sayed heider raza, manish pushkale - shanti, a scream for peace

SAYED HAIDER RAZA MANISH PUSHKALE

PUSHKALE / RAZASHANTIA SCREAM FOR PEACEPAINTINGS 2008-2009

Testi:JEROME NEUTRESASHOK VAJPEYI

Progetto grafico:MARCO VIDALI

curated by Jerome Neutres

SAYED HAIDER RAZA

PAINTINGS 2008 - 2009MANISH PUSHKALE

SHANTI A SCREAM FOR PEACE

UN URLO PER LA PACEDi Jerome Neutres [1]

Dicembre 2008. Alcuni giorni dopo gli attacchi. Strage

a Bombay. Solo una manciata di giovani uomini è

recentemente sbarcata sulla banchina del Gate of India.

Terrorizzando una città di diciotto milioni di abitanti.

Ciechi assassini nella stazione centrale. Incendi all’hotel

Taj Mahal. Le granate lanciate diventano volantini politici

per una tetra causa, o piuttosto per una Guerra Santa. Nel

suo studio, nell’undicesimo arrondissement a Parigi, dove

ha vissuto a partire dagli anni ’60, con regolari ritorni in

India dove l’inverno è così mite, Raza urla la sua rabbia: si

tiene in disparte, impotente. Ha appena perso uno dei suoi

migliori amici, che era a cena all’Oberoi Hotel, l’unica

notte in cui avrebbe dovuto rimanere a casa. Dalle notizie

di questi attacchi, Raza ha smesso di dipingere il pezzo

su cui stava lavorando. Era un paesaggio astratto, un

ritorno ad un tema che riflette un affetto per le sue forme

precedenti, per la sua precedente tavolozza di vibranti

colori, quel dipinto riflette il piacere di seguire un sentiero

che non vede da molto . Invece, ora, ha sostituito le tele

dalla serenità con un quadrato bianco sul quale vuole

riporre la sua rabbia. L’anziano maestro ha lo sguardo di

una tigre, quella del Madhya Pradesh suo luogo natale,

la regione dell’India centrale dove le ultime tigri bianche

sopravvivono appena. Questi segni, che ha graffiato nelle

sue tele, hanno un nome: la parola per pace in Hindi,

Shanti. È un urlo per la pace. Il pianto di un dipinto.

L’urlo di Münch. Una serenità a cui Raza ha dedicato la

sua vita. È una pratica pittorica, che segue la tradizione

spirituale del Tanta, Tantrismo, l’espressione visuale della

ricerca spirituale della rinuncia, che troviamo nella cultura

Jain e Buddista.

Due filosofie, entrambe ossessionate dalla ricerca della

pace, mentre i pensieri degli altri sono consumati dal

desiderio della guerra. “E dove attraverso il mondo,

troveremmo un tipo come Asoka, così stravolto al

pensiero di aver partecipato ad una piccola guerra, che

avrebbe dedicato il resto della sua vita al pentimento e alla

penitenza?” scrive Henri Michaux, affascinato dall’arte

tantrica nell’A Barbarian in Asia, commenta sull’ascetismo

di una figura di un sovrano Buddista.

Raza, seduto di fronte a una bianca, quadrata tela, schizza

pallidi, grigi, cerchi concentrici. Il suo occhio si fissa sul

cerchio in divenire; per il pittore, più nulla esiste. In India,

uomini e donne spesso portano un marchio sulla fronte, un

marchio solitamente acquisito con una visita ad un tempio

e tracciato sulla fronte da un sacerdote. Il segno del terzo

occhio, l’occhio della conoscenza. Lo sguardo invisibile,

occhio dello spirito, questo marchio ha il nome di bindu.

Una parola associata nella storia della pittura indiana

con il lavoro di Raza. Un ricordo di lunghi momenti

passati di fronte al bindu nero di Raza, appeso nelle

sale della residenza dell’ambasciata francese a Delhi, un

rifugio non solo per l’occhio, ma anche per lo spirito. Un

sicuro paradiso per la mente durante questi interminabili

ricevimenti e discorsi di “personalità molto importanti”,

le quali erano solamente di passaggio. Il bindu, un buco

nero che come una finestra dava sul sole - “il sole nero

della mia melanconia”, per usare uno dei versi di Nerval.

Anni dopo, Raza, del quale uno dei pezzi più famosi si

intitola Black Sun (gouache su carta, del 1953), sorride

ascoltando le mie reminiscenze:” il nero è un colore; è la

madre di tutti i colori”. A Delhi. il mio bindu di Raza

è una litografia, che è appesa nel centro esatto della mia

casa a Malcha Marg. Occasione o necessità? Fu solamente

dopo che scoprii altre parole di Michaux riguardo il bindu:

“al centro un punto/soltanto un punto/rispondendo ad

un bisogno/il bisogno dei bisogni”. Il centro al centro,

perfetto. Il bindu, questo “occhio senza una faccia”, come

Michaux lo definiva, un occhio che contempla e che come

un magnete attrae lo sguardo degli altri, la consapevolezza

“contro la forma”. “Un punto di concentrazione mentale

e il punto di concentrazione del visibile,” legge l’analisi

di Alain Bonfand nella sua monografia dedicata a Raza.

“A danno dell’oggetto, questo punto è esso stesso il punto

dell’apparenza”. [2] La pittura diventa il processo della

rivelazione. Uno potrebbe dire di Shanti, quello che Alain

Bonfand diceva di quest’altro dipinto di Raza:” i cerchi

concentrici del mandala hanno come punto di partenza

questo punto. La pittura ammette le sue tracce, questa

monocronia, che tende verso una sorta di acromasia (una

scomparsa di pigmentazione), un sinonimo per silenzio,

è là, e nell’intersezione esatta delle diagonali, in questo

quadrato perfetto, questo punto scrive e si enuncia da solo,

questo punto di silenzio, che mette a tacere i rumori del

mondo e anche gli uccelli sugli alberi”. [3]

Shanti, l’urlo per la pace di Raza, esprime se stesso nei

bianchi e grigi pallidi: per Raza, questi sono i colori della

pace, per questo lui libera la pittura dei suoi cinque colori

fondamentali, i colori dei cinque elementi. Ha luogo la pace

attraverso una rinuncia del mondo? È attraverso il lavaggio

acromatico delle tele che un tentativo è fatto per la pittura

di imporre serenità e silenzio sul rumore ed il furore della

terra. La forza del bianco e del grigio nelle sue più recenti

opere emanata da una ricerca dello stato trascendentale,

uno stato che Raza ha già esplorato quando dipingeva con

il colore nero. La spiritualità è là, nell’arte, nella cornice

che contorna la tela, essa sorpassa lo stretto quadro delle

Istituzioni Internazionali le cui forme portano le forme di

varie religioni. Raza spiega che è capace di pregare sia in

una cappella cristiana come in un tempio dedicato a Shiva,

o in una moschea, pregare... una pratica frequente in

India. Un ricordo della mia sorpresa in Ajmer– per vedere

tanti Indù impegnati in preghiere private di fronte alla

tomba di un santo dell’Islam... Con trentatré milioni di

dei (secondo stime approssimative), l’Induismo ha questa

gioiosa particolarità di assimilare generosamente nel suo

pantheon tutte le figure divine...

Raza dipinge il suo urlo aParigi. Allo stesso tempo a Delhi,

Manish Pushkale lavora nel suo atelier, nel quartiere pacifico

di Haus Khaz. La casa del giovane pittore si affaccia su una

piazza che domina Chor Minar, uno dei mausolei Mongoli,

il quale segna il paesaggio della capitale Indiana e che

incoraggiò André Malraux ad osservare che Delhi era una

“città di tombe”. E’ di fronte ad una tomba Islamica che un

giovane pittore Indù sviluppa un lavoro di tutta una vita

che segue il sentiero aperto presentatogli da un’iconografia

Buddista. L’ideale Buddista è uguaglianza tra tutti, per il

quale l’atto fondamentale è il rifiuto del Principe Siddharta

del sistema di caste della società Indiana. Siddharta

diventa Buddha, e allora rifiuta, cancella il principio che

una società sia basata sulla disparità sociale. La pittura di

Manish, che si traccia sul percorso del lavoro di Raza, che

costituisce una forma di meditazione. Le forti tradizioni

spirituali del Jain Tantra e del Tank Buddista pervadono

il lavoro di Manish. Le sue serie richiamano gli affreschi

del Buddha come quelle viste nelle grotte del monastero di

Alchi, al confine dell’Himalaya, sulla cima del Ladakh. In

un dipinto, la concentrazione concentrica verso un punto

singolo, in un altro, l’infinita ripetizione di una forma.

