2007年10月1日

発行　発行 ：

コクヨファニチャー株式会社

KOKUYO Furniture Co., Ltd.

この印刷物について

用 紙

イ ン キ

表面加工

製 本

植林材94 ％・里山材6 ％、無塩素漂白パルプ

エコマーク認定　アロマフリー型植物油インキ使用

油性OP ニス（植物油インキ）使用

中とじ200710A45DN

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142007 OCTOBER

VOL.

VOL.14

museum report

コクヨ ミュージアム レポート テオリア

コクヨ ミ

ュージアム レ

ポート 　テ

オリ

ア

SUNTORY MUSEUM of ARTThe Art of Showing Art

Display Design Enhances the Beauty of Japanese ArtShisei Kinoshita

Senior Manager

Planning and Development Section,

Planning and Development Department,

Tokyo National Museum

美の、研ぎ澄まされた舞台サントリー美術館

museum report

展示デザインが引き出す日本美術の魅力東京国立博物館 事業部 事業企画課 デザイン室長 木下史青氏

ステージ

SUNTORY MUSEUM of ART

In the sparsely lit tranquility of this essentially Japanese space, all distraction vanishes to give way to the work of art itself. The delicate lighting illuminates the true face of each piece, enclosed in display cases so transparent and unobtrusive that they seem nonexistent.This ultimate stage of beauty, where works are displayed so naturally that even the word “exhibit” seems too artificial, focuses all attention on the art alone.A new chapter in the history of museums has begun.

独立型の展示ケースは、上部に照明装置をつけず、天井から

直接ライティングをおこなう。鑑賞を妨げるものは、すべて削

ぎ落とすというコンセプトのもと、非常にシンプルな仕上がり

を実現している。漆器などの作品の種類によっては、ケース

の上に光を拡散させるシートを載せて、光量を調節する。

The free-standing display cases require no lighting fixtures at the top; instead, they are illuminated directly from the ceiling. This arrangement is simple and effective, serving the concept of removing anything that might intrude on the visitor’s aesthetic appreciation. In the case of special items such as lacquerware, a light-diffusing sheet is placed over the case to regulate the incident light.

The Art of Showing Art

美の、研ぎ澄まされた舞台—サントリー美術館ほの暗く静謐な和の空間には、美術品のみが精彩を放つ。

精緻なライティングは本質を照らし出し、

透明度を極めた展示ケースは、その存在を意識させない。

展示という作為を感じさせず、美術品のみに焦点を当てた究極のステージ。

ミュージアムの新たな歴史が、ここから始まる。

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TORY M

USEU

M of ART

museum report

ステージ

0201

「10年経過しても古さを感じさ

せないように」との依頼で技術

の粋を集めて作られた展示ケー

ス。美術館の静謐な空間を乱さ

ないように、存在を主張せず、美

術品をいかに美しくみせるかに

力点を置いて開発された。目に

つく凹凸や継ぎ目などは取り除

かれ、作品だけに集中できる環

境を整えた。覗きケースは、上下

から作品へ均一に光を当てな

がら、外部へは極力光をもらさ

ない設計となっている。

�Displays that won�t appear dated ten years from now.� Acting on this directive, the Suntory Museum of Art applied the latest technologies to create these unique display cases. So as not to disturb the tranquility of the gallery, the cases are so unobtrusive as to be virtually invisible. All emphasis is on displaying the work of art itself to best possible effect. All protrusions, indentations or joints that may intrude on the enjoyment of the exhibits have been expunged, leaving a pure and unhindered focus on the art. Evenly lit from above and below, the free-standing, low cases are designed to prevent the leaking of light away from the displays.

A tranquil ambience where everything that might disturb your encounter with art has been removed鑑賞を妨げるものは取り除き、静謐な空間で作品と向き合う。

The beauty of the weave, the glitter of the fabric, and everything else are close enough to touch織りの美しさ、糸の煌めきが、手に取るようにそこに在る。

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To evoke the beauty of the weave in kimono, three types of lighting (optical fiber, LED, and fluorescent) are artfully combined. The glass separating the viewer from the kimono is so highly transparent as to go completely unnoticed. Nothing disturbs the dialogue between the kimono and its admirer.

