야경, 삶과 죽음의 경계

내게 있어 어둠은 방황이자 괴로움과 외로움을 뜻하는

이미지다. 나는 외롭고 힘들 때마다 야경을 보기 위해

산 정상에 오른다. 어둠 속에서 빛나는 색채를 바라보

면, 숨막히는 도시에서 살아가는 사람들의 삶이 마치 생

명의 빛을 발하고 있는 것처럼 다가왔다.

사람들은 야경을 보기 위해 높은 곳에 오른다. 높은 곳

으로 오르면 오를수록, 정상에 오르기 위해 인내하는 시

간만큼 야경은 원경으로 인해 더욱 아름답게 빛나는 밤

의 풍경을 선사하고, 사람들은 성취감을 느낀다.

나에게도 야경은 인생에 있어 갖은 인고의 끝에 올라

서서 시야에 아련하게 비춰진 환상 혹은 환희로 가득

한 환영이다.

나는 화려한 도시의 야경에 깃든 삶의 희망과 역동적

인 생명력을 탐구한다. 초기의 작업은 열상감지 카메

라를 통해 사람과 사물의 내면을 열로써 감지하고 이

를 작품으로 옮겼다.

이러한 방식은 나의 작업에서 사물 혹은 생명에 대한 이

면을 바라보는 단초가 되었다. 나는 화려한 야경 뒤에

서 느껴지는 어둠, 극명한 삶과 죽음의 경계, 사물이 발

하는 차가운 심상을 전하는 어두운 색과 생명이 발하는

역동적인 빛의 대비, 동시에 그것 사이의 오묘한 조화와

생동에 흥미를 갖고 작업을 진행해오고 있다.

내가 지금 살고 있는 서울은 60~70년대 고도 경제성

장기의 난개발로 인해 여러 가지 삶의 모습이 빼곡하고

무질서하게 들어차있어 답답한 느낌이다. 하지만 밤이

되면 그렇게 답답했던 풍경의 외면이 사라지고 그곳에

서 흘러나오는 빛, 각각의 장소에 깃든 사람들이 내는

조화로운 색채가 눈에 들어오게 된다.

동양화를 전공한 나는 서양화의 구상과 표현방식을 채

택했지만, 여전히 다양한 색채의 분채를 작품의 주재

료로 사용한다. 분채는 화면 안에 전경과 후경의 경계

를 모호하게 만드는 표현이 가능한데, 나는 이것이 야

경을 그리는 작업에서 빛과 어둠의 경계선을 어렴풋이

그리면서 조화롭게 표현하고자 하는 의도에 알맞은 재

료라고 생각한다.

과거와 현재의 경계, 새로운 풍경

이번 작품을 통해 나는 서울이라는 도시의 내면을 드

러내고자 한다. 이를 위해 작품 안에서 15세기부터 21

세기까지 역동적으로 변화하는 서울의 모습을 표현하

고자 했다.

지난 작업의 주제를 도시의 야경으로만 다루었다면, 이

번에는 야경을 배경으로 도시의 과거와 현재를 한 화면

에 담아 시간의 경계를 넘나드는 작업을 하고자 한다.

흑백에서 컬러로, 어둠에서 빛으로 과거에서 현재로, 수

천 년의 굴곡진 역사를 갖고 있는 이곳 한국, 그리고 그

중심인 서울. 이곳에서 살아왔고, 살아오고 있는 많은

사람들의 이야기를 표현하고자 했다.

나는 어둠 속에서도 삶과 희망의 빛은 어디에서든 항상

발하고 있으며, 이 삶이 생동하는 역사는 끊임없이 지속

될 것이라고 믿는다. 그리고 이러한 신념을 토대로 도시

의 보이지 않는 이면이 지닌 역동성을 드러내는 작업을

계속 진행하고자 한다.

