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PINTORES
Juan Luis García LópezMagisterio Educación Primaria T2
Alessandro MaganzaAlessandro Maganza (vicenca, 1556 - Vicenza, 1630), pintor italiano del
Renacimiento tardío, cercano a la corriente contramanierista.Hijo de Giambattista Maganza, es el miembro más conocido de una familia de pintores originaria de Vicenza. Recibió su primera formación en el taller paterno y posteriormente, en el de Giovanni Antonio Fasolo, socio y seguidor de Paolo Veronese. Tras la muerte de Fasolo en 1572, parece que Alessandro se instaló en Venecia, al menos durante cuatro años. Sus trabajos primerizos parecen revelar un buen conocimiento de la obra de los principales pintores venecianos de la época: Tintoretto, Palma el Joven y Veronese. Ya se vislumbra una cierta severidad en las figuras, acordes con la ideología contrarreformista, a la que Maganza sería fiel durante toda su carrera. Esta sensación de austeridad se ve parcialmente compensada por un uso audaz del color, con especial énfasis en los rojos y azules. Maganza será, a su manera, uno de los principales ejemplos de artista contramanierista.
La serie con Escenas de la Pasión realizada para la Capilla del Sacramento de la Catedral de Vicenza recuerdan el estilo de Tintoretto y Jacopo Bassano, ejecutadas en un estilo robusto y dinámico. Su trabajo en la Capilla del Rosario en la Santa Corona de Vicenza es otro de los puntos álgidos de su carrera.
Maganza fue el encargado de realizar los frescos decorativos de la Villa Rotonda de Andrea Palladio, con figuras alegóricas, que recuerdan al estilo de Veronese. Obra suya son también diversos lienzos destinados a la decoración de la misma edificación.
Cuatro de sus hijos continuaron con la profesión paterna: Giambattista el Joven (1577-1617), Marcantonio (1578-1630), Girolamo (1586-1630) y Vincenzo (nacido hacia 1590). Sólo el mayor tendrá una personalidad artística propia. Su arte se caracterizará por una rica paleta de colores y un gusto por los detalles decorativos. En la iglesia de San Pietro de Vicenza se conserva un Martirio de Santa Justina de su mano.
Además de sus hijos, entre los alumnos de Alessandro figuraron artistas como Francesco Maffei.
Presentación en el Templo
Jesus En El Templo Angel de la Anunciación, Musee des Beaux-Arts, Chambéry.
Leonardo da Vinci
Nació en Vinci (Toscana) cerca de Florencia, el 15 de Abril de 1452.
Fué un famoso pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico, además realizó numerosas investigaciones científicas en anatomía, óptica e hidraúlica anticipandose a muchos de los avances de la ciencia moderna. Sus teorías se basan en una precisa observación y documentación.
Dejó gran parte de su producción pictórica inacabada, fué un artista extremadamente innovador e influyente, su etilo en un comienzo es similar al de su maestro Verrocchio para ir evolucionando, mas tarde, hacia un estilo mas libre. Practicó las técnicas del sfumato y del claroscuro.
En 1516 se trasladó a Francia, a la corte de Francisco I, al castillo de Cloux, cerca de Amboise, donde murió el 2 de mayo de 1519.
Batalla de Anghiari
El bautismo de cristo
Leda
Pablo Ruíz Picasso
Picasso nació en Málaga en 1881. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, sorprendiendo a sus profesores por su rapidez e intuición: un desnudo masculino, realizado en un solo día, cuando disponía de todo un mes, le abrió las puertas. Se trasladó a Madrid, para ingresar en San Fernando, pero se escapa a Toledo para admirar y saborear a El Greco, recién descubierto. En abril de 1899 vuelve a Barcelona y se confronta a la vanguardia modernista.
La obra de Picasso fue evolucionando en el tiempo permitiendo clasificarla en periodo azul, periodo rosa y cubismo analítico y sintético. Muchos de sus últimos cuadros estan basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Velázquez, Courbet, Delacroix y Manet.
A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo.
Falleció en 1973.
Bacanal
Canasta de frutas
La alegria de vivir
Sandro BotticelliFue un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años
después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médicis, fue considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.
No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento. Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano Antonio (en 1458). Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó al taller de Fray Filippo Lippi, en Prato (de 1464 a 1467). De este pintor recibe Botticelli sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del Gótico tardío) y un estilo íntimo. Muchas de las primeras obras de Botticelli se han atribuido a su maestro, y aún hoy la autoría sigue siendo incierta. Curiosamente, años después, Botticelli acabaría siendo maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo, Filippino Lippi. En menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467 Sandro vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta época datan toda una serie de Madonas influidas por Lippi.
La primavera (1481-82)
El Nacimiento de Venus, 1484
"Los seis gigantes desnudos en torno al pozo"
Hans Holbein el Joven Artista alemán; uno de los maestros del retrato en el renacimiento y diseñador de
xilografías, vidrieras y piezas de joyería.
Nació en Augsburgo y desde muy pequeño estudió pintura con su padre, Hans Holbein el Viejo, reconocido artista dentro de la tradición flamenca, notable por sus retratos. Junto con su hermano mayor Ambrosius, trabajó primero en el taller de su padre y posteriormente en el del hermano de éste, Sigmund Holbein.
Hacia 1515 Holbein el Joven y su hermano se instalaron en Basilea, Suiza, entrando en el taller del pintor Hans Herbst. Allí trabajó como ilustrador de libros, realizando xilografías para las portadas de varias obras y una serie de bocetos en tinta para el Elogio de la locura de Erasmo de Rotterdam.
En 1518, durante un viaje a Italia, descubrió las obras de los pintores del Renacimiento italiano Andrea Mantegna y Leonardo da Vinci. El impacto de estos y otros artistas sobre la obra de Holbein puede observarse en el modelado y la composición renacentistas de uno de sus primeros retratos, Erasmo de Rotterdam (1523, Museo del Louvre), en su famoso Cristo muerto, en La Pasión (ambos en el Kunstmuseum Basel de Basilea) y en el retablo de La Virgen del burgomaestre Meyer (Palacio del Gran Duque de Darmstadt, Alemania), todos ellos realizados entre 1519 y 1526.
En dichas obras se aprecia una soltura en el dibujo y una riqueza cromática características de las obras de los maestros del norte de Italia. En sus obras religiosas, Holbein unió esta riqueza de detalles y colores con la dignidad y la severidad en la caracterización propias de temas religiosos. En 1519 se casó con Elsbeth Binzenstock. En ese mismo año pintó el retrato de Bonifatius Amerbach, humanista y amigo del pintor. En 1520 recibió el derecho de ciudadanía, y al año siguiente obtuvo el encargo de decorar la nueva sala municipal de Basilea.
Erasmo de Rotterdam
El Cristo muerto
La Muerte y el vendedor ambulante, de la Danza de la
Muerte (1538)
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599 -1660)
Nació en Sevilla, España. Pintor naturalista del período Barroco, dedicado a los retratos, paisajes, escenas de la vida diaria, cuadros religiosos y mitológicos. A sus 21 años Velázquez ya es un artista bien reconocido en su ciudad. Como referente para alcanzar el estilo y técnica deslumbrante que lo caracterizan, estudió pintando réplicas de cuadros de El Greco, adoptando el alto contraste entre luz y sombra empleada por este último, característica que mantiene a lo largo de su carrera. Conoció de cerca a Rubens y compartió con él por varios meses en Madrid. Luego cuando visitó Italia a sus 29 años, realizó réplicas de El Tintoretto en Venecia y posteriormente en Roma lo hizo con obras de Rafael y Miguel Ángel.
En España fue pintor de la corte del rey Felipe IV, del cual pintó muchos retratos, cosa que también hizo con otros miembros de la familia real.