Devono i due processi non inclinarsi loro stessi verso uno

stesso ideale, quello della pacificazione dello spazio? A

Olivier Germain-Thomas, Raza spiega che per dipingere

bene, “è necessario rallentare le nostre capacità intellettuali

così per permettere lo sbocciare della luce interiore.E’ allora

che conseguiamo uno stato secondario nel quale diventa

inutile ragionare: è il cielo, i paradisi, che in quanto tali

dettano la forma. Sono convinto che i migliori dipinti

sono prodotti in questo stato. Il dipinto non proviene

dall’intelletto, viene direttamente dai profondi livelli della

vita, e da un’ elevazione nelle percezioni intuitive.” [4]

Un ideale, ma due esperienze; ogni lavoro è unico. Manish

Puschkale è in una ricerca simile. Manish usa diversità e

creazione per condurre una esplorazione simile a quella

di Raza. che usa colori per viaggiare dal monocromo

all’anacromo. Il curatore e critico d’arte Anirudh Chari

scrive dei lavori di Manish: “un determinato colorista

con una tavolozza veramente definita, egli mostra un

panorama di verdi, gialli, blu e rosa, che porta in vita lo

sciame di roteanti figure, luccicanti di energia ed emananti

luce e calore. Mentre sprizza vitalità, la tavolozza non è

mai sgargiante o volgare. Nemmeno, tuttavia, è formalista.

Aggraziata, raffinata e vivace, è tutto riguardo l’energia

auto-generata. [...] Per Pushkale, il colore è una droga

che dà la più soddisfacente, mutante, trascendentale e

allucinatoria delle esperienze. È l’energia della sua linea,

sebbene – con le smorfie e i nodi sciolti – che è la più

gratificante. Alcune di queste linee sono sorprendentemente

arieggiate e leggere. Simile agli appunti calligrafici, sono

inizi e curve del pennello con sottolineature aggiunte come

segni diacritici e colori tenui.”

Ho incontrato Manish Pushkale a Delhi nel 2002.

Nell’ambasciata francese a Delhi, come Attaché Culturale,

avevo creato un “artist in residency program” per i pittori

indiani che andavano in Francia, e Manish ha ricevuto

l’opportunità di parteciparvi. È stato Raza a farci notare

la promessa e il talento presenti nei lavori di Manish, e

che lo guidò nel suo viaggio a Parigi. Sette anni più

tardi, la promessa è stata mantenuta. Manish, nel rigore

esemplare del suo lavoro, non ha cessato la sua ricerca

di padroneggiare lo spazio delle tele, che nelle parole di

Raza, è niente meno che l’atto rivelatorio della pittura.

Il successo venne rapidamente: Manish fu presto parte

delle prestigiose collezioni che regolarmente apparivano

nelle mostre che univano i più grandi nomi della pittura

contemporanea indiana, da Raza a Ram Kumar, assieme

al suo amico Viswanadhan, o figure più giovani come

Akilesh. Questa mostra, che si terrà a Venezia, è la seconda

volta che Manish è esposto in duo con Raza. Già nel 2003,

la Guild Art Gallery di Bombay riunì il maestro e il suo

discepolo nella stessa mostra. Prima di questo, e anche più

tardi, i loro nomi apparivano spesso assieme fianco a fianco

in numerose collettive. Oggi, è la International Aïcon

Gallery che rappresenta Manish e il suo lavoro. Manish

ha esposto a Bombay, Delhi, Londra, Parigi, Singapore,

Hong Kong, e una mostra a New York lo attende nel

2010. Nel catalogo dell’ultima mostra del marzo 2009

dedicata ad un giovane pittore a San Francisco, Raza

scrive di Manish Pushkale: ”uno dei maggiori pittori del

gruppo Roop Adhyatma devoto all’esplorazione della

forma spirituale nella pittura indiana contemporanea[...]

negli anni recenti ha fatto del lavoro serio e sostanziale che

rivela un colore misterioso e relazioni di forma, uno che è

silente ma musicale ed è percettibile ai nostri occhi ed ai

sensi, che conduce a ragas (armonie nella musica indiana)

differenti. I suoi lavori uniscono musica, danza e altri

concetti sulla cultura indiana, dove la meditazione è lo

scopo essenziale. Il risultato non è considerato astratto, ma

la concreta percezione delle forme armoniose in un vero

stato di trasformazione altamente sviluppato”. L’astratto

contro il concreto. Un infinito dibattito, se dibattito lo

si può definire. Per Raza, è già un futile dibattito. “La

pittura astratta, è un’espressione senza significato; non c’è

pittura astratta, è assurdo.” Quello che vediamo sulle tele è

estremamente concreto, tattile, sensuale; deve essere visto

e toccato. E’ “lo spazio interiore”, avrebbe detto Henri

Michaux ––le cui risapute riflessioni sulla pittura trovano

una nuova pertinenza. Raza ha ripetuto sempre che non

dipingeva quello che vedeva, ma piuttosto, ricercava la

possibilità di fornire una certa cornice mentale, una certa

energia, su cui risiedono i pensieri Tantrici, in particolare

nei yantras. “Volevo comprendere lo spirito che li animava”,

spiega, “il principio che guida il mandala e il chakras.

Ma non avevo mai tentato di copiarli. Al contrario,

mi sono sforzato di inventare la mia percezione delle

forme, dei colori, così come la geometria che li governa.”

Similmente, Manish Pushkale, risponde all’iconografia

Tanka. È lo spirito e il segreto della qualità seriale del

lavoro nella pittura Buddista con la quale egli sperimenta,

ma la sperimentazione accade con un linguaggio che è da

solo–– una condizione preliminare di questa esperienza.

La ripetizione della forma in questa pittura è il ritorno

ad una preghiera; è una ripetizione che segna una

caratteristica rituale. Lo spirituale passa attraverso il

rituale, il suo nome è inscritto in se stesso, Rituale, un

ritorno alla forma sulle stesse tele come Manish, come il

bindu riemerge nelle pitture di Raza....

Quando uno chiede al maestro di definire la sua ricerca

usando solamente una frase, dice: “La spiritualità nell’arte,

questa presenza che troviamo nelle nostre danze, nelle

nostra musica, nelle nostra poesia.” Il figlio spirituale

acconsente. La spiritualità nell’arte, lo spirito in questi

nostri occhi.

New York, Aprile 2009

[1] Scrittore, curatore, addetto alla cultura francese in India

(2002-2006), attualmente vive e lavora a New York, come

addetto culturale negli USA.

[2] “Ce point est le point même de l’apparaître au détriment

de l’objet”.

[3] A. Bonfand, Raza, Paris, La Différence, Paris, 2008, p. 17

[4] S. H. Raza, O. Germain-Thomas, Mandalas, Paris, Albin

Michel, 2004, p. 20.

A SCREAM FOR PEACEBy Jerome Neutres [1]

December 2008. A few days after the attacks. Bloodshed

in Bombay. Just a handful of young men have recently

disembarked on the jetty of the Gate of India. They

terrorize a city of eighteen million inhabitants. Blind

murders in the central station. Arsons at the Taj Mahal

hotel. Launched grenades become political pamphlets for

a somber cause, or rather a holy war. In his atelier, in the

11th arrondissement in Paris, where he has lived since the

1960s, with regular returns to India with winters so mild,

Raza screams his rage: he stands by, powerless, he has just

lost one of his best friends, who dined the Oberoi Hotel,

the one night when he should have stayed home. Raza has

stopped painting the piece on which he had been working.

It was an abstract landscape, a return to a theme that

reflected a fondness for his previous forms, for his former

palette of vibrant colors; that painting reflects the pleasure

of following a path down which he hadn’t been in a while.

Instead, now, he has substituted the canvas of serenity

with a white square on which he wants to place his anger.