전동민 -

한국화

-

조선대학교 미술대학 회화과 졸업 및 동대학원 한국화전공 석사 졸업

개인전

2016 ‘夜景, 삶과 죽음의 경계’ 초대 개인전, 마롱갤러리

2015 ‘color-風景들의 心想世界’ 갤러리耽 선정작가 개인전, 오디세이아 이태원점

2015 ‘color-과거 그리고 현재’ 개인전, iLHO 갤러리

그 외 2여회 전시 다수 (2012~2013)

부스 개인전

2016 ‘1900년 서울 ’ 개인부스전, 니은갤러리

2015 ‘color-風景들의 心想世界’ 갤러리 더 페이지 초대 개인전, 더 페이지카페

그 외 4여회 전시 다수 (2015~2011)

아트페어

2016 힐링아트페어, 코엑스

아트 조형아트페어, 코엑스

서울 어포더블 아트페어, 동대문디자인프라자

아시아 컨템포러리 아트쇼, 콘라드, 홍콩 그 외 3회 참가 다수 (2015)

초대 및 단체전

2016 ‘갤러리 하리수 기획 발언’, 갤러리 하리수

잠실창작스튜디오 8기 오픈스튜디오 ‘다가서기’

시민기획단 기획전시 ‘안녕하세요, 서울씨!’, 서울시청 시민청

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

그 외 100여회 전시참가 다수 (2006~2016)

수상

세종전국미술대전 우수상, 어등 미술대전 우수상, 전국 수묵미술대전 대상,

대한민국 인재상 대통령상, 전국 온 고을미술대전 특별상

작품 소장처

국내 - 세종시청, 대웅경영연구원, 한국천주교순교자박물관, 알파 조선대점, 고려대학교 의과대학,

연세대학교 의과대학, 마롱갤러리, iLHO갤러리, 리채 갤러리, 다온갤러리 그 외 5곳 소장 (서울)

국외 - LA Fine Arts Center(미국), 본다치오네 퀘이니 스탐팔리아(이탈리아) 그 외 5여 곳 소장 (홍콩, 미국, 캐나다)

아티스트 스테이트먼트

-

전동민

02 03

Nightscape, the Boundaries of Life and Death

For me, darkness equals to wandering, suf-

fering and loneliness. I am used to climb on

the top of the mountains to see the night view

whenever I feel lonely or having a tough time.

Looking at the shining colors in the darkness,

it brings me the feelings as if I was looking at

the people shining the brightness of their life

in a suffocating city.

In order to see the night view, people would

have to climb to the high places. As higher

as we climb, the distant view presents us a

more beautiful night view of the landscape as

a result of perseverance and the time spent

in climbing to the mountain top. Along with

that, people often feel a great sense of ac-

complishment.

For me, night view is like receiving a warm wel-

coming that is filled of fantasy or joy reflecting

all the perseverance in my life.

I explored night view of spectacular cities cov-

ered with the hopes and dynamic vitality of

life. In the initial phase of the work, I tried to

get into the inner sides of people and objects

detected by the thermal image camera, I then

transferred them to my work.

This method was used as the starting point of

my work by looking at the other side of objects

or lives. I have been working with the dark-

ness behind the colorful night view in terms

of the boundaries between life and death,

the contrast between the dark color emitted

from the objects and the vibrant light shining

from lives. I have been dealing with the pro-

found and mysterious harmony between dark-

ness and vibrant brightness as the theme of

my work thus far.

I live in Seoul, where due to the overdevel-

oped economy during the high economic

growth period in 60s and 70s; brings us the

feelings of restlessness resulted from social

chaos. However, when it comes to the night

view, what was so confusing and frustrating

all disappeared; instead, the light flows from

there and the harmonious colors of the people

come into my eyes.

I chose to follow the structural composition

and method of expression of Western painting,

yet I still use mixed glaze as the main material

with various colors for my work as I majored in

Oriental painting. Mixed glaze can be used to

blur the boundaries between foreground and

background in the drawing canvas, I thought it

would be best applied for my work of night

view, making the boundaries between darkness

and brightness blurred to express harmony.

The Boundaries of the Past and Present,

New Landscape

I tried to presnet the dynamic change of Seoul

from the 15th century to the 21st century

through my work here for the intention of re-

vealing the inner side of the city, Seoul.

Let’s say only the night view of the city was

covered as the theme in my previous work,

this time, I would like to work on crossing the

boundary of time by putting both the past and

present of the city in a single canvas based on

the background of the night view.