El naturalismo de Velázquez es único. Su coloración a veces platinada, otras diamantinas, nos ofrece una apariencia fotográfica difícil de imitar. Sin duda la maestría de Velázquez influenció notoriamente a varias generaciones de pintores tanto españoles como extranjeros.
Cocinando Huevos
La Virgen de Las rocas
Las Meninas
Fra Angelico Beato Angélico O.P. más conocido como Fra Angélico O.P. o Fray Juan de
Fiésole O.P (Vicchio di Mugello (Florencia) 24 de junio de 1390 c. – Roma 18 de febrero de 1455), pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el "Beato Fra Angélico".
Su nombre secular era Guido di Pietro da Mugello y nació en Vicchio (región de Toscana). En 1418 ingresó en un convento dominico en Fiésole y alrededor de 1425 se convirtió en fraile de la orden con el nombre de Giovanni da Fiesole. Aunque se desconoce quién fue su maestro, se cree que comenzó su carrera artística como iluminador de misales y otros libros religiosos. Después empezó a pintar retablos y tablas.
Entre las obras importantes de sus comienzos se cuentan la Madonna de la estrella (c. 1428-1433, San Marcos, Florencia) y Cristo en la gloria rodeado de santos y de ángeles (National Gallery, Londres), donde aparecen pintadas más de 250 figuras diferentes. También a ese periodo pertenecen dos obras tituladas La coronación de la Virgen (San Marcos y Museo del Louvre, París) y El juicio universal (San Marcos). La madurez de su estilo se aprecia por primera vez en la Madonna dei Linaioli (1433, San Marcos), en donde pinta una serie de doce ángeles tocando instrumentos musicales.
En 1436, los dominicos de Fiésole se trasladaron al convento de San Marcos de Florencia que acababa de ser reconstruido por Michelozzo. Fra Angélico, sirviéndose a veces de ayudantes, pintó numerosos frescos en el claustro, la sala capitular y las entradas a las veinte celdas de los frailes de los corredores superiores. Los más impresionantes son La crucifixión, Cristo peregrino y La transfiguración. El retablo que hizo para San Marcos (c. 1439) es una de las primeras representaciones de lo que se conoce como sacra conversación: la Virgen acompañada de ángeles y santos que parecen compartir un espacio común. Allí pintó una Anunciación.
La Anunciación (Museo del Prado de Madrid).
Fresco de las celdas de San Marcos
La Virgen de la Humildad
Alberto DureroEs el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus
pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.
Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad en la que estuvo íntimamente unido. Su padre, Alberto Durero el Viejo, era un orfebre húngaro que emigró a tierras germanas y posteriormente fue el primer maestro de su hijo. De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden.
El concepto empírico del mundo de la gente del norte (fundamentado más en la observación que en la teoría) era el nexo común. Durante el siglo XVI, el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas de los humanistas italianos por el norte de Europa infundieron nuevas ideas artísticas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora.
Para los artistas alemanes resultaba difícil conciliar su imaginería medieval -representada con ricas texturas, colores brillantes y figuras con gran lujo de detalle- con el énfasis que los artistas italianos ponían en la antigüedad clásica, los temas mitológicos y las figuras idealizadas. La tarea que Durero se planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano.
En su abundante correspondencia -especialmente en las cartas al humanista Willibald Pirckheimer, amigo suyo toda la vida- y en diversas publicaciones, Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran la clave para el entendimiento del arte renacentista italiano y, a través de él, del arte clásico.
Fiesta del rosario (1506)
Retrato de Jacobo
Anciana con monedero (1507)
Joan MiroNació en el 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas
Artes, para mas tarde estudiar en la academia de Francesc Galí, pedagogo eminente.
En 1919 viaja por primera vez a París. Conoce a Picasso, concluye su Autorretrato que regala al amigo. Ya instalado en la capital del Sena y de la revolución artística, libera su mundo interior conquistando una nueva heterodoxia expresiva gracias al frecuente contacto con lo más granado de la vanguardia del momento. En 1930 expone en París sus papiers collés que, pocos meses después, le valen la realización de decorados y figurines para los ballets de Montecarlo. Sus obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX.
El estilo de Miró fue madurando bajo la influencia de los pintores y poetas surrealistas. Miró parte de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. La composición de sus obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas.
Miró también experimentó con otros medios artísticos, pero las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales. Falleció en el 1983.
Amanecer
El huerto
La esposa del granjero
Salvador Dalí
Pintor y escultor, es uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Formado en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, es expulsado por indisciplina.
En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes.
La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.
El lago de Vilabeltrán
Huerto de Cadaqués
Los tres pinos
VICENT VAN GOGH
Es el artista del Siglo XIX que mayor entusiasmo provoca en nuestra sociedad. Fue un prodigio de potencia y fertilidad creadora. En Los comedores de patatas, cultiva una temática social, a base de tonos oscuros y grises. Su estilo se define por el color como gran motor de la emoción. Pinta entonces noches estrelladas, campos de trigales, olivos, cipreses, almendros, girasoles y lirios. Además representa escenas de interior, entre las que no falta su propia habitación, y culmina su obra con una serie de 43 autorretratos, en los que ensayaba pigmentos y técnicas tomando como referencia su rostro, cada vez más degradado.
En los comedores de patatas
Noche estrellada
Van Gogh
GoyaFue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el
grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.
Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.
Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.
Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.
Triple generacion
Nacimiento de la virgen
Aníbal vencedor
José Gordillo Sánchez Fue un hombre polifacético: fotógrafo, pintor, dorador y hombre de mil oficios para
salir adelante en los duros años que le tocó vivir.José Gordillo Sánchez nació un 5 de octubre de 1888 en Fuente del Maestre
(Badajoz) y murió el 10 de julio de 1972, con 83 años. Era hijo de Juan Gordillo Zambrano y Antonia Sánchez Díaz, y hacía el número décimo de doce hermanos. Tras sus estudios primarios, a los 12 años, aprendió el oficio de carpintero ebanista y después el de pintor decorador.
Su producción artística estuvo frenada por distintos avatares. Se casó con Rosario Córdoba, una hermosa mujer que procedía de Montilla (Córdoba), de donde vino con su padre cuando este fue destinado al pueblo como maestro. Tuvieron ocho hijos, de los cuales murieron dos debido a la gripe epidémica de 1918. Diez años más tarde, con sólo 33 años, fallecería su amada esposa a la que no reemplazaría en toda su vida. Sin estar recuperado de estas pérdidas, la guerra civil le arrebató a su primogénito, Pepín, (al que plasmó en varios de sus cuadros, como en el lienzo titulado “Conquistando a la abuela”) al que profesaba gran cariño. Todas estas pérdidas causaron gran conmoción en su vida y un gran eclipse en su quehacer artístico.
Se trataba de un hombre que, conocedor de su valía, nunca se vanaglorió de ello, humilde, cariñoso, modesto, religioso. Se sentía atraído por los rincones místicos de iglesias y capillas y los pintaba con gusto. Sus hijos y nietos lo definen como un hombre empático, con capacidad de escuchar los problemas de la gente, muy generoso y muy familiar. Fueron muchas las obras que donó, y como muestra tenemos en la Iglesia de los Franciscanos el lienzo del milagro de S. Diego de Alcalá. No era sólo un pintor sino un artista polifacético que tocó todas las ramas del arte.
Las aguadoras
Fruteria
Conquistando a la abuela
Orazio Samacchini Orazio Samacchini (Bolonia, 20 de diciembre de 1532 - Bolonia, 12 de
junio de 1577), pintor italiano del Renacimiento tardío, perteneniente a la corriente manierista.