光ファイバー、LED 、蛍光灯の3種類の光源を駆使して、着物の織の美しさを表現している。作品との間を隔てる高透過ガラスは、ガラスの存在

を全く感じさせず、作品と一対一で向き合っているかのような感覚が味わえる。十二ヶ月景物絵巻

白綸子地梅に熨斗蝶模様打掛

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Lighting and exhibit space designed for this work aloneこの作品のためだけの、光と空間。

この作品のためだけの光を実現

できると学芸員に絶賛されたス

ポット照明。作品の見せたい部

分に光を当てながら、覗き込んだ

ときに対向のライトが眩しくない

ように、それぞれ絶妙な角度に

調整されている。トップライトだけ

でなく、側面から光を当てること

で、蒔絵のきらびやかな模様が

照らし出され、作品の美しさが最

大限に引き出されている。

The spot lighting developed exclusively for this work drew enthusiastic praise from the curators. Each light is so exquisitely angled to illuminate an area of special interest that it will not dazzle the viewer even when he or she peers into other areas. Lighting from the sides as well as from above splendidly evokes the brilliant patterns of the gold lacquer, showcasing the beauty of the piece to maximum effect.

蓬莱蒔絵手箱

0605

5面ガラスの展示ケースは、ガラスのエッジを0.5mm

以下で合わせ、角をきっちりと立たせることでシャープ

な美しさを追求した。ガラスとアルミパネルの継ぎ目

も段差がなく、シンプルな箱といった印象。免震装置

や美術品を出し入れする際の操作部などのメカニカ

ルな要素は、日ごろ展示ケースを扱い慣れている専

門家が見ても、「どんな構造になっているかわからな

い」という言うほど見事に隠されている。

This five-pane glass display uses glass with edges tapered to 0.5 mm or less, forming crisp angles for a sharp, clean look. The seam between the glass and the aluminum panel is free of differences in level, creating the impression of a simple cube. The case’s mechanical elements, such as the seismic isolation system and the moving parts for placing and removing exhibits, are so cleverly hidden that even professional handlers of museum pieces cannot discern their structure.

1961年 の創設当初から「生活の中の美」をテーマに掲げ、日本美術を中心に作品収集・展示会活動をおこ

なってきたサントリー美術館。作品を置く空間も、日本の伝統美や和を感じさせるものになっている。館の全

体設計は隈研吾氏。東京ミッドタウンへの移転プロジェクトの開始から今年3月の開館まで、学芸員、設計

事務所、コクヨなど関係者が毎週集まり、それぞれの立場で最高の美術館をめざした結果、美術関係者からも

高く評価される美術館が誕生した。六本木という場所柄、外国人ゲストも多いが、日本の美に「ゴージャス！」

とため息を漏らすという。

Since its establishment in 1961, the Suntory Museum of Art has striven to acquire and exhibit a collection focused on Japanese aesthetics, with a view to capturing the beauty in everyday life. Even the spaces in which these works are exhibited draw on traditional Japanese beauty and harmony. The museum was designed in its entirety by Kengo Kuma. Every week from the start of the museum relocation project (relocation to its current Tokyo Midtown location) to its reopening in March this year, representatives from the design office and Kokuyo Co., Ltd., curators, and others met and extensively discussed how to create the ideal museum from each point of view. The result is the birth of a museum that enjoys the effusive praise of the artistic community. The Museum’s Roppongi location ensures a steady stream of visitors from all over the world, who are often heard to gasp when they view these uniquely Japanese treasures.

The extraneous is stripped away, bringing the featured work to the fore 作品を際立たせるため、余分なものは削ぎ落とす。

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To accentuate the beauty of the piece, the platform on which it is placed is stripped of all extraneous features. This radically new configuration eliminates even the platform’s seams, an inevitable component of conventional free-standing display cases.