From black and white to color, from darkness

to light, from past to present, with a thousands

of years of history, Korea, and its center, Seoul.

I was to tell the stories of people with lots of

up-and-downs who have lived here and are

living here.

I believe that even in the dark, the brightness

of life as well as hope will constantly come to

us from anywhere, and the history, the world

with full of life will continue unceasingly. Based

on these beliefs, I will continue to work on

revealing the dynamism of the invisible side of

the city through my future works.

Artist Statement-

Jeon Dong Min

04 05

06 07

시간, 흐름 / 200×65cm / 한지에 채색 / 2016

08 09

신촌거리 / 73×50cm / 한지에 채색 / 2015

10 11

경복궁 / 90×72cm / 한지에 채색 / 2016

12 13

Seoul / 145×97cm / 한지에 채색 / 2016

14 15

Hong Kong / 72×53cm / 한지에 채색 / 2016

나의 작품 속에는 투명하고 밝은 하늘이 있다. 작품을

바라보는 관객들로 하여금 삶의 여유 그리고 평온을 찾

았으면 하는 작은 바람이 들어있다.

우리의 인생에서 ‘길’이라는 것은 길고도 험준한 삶의 여

정을 함께하는 동반자다. 때문에 길 위에는 희망과 절망,

외로움과 사랑 등 만감이 서로 교차되는 지점들이 있다.

기존의 나의 작품은 유화 특유의 두껍고 탁한 색을 많이

사용하여 무거운 느낌이 있었다. 나는 이런 느낌을 배제

하기 위해서 붓에 물감을 찍어 화면 위에 두드리며 물감

을 얇게 칠하고 색 자체의 고유한 밝은 느낌을 끌어내려

고 노력하였다. 그래서 작품의 주재료는 유화이지만 전

혀 다른 느낌을 주는 방법에 주목할 수 있었다. 또한 색

은 어둡고 칙칙한 밤하늘보다 경이로울 정도로 낭만적

인 밤하늘을 조화롭게 표현하기 위해서 울트라마린 블

루와 코발트 블루를 주로 사용했다.

최근에 내가 표현하고 있는 ‘길’은 자유와 인생에 관한

소재이다. 우리의 삶에선 겉으로는 보이지 않는 자유로

운 길이 어느 누구든 잠재의식 속에 존재하고 있으며 내

안에도 있다고 생각한다. 그래서 나는 자유롭지 못한 몸

과 이로 인한 내면의 답답함을 표출해내고 어디론가 정

처 없이 떠나가고픈 마음으로 길을 내었다.

작품 안의 길모퉁이 작은집은 심적인 평안과 위로를 받

고 안정을 찾는 곳이다. 잠시 머물러서 차 한 잔의 여유

를 즐기며 휴식을 취하고 재충전 하여 다시 길을 가거나

어쩌면 그곳에서 같은 생각의 동행자를 만나 함께 할 수

도 있고, 어쩌면 머물 수도 있지만 결국 우리는 그 길

끝에 무엇이 있는지 알지 못해도 밝은 내일을 향해 한발

한발 걸어가야 할 것이다.

나는 나의 작품을 보는 사람들로 하여금 그들의 일상에

서 활기를 찾았으면 좋겠다.

김경아 -

서양화

-

대불대학교 회화과 석사 졸업

2016 대한민국현대미술대전 입선

2015~2016 대한민국명인대전 입선

2015 대한민국 파코 미술대전 입선

2009~2015 대한민국장애인미술대전 수상

2014 대한민국현대미술대전 입선

2013 인사아트센타 개인전 1회

아티스트 스테이트먼트

-

김경아

02 03

There is a clear and bright sky in my work. It

is a small wish that, through my work, viewers

can find the relaxation and tranquility of life.

‘Path’ is a companion with a long and rugged

journey in our life. There are spots on the path

where hope, despair, loneliness, love such

mixed emotions running through.