The old master has the gaze of a tiger, that of his natal

Madhya Pradesh—the central Indian region in which the

last white tigers barely subsist. These strokes, which he

has clawed into his canvas, carry a name: the word for

peace in Hindi, Shanti. It is a scream for peace. The cry of

a painting. Münch’s The Scream. A peacefulness to which

Raza has dedicated his life. It is a painting practice, which

follows the spiritual tradition of Tantra, Tantrism, the

visual expression of the spiritual quest of renunciation,

which we find in the Jain and Buddhist cultures.

Two philosophies, both obsessed by the search for peace,

while others’ thoughts are consumed by the desire of war.

“And where throughout the world, would we find a kind

such as Asoka, so overwhelmed at the thought of having

participated in a small war, that he would dedicate the

rest of his life to contrition and penitence?” writes Henri

Michaux, who fascinated by Tantric art in A Barbarian in

Asia, comments on the asceticism of a sovereign Buddhist

figure.

Raza, who seated in front of a white, square canvas,

sketches pale, grey, concentric circles. His eye affixes upon

the circle that becomes; for the painter, nothing exists

anymore. In India, men and women often wear a mark

above their brow, a mark usually acquired upon a visit to a

temple and traced upon the forehead by a priest. The sign

of the third eye, the eye of knowledge. The invisible gaze,

eye of the spirit, this mark carries the name bindu. A word

that is associated in the history of Indian painting with the

work of Raza. A memory of long moments spent in front

of Raza’s black bindu, hanging in the halls of the residence

of the French Embassy in Delhi, a refuge not only for

the eye, but also for the spirit. A safe haven for the mind

during those interminable receptions and the speeches

of “very important personalities”, who were just passing

through. The bindu, a black hole which like a window

gave unto the sun—“the black sun of my melancholia”, to

use one of Nerval’s verses. Years later, Raza, for whom one

of the most famous pieces is named Black Sun (gouache

on paper, 1953), smiles listening to my reminiscences:

“black is one color; it is the mother of all colors”. In

Delhi, my own Raza bindu is a lithography, which hung

in the exact center in my house in Malcha Marg. Chance

or necessity? It was only later that I discovered other of

Michaux’s words regarding the bindu: “at the center a

point/ only a point/ responding to a need/ to the need of

needs”. The center at the center, perfect. The bindu, this

“eye without a face”, as Michaux used to put it, an eye that

contemplates and which like a magnet attracts the gaze

of the other, the consciousness “against form”. “A point

of mental concentration and the point of concentration

of the visible,” reads the analysis of Alain Bonfand in his

monography dedicated to Raza. “To the detriment of the

object, this point is itself the point of the appearance”. [2]

Painting becomes the process of revelation. One could say

of Shanti, that which Alain Bonfand says about this other

of Raza’s painting: “the concentric circles of the mandala

have as the point of departure this point. Painting admits

its traces, this monochrome, which tends towards a sort

of achromasia, [a disappearance of pigmentation], a

synonym for silence, is there, and at the exact intersection

of the diagonals, in this perfect square, this point writes

and enunciates itself, this point of silence, which hushes

the noises of the world and even the birds in the trees”. [3]

Shanti, the scream for Raza’s peace, expresses itself in

whites and pale greys: for Raza, these are the colors of

peace, for he frees painting of its five fundamental colors,

the colors of the five elements. Does peace take place

through a renunciation of the world? It is through the

achromatic laundering of the canvas that an attempt is

made for painting to impose serenity and silence upon

the noise and furor of the earth. The forcefulness of the

white and the grey in his most recent painting emanates

from a search for the transcendental state, a state that

Raza has already explored when painting in the color

black. Spirituality is there, in the art, in the frame that

surrounds the canvas; it surpasses the narrow cadre of the

International Institutions whose forms take the shapes

of varied religions. Raza explains that he is able to pray

just as well in a Christian chapel as in a temple dedicated

to Shiva, or a mosque, praying… a frequent practice in

India. A memory of my own stupefaction in Ajmer—to

see so many Hindus engaged in private prayer in front of

the tomb of a saint to Islam… With thirty-three million

gods (according to the average estimate), Hinduism has

this joyful particularity of generously assimilating into its

pantheon all of the divine figures…

Raza paints his scream in Paris. At the same time in Delhi,

Manish Pushkale works in his atelier, in the peaceful

neighborhood of Haus Khaz. The young painter’s house

faces a square, a square over which dominates Chor Minar,

one of the many Mongul mausoleums, which mark the

landscape of the Indian capital and which encouraged

André Malraux to observe that Delhi was a “city of

tombs”. It is in front of an Islamic tomb that a young

Hindu painter develops a lifelong labor that follows the

open path presented to him by a Buddhist iconography.

The Buddhist ideal is equality amongst all, for which the

fundamental act is Prince Siddharta’s rejection of Indian

society’s caste system. Siddharta becomes Buddha, and

thus refuses, erases the principal that a society be based

upon social disparity. Manish’s painting, which traces

itself upon the trail of Raza’s work, constitutes a form

of meditation. The powerful spiritual traditions of Jain

Tantra and Buddhist Tank inform Manish’s work. His

series recall the frescos of Buddha as seen in the grottos

of the Alchi monastery, at the border of the Himalaya, at

the summit of Ladakh. In one painting, the concentric

concentration towards a single point, in another, the

infinite repetition of a form. Would the two processes

not incline themselves towards a same ideal, that of the

pacification of space? To Olivier Germain-Thomas, Raza

explains that to paint well, “it is necessary to slow down

our intellectual capacities so as to allow the interior light

to blossom. It is then that we achieve a sort of second

state in which it becomes useless to reason: it is the

sky, the heavens, which as such dictate the form. I am

convinced that the best paintings are produced in such a

state. Painting comes not of the intellect; it comes from

the deep layers of life, and from an elevation into intuitive

perception.” [4]

An ideal, but two experiences; each work is unique. Manish

Puschkale is on a similar quest. Manish uses diversity

and creation to conduct a similar exploration as that of

Raza, who uses colors to travel from the monochrome

to the anachrome. Curator and art critic Anirudh Chari

writes of Manish’s work: ”A determined colorist with a

truly refined palette, he displays a panorama of greens,

yellows, blues and pinks, which makes the swarm of

whirling shapes come to life, shimmer with energy and

radiate light and warmth. While vibrant, the palette

is never garish or vulgar. Neither, though, is it prissy.

Graceful, refined and vivacious, it is all about self-

generated energy. […] For Pushkale, color is a drug that

gives the most satisfying, transforming, transcendental

and hallucinatory of experiences. It is the energy of his

line, though—with its grimaces unraveled and its kinks

smoothed out—which is most gratifying. Some of the

lines are surprisingly airy and light. Akin to calligraphic

jots, they are starts and turns of the brush with added

highlights like diacritical marks and softer hues.”

I met Manish Pushkale in Delhi in 2002. At the French

Embassy in Delhi, as Cultural Attaché, I had created an

“artist in residency program” for Indian painters to travel to

France, and Manish had received a fellowship to participate

in the residency program. It was Raza who turned us on

to the promise and talent present in Manish’s work, and

which guided him upon his trip to Paris. Seven years

later, the promise is kept. Manish, within the exemplary

rigor of his work, did not cease his quest to master the

space of the canvas, which in Reza’s words, is nothing less

than the revelatory act of painting. Success came rapidly:

Manish was soon part of the prestigious collections that

regularly figured in the exhibits that brought together the

biggest names in contemporary Indian painting, from

Raza to Ram Kumar, along with his friend Viswanadhan,

or younger figures such as Akilesh. This exhibit, which

takes place in Venice, is the second time that Manish is

exhibited in duo with Raza. Already in 2003, the Guild

Art Gallery of Bombay brought the master and his disciple

together in the same exhibit. Before this, and also later,

their names often would appear side by side in numerous

group shows. Today, it is the international Aïcon Gallery

that represents Manish and his work. Manish has been

exhibited in Bombay, Delhi, London, Paris, Singapore,

Hong Kong, and a 2010 New York exhibit awaits him. In

the catalogue of the last March 2009 exhibit dedicated

to the young painter in San Francisco, Raza writes of

Manish Pushkale: “a major painter of the group Roop

Adhyatma devoted to the exploration of the spiritual form

in contemporary Indian painting [...] in recent years he

has done some serious and substantial work which reveals

a mysterious color and form relationship, one which is

silent but musical and is perceptible to our eyes and senses,

leading to different ragas (harmonies in Indian music).