作品を置くステージは、作品の美しさをより際立たせるために、余分なものをすべて排除している。これまでの独立型展示ケースには必ず

あったステージ上の目地も、常識を打ち破る新機構の開発により取り除くことに成功した。

薩摩切子 藍色船形鉢

※撮影の作品はすべてサントリー美術館 所蔵

0807

Suntory Museum of Art

Location: Tokyo Midtown Gardenside, 9-7-4

Akasaka, Minato-ku, Tokyo 107-8643

http://suntory.jp/SMA/

Architects: Kengo Kuma & Associates,

Nikken Sekkei Ltd.

サントリー美術館

所在地：東京都港区赤坂9-7-4

東京ミッドタウンガーデンサイド

http://suntory.jp/SMA/

設計：隈研吾建築都市設計事務所、日建設計

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museum data

◯ Keizo KiokuC

W e b で 楽 し む 美 術 館 散 歩

サントリー美術館ヴァーチャルウォークスルー

The Suntory Museum of Art will launch its online Virtual Walk-through in September 2007. This feature replicates the interior of the museum in 3D computer graphics based on the museum’s architectural drawings, offering an online introduction to the buildings and exhibits of the Suntory Museum of Art. Clicking the Start button launches a tour that begins at the admission gate, ascends the elevator to the fourth floor, then descends the stairwell to view the exhibits on the third and lower floors in their actual order. To the side of the computer-graphic display, points of interest in the buildings and exhibits are displayed, offering the perfect way to learn about the museum and its content before a visit. The expertly designed computer graphics make the online tour fun and entertaining. For example, the mouse can be used to change the angle of view or rotate the view around any given point. The museum plans to enhance this website over the coming months, to attract as many new visitors as possible. For example, the museum will create an online walk-through of the Members’ Salon, a facility open only to members of the Suntory Museum Members’ Club. Discount coupons will also be available for download.

The virtual walk-through was created using Appareo, Kokuyo’s support service for digital museum content creation. Appareo converts architectural drawings into 3D computer graphics for online publication, creates virtual museum tours, creates digital catalogs of high-resolution images, and much more. Because the purpose of the Suntory Museum of Art’s virtual tour is to acquaint the public with the museum’s buildings and exhibition spaces, great attention was paid to reproducing the texture of the walls, the mood of the lighting, and so forth. Although the tour requires the user to download the free Viewpoint media player, the software runs in both Windows and Mac environments, in accordance with the museum’s guidelines. It can also be adjusted easily to suit other museums’ rules and requirements. The museum enjoys a fruitful partnership with Kokuyo, which will continue to provide support services for the creation of outstanding digital content.

Visiting the Museum Online:Suntory Museum of Art Virtual Walk-through

サントリー美術館は、建物や展示空間にも相当

な思い入れがあり、随所に工夫が凝らしてある。

Web で建物や展示の見所をあらかじめ仕入れ

てから、美術館で実物を確かめるのも楽しい。

吹き抜け部分の無双格子と和紙を貼った光壁の間

仕切りは開閉可能で、空間の用途によって使い分

けが可能だ。ヴァーチャルウォークスルーでは、格子

や間仕切りの開閉をアニメーションで再現してある。

The Suntory Museum of Art plans every aspect of its buildings and exhibition spaces in painstaking detail, deploying innovative techniques throughout. Users can learn about the museum’s interesting features in advance, making their visit to the actual museum more fruitful.

In the stairwell, visitors to the virtual walk-through can open and close the unique light-walls (made of a lattice covered with washi paper) to simulate different uses of the space. The actions of opening and closing the lattices and partitions are animated.

