revista Time como
mejor cómic. Otras obras de Sacco son Reportajes
y notas al pie de Gaza y La Gran Guerra, su
última obra.
Paco Roca estuvo presentísimo en este salón,
dando charlas sobre la guerra, ganando el premio
a Mejor Obra por Los Surcos del Azar y firmando
copias de sus obras.
Guillém Medina firmó en varios stands de
aquellas editoriales que han publicado sus libros
nostálgicos y de muñecas:
Siempre presente en el Saló, y rebosando
simpatía, Jordi Bernet en el stand de El Jueves,
uno de los más populares del Saló junto al de
Ediciones B cuando autores como Jan o Paco
Ibáñez se encuentran firmando:
Paco Ibáñez:
El Torres y Angel Hernández:
Finalmente, acabamos el reportaje del 32 Salón
Internacional del Cómic de Barcelona con
algunas imágenes random del certamen…
Manualidades a todo Riesgo Por Susana Riesgo
POMPEROS
Materiales: Limpiapipas o alambre, pajitas, cuentas de madera o plástico, cuencos de cristal o plástico,
lavavajillas y agua.
Esta es una manualidad apta para hacer con niños, que además de disfrutar haciendo las pompas, podrán
fabricar su propio pompero.
Cogemos un limpiapipas y doblamos un extremo trazando un círculo. Enrollamos el extremo sobre el resto
del limpiapipas y metemos una cuenta para tapar la unión y que quede decorativo. También podemos darle
otras formas, como por ejemplo forma de corazón. Podemos llenar todo el mango con cuentas o meter este
dentro de una pajita para que tenga más consistencia y no se doble.
Con el alambre hacemos algo parecido. Lo doblamos por la mitad, dejando en el doblez, el círculo para
hacer las pompas. Y retorcemos los dos extremos sobre sí mismo formando un solo palo. Insertamos
cuencas y para fijar el extremo, enrollamos la punta.
Llenamos un cuenco con agua y añadimos lavavajillas. Mojamos nuestros pomperos en la mezcla y a
soplar…
Existe una receta mejor para hacer pompas. Es la siguiente:
2 medias de agua, 1 medida de lavavajillas, ½ medida de glicerina (de venta en droguerías), ½ medida de
azúcar glas. Mezclamos bien y dejamos reposar hasta que adquiera un poco de consistencia.
SUGERENCIAS: Podemos regalar los pomperos como detalle en cumpleaños y demás eventos si los
acompañamos con un tarrito con la mezcla jabonosa. Para ellos podemos decorar tarros de cristal o plástico
con tiras adhesivas decoradas o simplemente enrollando cuerda o lazo alrededor de ellos.
Laly y sus CosasEn este número os traemos una sorpresa especial:
uno de los primeros trabajos de una Estheriana de
pro e ilustradora, antigua fanzinera y futura
estrella de la ilustración: Laia Codina.
Laia ha cedido a Foroesther las únicas 12 páginas
existentes de su primer cómico, que define como
“pseudobiográfico”, Laly y sus cosas.
Comenzó a dibujarlo cuando tenía 13 años, a raíz
de una operación de peritonitis que la mantuvo
postrada en la cama de un hospital durante más
tiempo del previsto en el verano de 1987. Fue
durante esa convalecencia que Laia comenzó a
leer todo lo que le traían, especialmente tebeos
(Mortadelo, Zipi y Zape, TBO, condorito, Don
Miki… e incluso Spiderman)
Y quiso el destino que en sus manos cayeran un
par de ejemplares de Pecosa que no solo cautivó
su corazón adolescente. Todo cambió a partir de
entonces y la autora no quiso volver a leer nada
que no fuera Esther.
“Siempre me había gustado dibujar pero en
“Esther” encontré un personaje con el que me
identifiqué plenamente (yo también era una chica
tímida, con complejos y con un amor platónico no
correspondido), y además encontré en esas
historias el registro perfecto para evadirme de mi
realidad adolescente (época difícil ara muchas)
plasmando en viñetas lo que me gustaría que me
sucediese”, asegura Laia.
Así nació Laly y sus cosas, un claro homenaje a
Esther y su mundo en cuanto a historia, tipo de
personaje y estilo gráfico, donde la jovencita Laia
ya apuntaba maneras.
Laly, incluso, posee algunas curiosidades:
Todos los personajes, excepto Richy, están
basados en personas reales. Laia no tenía
ninguna amiga como Rita e inventó a
Richy con un parecido bastante físico a
Carol.
A pesar de tener una hermana 1 a1@o
menor que ella llamada Nuria, la hizo
mayor en su cómic para conseguir un
personaje como Carol.
Su mejor amiga se llamaba Inma y en su
obra la rebautizó como Nicole y la modeló
como al personaje homónimo de la serie
televisiva Fama. El chico que le gustaba
por aquel entonces se llamaba Jordi.
Su amor platónico se llamaba Marc
Vilaseca pero le cambió el nombre por
Guilbert en honor al personaje de Ana de
las Tejas Verdes.
Durante el transcurso del cómic pasó un tiempo y
tras “sobrevivir a 8º de EGB en un colegio de
monjas, fui al Instituto. Tuve la “suerte” de
coincidir con Marc Vilaseca en la misma clase de
1º de BUP y el enamoramiento se me quitó de un
plumazo (era un auténtico gilipollas). Empezó a
gustarme otro chico que se llamaba César y como
era rubio y entonces me gustaba Jason Donovan,
le puse por nombre “Jason” para hacerlo más
interesante y exótico, e inventé que venía de
EEUU (otra de mis fascinaciones adolescentes
era viajar a USA).