His works link up music, dance and other concepts on

Indian culture, where meditation is the essential aim. The

result is not considered abstract, but concrete perception

of harmonious form in a highly developed and true state

of transformation”. The abstract versus the concrete. A

pointless debate, if a debate it even is. For Raza, it is yet

again a futile debate. “Abstract painting, is a meaningless

expression; there is not abstract painting, it’s absurd.”

That which we see on the canvas is extremely concrete,

tactile, sensual; it is to be seen and to be touched. It is “the

space from within”, would have said Henri Michaux—

whose well-known ref lections on painting find a new

pertinence. Raza always has repeated that he did not paint

what he saw, but rather, he sought out the possibility to

provide a certain frame of mind, a certain energy, on

which Tantric thought resides, notably in the yantras. “I

wanted to understand the spirit that animated them”, he

explains, “the principles that guide the mandalas and the

chakras. But I never tried to copy them. On the contrary,

I forced myself to invent my own perception of the forms,

the colors, as well as the geometry that governs them.”

Similarly, Manish Pushkale, responds to the Tanka

iconography. It is the spirit and the secret of the serial

quality of the work in Buddhist painting with which he

experiments, but it also the experimentation that occurs

with a language that is his alone—a precondition of this

experience. The repetition of the form in this painting is

the return to a prayer; it is a repetition that marks a ritual

characteristic. The spiritual passes through the ritual, its

name is inscribed in itself, Ritual, a return to the form on

the same canvas as Manish, just as the bindu reemerges

in Raza’s paintings… When one asks the master to define

his quest using just one sentence, he says: “Spirituality in

art, this presence that we find in our dances, our music,

our poetry.” The spiritual son acquiesces. Spirituality in

art, the spirit in these eyes of ours.

New York, April 2009

Translated from French to English by Alessandra Benedicty

[1] Writer, curator, former French Cultural attaché in India

(2002-2006), living and working in New York, serving as

Cultural attaché in the USA.

[2] “Ce point est le point même de l’apparaître au détriment

de l’objet”.

[3] A. Bonfand, Raza, Paris, La Différence, Paris, 2008, p. 17

[4] S. H. Raza, O. Germain-Thomas, Mandalas, Paris, Albin

Michel, 2004, p. 20.

SAYED HAIDER RAZA

Ogni dipinto di Sayed Haider Raza, in questa fase

finale del suo sforzo che copre più di mezzo secolo, è

un’evocazione della pace, di una grazia tranquilla che,

mentre è profondamente ed inequivocabilmente spirituale,

può essere fruita solo attraverso la vivace/colorata furia

dell’arte. E l’arte è come la grazia: un arte che è in pace con

se stessa e con il cosmo. È un arte che celebra l’essere nella sua

essenza, alle sue origini, nella luminosa semplicità radicata

nella complessità concettuale. È un’arte che trasforma.

Raza è un pittore nella cui arte e visione estetica si

incontrano molte correnti: è il maestro della confluenza.

Ricordi del fiume Narmada; le foreste maledette dell’India

centrale; i danzatori notturni delle tribù; la grezza

concretezza del tutto mescolata con la raffinatezza della

scuola parigina dell’età degli anni cinquanta dello scorso

secolo. Il razionalismo europeo si trova faccia a faccia

con la secolare saggezza indiana. Un musulmano sposato

con una cristiana fa ricerche esplora profondamente il

pensiero Hindu. Un indiano che vive in una delle più

intellettualmente e artisticamente dinamiche metropoli

della civiltà occidentale assorbendo l’ethos analitico,

ritornando alle radici indiane per l’estetica e il rinnovamento

spirituale. Un’arte nella quale alcuni dei più elementari

concetti indiani trovano una moderna manifestazione.

Un’arte in cui l’astrazione, mentre evita ogni intensità

narrativa, si muove a configurare comprensioni che sono

essenzialmente artistiche.

Un’arte che né rispecchia né descrive la vita o la realtà; ma

un’arte che presume la vitalità e la risonanza, la complessa

e magnifica semplicità della vita stessa. Ma, allo stesso

tempo, un’arte che, nonostante le sue cosmiche risonanze, è

immersa in una profonda umiltà. Un’arte che non aspira a

dare, soltanto aspetta di ricevere. Ancora una volta un’arte

che crea templi visivi per il silenzio e la riflessione. È un’arte

che cerca di connettere il vuoto e la presenza, la furia e

l’assenza, la superficialità e la profondità, preghiera e gioia.

Nel mondo contemporaneo fatto a pezzi dalle violenze di

tutti i tipi in quasi tutte le parti del mondo, l’arte di Raza

è una quieta affermazione della pace, della solidarietà dei

vari elementi essenziali, della possibilità di consonanza

PURO E SEMPLICEAshok Vajpeyi [1]

è un mondo sempre più frammentato. È un’arte nella

quale la rabbia e le tensioni, scontentezze e ansietà sono

state rimpiazzate. Raza concorderebbe prontamente con

queste linee di Rainer Maria Rilke, un poeta le cui poesie

hanno formato, per molti anni fino ad oggi, le preghiere

quotidiane di Raza quando entra nel suo studio per

iniziare a lavorare:

Lode allo spirito, che ci può legare;

perché davvero viviamo di figure.

E a piccoli passi avanzano le ore

accanto al nostro, proprio nostro, giorno.

Senza conoscere il nostro vero posto,

agiamo per un reale rapporto.

L’arte di Raza è, usando ancora le parole di Rilke, un

“piccolo pezzo di pura umanità”. È un’arte la cui umanità

splende, semplice e pura.

[1] Poeta, critico d’arte e presindente della Lalit Kala Academy

per le Arti.

Any painting of Sayed Haider Raza, in this final phase of

his artistic endeavour covering more than half a century,

is an envocation of peace, of a tranquil grace which,

while being deeply and unmistakably spiritual, could

be accessed only through the colourful fury of art. It is

art as grace: an art which is at peace with itself and the

cosmos. It is an art which celebrates being in its essence,

at its origins, in luminous simplicity rooted in conceptual

complexity. It is an art which transforms.

Raza is a painter in whose art and aesthetic vision many

streams meet: he is the master of conf luence. Memories

of the river Narmada; the central Indian deuce forests;

the nocturnal dancers of tribals of childhood; the raw

earthiness of it all mingles with the French sophistication

of the Parisisan school of the mid fifties of the last

century. The European rationalism comes face to face

with the age-old Indian wisdom. A Muslim married to a

Christian delves deep into the Hindu thought. An Indian

living in one of the most intellectually and artistically

dynamic metropolis of western civilization imbibing

the western analytical ethos, returning to the Indian

roots for aesthetic and spiritual rejuvenation. An art in

which some of the most elemental Indian concepts find a

modern manifestation. An art in which abstraction, while

shunning any narrative intension, moves to configure

insights which are ultimately artistic. An art which

neither mirrors nor describes life or reality; but an art

which assumes the vitality and vibrancy, the complex and

magnificent simplicity of life itself. But, equally, an art

which, inspite its cosmic resonances, is steeped in deep

humility. An art which does not aspire to give, only waits

to receive. Once again an art which creates visual shrines

for silence and ref lection. It is an art which seeks to

connect void and presence, fury and absence, inminosity

and depth, prayer and joy.

In the contemporary world torn asunder by violences

of all kinds almost in all parts of the world, Raza’s art

is a quiet assertion of peace, of togetherness of various

essential elements, of the possibility of consonance is an

increasingly fragmented world. It is an art in which anger

PURE AND SIMPLEAshok Vajpeyi [1]

and tensions, dissatisfactions and anxieties have been

superseded. Raza would readily with these lines of Rainer

Maria Rilke, a poet whose poems have formed, for many

years now, Raza’s daily prayers as he enters his studio to

start work:

Bless the spirit that makes connections,

for truly we live in what we imagine.

Clocks move alongside our real life

with steps that are ever the same.

Though we do not know our exact location,

we are held in place by what links us.

Raza’s art is, to use words of Rilke again, a ‘small piece

of pure humanity’. It is an art whose humanity glows,

simple and pure.

[1] poet, art critic, chairman of the Lalit Kala Academy for the Arts.