My existing works give a heavy feeling as a

result of the use of thick and dull colors which

present a characteristic of oil paintings. To

avoid this feeling, I tried first to put the paints

on the brush, then slightly knock it on the

canvas, finally apply a very thin layer of paint

to draw out the inherent bright feeling of the

color itself. Therefore, though the main mate-

rial of the work was oil painting, I focused on

how to give a completely different feeling from

oil painting. In addition, ultramarine blue and

cobalt blue were mainly used to fully represent

the romantic night sky in harmony rather than

a dark and dreary night sky.

The ‘path’ I have recently expressed is an ele-

ment about freedom and life. In our lives, the

invisible desire for a free ‘path’ existing in sub-

conscious and inner of our mind. I thereby ex-

pressed a ‘path’ in which the inner frustration

resulted from the unfree body, had led me

make my way out of my mind to go anywhere

else.

The little house at the street corner in my work

is a place for seeking stability, in terms of re-

ceiving the feeling of peace and comfort there.

We can stay in the house for a short while, en-

joy a cup of tea, take a rest to relax and get

ourselves recharged. Maybe we can meet a

companion who are willing to be together with

us on the rest of the path; or maybe even if we

cannot predict what would come at the end of

the path, we would still have to keep walking

foot by foot for our future.

I sincerely hope the viewers can find some en-

ergy in their daily life through my work.

Artist Statement-

Kim Kyung Ah

04 05

가을바람이 스쳐간 길 / 145.5×112.1cm / Oil on Canvas / 2016

06 07

08 09

겨울이 선물로 놓고간 길 / 145.5×112.1cm / Oil on Canvas / 2016

10 11

물길이 닿는 길 / 46×54cm / Oil on Canvas / 2016

바람이 머무는 길 / 90×116cm / Oil on Canvas / 2016

12 13

봄이 오는 길 / 116×90cm / Oil on Canvas / 2016

14 15

별을 세며 걷는 길 / 90×116cm / Oil on Canvas / 2016

나는 청각장애로 인한 의사소통의 어려움이 있다. 그래

서 주변 사람들과의 좋은 인간관계를 유지하기 위해 남

들보다 더 많은 고민을 해왔다. 관계를 언제, 누구와 맺

느냐에 따라 각자 기대하고 기대 받는 것은 다 다르기

때문에, 어떤 것이 옳고 그르다고 규정짓기란 참 쉽지

않은 문제라고 생각했다.

인생에서 또래관계가 가장 중요하다는 10대 때에는 비

장애인 친구들과의 대화에 빠르게 참여할 수 없어서 관

계 형성에 어려움이 많았고, 자괴감이 무척 많은 시절

을 보냈다.

친구관계의 암흑기였던 10대를 지나 20대가 되면서 인

터넷과 메신저의 발달로 문자언어를 통해 자유롭게 선

후배, 친구들과 대화할 수 있었다. 또한 인공와우 수술

을 통하여 조금이나마 소리를 들을 수 있어서 인간관계

에도 점차 자신감이 생겼고 연애도 할 수 있었다. 그러

나 30대가 되어 결혼을 하고 미술치료사로서 사회생활

을 하면서 소통이 필요한 또 다른 관계가 생겼다.

새로운 가족들 사이에서의 관계, 나와 클라이언트들 사

이에서의 관계를 통해 내 역할의 변화와 다양한 상대방

들 간의 기대치 차이가 인간관계에서 중요한 여러 변수

로 작용한다는 것을 알게 되었다.

작업을 진행하면서 새로운 사람들과의 관계 맺기를 통

하여 인간관계의 어려움이 나와 나의 학생들 같은 청각

장애인들 뿐만 아니라, 비장애인들도 똑같이 겪고 있고

똑같이 고민하는 문제라는 것을 깨닫게 되었다.

최근 5년간 작업들은 내 경험에서 느꼈던 인간관계의

애로를 표현한 일종의 자기고백록이라고 할 수 있다.

치유로서의 작업

미술치료사로서 청각장애 아동들과 만나면서 청각장

애 아동들의 삶을 경청하고, 그것을 통해 소통의 의미

와 방법론을 고민했다. 나는 미술치료 때 아이들의 드

로잉을 취합하여 아이들이 가장 바라는 욕망을 조사했

고, 그 안에서 아이들의 드로잉에서 세 가지 비슷한 유

형을 발견할 수 있었다.