ントリー美術館は、2007年9月よりホーム

ページ上に「ヴァーチャルウォークスルー」

の公開を予定している。これは建築図面から起

こした3DCG で実際の美術館と同じ空間を再

現し、サントリー美術館の建物や展示の魅力を

紹介するものだ。スタートボタンを押すと、受付か

らエレベータで4階展示室へ上り、吹き抜けの階

段を降りて3階展示室へ…と、実際の順路どおり

にCG画面 が動いていく。CG画面 の横には建

物や展示空間の見所が表示されるため、美術館

へ行く前に予備知識を仕入れるのにも最適だ。

時折、マウスを使って自分の見たい方向を自由に

見たり、その場でぐるりと視点を回転させたりでき

るなど、CG ならではの仕掛けも楽しい。サントリー

美術館では、今後、メンバーズ・クラブ（友の会）

の会員しか入れないメンバーズ・サロンをヴァー

チャルウォークスルーで公開したり、割引券のダウ

ンロードをセットにしたり、Web サイトをさまざまに充

実させることで、多くの人に関心を広げたい考えだ。

サァーチャルウォークスルーは、コクヨが以前

から手掛けているミュージアム向けのデジ

タルコンテンツの作成支援サービス「アパレオ」を

利用して作成された。「アパレオ」では、建築図

面から3DCG を描き起こしてWeb に公開するサー

ビスのほか、ヴァーチャルミュージアムや高精細画

像を収録したデジタル図録などのコンテンツ制作

がおこなえる。しかし、今回のサントリー美術館の

目的は、建物や展示空間の紹介だったため、壁

面のテクスチャやライティングの加減などの再現

性が重視された。また、Web でヴァーチャルウォー

クスルーを体験するには、動画閲覧用のソフトを

ダウンロード（無料）する必要があるが、サントリー

美術館のWeb制作 ガイドラインに従い、Windows

にもMac にも対応するViewpointというソフトを採

用するなど、ミュージアムごとに異なる要望やルー

ルにもきめ細かく対応可能だ。コクヨでは今後も

積極的にデジタルコンテンツの作成支援に取り

組んでいきたいという。

ヴ

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展示デザインが引き出す日本美術の魅力東京国立博物館には、国内の美術館・博物館では