SAYED HAIDER RAZA

SHANTI2009 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 47,2x47,2 inches - 120x120 cm

SAYED HAIDER RAZA

BINDU2009 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 17,7x17,7 inches - 45x45 cm

SAYED HAIDER RAZA

SHAYAM2008 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 31,5x31,5 inches - 80x80 cm

SAYED HAIDER RAZA

BINDU2008 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 31,5x31,5 inches - 80x80 cm

SAYED HAIDER RAZA

PRAKRITI2008 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 39,4x59 inches - 100x150 cm

SAYED HAIDER RAZA

PRAKRITI PURUSH TREE2008 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 23,6x47,2 inches - 60x120 cm

SAYED HAIDER RAZA

PURUSH - PRAKTIRI BINDU2008 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 23,6x47,2 inches - 60x120 cm

SAYED HAIDER RAZA

SANTARA2009 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 47,2x47,2 inches - 120x120 cm

BINDU SUR FOND ROUGE2008 Acrilico su Tela / Acrylic on Canvas 11,8x11,8 inches - 30x30 cm

MANISH PUSHKALE

LASCIATE COSÌ PURA UNA PRESENZA

MAI TERMINATA

COME IL CIELO CHE SCOMPARE

DALL’ACQUA MENTRE SI ASCIUGA

Yves Bonnefoy

In questa nuova serie di lavori Manish Pushkale segue

appassionatamente ed incessantemente la luce. I dipinti

sono scoprire, esplorare e celebrare la luce. Ogni lavoro è

un tempio al dio della luce che rimane ignoto, senza nome

e quasi del tutto senza forma. In ognuno di essi appare la

luce, afferma la sua esistenza e si fonde con la residenza

offerta così amorevolmente dal dipinto.

Negli anni Manish Pushkale ha inseguito accuratamente

una poetica di silenzio. Una poetica del dipingere dove

dominano la reticenza e la discrezione. L’arte non parla,

comunica in silenzio. L’indicibile, l’ineffabile è evocato,

vibrato ma mai spinto o forzato a parlare o ad articolarsi.

È l’espansione di questa poetica silenziosa in una nuova

e significante luminosità che, allo stesso modo, tende

ad annullare la dicotomia convenzionale tra astratto e

figurativo. Ora troppo spesso si può sospettare la presenza

di una figura che si nasconde o che lotta per prendere

forma in una geografia confusa dell’astrazione. Manish

sta creando una serie di presenze. Sono immagini di se

stessi, introspettive a vari livelli di illuminazione. Di

luce ricercata, di luce raggiunta. Sono ricerche per la

luminosità che possano possibilmente resistere almeno

sulla tela dipinta.

Ogni lavoro d’arte, e per quel motivo di musica, danza o

poesia, rivela l’impermanenza del nostro mondo troppo

umano; ma evoca anche il desiderio della permanenza,

comunque, fragile. Le nuove serie di Manish sono come

moltissime appunti in impermanenza verso una fragile

permanenza.

In un lavoro c’è una verniciatura verde: i colori si creano e si

formano attraverso molti livelli sterrati con una improvvisa

presenza imprevista di rosso intenso e vermiglio. Un colore

SEGUENDO LA LUCEAshok Vajpeyi

che getta un’ombra su di un altro colore. In un altro una

maschera appesa come forma, forse un cancello medievale

crea un teatro come se fosse in un palco medievale. Ancora

in un altro dipinto, si può vedere un uccello come roccia;

un uccello che sta per parlare o spiccare il volo e una

finestra urbana come forma di contorno. In un dipinto

delle serie si può discernere una lampada con un lungo

stoppino, una figura simile ad un prete medievale, una

porta imbullonata, una mezza nave tutto orchestrato in

una ricerca per la luce. Un ulteriore dipinto può suggerire

una piscina di pietre, una porta imbullonata, un muro e

una divisione che separa e contrasta ma alla fine aderisce

ad essi. Uno può vedere altrove una non identificabile

figura astratta con una possente presenza, velata e che

si nasconde. In un dipinto il blu è risonante, richiama il

verde con il bianco -- ci sono passi e una fluente figura

danzante e una piccola luna a lato. Si può sospettare che

siano fossili con il tempo impresso su se stessi. Un altro

lavoro fa sentire una nascosta Kali con khappars – come

forme rivestite; come forme fuggono dai confini della

forma; quanto porose sono le forme.

Manish può essere visto come lo sceneggiare il nulla ma

non il vuoto, la sola presenza come se la sceneggiatura

stesse rappresentando se stessa: lettere danzanti nella danza

ritmica – “laya” prima di sommergersi in “vilaya”. Lo

spazio supera il tempo: converte il tempo in senza tempo.

Questa arte solleva una serie di ansietà come: Ci stiamo

muovendo? Siamo fermi? Siamo in uno spazio che ci è

stato dato, o in uno spazio che abbiamo creato? Siamo su

di un sentiero incerto che illumina ma anche si oscura.

Siamo all’inizio ma anche alla fine.

La luce non ha un suo spazio: prende la forma di ciò su cui

cade. Questi dipinti ci rivelano, attraverso la lotta, viaggio,

tempo, spazio, pace, pensiero, danza e teatro delle forme

e dei colori, la sempre presente possibilità della luce. La

luce che è un’eredità naturale; luce che è così vicina e luce

di cui abbiamo bisogno e otteniamo solamente dall’arte.

Noi diveniamo seguaci della luce.

LET SO PURE A PRESENCE

NEVER CEASE

LIKE SKY THAT FADES

FROM WATER AS IT DRICE

Yves Bonnefoy

In this new series of works Manish Pushkale is passionately

and relentlessly following light. The paintings are

discovering, exploring and celebrating light. Each work

is a shrine to the god of light who remains unidentified,

nameless and almost shapeless. In each one of them light

appears, asserts its being and merges with the residence the

painting offers it so lovingly.

Over the years Manish Pushkale has been carefully

persuing a poetics of silence. A poetics of painting in

which reticence and discreetness dominate. The art does

not speak, it communes in silence. The unsayable, the

ineffable is evoked, resonated but never pushed or forced to

speak or to articulate itself. It is the expansion of this silent

poetics into new and significant luminosity that, by the

same token, tends to override the conventional dichotomy

between abstraction and figuration. Now all too often one

may suspect a figure lurking or struggling to take shape in

a blurred geography of abstraction. Manish is creating a

series of presence. They are images of themselves, inscapes

at varying levels of illumination. Of light sought for, of

light attained. They are quests for luminosity that could

possibly endure at least on the painted canvas.

Each work of art, and for that matter of music, dance

or poetry, reveals the impermance of our all too human

world; but it also evokes the longing for permanance,

howsoever, fragile. Manish’s new series is like so many

notes-in-impermanence towards a fragile permanance.

In one work there is a veneer of green: the colours create

and shape each other through many excavated layers with a

sudden unanticipated presence of crimson and vermillion.

A colour casting a shadow on another colour. In another a

hanging mask like shape, perhaps a medieval gate create a

FOLLOWING LIGHTAshok Vajpeyi

theatre as if in a medieval playset. In yet another painting,

one may see a bird like rock; a bird about to speak or fly and

an urban window like shape around. In a painting of the

series you discern a lamp with a long wick, a medieval priest

like figure, a bolted door, a half sea boat all orchestrated

in a search for light. A further painting may suggest a pool

of stones, a door, a wall and a division which separates

and contrasts but ultimately coheres them. One may see

elsewhere an unidentifiable abstract figure with a powerful

presence, draped and concealing itself. In a painting blue

is resonating, recalling green with white -- there are steps

and a dancing flowing figuration and a small moon by the

side. You may suspect fossils with time imprinted on them.

Another work you feel a hidden Kali with khappars – how

shapes encase shapes; how shapes escape from the confines

of the shapes; how porous are shapes.

Manish could be seen as scripting nothing but no void, only

presence as if scripting is playing with itself: letters dancing

in rhythmic dance – ‘laya’ before submergence, ‘vilaya’.

Space supercedes time: it converts time into timeless.

This art raises a series of anxieties as it were: Are we

moving? Are we still? Are we in a space given to us, or we

in a space we create? We are on an uncertain path which

illuminates and also darkens. We are at the beginning but

also at the end.