Alumno de Pellegrino Tibaldi y amigo de juventud de Lorenzo Sabatini, su obra temprana refleja el influjo del clasicismo de Rafael tamizado a través de la versión que de éste hicieron artistas de la Escuela Boloñesa como Bartolomeo Bagnacavallo, Innocenzo da Imola o Prospero Fontana. Simplicidad en las formas, colores nítidos y pureza de líneas son las características de la primera época de Samacchini. También es perceptible la influencia de los maestros flamencos de comienzos del siglo XVI.
En 1563 Orazio participó en las decoraciones del Belvedere y la Sala Regia en el Vaticano. Esta experiencia supuso en su estilo una mayor complejidad en las composiciones pobladas de vigorosas figuras. Su conocimiento de la obra de Miguel Ángel se puede observar en sus obras posteriores, como los frescos de la Catedral de Parma (1570-1577).
Artista abierto a las corrientes que se imponían en el panorama pictórico de su época, puede detectarse la huella de la escuela parmesana liderada por el Parmigianino en sus frescos en San Abbondio de Cremona, así como la del arte de Federico Zuccari en los que realizó para el Palazzo Vitelli en Città del Castello (1574). En sus últimas obras se percibe el influjo de Vasari y del manierismo más ortodoxo.
Alumno de Samacchini fue el pintor Giovanni Battista Tinti, aunque su influencia es notable en artistas como Cesare Aretusi o Ercole Procaccini.
Alegoría de la Sabiduría
El emperador Otón I reintegra los Estados de la
Iglesia al papa Agapito II, Sala Regia, Vaticano
Coronación de la Virgen con santos
Girolamo Genga Gerolamo Genga (Urbino, 1476- La Valle, cerca de Urbino, 11 de julio de 1551),
pintor, escultor, músico y arquitecto italiano, uno de los más típicos representantes del movimiento manierista en la Umbría.
Nacido cerca de Urbino, de acuerdo con su biografía en las Vite de Vasari, a la edad de trece años marchó a Orvieto para trabajar como aprendiz del pintor Luca Signorelli. Posteriormente ingresó en el taller del Perugino, por la misma época que Rafael.
Como artista independiente trabajó en Florencia y Siena, donde decoró el Palazzo Petrucci (hacia 1508), junto a Timoteo della Vite. También realizó diversos encargos para Pandolfo Petrucci, el gobernante local.
De vuelta a Urbino, fue empleado por el duque Guidobaldo da Montefeltro en la decoración de su palacio, y mostró una excepcional aptitud para las escenografías teatrales. A la muerte de su señor, se encargó de las ornamentaciones para el funeral de duque.
Genga marchó a Roma para pintar en la iglesia de Santa Catalina da Siena una de sus obras maestras, la Resurrección.
Francesco Maria I della Rovere, el nuevo duque de Urbino, le llamó a su lado con motivo de los festejos de su boda con Eleonora Gonzaga, para los cuales realizó diversos trabajos (1522). Sin embargo, Francesco Maria fue expulsado de sus dominios por el papa León X. Genga le siguió a Mantua y Pesaro.
Con el retorno del duque y de su esposa del exilio, fue nombrado arquitecto oficial de la corte de Urbino, siéndole confiada las reformas de la villa imperial de Pésaro, supervisando la decoración de ocho de las estancias. En esta labor participaron los hermanos Dosso Doss, Battista Dossi, Bronzino y Francesco Menzocchi. Se encargó así mismo de diseñar el nuevo ala del palacio, formado por un cuerpo cuadrangular, con logias en las esquinas y en su parte interior formado por una estructura ovalada.
Huída de Eneas de Troya
Rescate de prisioneros romanos de Aníbal
Anunciación del tríptico de San Agostino
Miguel AngelMichelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni1 (Caprese, 6 de marzo de 1475 –
Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena.nSu madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano, pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».
Retrato de Vittoria Colonna
El rapto de Ganímedes
Liber chronicarum (1493 )
Gustave Courbet Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el Doubs francés, cuyo paisaje refleja en sus cuadros.
Estudió en Besançon y luego en París (1840). Sus padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a París se volcó en el arte.
Viajó a Holanda (1846) y Alemania (1853). Como él, sus amistades eran contrarias al academicismo artístico y literario; entre ellas se cuenta a Baudelaire, Corot y Daumier. A partir de la revolución de 1848, Courbet fue etiquetado de «revolucionario peligroso».
En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual ubicada en las proximidades del campo de Marte, a la que bautizó con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor, en el que retrataba a todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida.
Tuvo fama de arrogante y efectista; afirmaba que «si dejo de escandalizar, dejo de existir». Algunos le achacaban que provocaba escándalos sólo para entretener a las clases biempensantes y que, en realidad, su arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal. Sin embargo, otras voces como Delacroix lamentaban que Courbet malgastaba su habilidad, al elegir temas sin un contenido elevado y no «cribar» de ellos muchos detalles «innecesarios».
A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de Honor, pero la rechazó. Afirmaba que quería morir «como hombre libre, sin depender de ningún poder ni religión», si bien accedió a participar en el breve gobierno de la Comuna de París de 1871. De él, el filósofo Proudhon, «padre» del anarquismo, quiso hacer un pintor proletario. Creía que el arte podría subsanar las contradicciones sociales.
Durante la Comuna se le encargó la administración de los museos de París. Tras caer dicho gobierno, el gobierno posterior le responsabilizó de la destrucción de la columna Vendôme dedicada a Napoleón Bonaparte. Un consejo de guerra lo condenó a seis meses de prisión y a pagar 300.000 francos. Al salir de la cárcel escapó a Suiza (1873) para evitar que el Estado le obligara a pagar la multa; era tan alta que debía ser liquidada a lo largo de 30 años.
Murió en La Tour du Peilz, localidad próxima a Vevey, víctima de una cirrosis producida por su consumo abusivo de alcohol
Autorretrato (1849).
El estudio, detalle, 1855
Entierro en Ornans, 1850
Paolo CaliariPaolo Caliari o Paolo Cagliari (Verona, 1528 - Venecia, 1588), conocido como el
Veronés, fue un pintor italiano, es el gran decorador del manierismo veneciano Hijo de un picapedrero, nació en Verona, donde se formó como pintor y ciudad de la
que toma su apelativo. En 1556 se estableció definitivamente en Venecia, donde desarrolló su arte, siendo una de las figuras destacadas de la escuela veneciana. Desde 1541 fue discípulo y ayudante del veronés Antonio Badile, con cuya hija Elena contrajo matrimonio.
En 1555 o 1556 recibe en Venecia su primer encargo representativo: la decoración de la sacristía y los techos de la iglesia de San Sebastián. Allí crea un ciclo de pinturas con perspectiva "sotto in sù".
En 1560 viaja a Roma para estudiar los techos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, cuya influencia se deja notar en las obras posteriores, como los frescos de la Villa Barbaro, en Máser (principios de la década de 1560). Esta colaboración entre Veronés y Palladio influyó en las arquitecturas que se representan en sus cuadros posteriores.
A principios de los años 1570, la familia Cuccina le encargó una serie de cuadros de gran formato sobre tema bíblico: La Virgen y la familia Cuccina, Adoración de los Reyes, Las bodas de Caná y Camino del Calvario, en los que Veronés representa un estilo renovado, profundizando en el color e incrementándose el claroscuro. Los cuatro se encuentran en la Galería de Dresde y no ha de confundirse estas Las bodas de Caná con la versión anterior que del mismo tema se guarda en el Museo del Louvre.
En 1573 fue llevado ante el tribunal de la Inquisición, al entenderse que pintaba los temas religiosos con una excesiva libertad que rozaba la irreverencia. Veronés argumentó que añadía personajes, animales y otros elementos por exigencias creativas.
