Numero 02 / Efímero

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Alberto Domínguez RuvalcabaDirección / Edición Laura Domínuez RuvalcabaVentas ⁄ Relaciones Publicasvava.Diseño

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Nómada es una revista gratuita, bimestral. Abril 2014. Deportivo San Cristóbal de Las Casas. Chiapas, México. C.p. 29200 Tel. 967 135 68 66. nomadamag@gmail.com. www.nomadamagazine.com. El contenido de los articulos firmados son responsabilidad de sus autores y no refleja necesariamente la opinion de la revista nómada. Se prohibe su reproduccion total o parcial. Permisos en trámite.

portada Srita Cobra diseño Bodigar Mascareñas foto Adriana Morales cine La Danza del Hipocampo música radio palmera arte Roberto Partida / Romeo Dolorosa no border Jeremy Geddes / Alma Haserin

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nomadamagazine.com facebook / nomadamagazine twitter / @nomadamag

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Corta duración, comienza y acaba rápido, Pasajero, momento, ¿recuerdo?, Arte efímero es toda aquella expresión artística concebida bajo un concepto de fugacidad en el tiempo.

Efímero tiene en su génesis un componente de transitoriedad, de objeto o expresión fugaz en el tiempo. Es un arte pasajero, momentáneo, concebido para su consunción instantánea.

Muy ligado al arte conceptual, al arte de acción, porque lo que importa es la idea o el concepto que es la que lleva al artista a realizar su obra, algunas de las modalidades son el Land art, Earth Art, graffiti, happenings, arte povera o el arte de acción.

Alberto Domínguez Director, editór , diseñador.Nómada magazine

Srita CobraCarnicera

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Alberto Dominguez RuvalcabaDirección / Edición Laura Domínuez RuvalcabaVentas ⁄ Relaciones Publicasvava.Diseño

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Srita. Cobra diseñadora multifacetica, estudio Diseño de información en la UDLAP con una especialidad de Diseño Textil por EDINBA. Su trabajo es una mezcla de pintura, collage e ilustración con temas sobre el ser humano y su relación con otros seres vivos. Muchos de ellos son sus propios trips con estilo kitsch, texturas, recortes. Ha tenido colaboraciones importantes como en la por-tada de album de Carla Morrison, un intervención mural y exibición en GURÚ Galery, colabora en el semanario FRENTE, Mural para VANS (Kiss My Vans).

La Srita. Cobra nos mando algo de su hermoso portafolio para Nómada, checa más de su trabajo en su web.

sritacobra.tumblr.com

" S i e m p r e m e h a n g u s ta d o l a s r e l a c i o n e s h u m a n a s , e s d e c i r : C ó m o e l s e r h u m a n o r e a c c i o n a a c i e r ta s a c t i t u d e s , h a c i a o t r o s s e r e s v i v o s , c o n é l m i s m o "

SRITA.COBRA

1. el niño del cornete2. niño santo3. vanesa

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TRANSFORMAR EL ESPACIOr o b e r t o p a r t i d a

S u c o n d i c i ó n e f í m e r a h a c e q u e u n d í a u n m u r o p l a n o

a p a r e z c a l l e n o d e r a y o n e s , y q u e u n

d í a d e s p u é s v u e l v a a b l a n c o s e l m u r o .

Fotos_ alejandra carcedo

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El stencil es un molde que facilita la reproducción de imágenes con una infraestructura casera. A partir del trabajo de Banksy y Shepard Farley (con su proyecto OBEY) el stencil entra directa-mente en la discusión sobre el uso del espacio público, con un carácter subversivo, anónimo y efímero. El neografitti o guerrilla art es como se le llama a estas imágenes puestas en la calle, ya sea con el afán de decorar la ciudad o denunciar inconformidades. Su sola presencia habla de un ejercicio de reacción frente a la estética guber-namental o la publicidad electoral y comercial que se han apoderado del espacio público. El stecil así vale como una forma de reapropiación del espacio público (el espacio por excelencia de intercambio entre los ciudadanos de manera inmediata), pero también como recurso de manifestación frente a lo anodino del mundo citadino. Su condición efímera hace que un día un muro plano aparezca lleno de rayones, y que un día después vuelva a blancos el muro.