Light has no space of its own: it takes the shape of that

on which it falls. These paintings reveals to us, through

struggle, journey, time, space, peace, thought, dance and

theatre of shapes and colours, the ever present possibility

of light. Light that is natural inheritance; light that is so

close and light that we need and gain only from art. We

become followers of Light.

MANISH PUSHKALE

CHARACTER OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 39x39 inches - 100x100 cm

MANISH PUSHKALE

CURATION OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 39x39 inches - 100x100 cm

MANISH PUSHKALE

DANCE OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 39x39 inches - 100x100 cm

MANISH PUSHKALE

FOSSIL OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 60x48 inches - 152x122 cm

MANISH PUSHKALE

JOURNEY OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 39x39 inches - 100x100 cm

MANISH PUSHKALE

PEACE OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 48x60 inches - 122x152 cm

MANISH PUSHKALE

SCRIPT OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 60x48 inches - 152x122 cm

MANISH PUSHKALE

SKELETON OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 36x48 inches - 91x122 cm

MANISH PUSHKALE

SKIN OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 36x48 inches - 91x122 cm

MANISH PUSHKALE

SPACE OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 48x72 inches - 122x183 cm

MANISH PUSHKALE

STRENGTH OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 48x60 inches - 122x152 cm

MANISH PUSHKALE

STRUGGLE OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 36x48 inches - 91x122 cm

MANISH PUSHKALE

THEATRE OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 1 39x39 inches - 100x100 cm

MANISH PUSHKALE

THOUGHT OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 48x60 inches - 122x152 cm

MANISH PUSHKALE

TIME OF LIGHT2009 Olio su Tela / Oil on Canvas 48x78 inches - 198x122 cm

APPARATI / APPENDIX

SAYED HAIDER RAZA

1922: Born on 22 February in a village Babaria located in Narsinghpur

district of Madhya Pradesh; it had only 7 houses one of which was the

Deputy Ranger’s quarter where the parents Sayed Mohammed Razi and

Tahira Begum lived.

1927-32: Entered a primary school for education and studied with teacher

Nandlal Jharia

1932-39: Parents shifted to Damoh and Raza continued his school

education with teachers Beni Prasad Sthapak, Gouri Shankar Lahari and

Daryav Singh Rathore.

1939-43: Studied at the Nagpur School of Art with M.Y. Athwale and

Vasant Kelkar. Married to Fatima in 1942.

1943-50: Shifted to Bombay. Studied at Mohan Art Club with Mohan

Kulkarni and V R Baam of Radhakrishan Book Depot Girigaon and

joined Sir J.J.School of Art as a private student; became a regular student

in the 5th year with Shri Ahiwasi as a teacher. First ever solo exhibition

held in 1946 in the Bombay Art Society Salon.

Another solo exhibition on Kashmir held in 1948.Won the Silver Medal

in 1946 and the Gold Medal in 1948 of the Bombay Art Society.

1950-53 : Left for Paris on a French Government Scholarship and joined

École de Beaux Arts Paris studying there in 1951-53 with Edmond Heuze.

First exhibition in Paris with F N Souza and Akbar Padamsee in 1952 at

Galerie St. Placid

1955: Moved to oil painting

1956: Won the coveted French award Prix de la Critique

1959: Got married to a French painter Janine Mongillat

1962: Visited USA as a visiting lecturer and artist at the University of

California in Berkely.

1978: Visited Bhopal and Madhya Pradesh rediscovering his roots

2002: Janine Mongillat passed away Raza stays and works in Paris since 1950.

SOLO EXHIBITIONS

1947-48 Bombay Art Society, Bombay

1950 Charles Petras’ Institute of Foreign Languages, Bombay

1958, 61, 62, 64, 67, 69 Galerie Lara Vincy, Paris

1959 Jehangir Art Gallery, Bombay

1959 AIFACS Gallery, New Delhi

1959-60 Galerie Dresdnere, Montreal

1962, 68 Galerie Dresdnere, Toronto

1962 Lanyon Gallery, Palo Alto California

1962 Worth Ryder Art Gallery, Berkeley, University of California

1963 68 Dom Galerie, Cologne, Germany

1968 Tecta Galerie, Dusseldorf, Germany

1968 Gallery Chemould, Bombay

1972 Abbaye du Pommier, Anncy, Le Grenier, Roquebrune

Village, France

1974 La Palette, Trouville, France

1975 Gallerie Matuzia, San Remo, Italy

1976 Jehangir Art Gallery, Gallery Chemould, Bombay

1976 Kunstforening Galerie, Stavanger, Norway

1977 La Tete de L’Art, Grenoble, France

1978 “Utsav”, Madhya Pradesh Kala Parishad, Bhopal

1978 Jehangir Nicholson Museum, National Centre for

Performing Arts, Bombay

1979 Kunstforening Galerie, Stavanger, Norway

1980 Galleriet, Olso, Norway

1982 Galerie Loeb, Bern, Switzerland

1982 Galerie J.Y. Noblet, Grenoble, France


1985 Galerie Pierre Parat, Paris

1987 La Tete de L’Art, Grenoble


1988 Gallery Koloritten, Stavanger, Norway


1991 Galerie Eterso, Cannes: Retrospective 1952-91, France

1952, 91 Palais Carnoles, Musee de Menton, France

1992 Jehangir Nicholson Museum, NCPA, Bombay

1992 Parcours des Arts, La Louvesc, France

1994 L’Artotheque d’Entreprise, Groupe Michel Ferrier, Echirolle,

Grenoble, France

1997 Roopankar Museum of Fine Arts, Bharat Bhavan, Bhopal

1997 Jehangir Art Gallery, Bombay

1997 National Gallery of Modern Art, New Delhi

1997 Le Parcons du Regard, Oletta, Cosices, France

1997 Galleri Grewal Mohanjeet, Paris

1999 Gallery Art 54, New York

2002 Jehangir Art Gallery, Mumbai

2002 Apparao Galleries, Chennai

2002 Gallery Chemould, Mumbai

2003 The Fine Art Resource, Berlin

2004 “Japa”, Art Musings, Mumbai

2005 Tao Art Gallery, Mumbai

2005 Berkeley Square, London and Saffron Art Gallery, New York

2006 Aryan Art Gallery, Mumbai and Hong Kong

2006 Vadehra Art Gallery, New Delhi


GROUP EXHIBITIONS

1949 Progressive Artists Group, Bombay

1951 Salon de Mai, Paris

1952 Galerie Saint-Placide, Paris

1953 Galerie R. Creuze, Paris

1956 Biennale de Venice: Les Arts en France et dans la Monde

1956 Museum of Modern Art, Paris

1957 Biennale 57, Pavilon de Marsan, Paris

1957 Exhibition organised by the journal Asahi, Tokyo

1957 Transferences, Zwemmer Gallery, London

1958 Biennale de Bruges, Belgium

1958 Biennale de Sao Paulo, Brazil

1958 Trends in Contemporary Painting from India, Graham

Gallery, New York

1982 Contemporary Indian Painting, Royal Academy, London

1982 “India, Myth and Reality”, Aspects of Modern Indian Art,

Museum of Modern Art, Oxford

1983 Salon de Mai, Paris

1983 Bibliotheque Nationale, Luxembourg

1984 J.Y. Noblet, Paris

1985 “Artistes Indiens en France”, Foundation Nationale des Arts

Graphiques et Plastiques, Paris

1986 “Contemporary Indian Art”, Chester Herwitz Family

Collection, Festival of India, Grey Gallery, New York

1986 “Indian Art Today”, The Phillip’s Collection,Washington

1986 Biennale, Bharat Bhavan, Bhopal.

1987 Galerie La Tete de L’Art, Grenoble, France

1987 Biennial of Havana, Cuba

1987 “Coups de Coeur”, Halles de I’lle, Geneva, Switzerland

1987 Contemporary Indian Art, Christies’Auction for HelpAge

India, Bombay

1988 Maison de la Culture, Space Andre Malraux, Reims, France.

1988 The National Museum of Contemporary Art, Olympiad,

Seoul, Korea

1988 “Art for CRY”, Bombay, Bangalore, Calcutta, Delhi

1989 Salon de Mai, Grand Palais, Paris

1989 Artistes Indiens a Paris, Galerie Cygne, Paris

1990 L’Artotheque d’Entreprise, Groupe Michel Ferrier, Echirolle,

Grenoble, France

1990 “Realite Seconde”, Galerie Ariane, Paris

1991 “State of Art”, Paintings with Computer, Jehangir Art Gallery, Bombay

1991 Ceramics,“Faenza Anni 90”, Italy.

1992 International Biennale de Dakar, Senegal

1993 “Wounds”, Centre of International Modern Art, Calcutta.