Las bodas de Caná, 1563
Noli me tangere, Museo de Grenoble
Marte y Venus unidos por el Amor, 1565
Pedro Berruguete Pedro Berruguete (Paredes de Nava, Palencia ~1450 - 1503) fue un pintor renacentista español,
haciendo la transición desde el estilo gótico internacional.
Tras su formación, probablemente con Fernando Gallego en Salamanca, viajó muy joven a Italia, donde trabajó bajo el mecenazgo del duque de Urbino Federico de Montefeltro, lo que le permitió conocer a los principales artistas del Quattrocento, como Melozzo da Forlì. Berruguete aprendió en Italia importantes técnicas como el dominio del espacio, anatomía, composición, variedad y naturalidad en los gestos, además de los elementos característicos arquitectónicos y decorativos propios del Renacimiento. Regresó a Castilla hacia 1483 y a partir de ese momento sus obras presentan ya estas características, algo que se echa en falta en sus primeras obras, de carácter hispano-flamenco. Su vasta obra será por tanto una síntesis del arte italiano, el flamenco (aprendido de su maestro burgalés) y el puramente castellano.
Pedro Berruguete era un pintor castellano y su mayor aportación consistió en la introducción del Renacimiento italiano en Castilla. Su aprendizaje artístico lo inició en un ambiente flamenco con Joos van Wassenhove (Justo de Gante) antes de 1487. Puede que viajara a Italia para trabajar en el Palacio Ducal de Urbino, que pertenecía al duque de Montefeltro. Allí hace una serie de retratos como, por ejemplo, el de Sixto IV que se encuentra en París, en el Museo del Louvre. También pinta el retrato de Federico de Montefeltro con su hijo Guidobaldo (Urbino, Palacio Ducal). Después de su estancia italiana, Berruguete regresó a Castilla, donde realizó una serie de temas religiosos. Aparece documentado en Toledo en 1483, lugar en el que decora los muros de la capilla del Sagrario de la Catedral. Vuelve a su población natal y ejecuta el retablo de Santa Ana y la Virgen (1485-1488). En esta fecha vuelve a Toledo y, tras un periodo de silencio documental, trabaja de nuevo en dicha ciudad en 1494. Recibió un encargo del inquisidor Tomás de Torquemada, realizando el retablo mayor del convento de Santo Tomás de Ávila. Destaca de este retablo la pintura Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán que se encuentra en el Museo del Prado. Su última etapa transcurre en Paredes de Nava donde pinta obras como el parcialmente desaparecido retablo de Guaza de 1501. En su pintura destaca la influencia del Renacimiento italiano, en el hecho de querer enmarcar las figuras y las acciones en el espacio, mediante la utilización de la luz y la perspectiva. Cuando vuelve a Castilla, pierde el interés por el detalle y sus figuras se vuelven más sobrias.
Presunto autorretrato de Berruguete
Rey David, en la Iglesia de Santa Eulalia de Paredes de Nava
Madonna de los Reyes Católicos
Bartolomé Bermejo Bartolomé Bermejo, llamado también Bartolomé de Cárdenas (Córdoba,
hacia 1440 – Barcelona, hacia 1498). Fue un pintor español, activo a finales del siglo XV
Bartolomé Bermejo es considerado como uno de los más importantes artistas góticos españoles. A pesar de ello, no se conocen muchos datos de su vida. Se sabe que nació en Córdoba. Por su estilo, se supone que estudió en Flandes.
Trabajó principalmente en los territorios de la Corona de Aragón. Colaboró con Martín Bernat y Miguel Ximénez, a los que se considera sus continuadores. Se piensa que pudo estar en Valencia, después se documenta su actividad como pintor en Zaragoza (1474-1477), Barcelona (1486-1495) y después, es posible que pasara a Castilla, por encargo de Isabel la Católica.
Ignorado por la historiografía del arte durante siglos, el descubrimiento de este pintor se remonta a principios del siglo XX. Hoy en día, Bermejo es uno de los más conocidos pintores españoles.
Santo Domingo de Silos, Museo del Prado
San Sebastián del retablo de la Virgen de Montserrat
Detalle de Santo Domingo de Silos
ESCULTORES
Auguste Rodin François-Auguste-René Rodin nació en París el año 1840. Educado en la Escuela de
Artes Decorativas de París, un ámbito no sólo ajeno al de las bellas artes, sino además menospreciado por éstas, Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatomía que en más de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de París. Célebre fue el escándalo en torno a su escultura La edad de bronce (1875), de la cual se dijo que, debido a su perfección, los moldes habían sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no de una arcilla hecha por el artista, como se debe hacer en el método del vaciado en Bronce: tal acusación era deshonrosa para cualquier escultor y Rodin, contando con la ayuda de amistades influyentes como el pintor y escultor impresionista Edgar Degas, logró salir de la disputa no sólo victorioso, sino que además con una fama que lo puso inmediatamente entre los artistas más importantes de París.
Con posterioridad a este escándalo, su escultura se dividió en dos líneas distintas: la primera, a la cual denominó "alimentaria", era la escultura decorativa de la cual vivía y, como su nombre indica, se alimentaba a sí mismo y a sus amantes, entre las cuales se contó su amiga y ayudante la escultora Camille Claudel; la segunda, más popular y transgresora, es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental.
Pertenecientes a esta última línea de trabajo, podemos encontrar sus monumentos y encargos más importantes, tales como Los burgueses de Calais (1884) y el célebre Monumento a Balzac (1897), famoso debido a la revolución de la escultura en el espacio público generada por su elaboración. Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo. Es por esto que, en una mirada anatómicamente estricta, podría decirse que las figuras que construye carecen de una lógica en cuanto a las proporciones, pues las proporciones son dadas por las exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas biológicas. Rodin había estudiado la anatomía no para ser dominado por ella, sino para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.
El pensador
Los Burgueses de Calais
Una de las escenas de El beso ideadas por Rodin
Donatello Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació en
Florencia, probablemente en 1386. Su padre era de vida tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi, un levantamiento popular del año 1378, organizado por los cardadores de lana. Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde (1520-1525), dentro de su Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó en otras acciones en contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte y después indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante y delicado, por sus amigos y demás artistas era conocido bajo el nombre de Donatello.
Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la fortuna, sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder trabajar.
Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el ataúd se encontraba Andrea della Robbia. El cenotafio de Donatello fue realizado en 1896 por el escultor Raffaello Romanelli.
A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el alquiler de su casa y esto ha dado lugar a debatir sobre su estado real de pobreza, pero la cuestión parece más bien relacionada con su total indiferencia en los asuntos financieros, que en toda su vida demostró tener el artista, por las cuestiones económicas. Muchas anécdotas dan testimonio de esta actitud, como cuando en el momento de su mayor apogeo de trabajo en su taller, solía colgar una cesta llena de dinero, del que sus ayudantes podían aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios que recibió por su trabajo le habían asegurado grandes ganancias y también por otra parte Cosme de Médicis le había concedido una paga vitalicia semanal hasta el fin de su vida.
San Jorge
San Marcos
San Juan Evangelista,en el Duomo, Florencia
Antonio Cánova Fue un escultor italiano Por recomendación del senador Blaz, dueño de la mansión donde su abuelo trabajaba de jardinero,
en 1768, comenzó a estudiar con el escultor Coballa en Venecia. Ahí no le faltaron temas de estudio, ya que todo embelesaba su alma de artista.
Cuando tenía 16 años falleció su maestro, aunque ya no necesitaba más enseñanzas. Su protector le confió la ejecución de dos grandes estatuas a tamaño natural. Se trataba de Orfeo y Eurídice. Fue una ardua tarea para un escultor tan joven, pero él no se desanimó y esas estatuas, por el candor y la espontaneidad de su expresión y la armonía de su línea, figuran entre sus grandes obras. En los años posteriores esculpió numerosos trabajos que expuso en el año 1779. En lugar de envanecerse, decidió esforzarse y perfeccionar aún más su producción. Decidió instalarse en Roma, en 1781 donde el Papa había inaugurado un Museo de Antigüedades.