Mi trabajo sobre el muro me ha posibilita-do transformar el espacio público, pero esa transformación puede permanecer dos días, a veces tres años, esta condición es un precepto

aceptado por todos los que trabajamos legal o ilegalmente la calle. Además se auna la interacción de los viandantes con la pieza, la van transformando. Un día alguien le pinta un pito o bigotes, raya sobre ella y ésta deja de ser la pieza concebida... pero sin lugar a dudas un día inevitablemente desaparece. Aunque... Banksy cuenta que una noche hacía un grafitti muy elaborado y fue pescado por la policía, al huir tuvo que me-terse debajo de un auto para perderlos. Bajo el auto pensaba que había demorado demasiado tiempo en su pieza, así que pensó que debía hacer piezas que fueran facilmente repro-ducidas y en cualquier caso huir sin lamentar la perdida de la pieza. Empezó por hacer moldes de cartón con el contorno de ratas... fácil de aplicar y de abandonar. Ésta idea efímera de crear un molde para ser abandonado y una pieza para surgir en segundos y probablemente desapa-recer ha sido modificado por las leyes del mercado. Ahora sus piezas en espacios públicos han aumentado el valor de los inmuebles intervenidos. Entonces los londinenses resguardan con micas de acrílico las piezas, y así aseguran su permanencia sin ser alteradas, sin sufrir el efecto de la vida urbana. La vuelta de la tortilla.

roberto-partida.tumblr.com

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LA INFANCIA TIENE SUS PROPIAS MANERAS DE VER, PENSAR Y SENTIR; NADA HAY MÁS INSENSATO QUE PRETENDER SUSTITUIRLAS

POR LAS NUESTRAS.

JEAN JACQUES ROUSSEAU

Fotos_ Adriana Morales Texto_ Valentina Ruiz Gayol

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La infancia es un salto. Es ese efímero momento donde el hombre se encuentra suspendido en su presente. Sus ojos bien abiertos, sin preocupación de su pasado ni concien-cia del futuro, simplemente ahí, viviendo ese brinco, tan asombroso y poderoso. El poder de la infancia es el mismo poder del salto. El impulso enérgico que es el trampolín del nacimiento, una explosión. Salir a la vida, ver todo por primera vez, ¿que otra cosa podría tener más fuerza?

Rainer Maria Rilke dice que la única patria del hombre es la infancia. Uno de los poetas más importantes de la lite-ratura universal encuentra su única salvación, su nicho, su hogar en la infancia, es ese lugar de la vida del hombre donde sale el sol.

Adriana Morales al fotografiar estos instantes, ha foto-grafiado el sol. Nos regala ese incalculable momento de la vida del hombre, tan fugaz como eterno. La fotografía así como la infancia tiene la capacidad de capturar el tiem-po: mágico y efímero Ese relámpago que encontraremos hasta en los ojos de un viejo: la chispa de su infancia, el inicio, efímero salto.

Fotos_ Adriana Morales Texto_ Valentina Ruiz Gayol

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Jeremy Geddes es un pintor , ilustrador y fotógrafo hiper-realista neocelandés que vive y trabaja en Melbourne, Australia. Geddes, es famoso por su serie de pinturas llamada “El Cosmonauta“, también ilustra portadas de cómics y novelas gráficas. Amante de los videojuegos y del café, con un estilo que le ha dado fama mundial entre los críticos.

La técnica impecable y depurada que moldea en cada una de sus pinturas está cargada de un dramatismo demoledor que desnuda la impresión de aquellos quienes deciden emprender el análisis de su arte.

Su inspiración nace en la iluminación natural de los perfectos escenarios urbanos; situaciones que manifiestan lo difícil que es vivir en una colectividad capitalista. Elementos que Jeremy ha retomado para establecer un diálogo visualmente articulado por medio de la combinación de sentimientos aberrantes y emociones que se perciben en cada movimiento expuesto por algunos de sus personajes.

La perspectiva con la que plantea la relación de la vida y la gravedad, hace flotar cualquier mente mimetizada. Las palomas en sus obras pueden interpretarse como el esplendor de la misma libertad o como la represen-tación utópica de colapsar sin temor a perderse.

jeremygeddesart.com

JEREMY GEDDESa r t e h i p e r - r e a l i s m om e l b o u r n e A u s t r a l i a

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NO BOR-DER

1. Ascent2. Cluster3. Acedia

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ALMAHASERt e n s e c o n d s p r o j e c t

Ten Seconds Project, es un proyecto de la artista Alemana Alma Haser, un proyecto interactivo en elque cualquier persona de cualquier rincón del planeta puede participar, enviando a Alma un autorretrato mientras juega al escondite.