첫 번째로는 자신이 싫어하는 사람에 대한 미움의 표

현, 두 번째로는 상대방을 내 맘대로 조종할 수 있는 초

월적인 존재가 되고자 하는 희망, 세 번째는 인간관계

의 답답함에서 자유롭고자 혼자만의 공간으로 도피하

려고 하는 욕구였다.

나는 개인적인 경험과 아이들의 드로잉을 바탕으로 상

대방을 조종하는 초월적인 존재를 표현하고자 했다. 두

사람은 인형극에서 배우가 인형을 조종하는 줄 혹은 교

감하는 신경세포처럼 우레탄 실로 서로 이어져 있다.

청각장애 아이들을 비롯해서 인간관계에 지친 사람들

이 이 작업을 통해서 상처받은 마음을 치유하길 바라

는 마음이다.

김명아 -

설치미술

-

서울대학교 조소과 석사 졸업

2015~현재 루루장애재활치료센터 미술심리치료사

2011~2015 삼성장애아동지원센터 미술심리치료사

개인전

2016 ‘관계-소통의 기술’, 갤러리 이즈

2015 아트서울, 예술의전당 한가람미술관

2014 ‘사람+사람’, 대안공간 눈, 수원

단체전

2016 ‘공감의 기술’, 신한갤러리 역삼

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

PLAS 2016 (조형아트서울 2016), 코엑스

‘시간의 향기’, 조선일보 미술관

2015 서울조각회 정기전, 영은 미술관, 경기도 광주

서울문화재단 잠실창작스튜디오 7기 입주작가 단체전 ‘함께-ing’, 서울시청 시민청

‘행복에세이’, 대안공간 눈, 수원

2014 ‘가을회상’, 아트 스페이스 H

‘걸어온 10년, 걸어갈 10년-비빔밥; 뷔페’, 대안공간 눈, 수원

2013 ‘조각, 광복에서 오늘까지’, 독립기념관, 천안

윤리적 일상, 서울대학교 관악사 SPACE 599

2012 ‘조각, 무엇을 생각하는가?’, 조선일보 미술관

2011 윤리적 일상, 스페이스 함

‘빌라다르와 예술가들’, 토포하우스

아티스트 스테이트먼트

-

김명아

02 03

I have difficulty in communicating due to hear-

ing impairment. This is also the reason that I

have been concerned more than others in

terms of maintaining a good relationship with

people surround me. It is not easy to define

what is right and wrong since the expectations

of each individual as well as expectations

received could be very different depending

on when and with whom the relationship is

formed.

In our lifetime, the peer relationship is taken

most importantly during the teen years; how-

ever, during that time, I was unable to quickly

participate in conversation with non-disabled

friends around me. Thus I had difficulty in form-

ing relationships with peers, and had spent my

teens along with a great sense of shame.

Going through the hard time forming peer rela-

tionship in my 10s; thanks to the development

of internet and messenger in my 20s, I was

able to freely communicate with my seniors, ju-

niors, and friends through text-based commu-

nication. Along with the restoration of my hear-

ing through cochlear implants surgery, I have

become more confident in forming relationship

with others, and was able to date someone. Yet

while having the occupation as an artist thera-

pist, as I got into my 30s and marriage life,

I came to realize there was another relation-

ship which communication is needed.

Through the relationship between my new

family members and me, also the relationship

between clients and me, I found the switch

of my role and the differences between each

other’s expectation are one of the important

factors in relationships.

I had chances to get into contact with new

people therefore forming new relationships

through my work. And during the process, I

came to realize not only the hearing impaired

people like my students and me, but also

those non-disabled people were having the

same concerns over relationship issues and

the difficulties in relationships.

My art works in recent 5 years are to present

what I have felt about the difficulties in human

relationships with accordance to my previous

experiences. It could be considered as a kind

of self-confession.

My Work as an Art Therapist

As an art therapist, I met with hearing-impaired

children to observe their daily life in order to

figure out the significance and methodology

of communication. I collected their drawings

to understand what the most desirable thing

was for those hearing-impaired children; and

through that, I noticed their drawing can be di-

vided into 3 categories that are related.