1993 “Indian Encounter”, Nehru Centre London

1993 Souvenir d’en France, Lalit Kala Gallery, New Delhi

1994 Salon De Mai, Espace Branley, Paris

1995 “Sept Peintres Indiens Contemporains”Le Monde De L’Art, Paris

1995 Contemporary Indian Art, Sotheby’s, New York

1995 Festival D’Avignon,“Reaching for Each Other”, Avignon, France

1995 Contemporary Indian Painting, Christies, London

1995 “A Tree in my Life”,Village Gallery, New Delhi

1996 Contemporary Indian Painting, Sotheby’s, New York

1996 Harmony Show, Nehru Centre, Bombay

1996 “Les Oceans”, Metropolitaine, Lisbon

1996 “Within the Frame”,Visual Art Centre, Hong Kong

1996 “Chamatkar” The Indian Methaphor, Whiteleys Art Gallery, London

1997 The Moderns, The Progressive Artists Group, National

Gallery of Modern Art, Mumbai

1997 Souvenir d’en France, Lalit Kala Gallery, New Delhi

1997 Indian Contemporary Art, Fine Art Resource, Berlin

1997 “An Ode to Independence”, Apparao Galleries, London

1997 “Tryst with Destiny”, Gallery CIMA, NGMA, New Delhi,

Singapore Art Museum

1958 John Moore’s Exhibition,Walker Art Gallery, Liverpool

1959 Gallery ‘59, Bombay

1960 École de Paris

1960 Galerie Charpentier, Paris

1960 Modern Indian Art, Santiago, Trinidad and Mexico

1961 École de Paris 61

1961 Galerie Charpentier, Paris

1961 Galerie Semiha Huber, Zurich

1962 École de Paris 1962, Galerie Charpentier, Paris

1962 Werke der Ecole de Paris, Dom Galerie, Cologne, Germany

1962 Salon Comparaisons, Paris

1962 Commonwealth Exhibition– Commonwealth Institute London

1963 Grands et Jeunes d’Aujourd’hui, Paris

1963 Salon Comparaisons, Paris

1963 Biennale du Maroc, Rabat

1964 Biennale de Menton, France

1965 Realites Nouvelles, Paris

1965 Promesses tenues, Musee Galliera, Paris

1965 Art Now in India, Newcastle, U.K.


1966 Salon Comparaisons, Paris,

1967 Silver Jubilee Exhibition of Gallery Chemould, Bombay

1968 First Triennale, New Delhi


1968 Terres des Hommes, Festival International, Montreal

1971 Recherche et Expression, Montfermell, Art et Fer Blanc, Paris

1972 Biennale de Menton, Realites Nouvelles, Paris

1972 Salon Grands et Jeunes d’Aujourd’hui Recherche et Expression

(Ploumanach, Orly, Paris)

1972 Gallerie d’Arte Pietra, Milan

1972 Wolfgang-Gurlitt Museum, Linz, Austria

1973 Estampes Contemporaines, Musee de Menton, France

1973 Galleria Matuzia, San Remo, Italy

1973 Bibliotheque Nationale, Paris

1973 Indian Comtemporary Painters, Renwich Gallery, Washington

1973 Pacific Cultural Museum, Pasadena, California

1974 Premier Salon International d’Art Contemporain, Paris

1974 Salon Grands et Jeunes d’Aujourd’hui, Paris

1974 Lalit Kala Akademi, New Delhi 353 352

1975 Sahel Palais de L’Europe, Menton, France


1977 Peintures Indiennes, Musee de Vire, France

1977 Galleri Koloritten, Stavanger, Norway

1978 Pictorial Space, Lalit Kala Akademi, New Delhi

1978 Salon de Dessin, Paris

1978 Vieux Presbitaire, Gorbio, France

1978 L’Estampe Aujourd’hui Bibliotheque Nationale, Paris

1978 Foire Internationale d’Art Contemporain, Grand Palais, Paris

1980 6 Kunstnere, Fra Syd-Franksike, Stavanger Kunstforening, Norway

1981 Charlottenborg, Copenhagen, Denmark

Jehangir Nicholson Museum, Bombay

Musee Hors du Temps, Pierre-Feu sur Nice, France

Roopankar, Museum of Fine Arts, Bhopal

Lalit Kala Akademi, New Delhi

Centre for International Contemporary Arts, New York, USA

Chester and Davida Herwitz Family Collection,Worcester, USA

L’Artotheque d’Entreprise, Groupe Michel Ferrier, Echirolle, France

Fonds Regional d’Art Contemporain, La Reunion, France

Glenberra Art Museum Fukuoka Art Museum, Japan

AWARDS

Silver Medal by Bombay Art Society 1946

Gold Medal by Bombay Art Society 1948

Prix de la Critique, Paris 1956

Rajkeeya Samman by Government of Madhya Pradesh 1978

Padma Shri by Government of India 1981

Fellowship by Lalit Kala Akademi 1983

Kalidas Samman by Government of Madhya Pradesh

Officier de L’Ordre des Arts et des

Lettres by Government of France 2002

Dayavati Modi Award 2002

Lalit Kala Ratna Award by Lalit Kala Akademi 2004

Padma Bhushan by Government of India 2007

PUBLICATIONS

Bindu: Space and Time in Raza’s Vision (English) by Geeti Sen 1997

Media Transasia India Delhi

Raza by Ashok Vajpeyi 2002, (English) Ravi Kumar Publisher, Paris

Raza, An Introduction to his Painting (English and French), Michel

Imbert 2003, Rainbow Publishers, Noida

Atma Ka Taap (Hindi) by S H Raza and Ashok Vajpeyi 2004, Rajkamal

Prakashan, Delhi

Passion (English) by S H Raza and Ashok Vajpeyi 2004 English,

Rajkamal Prakashan, Delhi

Mandalas (French) by Olivier Germain- Thomas 2004 Albin Michel, Paris

A Life In Art: Raza by Ashok Vajpeyi 2007 English, Art Alive Gallery, Delhi

1998 “Spirit and Soul”, Indian Painting Today, Hong Kong

1998 Gegenwatskunst aw Indian, Harsh Goenka, Bayer A.G.

Leverkusen, Germany

1998 “The Search Within”Kloster Pernegg, Austria

1998 NGMA, New Delhi, Mumbai

1998 “Lindracable Frontiers”, Toulouse, France

1998 International Exhibition Lisbon, Portugal

1998 Harmony Show, Mumbai

1999 Festival of Contemporary Art “Energy”, Gallery 7, Mumbai

1999 “Timeless Vision”, Contemporary Art of India, Peabody

Essex Museum Salon Massachusetts, USA

1999 Salar de Mai, Paris

1999 “The Turning Point”, Jehangir Art Gallery, Mumbai

Apparao Galleries, Hong Kong

Apparao Galleries & Gallery Art 54, New York

2000 Fukuoka Asian Art Museum, Fukuoka, Japan

2000 Cultural Ties, Kapil Jariwala Gallery, London

2000 Smithsonian Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler

Gallery, Washington D.C

2000 “Ashta Nayak”, Tao Art Gallery, Mumbai

2001 Modern Indian Art, Saffron-Pundole Gallery, Metropolitan

Pavilion, New York

2001 Indian Contemporary Fine Art, Saffron-Apparao Gallery,

Los Angeles

2001 Symphony in White, Gallery 7, Mumbai

2002 Jane Woorhese Zimmerli Art Museum, New Jersey

2002 Jehangir Art Gallery, Mumbai

2002 Art Musings, Mumbai


2004 Aryan Art Gallery, New Delhi

2004 “Regard Sur La Peinture Indienne Contemporaine”, Vieux

Presbytère, Gorbio 355 354

2005 “Resonance”, Art Musings, Mumbai

2005 Arts India, New York

2005 “Bridges – Exploring New Paradigms”, Art Alive Gallery,

New Delhi

2006 “Roop Adhyatma”, Palette Art Gallery, New Delhi

2006 “Roop Adhyatma”, Bodhi Arts, Singapore

COLLECTIONS

Musee National d’Art Moderne, Paris, France

Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris, France

Musee de Grenoble, France

Baroda Museum, India

Tata Institute of Fundamental Research, Bombay

Central Museum, Nagpur Musee Ein-Arod, Israel

Asia Society, New York, USA

Musee de Menton, Bibliotheque Nationale, Paris, France

National Gallery of Modern Art, New Delhi

Born 1973

SOLO SHOWS

1994-95 M.P. Kala Parishad Bhopal.