En su proyecto Ten Seconds Project la artista ofrece un homenaje a uno de los juegos más recur-ridos por los niños, las escondidas, mismo que usualmente jugaba con su hermanos. El proyecto consiste en que la artista deja su cámara en espera por diez segundos y ella tiene que buscar en donde esconderse dentro del intervalo de tiempo, durante toda la colección podemos ver a la artista en una variedad de poses y lugares, recordándonos que la fotografía también puede ser lúdica.

tensecondsproject.co.ukhaser.org

Imagenes de Alma Haser. Ten seconds project.

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r o m e o d o l o r o s a ( C h i a p a s )d e s u s e r i e e l o r i g e n d e l a s e s p e c i e s

romeodolorosa.tumblr.com

ROMEO DOLOROSA

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ISABELRUÍZ( p u e b l a )o b j e t o e f í m e r o 2 0 1 4d e l a s e r i e h o n r a r l a s p é r d i d a s

1. muñeca2. taza

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RECORDAR ES VOLVER A PASAR POR EL CORAZÓN

" L A D A N Z A D E L H I P O C A M P O " entrevista con Gabriela Dominguez Ruvalcaba

s i p u d i é r a m o s e l e g i r 7 m o m e n t o s q u e r e s u m i e r a n t o d a n u e s t r a v i d a , ¿ C u á l e s s e r í a n ?

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RECORDAR ES VOLVER A PASAR POR EL CORAZÓN

Nm: ¿Qué implicó trabajar con materiales de archivo familiar para la realización de la película?

GDR: Fue un hermoso proceso que requirió de mucho cuidado por la antigüedad del material. Por mis manos pasaron archivos en s8mm que databan de los años 50’s y cintas de Betamax gra-badas hace más de 30 años. Asimismo el material de archivo me enfrentó a situaciones donde las decisiones iban a favor del tiempo narrado, del espacio fílmico. Por ejemplo, para la selección del material, intentaba trascender del vínculo sen-timental con las imágenes de mi familia y apartarme de mi propio relato para verlo como una historia que tuviera una narrativa atractiva y honesta, también me hizo revisitar las películas que yo había visto tantas veces, pero con otra mi-rada, una que buscaba asociaciones narrativas, metáforas visuales, formatos, colores, texturas... es decir, reinterpretar el archivo. En relación a la digitalización del material, el proceso fue to-talmente intuitivo y artesanal. Todo se realizó con un proyector recuperado en un mercado de antigüedades. El material en super8 y 8mm se retroproyectó para grabarse en HD y el ma-terial en Betamax se transfirió vía Canopus, recomprimién-dolo para poder así ajustarlo al formato final. En total fueron aproximadamente 20 horas de material de archivo las que se utilizaron . Asimismo, el audio provino de archivos familiares, cintas de cassette de audio y originales de los materiales en Betamax. Al final se obtuvo un resultado visualmente bien lo-grado, respetando las texturas, los tamaños y la estética de cada formato. Con esto se enriqueció la propuesta visual y sonora, que era uno de los desafíos iniciales del documental, experimentando con el material de archivo para abordar así el tema de la memoria.

Gabriela Dominguez Ruvalcaba Nació en Chiapas (1981). Es Licenciada en cien-cias de la comunicacion por la UDLAP. Tiene un Máster en documental de creación por la UAB (españa). Realizadora de cine documental, su trabajo experimenta con distintas formas narrativas que entre cruzan el ensayo, la mirada anrtopológica y el uso creativo del lenguaje audiovisual.La danza del hipocampo es su ópera prima con la que obtuvo el Fondo para la producción cinematográfica de calidad del IMCINE y recien estrenada mundialmente en la ultima edición del FICG 29.