El príncipe Rezzónico y sus dos hermanos, ambos cardenales, le encargaron un monumento funerario destinado a la Basílica de San Pedro, para el Papa Clemente XIII. Durante cuatro años se consagró a esta obra sin descanso. Observando la finura de los detalles, el maravilloso relieve de los encajes que adornan las vestimentas de la estatua de Clemente XIII, se admira en Canova, además de su arte, la "artesanía" que le obligaba a extremar la minuciosidad y la precisión hasta lograr un trabajo perfecto. En ciertas obras suyas, la piedra resucita la mirada de los que ya no existen y hasta su alma parece aflorar en la expresión humana y vívida.
En 1792, fue inaugurado el monumento y fue para Antonio, su día de triunfo. Pero su salud estaba muy resentida por el esfuerzo de su trabajo. Hizo un corto viaje a Venecia y a su regreso a Roma comenzó su trabajo en un monumento para el almirante Ángel Emo, destinado al Palacio ducal de Venecia.
El duque Caetani le encargó un grupo representando a Hércules y Lichas, para el que Canova ejecutó un monumento colosal que, a causa de la poderosa musculatura de Hércules, produce una impresión de fuerza que no era la que buscaba el artista.
Ya en la cumbre de la celebridad y la fortuna, fue llamado por Napoleón Bonaparte a París, para ejecutar el busto del Gran Corso. Poco después le fue encargado el Mausoleo de Victorio Alfieri. Luego recibió pedidos de distintos soberanos por lo que viajó a Nápoles, Roma, París y Viena. Los amplísimos talleres que tenía no daban abasto para contener sus obras. Canova fue el encargado de reproducir los bustos de otros miembros de la familia Bonaparte, como el de Paulina Borghese bajo el aspecto de Venus victoriosa (Roma, Galería Borghese).
Napoleón divinizado
Las Tres Gracias
Busto de Napoleón, el Gran Corso
Mariano Benlliure Mariano Benlliure nació en el Grao de Valencia, en el seno de una familia de amplia
tradición artística. Sería además, un artista precoz, pues desde muy niño dejó muestra de su don para la escultura. Sus primeros concursos y exposiciones tuvieron lugar antes de cumplir los diez años.
El que sería uno de los más famosos escultores españoles del siglo XX comenzó a cultivar en su juventud una materia en la que ocupa un lugar destacado: la tauromaquia, con representaciones en bronce de las distintas suertes y protagonistas del toreo. A los trece años participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1876 presentando un grupo escultórico de cera llamado La cogida de un picador.
Su dedicación principal, sin embargo, era entonces la pintura, que siguió cultivando en París al lado de su maestro Domingo Marqués. En 1879 fue a Roma, donde, fascinado por Miguel Ángel, abandonó los pinceles para dedicarse exclusivamente a la escultura. En 1887 se estableció definitivamente en Madrid, donde, en la Exposición Nacional de dicho año, obtuvo primera medalla por la estatua del pintor Ribera. Su nombre pronto adquirió fama. Los bustos y monumentos públicos que realizó son numerosos; entre estos últimos destaca el del general San Martín, en Lima. Caracteriza su estilo un naturalismo detallista y minucioso, un impresionismo espontáneo, de modelado nervioso, tan rápido y vivaz que queda patente en el barro la huella manual del artista. En este orden alcanzó una maestría prodigiosa. Alfonso XII le encargó trabajos para la Casa Real. Obras importantes suyas son los monumentos de Castelar, Gayarre, María Cristina de Borbón, Velázquez, Fortuny, Joselito e Imperio Argentina. Ha dejado una producción vastísima. En 1895 obtuvo la medalla de honor por la escultura del poeta Trueba, instalada en Bilbao, ciudad para la que también hizo la estatua de su fundador, don Diego López V de Haro. Cultivó además la imaginería religiosa. Poseía ilustres condecoraciones extranjeras, como la de la Legión de Honor, de Francia, y la medalla especial del emperador Francisco José.
Monumento a Emilio Castelar (1908)
Monumento a Miguel Primo de Rivera (1929)
Monumento al general Martínez Campos
Tutmose
Fue un artesano y maestro escultor durante el reinado de Ajenatón, y tenía un taller de escultura en la ciudad de Ajetatón. Fue en dicho lugar donde se han encontrado numerosas «cabezas de reserva» de la reina Nefertiti.
Una expedición arqueológica alemana dirigida por Ludwig Borchardt encontró en 1912, en la excavación de Ajetaton (Tell el-Amarna), una casa en ruinas que se etiquetó como P47.1-3. Su estudio la identificó con la vivienda y estudio de Tuthmose, gracias a un caballo de marfil, encontrado en un hoyo en el patio, que tenía inscrito su nombre y título de trabajo: «Favorito del Rey y Maestro de Obras, el escultor Dyehutymose».
Entre otros elementos escultóricos, se encontró en un almacén el busto policromado de Nefertiti, al parecer una muestra para copiar. Además de este famoso busto, había una serie de vaciados de yeso que se han identificado como retratos de diversos miembros de la familia real y su séquito, incluido Ajenaton, su otra esposa Kiya, su padre Amenhotep III, su sucesor Ay y otros.
Ejemplos de su trabajo recuperados de su abandonado estudio se pueden ver en el Altes Museum de Berlín, el Museo Egipcio de El Cairo, y el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York.
Estatua de granito de Nefertiti
Rostro en yeso de una anciana de finales del reinado, años 14-17
Busto de yeso policromado de Nefertiti
Eduardo Chillida Nacido el 10 de enero de 1924 fue el tercer hijo de Pedro Chillida y Carmen Juantegui. A los 18
años de edad, en 1942, comienza sus estudios para preparar el ingreso a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid. En pocos años decidió abandonar el ingreso a los estudios de Arquitectura para jugar al fútbol. Tras una fractura de rodilla cambió sus guantes de portero titular en la Real Sociedad de Fútbol por unas manos desnudas a la búsqueda de volúmenes, incitado por su vocación artística.
Fue más tarde cuando empezó a dibujar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Durante este tiempo se familiariza con el dibujo al natural. Es en este momento cuando, según él mismo narró, decidió dibujar con la mano izquierda, siendo diestro, para evitar que la resolución figurativa estuviese definida por la habilidad física. Es en este momento en Madrid donde realiza sus primeras piezas escultóricas.
Se traslada posteriormente a París donde su obra, según diferentes críticos como Cosme de Barañano comienza a tomar cuerpo. Efectúa sus primeras esculturas en yeso, impresionado por la escultura griega arcaica del Museo del Louvre. En 1950 se casa con Pilar Belzunce en San Sebastián y juntos se trasladan a París, donde debutó en 1950 con la muestra Les Mains Eblouis. Comienza su amistad con el pintor Pablo Palazuelo. Es también en estos años cuando comienza su rivalidad con el temperamental escultor Jorge Oteiza. Ambos con una obra vinculada en la tradición constructivista, pese a trabajar cada uno con temáticas parcialmente diferentes -como explicó en difrentes libros y artículos el crítico de arte y arquitectura Juan Daniel Fullaondo, Jorge de Oteiza no dejó de acusar a Eduardo Chillida de plagiar sus obras, llegando a publicar en 1991 El libro de los plagios con fotografías de obras de Chillida junto a otras similares pero anteriores de Jorge Oteiza.
En 1951 nace el primero de sus ocho hijos y pronto la familia regresa definitivamente a San Sebastián. Chillida realiza su primera pieza en hierro, Ilarik, material que utilizará a lo largo de toda su vida.