1997 Aurodhan, Bank of America, New Delhi.

2002 Pundole Art Gallery, Mumbai.

2003 Maison Des Sciences De l’Hommes, Paris.

2004 Gallery Espace, New Delhi.

2004-05 Travelling solo show at all Alliance Francaise

in India, organized by French Embassy in India.

(All works have been done during Artist-in-Residence in

France in 2003)

2005 Gallery 88, Kolkata.

2006 Galerie Edition Caracters, Paris.

2006 Bodhi Art, New Delhi.

2007 Bodhi Art, Mumbai.

2009 Aicon Gallery, Palo Alto.

2009 Bugno Art Gallery, Venice

TWO MAN SHOWS

2003 With S.H. Raza, The Guild Art Gallery, Mumbai.

2004 With S. Harshwardhana, Bodhi Art, Singapore.

2005 With Abie Kimmare Loy, Gadfly Gallery, Perth.

2005 With Akhilesh, Gallery Mueller and Plate, Munich.

2009 With Julia Iegelmaier, Gallery Mueller and Plate.

SELECTED GROUP SHOWS

1996-98 Kanagawa International Print Biennale, Japan.

1996-98 “48th National Exhibition of Art”, New Delhi.

1999 “Art from Land of Heart”, Art Indus, New Delhi.

2000 “Anadi”, Chitrakala Parishad, Bangalore.

2000 “Anadi”, Lalit Kala Akademi, New Delhi.

2000 “Rooprekha”, Lakshana Gallery, Hyderabad.

2001 “Anadi” National Gallery of Modern Art, Mumbai.

2001 “Anadi” Birla Academy of Art, Kolkata.

2001 Central Zone Show, Tao Gallery, Mumbai.

2002 “Ishara”, Art Today, New Delhi.

2002 “Harmony Show“, Reliance Industries, Mumbai.

2002 “Argosy”, curated by Renu Modi, Dubai, UAE.

2003 “Seven”, Tao Gallery, Mumbai.

2003 “Seven”, Visual Art Gallery, New Delhi.

2003 “Seven”, Time and Space gallery, Bangalore.

2003 “Seven”, Apparao Galleries, Chennai.

2004 “Young Contemporary Artists”, curated by Mala Aneja,

Art Motif, New Delhi.

2004 “Roop Adhyatma”, Presbitare, Gorbio, France.

2004 “Shiva”, Tao Gallery, Mumbai.

2004 Gallery 27, curated by Dr. Alka Pande, Oslo, Norway.

2004 ”Shadang”, Gallery Ganesha, Delhi.

2005 “Sacred Space”, curated by Harsh Goenka,

Jehangir Art Gallery, Mumbai.

MANISH PUSHKALE

2005 “Roop Adhyatma”, Gallery Tao, Mumbai.

2005 “Towards Abstraction”, Gallery Threshold and Bodhi Art,

curated by Marta Jakimowikz, New Delhi.

2005 Gallery Sumukha, Hong Kong.

2005 ”Bharat”, Tate Britain, London, Presented by Tao Gallery,

Mumbai.

2005 “Confluence 2005”, Arts India, Palo Alto.

2005 “Roop Adhyatma”, Art Alive Gallery, New Delhi.

2005 Gallery AIR, London, presented by Sumukha Gallery.

2005 ”Resonance, 50 years of Independence”, curated by

KT Ravindran, Lalit Kala Akademi, New Delhi.

2005 “Indian Contemporary Art”, Saffron Art, Mumbai.

2005 “Indian Paintings of New Millenium”, curated by

Dr. Helen Fazio. Walsh Art Gallery, Chicago.

2005 “Indian Paintings of New Millenium,” Mason Gross

Galleries, Rutgers University, New Brunswick.

2005 “Annual Show”, Pallette Art Gallery, curated by Rohit

Gandhi, New Delhi.

2006 “Roop Adhyatma”, Pallette art, New Delhi.

2006 “Roop Adhyatma”, Bodhi Art, Singapore.

2006 “Indian Art”, Berkeley Square Gallery, London,

presented by Art Mill.

2006 Chelsea College of Art, London.

2006 “Aqua-Aubergina-Slate”, Gallery Espace, New Delhi.

2006 “Spandan”, Yash Birla Group, Mumbai.

2006 “Canvas for India”, curated by Aman Nath for Khushi.

2006 Saffron Art, Mumbai.

2006 Saffron Art, New York.

2006 “Harvest”, Arushi Arts, New Delhi.

2007 “Swasti-Roop”, Art Alive, New Delhi.

2007 “Paper”, Gallery Threshold, New Delhi.

2007 “Indian Images”, Gallery Art Pilgrim, London.

2007 “SAARC Artist Show”, presented by Sahar, Lalit Kala Akademi,

New Delhi.

2007 Triveda, New Delhi.

2007 “Annual Show”, Pallette Art Gallery, New Delhi.

2007 Dubai Art Festival,UAE.

2007 “Hirers Show”, Hong Kong Visual Art Museum, Hong Kong.

2008 “Reliance Artist in Residency Show”, DAKC, Mumbai.

2008 Art Positive Annual Show, curated by Sushma Behl.

2008 Bid and Hammer Auction Show, Bangalore.

2008 Triveda Auction Show, Delhi

2008 Asta Guru Auction Show, Mumbai.

2008 Saffron Auction Show, Mumbai.

2008 Art Curial Auction Show, Paris, France.

2008 India on Canvas, Khushi Auction Show, New Delhi

2008 Mueller and Plate Gallery, Munich.

2008 “Bentley Show”, Polka Art, New Delhi.

2008 “Tehelka Show”, Aicon Gallery, London.

2008 “Middle Edge”, Aicon Gallery, Palo Alto.

2008 Gallery Threshold, New Delhi.

2008 Raza-Mongillat Foundation Show, Gorbio, France.

2008 Shanghai Art Fair, presented by Sanskriti Gallery.

2008 Emami Chisel Auction Show, Kolkata.

2008 Miami Basel Art Fair, presented by Galerie Helen

Lamarque, Paris and Miami.

AWARDS AND RESIDENCY

1997 AIFACS Award.

2000 Junior Research Fellowship, Government of India.

2003 Raza Foundation Award.

2004 Artist-in-residence, France.

2008 Artist-In-residence, Harmony Foundation, Mumbai.

2008 Artist-In-residence, Bergini Foundation, Italy.

OTHERS

2002 Worked with Rajiv Sethi, for Silk Route,

Smithsonian Festival, Washington.

2002 Executed a mural of 7’x28’ at the Office of Foreign

Secretary, Ministry of External Affairs, New Delhi.

Also involved in writing on art in many journals and magazines.

Member of Garhi Studios Selection Committee, Lalit Kala Akademi, Delhi.

Secretary of EKATRA, foundation of arts and culture established by

SH Raza.

Massimiliano Bugno

Diego, Giselda, Ginevra Strazzer

Piergiorgio & Pilar Begali

Giuseppe Morra

Enrico Navarra

Preethi Krishna et Ram Sundaram

Shireen, Priya et Priti Paul

Chandru Ramchandrani, Peter Louis

Ruhoobar Devina

Angela Tecce

Magda Baltojani

Philippe Daverio

Primo Marella

Jonathan Zebina

Dante Vecchiato

Massimo& Gemma Taranto

Florence & Daniel Guerlain

Alessandra Benedicty

Laurent Max

K. Yoshii

Ashish Saraf

Marie-Hélène de Taillac

Kamana Saxena

Nicola Spinosa

RINGRAZIAMENTI / ACKNOWLEDGEMENTS

sayed heider raza, manish pushkale - shanti, a scream for peace

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