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Nm:¿ En nuestros tiempos, qué podemos apren-der del discurso que se vierte en “ La danza del hipocampo”?GDR: Creo que la respuesta va más allá de nuestro tiempos, me parece que la reflexión es atemporal y que ha sido objeto de estudios, análisis o expre-siones de todo tipo. Me refiero al tema del vivir el momento con “todos los sentidos puestos”. Las películas caseras son falsas, son sólo representa-ciones de un instante que necesitan revivirse con la palabra, con la anécdota, con el corazón. En consecuencia, lo anterior requiere que hagamos uso de nuestra consciencia para así no dejar que las máquinas sean las que representen nuestro recuerdos.

Nm:El filme tiene importantes referencias científicas en torno a la construcción de la memoria ¿Cómo logró incorporar estas informa-ciones sin perder el discurso íntimo y emocional que porta “La danza el hipocampo”?GDR: La decisión de hacer uso de referencias científicas respondía a una curiosidad real en el tema de la memoria y sus procesos quí-micos y neurológicos. El reto era cómo lograr incluir ese lenguaje científico a una propuesta audiovisual que se integrara armónica-mente con el discurso del guión. Definitivamente, Henri Bergson fue una gran inspiración, leer su libro “Materia y Memoria” me ayudó a reflexionar la ciencia desde la propia experiencia, traducirla a un lenguaje de imágenes y metáforas como lo haría en un acercamien-to poético o como se lo contarías a tu mejor amigo.

Nm: ¿Cual fue la inspiración para hacer un filme sobre la memoria y, de manera general, cuáles fueron sus inspi-raciones cinematográficas?

GDR: Una profunda reflexión sobre el tema de la memo-ria fue lo que incitó mi curiosidad por los recuerdos y los archivos. Personalmente no deja de inquietarme cuáles serán los recuerdos que preservarán las nuevas genera-ciones ante la saturación de fotografías y videos a las que están expuestos, coleccionando imágenes que muchas veces no significan nada... Todo lo contrario a las perso-nas de mi generación o generaciones anteriores quienes, con tanto sólo unas cuantas imágenes en nuestro ha-ber, teníamos la impresión de recordar épocas enteras o hacer emergir sensaciones desde lo más profundo de nuestro corazón. Y bueno, finalmente la memoria es un tema muy recu-rrente en la historia del cine documental y ha sido abor-dado por infinidad de realizadores. Entre ellos, y en los cuales he encontrado inspiración para varios de mis trabajos, se encuentran Chris Marker, cineasta francés quien se preguntaba cómo hacía la gente para recor-dar cosas que no habían sido fotografiadas ni grabadas o Stan Brakhage, avangardista estadounidense quien construía poesías visuales a partir de collages de ma-teriales en 8mm, explorando así la estética poética más que la narrativa. Igualmente la aproximación basada en estructuras narrativas guiadas por voces off del cineasta experimental Alan Berliner fue una gran influencia para mí.

La Danza del Hipocampo México. 2014. Color. 80´ladanzadelhipocampo.com@danzahipocampo Para ver el Trailer

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ARTEDISEÑOLOCAL.

MARIE SOL PAYRO FRICCOURT// EL ARTESANADOR // CORAZON ARTESANAL // MAYA KOTAN // MINA ALVAREZ // LACOMPRELUCIA BARAIBAR

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Maya Kotan significa “nuestro corazón maya” en tzeltal, y es una referencia a la identidad de las te-jedoras con la que colaboramos en Chiapas y Guate-mala. Ellas tejen en telar de cintura , una técnica de más de cuatro mil años, y que aprenden desde muy temprana edad de sus madres y abuelas. Todo en Maya Kotan es hecho con algodón 100% teñido ecológicamente y libre de cancerogénicos. Producen una amplia variedad de bufandas, chales, bolsos y textiles para el hogar.

facebook. MayaKotan

MAYA KOTAN

Lacompré ® es un proyecto textil independiente que crea moda contemporánea, elaborada con las manos y con el alma, ofrece a sus clientes la calidad en el detalle y la calidez en sus bordados, realizados en las comunidades tsotsiles.

Somos una empresa que promueve el bienestar de una comunidad de mujeres artesanas de los altos de Chiapas.

Nuestro sueño es crear con libertad y que estas crea-ciones toquen los ojos de mucha gente, porque así vemos cumplirse, los sueños de Pascuala, María, Priscila, Micaela, Josefina...