The first was the expression of hate for some-

one they dislike, the second was the hope of

becoming a transcendent being able to ma-

nipulate others, and the third was to escape

from the frustration of human relationship and

hope to have personal space belongs to them-

selves.

Based on my personal experience and hear-

ing-impaired children’s drawing, I aimed to

express the transcendental existences that

manipulates each other in my work. The two

are connected to each other just like in a pup-

pet show, in which the actor uses the strings to

control the puppet. Or like a sympathetic neu-

ron which is connected by something seen to

be similar to urethane thread. I sincerely hope

those people who are tired of human relation-

ships, including the hearing-impaired children

can have their wounded heart healed through

this work.

Artist Statement-

Kim Myeong Ah

04 05

소통,관계 / 95×70×40cm / 우레탄 실, F.R.P, 철 / 2016

06 07

08 09

억지로 붙잡아두다 / 60×100×122cm / 천, 고리, 철망, 의자 / 2016

10 11

그 남자 / 50×30×200cm / 천, 솜, 옷 / 2016

12 13

갈등 2 / 80×70×9cm / 포맥스, 시바툴 / 2016

14 15

결혼생활에 관한 드로잉 / 27.5×35cm / 디지털필름, P.V.C, 액자 / 2016

현대 사회에서 인간의 몸은 전례 없는 개성화를 반영하

고 있다. 인구가 증가함에 따라 사람들은 자신의 개성적

인 정체성의 표현으로서 건강, 외형 그리고 그들의 용모

에 대해 더욱 더 관심을 기울이고 있다.

생물학적 복제, 유전공학, 성형과 같은 다양한 분야에

서의 발전으로 말미암아 사람들은 몸을 점점 더 임의

의 그리고 선택적 존재로 변화시키고 있으며 유기체로

서의 완전성과 불완전성, 내부와 외부, 허상과 실상의

경계에 대한 철학적 질문을 통해 인체 표현의 다양성

이 제기되고 있다.

메를로-퐁티(M. Merleau Ponty)는 인간의 몸을 통

해 세계를 바라보는 통찰을 제시한다, 그에 의하면 세

계는 인간의 몸을 중심으로 유기적으로 하나가 되어 서

로 정보를 주고 받는 또 하나의 거대한 몸과도 같다는

것이다.

다시 인간의 몸을 또 하나의 세계라고 생각하면 이 미

세한 세계에 의해 가늘고 작게 구조화 된 세포형태들은

다양하게 변형될 수 있는 아주 복잡한 유기체라고 할 수

있다는 것이다. 즉, 몸은 미세한 세포들의 모든 가능성

들이 현실화되는 장소가 되고, 그럼으로써 인간은 복잡

한 세계 속에 존재할 수 있는 것이다.

복잡한 생물학적 유기체로서 수 많은 세포로 구성되어

있는 인간의 몸은 생물학적, 화학적으로 각 세포들과 조

직들간에 서로 영향을 미치고 상호작용을 하면서 특정

한 관계를 이루고 있는 물질적 요소들을 구조화 시킨다.

그럼으로써 단지 유기체로 한정되는 것이 아니라 물리

적인 속성을 갖는 물질적 흐름들, 요소들로 일정한 배

치를 이루고 있는 사회, 정치, 경제, 철학, 예술적 구조

들 모두를 포함하게 된다.

나의 회화 작업에서 보여지는 형상은 거리를 두고 보면

인체의 모습을 가지고 있으나 돌연변이거나 변종, 상식

적으로 존재 불가능하고 그 기능을 상실한 비정형적 형

태로 표현된다.

인체의 속성을 벗어 던진 추상의 모습은 관객의 실재론

적 사고와의 이해 관계를 통해 시각적으로 확인할 수 없

는 현실을 구현하기 위한 수단이 되는 것이다. 추상적

표현은 대상을 사실적으로 재현하고 있느냐의 문제보

다는 보이는 것과 보이지 않는 것, 대상성과 비대상성,

내면과 외면, 의식과 무의식, 현실과 비현실, 이성과 감

성을 자유로이 형상화 하는 데에 초점을 두고 있다.