珍しいデザイン室という部署があり、専任のデザイナーがいる。

「日本美術の魅力を十分に伝えるためには、見せ方の工夫が必要」と話す、

デザイン室長の木下史青氏に、展示方法を含めた

これからの美術館・博物館のあり方についてお話をうかがった。

Display Design Enhances the Beauty of Japanese Art

私が東京国立博物館に入った1999年から数年

間は、平成館のオープンや独立行政法人化、本

館の大改装など、東京国立博物館にとって大きな

出来事が立て続けにあった時期です。特に2004

年の本館リニューアルでは、展示体系を一新し、

分野別の展示は1階に集め、2階を「日本美術の

流れ」として、時代別に見せる展示体系を取り入

れました。分野別の展示は、じっくり見たい人や専

門家にとっては有意義です。しかし、外国の方や

一般の方にとっては専門的すぎて「日本美術とは

こういうもの」という全体像の把握には向いていま

せん。そのため、作品を時代ごとに分けて、展示

室全体で時代背景や文化も含めて見せていくこ

とにしたのです。この時代別の展示が実現したの

は、2001年の独立行政法人化の際に、大幅に組

織を変更したことが大きいでしょう。以前は、作品

の管理上のこともあって絵画なら絵画、工芸なら

工芸と、分野によって組織が完全に分かれていま

した。そのため絵画の研究員は工芸の蔵には入

れませんでしたし、その逆もありませんでした。しか

し、それではお客様に楽しんでいただける施設に

はならないということで、専門の課を取りはらい、

学芸部という部署もなくしてしまったのです。それ

は学芸員にとっては、かなりショックなことですが、「博

物館の学芸員は専門分野だけではなく、博物館

全体のことを考えた仕事をしよう」という意識改革

の意味も込めて、こういう形態になりました。

時代別の展示は、展示を作る学芸員たちにとって

大変な作業です。たとえば、茶道具を展示する場

合など、この掛け軸にはこの茶碗、この釜…と、書

や絵画、金工、陶磁器など、さまざまな分野が協力

しなければ1つの展示が完成しないのです。しかも、

日本美術は保存上、年中出しっぱなしにはできま

せん（絵画・書跡などは1年に4週間しか展示でき

ない）ので、年間のスケジュールに沿った複雑な

調整が必要です。そういったことは、やはり内部の

者でないと難しい。その上で見せ方を工夫するの

が博物館にいるデザイナーの存在意義だと思いま

す。また、各分野が調整し、年間のスケジュールを

出すことで、「冨嶽三十六景は、この時期に行け

ば見られる」など、日本美術ファンの心をつかむこ

ともでき、リピーターの増加も期待できます。

The years since I joined the Tokyo National Museum in 1999 have seen a succession of major events for the museum, including the opening of the Heiseikan (Japanese Archaeology Building), the museum’s becoming an independent administrative institution, and the renovation of the Honkan (Japanese Gallery). In particular, the Honkan renovation in 2004 completely renewed the exhibition system, bringing together displays by subject on the first floor and making the second floor an exhibition of Japanese art through the ages with displays arranged chronologically. Displays by genre are meaningful both for people who want to view them in depth and for specialists. They are too specialized, however, for visitors from overseas and for the general public, and do not offer them an overall grasp of what Japanese art consists of. For this reason, we categorized the artwork according to period, and used the entire gallery to display them in conjunction with their historical and cultural background. A major factor in implementing this chronologically arranged exhibition was the large-scale organizational transformation that took place when the museum became an independent administrative institution in 2001. Prior to that, the organization was set up entirely according to genre, with paintings, crafts, and so on managed completely separately, partly for reasons of artwork management. That meant that people researching paintings were unable to enter the crafts storerooms, and vice versa. This would not make the museum an enjoyable place for visitors, however, so the specialized sections were abolished, and the Curatorial Board also disappeared. This was a great shock for the curators, but the present shape of the museum was arrived at with an awareness that it is the job of museum curators to think not only about their own specialized subjects, but the museum as a whole. Preparation of chronological exhibition imposes a lot of work on the curators. For example, when displaying tea-ceremony utensils, they might well think that this scroll goes with this tea bowl and that kettle. A display of tea-ceremony utensils cannot be completed without the cooperation of people in many other fields, such as paintings, metalwork, and ceramics. Furthermore, Japanese art cannot be exhibited year-round for conservation reasons (items such as paintings and calligraphy can only be displayed for four weeks out of a year), which means that complicated coordination of exhibitions in accordance with the Museum’s yearly schedule is required. This sort of thing is difficult for people who are not insiders. Herein lies the significance of designers working within museums, who can devise display methods as required. Coordinating between the different genres and producing a yearly schedule means we can effectively attract fans of Japanese fine art by letting them know when they can view famous works such as Hokusai’s “Thirty-six Views of Mount Fuji,” for example, which should increase the number of repeat visitors.

東京国立博物館 事業部 事業企画課 デザイン室長 木下史青（きのした・しせい）氏

The Tokyo National Museum has something unusual among Japanese art galleries and museums: a design office, staffed by a full-time designer. “To convey the beauty of Japanese art to the fullest, it’s important to devise ways of showing it off,” says Shisei Kinoshita, senior manager of the Exhibition and Graphic Design Office. He gave us his views on the future of galleries and museums, including display methods.

Shisei KinoshitaSenior ManagerPlanning and Development Section,Planning and Development Department,Tokyo National Museum

博物館にデザイナーがいる理由

Why museums have designers

Display Design Enhances the Beauty of Japanese Art

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Lighting experiments: changes in the expression of painted autumn grasses. (a) Flat light(b) Right-left balance changed. (c) Warm lighting like evening light. (d) If the lighting is dimmed further, the gold leaf ground stands out.

“Autumn Grasses” folding screen by Tawaraya Sousetsu (Edo Period) in the collection of the Tokyo National Museum. (Important Cultural Asset)