LACOMPRElacompre.mx

mayakotan.com.mx

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Lucía Baráibar lleva 10 años en la elaboración de joyeria su colección de joyería está inspirada en los colores de la naturaleza, en formas divertidas que combinan piedras naturales, cuero, plata .925 y el ámbar de Chiapas, una hermosa gema que encapsula toda la buena vibra del su-reste mexicano.

Esta línea está certificada con la Marca Chiapas Original, ya que cumple con todos los requisitos relativos a calidad, originalidad, presentación y diseño que requiere el Con-sejo Regulador de la Marca Chiapas.

LUCIA BARAIBAR

Originaria de la Ciudad de México Mina Álvarez inicia su camino en el mundo de la moda 30 años atrás. Después de un recorrido por el estado de Chiapas descubre la sonrisa de Rosa indígena tzotzil, el olor a leña y el colorido de los telares, elementos que dieron un giro a su vida impul-sándola a crear su propia línea llamada “Mina Álvarez”. Dicha línea está conformada por joyas textiles que emergen de los telares de cintura y que plasman la esencia de las mujeres Chiapanecas inspiradas en la belleza, el color y las texturas de la región, inspiración misma, que se convierte en el sello artístico de las zonas autóctonas.

Mina Alvarez, cuenta con una colección de más de 150 productos con diseños que se componen de telares bordados por 65 artesanas de las comunidades de Zinacantán, San Juan Chamula, Larráinzar y Comitán; por lo que al adquirir alguna de estas piezas se está contribuyendo al bienestar social y económico de cada una de ellas.

Así Mina Álvarez busca la innovación de técnicas y materiales para de-sarrollar una estética contemporánea que fusiona elementos artísticos y artesanales promoviendo la moda fusión entre el diseño indígena y sus diseños innovadores teniendo como prioridad impulsar el trabajo de aquellas mujeres, que en su mayoría, son el sostén de su familia.

Sus piezas únicas e irrepetibles, son el resultado de una filosofía ar-tística que privilegia la exclusividad, la elegancia y la calidad ante todo.

MINA ALVAREZ

joyeriaquintosol.com

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cal Proyecto fundado por la Diseñadora Gráfica, Egresada de la Univer-

sidad Iberoamericana Campus Santa Fé , especializada en Moda, Mai Martínez León Valdez, con el compromiso de apoyar a mujeres indíge-nas bajo los principios de un Comercio Ético, con pagos justos y dignos por su tiempo, asimismo mostrar y enseñar nuevas técnicas para el desarrollo de nuevos productos. Su primer proyecto esta inspirado en los Altos de Chiapas, sus colores, tejidos, costumbres y gente. El Equipo esta conformada por Mujeres de diferentes lugares de Chiapas como; San Andrés Larráinzar, Zinacantán, Amatenango, San Juan Cha-mula, Pantehlo y una diseñadora Mai Martínez León Valdez. Proyecto que inició a partir del año 2012, con el objetivo de dar a conocer la artesanía de varias regiones de México, por medio del desa-rrollo de nuevos productos con diseños contemporáneos elaborados por artesanos, para generar un mayor mercado de comercialización, logrando mejorar las condiciones de las mujeres artesanas. corazonartesanal.com

CORAZON ARTESANAL

El Artesanador Centro creativo de arte y escenario cultural, es un taller de Marionetas y Artes manuales liderado por Licha Matita y Jorge del Mundo, pertenece al Consejo Estatal para las Culturas y las Artes de Chiapas, todos los días se realizan actividades ta-llerísticas, talleres multidisciplinarios. Entre Licha y Jorge con las marionetas y el arte fomentan su creación, su respeto, preservan esta costumbre añeja del mexicano creativo y soñador, la arte-sanía viva que atraviesa las fronteras y nace para encender los corazones de quien los mira, ambos como proyecto de vida deci-dieron dar, compartir y así recibir de quienes les visitan, el amor y la sonrisa, la amistad y la experiencia que les llena y alimenta en su más profundo y puro sentir.