Para Chillida "lo que es de uno es casi de nadie", por ello realizó numerosas obras públicas, así como esculturas, para museos de todo el mundo. Sus esculturas dialogan con el entorno, por lo que muchas de ellas son consideradas ya lugares emblemáticos para sus ciudadanos, como ocurre con el donostiarra El peine del viento que se abre al mar de San Sebastián y se ha convertido en lugar de visita obligada, o la Puerta de la Libertad y Topos V, del barrio gótico de Barcelona, Gure Aitaren Etxea (casa de nuestros padres) en Guernica, Elogio del Horizonte en el gijonés Cerro de Santa Catalina, o Monumento a la Tolerancia en el sevillano Muelle de la Sal, a orillas del Guadalquivir
Elogio del horizonte
Escultura de Eduardo Chillida en Hernani
Chillida-Leku
Alessandro Algardi
Fue un escultor italiano del alto barroco, activo casi exclusivamente en Roma, donde durante las últimas décadas de su vida, fue el principal rival de Gian Lorenzo Bernini
Algardi nació en Bolonia, donde a temprada edad entró como aprendiz en el taller de Agostino Carracci, pintor de tendencia clasicista. Sin embargo, su aptitud para la escultura le hizo trabajar para Giulio Cesare Conventi (1577—1640), un artista de talento modesto.
A los veinte años, en 1608, entró al servicio del Fernando I, Duque de Mantua, que comenzó a encargarle obras; también fue empleado de los joyeros locales para que hiciera diseños figurativos. Tras un corto periodo en Venecia, se trasladó a Roma en 1625, con una presentación por parte del Duque de Mantua al sobrino del último papa, Ludovico Cardinal Ludovisi, quien le empleó durante un tiempo en la restauración de estatuas antiguas.
Tuma de León XI (detalle), 1640-44
El papa Inocencio X, Museos Capitolinos
Torso helenístico tipo Lisipo, restaurado por Algardi como
Hércules y la Hidra
Antonio León Ortega Antonio León Ortega nace en la ciudad de Ayamonte de la provincia de Huelva el 7 de diciembre de
1907.Actualmente tienen el nombre de León Ortega una Escuela de Arte y una calle en Huelva. Una
Casa de Cultura y una calle en Aljaraque. Una Plaza en Trigueros y una Plaza y un Monumento en Ayamonte.Desde adolescente, casi niño, muestra una fuerte inquietud y facultades innatas por y para la
escultura, realizando sus primeras obras de forma autodidacta, años más tarde cuando se las enseña a Mariano Benlliure las elogia como propias de un escultor formado.
Se forma en Madrid entre los años 1927 y 1934. Cursa los estudios de Escultura y de Profesorado de Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, hoy Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Entre sus maestros se encuentran Mariano Benlliure, José Capuz, Manuel Benedito y Juan Adsuara, con quien trabaja durante una etapa.En estos años bebe además de las fuentes de la imaginería castellana, estudiándola en Valladolid, y siendo su referencia preferente Gregorio Fernández.
Trabaja en Huelva desde el año 1938 en su primer taller en la calle San Cristóbal, que comparte con el pintor Pedro Gómez, y que además de escuela informal de artistas se convierte en un ateneo de las artes y de las humanidades en la Huelva de la época, frecuentado por casi todos los artistas que viven o pasan por Huelva así como por poetas, médicos, escritores, periodistas. Siendo conocido entre ellos como la "Academia de San Cristóbal".
En estos años estudia la imaginería sevillana sobre todo a su otro gran referente Martínez Montañés.
La obra religiosa la elabora con boceto previo en barro y esculpida en madera de forma directa con gubia y mazo, a la manera tradicional de la imaginería española que había aprendido de José Capuz y de Juan Adsuara en su época madrileña.
Realiza una gran parte de las imágenes de la Semana Santa en Huelva y Ayamonte y de numerosos pueblos de las provincias de Huelva y Badajoz y tiene otras obras religiosas y civiles en Sevilla, Cádiz, Málaga, Cáceres, Salamanca, Pontevedra, Madrid, Bélgica, Estados Unidos, etc., así como muchas otras de pequeño formato pertenecientes a coleccionistas privados de España y América.
En su época madrileña realiza una escultura modernista propia de los años veinte, muestras de esta son el Retrato de Luna que se encuentra en el Museo Manuel Benedito y el Retrato de Trinidad Navarro en Ayamonte entre otros.
Ángel de la Oración en el Huerto
Cristo del Perdón (Huelva)
Pasión de Ayamonte
Henry Moore Fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que
pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público.Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo romántico de la época victoriana,
posteriormente desarrolló un estilo propio, influido por varios artistas renacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya. Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo, pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.
Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.
Moore fue una de las figuras artísticas más conocidas de su época, siendo considerado "la voz oficial de la escultura británica y la cara aceptable de la Modernidad". La habilidad que adquirió en su madurez para cumplir encargos de obras de gran tamaño, tales como el West Wind en el edificio del Metro de Londres, lo hizo excepcionalmente rico. Sin embargo, vivió modestamente y la mayor parte de su dinero fue usado para crear y mantener la Henry Moore Foundation, una fundación dedicada a promover la educación y fomento de las artes.
Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su hogar en Hertfordshire a los 88 años y fue enterrado en la Catedral de San Pablo de Londres. Sus obras y su estilo influyeron a numerosos artistas británicos e internacionales tales como sir Anthony Caro, Phillip King, Eduardo Paolozzi y Kenneth Armitage. Asimismo, Moore también dejo su marca en varias organizaciones artísticas del Reino Unido, siendo miembro de las juntas directivas de la National Gallery de Londres y de la Tate.
Three Way Piece No. 2 (también conocida como The Archer),
Knife Edge
La estatua de bronce Family Group (1950)
Miguel Ángel Conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y
pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida:Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari,
publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido.Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor
y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.
Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole: ...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
Crucifijo del Santo Spirito, de madera policromada (1492-1494).
Sepulcro de Miguel Ángel diseñado por Vasari
Tumba de Cecchino dei Bracci
FOTOGRAFOS
Man RaySu verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1980 en Filadelfia (Estados
Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia.
Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la Hihg School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz.
En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos.
Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros.
Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí.
Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían experimentado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título "Champs delicieux".
Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.
Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.
Anatomie (1938)
Les larmes (1936)
Soledad
Berenice Abbott Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield, Ohio. Fotógrafa
estadounidense famosa por su magnífica serie documental sobre la ciudad de Nueva York, así como por su trabajo innovador en el campo de la física.
Estudió escultura en Nueva York y París. A partir de los años veinte se dedicó a la fotografía, debido a la influencia del surrealista estadounidense Man Ray. A través de él conoció al fotógrafo Eugène Atget, con el que trabajó intensamente.
Regresó a su país en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado "Changing New York".
De los 40 a los 60 años se dedica a la publicación de libros y al estudio fotográfico sobre diferentes y diversos fenómenos físicos.
Impartió clases mientras se dedicaba a finalizar otro de sus trabajos denominado "Ciencia" y "Escenas Americanas".
El último trabajo de fotografía que realizó Abbott, fue sobre una ruta que iba desde Maine (dónde más tarde se establecería) hasta Florida.
Berenice Fallece en 1991.
Fotografía de La estatua de Abraham De Peyster
Nightview, New York
Imagen de Manhattan (1936)
Ansel AdamsAnsel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema
fotográfico los paisajes del suroeste de su país.
En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.
En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan.
En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas.
En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.
Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979).
Yosemite National Park (1948)
Cactus
Church, Taos Pueblo (1942)
Cecil BeatonCecil Beaton nació en Londres en 1904. Debido a sus grandes dotes conquista la
fama a nivel mundial, como Fotógrafo y diseñador británico.