ここ数年、若冲ブームなど、日本美術が見直されは

じめています。今年の春、東京ミッドタウンに開館

したサントリー美術館も、日本美術中心の美術館

です。設計図面の段階で1度見せていただいて

いたのですが、実際に足を運んでみると、想像以

上に作品が良く（美しく）見えたことに驚きました。

職業柄、どこの館にいっても、どうしても作品よりも、

照明や展示ケースに目がいってしまうのですが、

サントリー美術館では、まず作品が目に入ってきた。

そういう風に感じさせる展示は、良い展示です。「江

戸切子ってこんなに綺麗だったのか」と新たな発

見もありました。日本美術は作品が脆弱なので、

展示ケースの存在は欠かせません。しかし、サント

リー美術館ではその存在すら目立たないように

極力消してある。あれはケースメーカーも「展示

ケースはどうあるべきか」という考えをきちんと持っ

ていないとできないと思います。

東京国立博物館の現在の本館が再建された昭

和13年当時（東京国立博物館旧本館は大正12

年の関東大震災で損壊。昭和12年竣工、翌年開館）

は、作品がガラスケースに入っていること自体が凄

いことでした。あれを見た当時の人は、「ガラスの中

に絵が入っているかっこいい博物館ができた！」と

感じたはずです。それが全国の美術館・博物館に

広まり、現在のスタンダードとなっています。しかし、

今や、作品を良く見せるには、ケースの存在感はで

きるだけ消して、“本物”の臨場感を出しましょうと

いう流れになってきた。それを形にして見せてくれ

たのが、サントリー美術館だと感じましたね。ガラスケ

ースで守りながら見せる方式の美術館・博物館は、

ここまできたかと…。もちろん新築だから思い切った

手法がとれたのだろうという部分もありますが、ああ

いう展示が色々なところで見られるようになれば、

日本美術はもっと楽しくなると思います。

With the Jakuchu boom and other trends, Japanese art has begun to be viewed in a new light in recent years. The Suntory Museum that opened in Tokyo Midtown this spring also focuses on Japanese art. I saw the floor plans once during the design stage, but when I actually visited I was surprised at how much better (that is, more beautifully) than I had imagined the works could be seen. As a professional, I always notice more about the lighting and display cases than the works themselves in the gallery, but at the Suntory Museum the artwork was the first thing to catch my eye. Any display that makes visitors feel that way is a good display. I myself discovered that Edo kiriko (cut glass) is lovelier than I had always thought. Japanese works of art are fragile, and must therefore be kept in display cases. At the Suntory Museum, however, they have done their best to prevent the presence of the display cases from being noticeable. I think this could not have been achieved without the case manufacturers also having a firm idea of how display cases should be made. When the present Honkan of the Tokyo National Museum was rebuilt in 1938 (the former Honkan had been destroyed in the Great Kanto Earthquake of 1923; the present building was completed in 1937 and opened the following year), the mere fact that works were placed in glass cases was groundbreaking in itself. People of the time who saw it must have perceived this as a stylish museum, with its paintings behind glass. The trend spread to galleries and museums nationwide, and has become today’s standard. Now, however, the trend is toward making cases as unobtrusive as possible, creating a sense of realism for the “real thing.” I felt that the Suntory Museum showed me this in concrete form. This is how far galleries and museums that simultaneously protect and show off their works in glass cases have come. Of course, the fact that this museum was newly built probably enabled the management to adopt all the techniques it wanted to, but if such displays could be seen in more places I think Japanese art would become more enjoyable.

Shisei KinoshitaSenior ManagerPlanning and Development Section,Planning and Development Department,Tokyo National Museum

Shisei Kinoshita was born in 1965. After completing graduate studies in the Faculty of Fine Art at Tokyo National University of Fine Arts and Music, he became an assistant in the university’s Design Department and then worked for Lighting Planners Associates before taking up his present position as senior manager of the Exhibition and Graphic Design Office at the Tokyo National Museum. He also lectures in the Design Department at Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music and the Department of Crafts at Joshibi University of Art and Design. Exhibitions he has worked on include “Visions of the Pure Land: Treasures of Byodoin Temple” (2000). The Japanese Society for the Science of Design awarded him its 2006 Annual Product Award for his Renewal of the Tokyo National Museum Honkan Japanese Gallery (2004). Publications include Hakubutsukan ni Ikou (“Let’s Go to the Museum”) (Iwanami Shoten) and co-authorship of Showa Shoki no Hakubutsukan Kenchiku (“Museum Architecture in the Early Showa Period) (Tokai University Press).