EL ARTESANADOR

MARIE SOL PAYRO FRI0CCOURTMarie Sol Payró Friocourt, artista franco-mexicana con residencia en San Cristóbal, Chiapas. Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad Veracruzana completando sus estudios con di-versos cursos y talleres. Su trabajo artístico va enfocado a la inves-tigación, experimentación y producción de obra a partir del trabajo con el papel hecho a mano, así como también incursionando en la gráfica, la pintura, ilustración y la instalación. Ha participado en ex-posiciones colectivas en Suiza, Francia y distintas ciudades de Mé-xico así como presentado 2 exposiciones individuales como resul-tado de una búsqueda artística a través de la manofactura de papel y trabajo con fibras naturales en el Taller de papel de La Ceiba Grá-fica y el Instituto de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana.

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P ara la realización de las fotogra-fías primeras usamos un placke-

ne para tener fondo suficiente para al colocar 2 cámaras ( una de video horizontal, y otra vertical para las fotos) no se viera la mesa de debajo pero esto al final fue contraprodu-cente ya que con el calor del soplete se hundió y las letras con el calor de

este y al hundirse no tuvieron de-masiada pendiente como para que las gotas cayeran. Añadimos agua y tinta para que quedara mas especta-cular.

b o d i g a r m a s c a r e ñ a sl a d e s t r u c c i ó n d e l o e f í m e r o

Bogidar Mascareñas diseñador gráficoEspaña.

Ephemera proyecto tipográfico conceptual comenzó a partir de la palabra "velocidad". Creo una serie de cuatro carteles efímeros y proceso de destrucción. El proyecto se estructura en dos partes: una la con-trucción que dura mucho tiempo y la destrucción rápida. Por lo tanto, el resultado muestra el proceso de cambio constante, la transición y, finalmente, llegar a lo efímero.

bogidarmascarenas.com

EPHEMERA

Checa el video del proyecto

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P ara la realización de las fotogra-fías primeras usamos un placke-

ne para tener fondo suficiente para al colocar 2 cámaras ( una de video horizontal, y otra vertical para las fotos) no se viera la mesa de debajo pero esto al final fue contraprodu-cente ya que con el calor del soplete se hundió y las letras con el calor de

este y al hundirse no tuvieron de-masiada pendiente como para que las gotas cayeran. Añadimos agua y tinta para que quedara mas especta-cular.

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"No sé qué hora sea, he llamado fuertemente al sol. Hay cerros y tiendas abiertas; antenas, oficinas y edificios se asolean. Hay un incendio tras la casa de mi vecina. El calor me convence de que esos pájaros que trinan, esos perros peleando por unos huesos, la piedra donde he dejado esos huesos esos huesos, las rosas a mis espaldas, somos efímeros, como el humo negro, la escasa nube. También el calor es efímero.."R o b e r t o P a r t i d a

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"No sé qué hora sea, he llamado fuertemente al sol. Hay cerros y tiendas abiertas; antenas, oficinas y edificios se asolean. Hay un incendio tras la casa de mi vecina. El calor me convence de que esos pájaros que trinan, esos perros peleando por unos huesos, la piedra donde he dejado esos huesos esos huesos, las rosas a mis espaldas, somos efímeros, como el humo negro, la escasa nube. También el calor es efímero.."R o b e r t o P a r t i d a

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WUNDER WUNDER

R a d i o p a l m e r ap a b l o m a r t í n e z ( s u c u m o )

Los últimos años las nuevas bandas de música australiana nos han dejado claro que en Australia saben hacer muy bue-na música, y para muestra sobra escu-char a Rüfus, Pnau y Miami Horror entre otros, muchos otros.

A esta lista hay que sumar a Wunder Wunder; un concepto musical desarro-llado por los productores Aaron Sha-nahan y Benjamin Planto, ambos parte de Miami Horror que está enfocado en desarrollar sonidos deliciosos, llenos de colores y tonos psicodélicos que nos re-montan a los 60’s y 70’s.

Wunder Wunder han pasado sus últimos dos años viviendo y produciendo en Los Angeles, y esa influencia e inspiración californiana se nota a la perfección en su último sencillo Coastline que es una joya perfecta para la Primavera que invita a salir corriendo y tenderse bajo el sol .Aunque la influencia directa con Miami Horror es evidente, creemos que aquí hay algo que no escuchábamos desde el 2010 y saben, ¡nos encanta!.

Escucha Coastline

Ilustración:Pablo Sucumosoysucumo.blogspot.mxradiopalmera.com

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