En 1915 le regalan su primera cámara fotográfica una Kodak 3A de fuelle. Fue guiado por Alice Collard quien le enseñó las técnicas del revelado y fijado.
En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un retrato retocado de su amigo George Rylands. Durante varios años después, reúne material suficiente y abre una exposición en el West End, en 1926 empieza a dedicarse exclusivamente a la fotografía.
En 1929 se queda en Nueva York, trabajando desde el estudio para la firma Vogue.
Hacia 1930 regresa con un gran triunfo a Londres donde escribe su primer libro "El libro de la belleza". Viaja hasta Hollywood donde gracias a su ingenio y aprovechando la deslumbrante luz de California y sus pintorescos claroscuros realiza una serie de retratos a grandes personajes, tales como; Gary Cooper, Johnny Weissmuller, Dolores del Rió.
Desde sus viajes por Rusia, África, España y México, retrata a Henry Ford, Salvador Dalí y su esposa Gala, Picasso, Rolling Stones, entre otros.
Murió el 18 de enero de 1980
Laura, Duchess of Marlborough
Coco Chanel, Vogue y Hollywood
Marilyn Monroe
Gyula Halàz Gyula Halàz nació en 1899 en Brasso, Hungría (Tansilvania) Fotógrafo húngaro. Hijo
de un profesor de literatura francesa, se siente influenciado por él hacia París.
Llega a la fotografía como autodidacta, comienza estudiando bellas artes en Budapest (1918-1919) y Berlín (1920-1922) y muy temprano frecuenta los círculos formados en torno a Lázló Moholy-Nagy, Vasili Kandinski y Oscar Kokoschka.
En 1924 se trasladó a París como periodista y en 1925 entabló relaciones con Eugène Atget, quien se convertiría más tarde en una referencia constante. Primeramente trabaja como periodista, solicitando fotografías para acompañar sus artículos a fotógrafos como André Kertész. Hasta 1930 no se decide a realizar sus propias fotografías.
Se hizo famoso por sus imágenes de París. En sus inicios su carrera era la de un modesto reportero gráfico que se hizo más conocido al publicar escenas de la vida nocturna parisina, "Paris de nuit", en 1933.
Algunos de sus trabajos más populares retrataban los cafés multitudinarios en París. Entre 1936 y 1963, Brassai ejerció como fotógrafo en el Harpers Bazaar. Fue íntimo amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías suyas mientras trabajaba. Su obra fue publicada en la revista Minotaure.Fallece en 1984
Colonne Morris Dans Le Brouillard
Joven pareja usando traje Dos en uno
Les Escaliers de Montmartre
ARTISTAS DE LIBRE ELECCIÓN
Joaquín Ramón Martínez Sabina
Joaquín Ramón Martínez Sabina (Úbeda, Jaén; 12 de febrero de 1949), conocido artísticamente como Joaquín Sabina, es un cantautor y poeta español de éxito en países de habla hispana.
Ha publicado catorce discos de estudio, cuatro en directo y tres recopilatorios y colaborado con distintos artistas cantando dúos y realizando otras colaboraciones. También compone para otros artistas como Ana Belén o Miguel Ríos entre otros. Los álbumes en directo son grabaciones de actuaciones en las que ha intervenido en solitario o junto con otros artistas: La Mandrágora (1981), junto a Javier Krahe y Alberto Pérez; Joaquín Sabina y Viceversa en directo (1986), junto a la banda Viceversa; Nos sobran los motivos (2000); y Dos pájaros de un tiro (2007), junto a Joan Manuel Serrat. En su faceta literaria ha publicado nueve libros con recopilaciones de letras de canciones o poemas publicados en el semanario Interviú.
En el año 2001 sufre un leve infarto cerebral que pone su vida en peligro, recuperándose unas pocas semanas más tarde sin sufrir secuelas físicas, pero el incidente influye en su forma de pensar y se ve inmerso en una importante depresión, lo que le lleva a abandonar los escenarios un tiempo. Tras superarla, publica su decimoctavo álbum, Alivio de luto (2005)
Inventario
Malas Compañías
Ruleta Rusa
Federico García Lorca Nació en el municipio de Fuente Vaqueros, Granada (España), en el seno de una familia de
posición económica desahogada, el 5 de junio de 1898, y fue bautizado con el nombre de Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca; su padre fue Federico García Rodríguez, un hacendado, y su madre, Vicenta Lorca, maestra de escuela que fomentó el gusto literario de su hijo.
Desde la edad de 2 años, según uno de sus biógrafos, Edwin Honig, Federico García Lorca mostró su habilidad para aprender canciones populares, y a muy tierna edad escenificaba en miniatura oficios religiosos. Su salud fue frágil y no empezó a andar hasta los cuatro años. Leyó en su casa la obra de Víctor Hugo y de Miguel de Cervantes. Como estudiante fue algo irregular. De niño lo pusieron bajo la tutela del maestro Rodríguez Espinosa, en Almería, ciudad en la que residió con su familia entre 1906 y 1909[cita requerida]. Inició el bachillerato de vuelta a su provincia natal y abandonó la Facultad de Derecho de Granada para instalarse en la Residencia de Estudiantes de Madrid (1918–1928); pasado un tiempo, regresó a la Universidad de Granada, donde se graduó como abogado, aunque nunca ejerció la profesión, puesto que su vocación era la literatura.
La ubicación meridional de Granada, donde se encontraba viva la herencia mora, el folclore, el
oriente y una geografía agreste, quedaron impresas en toda su obra poética, donde los romanceros y la épica se funden de manera perceptible. Después de su madre, fue Fernando de los Ríos quien estimuló el talento del entonces pianista en favor de la poesía; así, en 1917 escribió su primer artículo sobre José Zorrilla, en su aniversario.
La España de García Lorca era la de la Edad de Plata, heredera de la Generación del 98, con una rica vida intelectual donde los nombres de Francisco Giner de los Ríos, Benito Pérez Galdós, Miguel de Unamuno y, poco después, Salvador de Madariaga y José Ortega y Gasset imprimían el sello distintivo de una crítica contra la realidad de España.
Influyeron, además, en la sensibilidad del poeta en formación Lope de Vega, Juan Ramón Jiménez, Antonio Machado, Manuel Machado, Ramón del Valle-Inclán, Azorín y el Cancionero popular.
Romancero Gitano
Bodas de Sangre
Poemas
Michael Joseph Jackson Conocido en el mundo artístico como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de
música pop, en una amplia acepción que incluye subgéneros como el rhythm & blues (soul y funk), disco y dance.Tras formar en los años sesenta, siendo aún un niño, un grupo de gran éxito en compañía de sus hermanos, The
Jackson Five, en la década de los años ochenta se convierte en la superestrella de pop más exitosa a nivel mundial, «el nuevo rey de la música pop», debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música.
Michael Jackson fue conocido mundialmente como rey del pop y «king of entertainment» ("rey del entretenimiento"), este último título sugerido por la popular presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que ésta le hizo en febrero de 1993. Además, la Enciclopedia Británica incluye a Michael Jackson, como notable estrella de rock, en su sección "Rock music", junto a MadonnA y Prince.
A lo largo de su trayectoria artística como solista, la música de Michael Jackson fue modernizándose y evolucionando, especialmente desde la década de los años 80. Esto se manifiesta en los estilos musicales soul o funk que interpretó, específicamente en la fusión de soul o funk con disco ("Billie Jean" o "Thriller", de 1982); luego la de soul o funk con dance, o hard dance ("Bad" o "Smooth criminal", de 1987); y la de soul o funk con hip hop ("Remember the time" o "Jam", de 1991), esta última fusión se llama new jack swing.