The relationship between Japanese art and light

Glass display cases that both show off and protect

I feel that a major factor in bringing out the beauty of Japanese art is the use of lighting. It’s fine just to train a spotlight on the Venus de Milo from above, for example, but unless you try illuminating Japanese Buddha images from above and below or from a variety of angles in a process of trial and error, their original expression will never emerge.In last year’s special exhibition from the Price Collection, “Jakuchu and the Age of Imagination,” the collector, Joe Price, had his own opinions, and we put together the exhibition using exposed displays and varying levels of lighting. This was quite adventurous from the museum’s perspective, where the received wisdom is to enclose works in glass cases and illuminate them uniformly to aid visibility. We discovered, as a result, that bright illumination alone cannot fully bring out the beauty of Japanese art. For example, the dimmer the illumination of gold leaf, the more the gold glows so that it stands out almost dazzlingly. Artists in those days must have calculated the conditions under which their works would be viewed and adapted their materials and methods accordingly. This means that these works would reveal their full beauty inside a traditional Japanese house or under naturally shifting light. How far can we elicit this impact inside a museum, under artificial lighting? In this exhibition, we incorporated stage lighting techniques into the exhibition, and repeatedly experimented with different lights. As a result, we were able to produce lighting that also satisfied Mr. Price, and young visitors were overheard saying, “I never knew folding screens were so magnificent.” I would like to incorporate the success of this and other special exhibitions into our regular exhibitions. This may sound rather abstract, but I feel it would make museums more interesting if, rather than simply imitating natural light or just recreating the era in which the work was produced, we can use technology to reinforce the power and impact inherent in the works.

見せながら守るガラス展示ケース

日本美術の魅力を引き出す要素として、照明の

力は大きいと感じています。たとえば、ミロのビー

ナスだと上からスポットライトを当てるだけで良いの

ですが、日本の仏像は、上から下からと、さまざまな

角度から光を当てて試行錯誤しなければ、その作

品が本来持っている凄みが出せません。

昨年行った特別展「プライスコレクション 若冲と江

戸絵画」では、コレクターのジョー・プライス氏の意

向もあり、露出展示や光の変化をつけた展示をお

こないました。これは「作品はガラスケースに収め、

見やすく均一に照らすもの」という博物館の常識

からすれば、かなりの冒険です。その結果わかっ

たのは、日本美術はただ明るく照らすだけでは魅

力を十分に引き出せないということです。たとえば、

金箔は暗くするほど、金が底光りして眩しいほど

鮮やかに浮かび上がります。当時の作家は、作

品が鑑賞される状況を計算して、素材や技法を

工夫したはずで、それは伝統的な日本家屋の中や、

自然の移ろう光の下でこそ真価を発揮するのです。

その凄みを、博物館の中で、人工照明で、いかに

して引き出すか— — 。当館では舞台照明的な装

置を展示に組み込み、さまざまな照明実験を繰り

返しました。その結果、プライス氏も納得する光を

表現することができ、「屏風ってこんなに立派だっ

たんだ」と話す若者の声も聞けました。こういった

企画展での成功は、今後、平常展にも取り入いき

たいと思っています。少し抽象的になりますが、単

純に自然光をまねるだとか、その作品が作られた

時代を安易に再現するのではなく、本物の持つ

迫力や凄みを技術で裏付けていくことができれば、

博物館はもっと面白くなると感じています。

日本美術と光の関係

照明実験・描かれた秋草の表情が移り変わる

a：フラットな光

b：左右バランスを変化させる

c：夕暮れのような暖かい光に

d：さらに暗くすると金箔の地が浮かび上がる

重要文化財《秋草図屏風》俵屋宗雪、江戸時代、東京国立博物館

Display Design Enhances the Beauty of Japanese Art

a b c d

東京国立博物館 事業部 事業企画課 デザイン室長

木下史青（きのした・しせい）氏

1965年生まれ。東京藝術大学大学院美術研究科修了。

東京藝術大学美術学部デザイン科助手、（株）ライティング

プランナーズ アソシエーツを経て、現在、独立行政法人国

立文化財機構･東京国立博物館デザイン室長。愛知県立

芸術大学デザイン科、女子美術大学芸術学科 非常勤講師。

『国宝・平等院展』（2000年）

などの特別展の展示を手がけ

る。『東京国立博物館 本館

日本ギャラリーリニューアル』

（2004年 ）で平成18年度日

本デザイン学会年間作品賞

を受賞。著書に『博物館に行

こう』（岩波書店）、『昭和初

期の博物館建築』（共著・東

海大学出版会）。

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