Os dejamos con Laly y sus cosas en primicia para
Foroesther.
Historias de Bruguera, de Carles Prats
Por Javier Mesón
La historia de una editorial como Bruguera debe
ser contada, y por qué no, analizada su
importancia dentro de su historia, y las
circunstancias en las que se desarrolló su actividad
industrial. Sin olvidarnos de sus protagonistas: los
guionistas, dibujantes, técnicos editoriales o los
mismos trabajadores que conformaron la empresa.
Si bien es cierto, que algunos libros han dado fe
de su legado (Cuando los cómics se llamaban
Tebeos, Los tebeos de nuestra infancia, 100 años
de Bruguera, todo ellos por Antoni Guiral), ha
sido recientemente cuando Carles
Prats (Loquillo. Leyenda urbana), ha podido
retratar parte de nuestros sueños infantiles en
imágenes; imágenes de la memoria, el recuerdo, y
el subconsciente de varias generaciones de
españoles. “Historias de Bruguera”, nombre
que recibe este documental, es un merecido
homenaje a todos los que formaron parte de este
fenómeno cultural. A los que de alguna forma lo
vivimos, y no queremos dejar pasar por alto, la
importancia de que tuvo esta editorial en nuestros
corazones.
Un documental que recoge mediante entrevistas,
el testimonio de parte de la familia Bruguera,
como Antonia Bruguera (hija de uno de los
fundadores, Joan Bruguera Teixidó), Amélia
Bruguera (hija de Francisco Bruguera), Consol
Bruguera (hija de Pantaleón Bruguera), Joan
Bruguera, o Guillem Molinas (recientemente
fallecido). Así como autores de la talla de Pura
Campos, Jordi Bernet (hijo del mítico
Jorge), Guillem Cifré (hijo de Cifré), Jesús
Durán, Enrich o Carrillo. Técnicos editoriales
como Jordi Bayona, Antoni Guiral o el
historiador de Bruguera, Vicent Palomares.
Además de un buen número de personas que
vivieron de primera mano, la producción editorial.
Jordi Bernet, hijo de Miguel Bernet (Jorge)
Durante 80 minutos asistimos al origen
de Bruguera, su nacimiento (año 1910),
desarrollo y expansión; la llegada de crisis de
mediados los setenta y su posterior cierre en
1986. La importancia como editor de Rafael
González, de profesionales como Peñarroya,
Escobar, Conti, Giner, Ibáñez, Vázquez, Jorge,
Segura, Víctor Mora, Ambrós, Pardo oFuentes
Man, fueron algunos de los que cimentaron el
éxito de la editorial. Revistas como Pulgarcito, El
DDT, Din Dan, Mortadelo, Lily; cuadernillos
como Capitán Trueno, Jabato, El cosaco verde,
o bolsilibros como Corín Tellado, o Marcial
Lafuente Estefanía, se adentraron en la cultura
popular, de una España gris, que empezaba a
despegar económicamente en los años sesenta;
una década de gran competencia con la televisión.
Personajes y series como Carpanta, La familia
Cebolleta, Doña Urraca, Rigoberto
Picaporte, Mortadelo y Filemón, o La familia
Trapisonda, se convirtieron en un reflejo de la
sociedad, la de toda una época. Un testimonio de
aquella forma de vivir, tanto culturalmente como
económicamente, en un país faltó de libertad, y
lleno de censura.
El periodista Jaume Vidal, y el director Carles
Prats, firman un guion ejemplar para “Historias
de Bruguera”. Un trabajo que debe servir de
referencia tanto para los lectores más veteranos,
como para los más jóvenes; en un acto de justicia,
por tantas horas de felicidad que nos dieron
aquellos autores, y que aún permanecen en
muestra memoria.
Esta humilde reseña, quiere unirse al homenaje de
este documental, que todo buen aficionado
a Bruguera, debería tener en su videoteca, como
pieza fundamental de la historieta en este
país. Quiero agradecer a Carles Prats, y al resto
de su equipo, por este gran trabajo. ¡Por favor, no
se lo pierdan o se arrepentirán! No digan que no
he avisado.
“Historias de Bruguera”, se edita el
miércoles 14 de mayo, a través
de: http://cameo.es/default.aspx
Ficha Técnica:
Director: Carles Prats
Productor ejecutivo TVC: Jordi Ambrós
Productora delegada TVC: Ruth Llòria
Producción Sinfín: Pere Ballesteros
Asesoría de producción: Antonia Casado y Inés
Font
Guión: Jaume Vidal y Carles Prats
Música original: Jaime Stinus
Director de fotografia: Pere Ballesteros
Edición: Pau Bacardit
Títulos de crédito: No Domain
Ayudante de dirección: David Casademunt
Operadores de cámara: Artur Álvarez, Oriol
Llopis y Francesc Olivé
Colorista: Carlos San Juan Marqués
Plató y atrezzo: Nu-Showroom
Archivos filmográficos: familia Bruguera
Archivos fotográficos: Frederic Malagelada,
Centre Cívil El Coll la Bruguera
Edita: Cameo
PVP: 11,95 €. A la venta el 9 de mayo
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Galardonada como Mejor Obra del Salón del Cómic de Barcelona