Pero Michael Jackson, así como muchas estrellas pop de los años 80, también incursionó en el rock a través de innovadoras canciones como "Beat it" (1982), "Dirty Diana" (1987), "Black or white" (1991),"Give in to me" (1991), "D.S." (1995),"Morphine" (1997) y "Privacy" (2001), en las que han tocado, entre otros, destacados guitarristas de hard rock como Eddie Van Halen, Steve Stevens y Slash.
Jackson fue catalogado como un genio musical y artístico, lo que demostró desde sus inicios como un niño-prodigio con un nivel interpretativo realmente extraordinario. Pero también fue un personaje polémico, con defensores y detractores, al que rodearon innumerables leyendas y rumores (muchas veces alimentados por él mismo) y que se vio envuelto en acusaciones de pederastia con dos niños, que tuvieron repercusión mundial y que le mantuvieron apartado en los últimos años de la primera fila de la popularidad. Poco después de su muerte, y 16 años después de los supuestos sucesos delictivos, uno de los niños implicados declaró públicamente que el cantante era inocente, y que mintió porque su padre le obligó a hacerlo para salir de la pobreza con el dinero que, efectivamente, el artista entregó a cambio de evitar el juicio. Las acusaciones con el otro niño sí habían acabado en juicio, del que Jackson fue absuelto en su día.
Michael Jackson fue una figura de fulgurante carrera pues alcanzó su cúspide comercial y de fama antes de cumplir los 30 años de edad. Pero en él se mezclaron (como opinó el presidente Barack Obama) el éxito y tristes circunstancias personales. Las exigencias de su profesión, su afán de perfeccionismo y superación, y el acoso de la prensa, fueron factores que unidos a su timidez y sensibilidad extremas, le causaron un estrés y demás problemas de salud que se agravaron en la década de 1990 por problemas judiciales. Toda esta problemática se sumó a los traumas que Jackson arrastraba por una infancia demasiado volcada en el trabajo, y ayudan a explicar su comportamiento extraño y huidizo, sus gustos excéntricos, sus obsesiones y su deterioro físico final. En cualquier caso, su genialidad artística es indiscutible al igual que su éxito a nivel mundial, plasmado en cientos de millones de discos vendidos. Apoyado por la espectacularidad de sus campañas de promoción, videoclips y conciertos, en ellos hizo gala de su enorme talento como cantante y bailarín, y fue pionero en múltiples novedades coreográficas y visuales que han marcado tendencia en el mundo del pop.
Una de las estatuas presentadas en Europa para promocionar el álbum
recopilatorio "History".
Invincible
Bad
Antonio Gala De nombre completo Antonio Ángel Custodio Sergio Alejandro María de los Dolores Reina de los
Mártires de la Santísima Trinidad y de todos los Santos Gala Velasco, nació en Brazatortas (provincia de Ciudad Real) el 2 de octubre de 1936, pero el propio autor se considera cordobés de adopción.
Lector precoz de Rainer Maria Rilke, Garcilaso, San Juan de la Cruz y otros autores, estudió desde la temprana edad de 15 años la carrera de Derecho en la Universidad de Sevilla y, como alumno libre, Filosofía y Letras, Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Madrid, obteniendo licenciaturas en todas ellas.
Al acabar sus estudios universitarios, inició la preparación de oposiciones al Cuerpo de Abogados del Estado, abandonándolo en un gesto que él recuerda como de rebeldía ante las presiones de su padre, para ingresar después en los Cartujos. Pero la rígida disciplina monástica no estaba hecha para él, y, como cuenta en su autobiografía, Ahora hablaré de mí (2000), fue expulsado de la orden.
Se mudó entonces a Portugal, donde llevó una vida bohemia. En 1959 comenzó a impartir clases de Filosofía e Historia del Arte y recibió un accésit del Premio Adonáis de poesía por su obra Enemigo íntimo, empezando una exitosa carrera teatral y periodística, que le posibilitó desde 1963 vivir sólo de la escritura.
A mediados de 1962 se marchó a Italia, instalándose en Florencia, donde permaneció casi un año. En este tiempo publicó en la revista mensual Cuadernos hispanoamericanos poemas de su libro La deshora
A principios de la década de los setenta, una grave enfermedad lo llevó al borde de la muerte y durante la convalecencia empezó a utilizar su complemento más característico: el bastón, del que ha reunido ya una variada e interesante colección.
Se hicieron célebres sus artículos de prensa publicados en el suplemento dominical de El País: «Charlas con Troylo», «A los herederos», «A quien conmigo va», etcétera; todos estos artículos han sido después recopilados en libros.
Convertido ya en un personaje altamente popular de la literatura española, comenzó a escribir novelas en los años noventa, iniciándose con El manuscrito carmesí, que fue presentada, y ganó, el muy comercial Premio Planeta.
Actualmente, su colaboración en prensa se reduce a artículos de opinión breves, publicados con el nombre de troneras, en el periódico El Mundo. El ritmo de creación y publicación de otras obras suyas ha descendido recientemente, y en varias ocasiones ha dado a entender que El pedestal de las estatuas puede ser su última novela.
En su labor destaca también la faceta de mecenas: creó la Fundación Antonio Gala para Creadores Jóvenes, dedicada a apoyar y becar la labor de artistas jóvenes.
La Pasión Turca
El Manuscrito Carmesí
Más allá del Jardín
Es un cantautor español de la nueva generación de cantautores aparecida en los años noventa. Sus letras son una mezcla de canciones de amor, desamor y música reivindicativa, propias de la canción de autor. No en vano, entre otras, reconoce influencias de Serrat, Aute, Joaquín Sabina o Silvio Rodríguez, así como de poetas de la talla de Luis García Montero o Mario Benedetti.
Ismael Serrano nació en Madrid el 9 de marzo de 1974. Hijo del poeta Rodolfo Serrano, estudió Física en la Universidad Complutense de Madrid y en esta época empezó a tocar en los locales madrileños del circuito de la canción de autor, como el Libertad8 o Galileo, dándose a conocer hasta el punto de que la coexistencia entre ciencia y música se hizo incompatible y dejó sin concluir una carrera universitaria que le estaba comenzando a desencantar. En 1997 grabó su primer álbum, Atrapados en azul, en el que recuperaba la canción protesta y que incluye su canción más conocida, Papá cuéntame otra vez y otros temas como Vértigo o Un muerto encierras. Con su primer trabajo consiguió el disco de platino en España y se dio a conocer en América Latina (disco de oro en Argentina).
Continuó su carrera con su segundo disco, La memoria de los peces (1998), con el mismo éxito (que consiguió desde un principio con singles muy vivos como Últimamente y Tierna y dulce historia de amor) y volvió a conseguir el disco de platino en España. En este disco Ismael se preocupaba por los problemas de América del Sur en canciones como Vine del norte -con relación a Chile- y A las madres de Mayo -con relación a Argentina-, y hacía un homenaje a la República con Al bando vencido.
En 2000 publicó su tercer trabajo Los paraísos desiertos, disco con el que evolucionaba musicalmente introduciendo nuevos ritmos como el jazz. Con este álbum también consiguió el disco de platino y además una nominación a los Premios Goya a la Mejor Canción Original por Km. 0, canción incluida en la banda sonora de la película de mismo nombre, dirigida por Juan Luis Iborra y Yolanda García Serrano.
En este periodo Ismael Serrano colaboró en diversos álbumes, algunos solidarios como Son de niños (2000), Un barco de sueños, donde varios cantautores interpretaban y musicaban letras de Pablo Guerrero, o Encuentros en la Habana (2001), junto con grandes artistas como Víctor Manuel, Serrat o Pablo Milanés; en homenajes a otros músicos como en el Mira que eres canalla, Aute (2000), Luar na Lubre, o su inseparable compañero Javier Bergia en su disco 25 años.
Principio De Incertidumbre
Sueños De Un Hombre Despierto
Básico