화면 속 형상의 외형은 근본적으로 비정형적으로 표현

되는데, 자동기술적 드로잉을 통해 드러나는 이 형상은

자율성을 가지게 되고, 이 드로잉은 의식적, 무의식적

행위로 그려진 수많은 선과 면이 결합되는 과정에서 내

면의 심리적 억압을 복합적인 감정으로 표현하기 위한

방식으로 작용한다. 완전한 형상이 분해되고 해체되는

과정에서 그 속이 모두 비춰지고 그 위에 또다시 공간

을 만들어 가며 불완전한 분열 을 통해 보는 이로 하여

금 보다 유동적인 시선으로 유도한다.

이번 작업에 대해

인체의 미시적 세계를 표현하는데 있어서 직접적이고

구체적으로 형상을 드러내기 보다는 간접적, 추상적으

로 표현하고 있다. 이를 통해 유기체는 고정되어 있지

않고 끊임없이 변화하는 살아있는 형태로, 이러한 비정

형적 형태들간의 중첩으로 인하여 드러나는 새로운 공

간과 형상은 그것의 다양한 유기체들간의 상호 작용의

결과임을 보여 주고자 한다.

이동엽

yeop1971@hotmail.com / 010-3152-8781 / www.facebook.com/organicdrawing

-

서양화

-

Chelsea College of Art and Design, University of the Arts London (London, U.K.)

개인전

2015 ‘Organic Drawing’, 롯데호텔 갤러리

2013 ‘The Uncanny Organism’, 수호갤러리, 분당

2012 ‘Organic Drawing’, 갤러리 쿤스트독

2011 ‘Organic Drawing’, 숙명여자대학교 문신미술관 무지개갤러리

2004 ‘Human Display’, Chinese Contemporary Gallery, London, U.K.

부스개인전및아트페어

2016 조형아트서울, 코엑스

2015 제 21회 마니프서울국제아트페어, 예술의전당 한가람미술관

2014 AHAF 2014 (Asia Hotel Art Fair 2014), 소공동 롯데호텔, 계리갤러리

A-AF14 (Able, Access Art Fair), 문화역서울284

The 7th A&C Art Festival, 예술의전당 한가람미술관

2013 KIAF/13 (제12회 한국국제아트페어), 코엑스

단체전

2016 ‘타인의 시선’, 림갤러리

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

Nord Art 2016 (노르트 아트 2016 국제전시회), 부델스도프, 독일

BBuzzShow@Shanghai : 감성, 역동적인 관성에 서다, 주상하이 한국문화원, 중국

‘설레이는 봄, 세종마을!’, 291갤러리

2015 창원아시아미술제, 성산아트홀, 창원

2014 아트캠페인 바람난 미술, 서울시청 시민청

트렁크샵 in DDP, 동대문디자인플라자

‘숨은그림찾기’, 남송미술관, 가평

아티스트 스테이트먼트

-

이동엽

02 03

In modern society, the human body reflects

unprecedented personalization. As the popula-

tion grows, people are increasingly concerned

about their health and appearance to express

their individual identity.

By advancing in various fields such as biological

reproduction, genetic engineering, and plastic

surgery, people are now increasingly trans-

forming their bodies into random and selective

beings. A variety of expressions for human or-

ganisms are being raised through philosophi-

cal questions such as the boundaries between

completeness and incompleteness, inner and

outer, illusion and reality.

M. Merleau Ponty presented an insight into the

world through the human organism, which sug-

gests that the world can be seen as another

enormous body organically united around the

human organism centrally.

Again, considering the human organism as an-

other world, in which it can be seen as a com-

plex organism that can be transformed into

various forms of thin and small structured cells

by this microscopic world. In other words, the

human organism becomes a place where all

the possibilities of microscopic cells become

reality; thereby human can exist in a complex

world.

As a complex biological organism, the human

organism, which is composed of numerous

cells, biologically and chemically interacts

with each other between cells and tissues to

structure the material elements that form a

certain relationship. Thus, it includes not only

an organism, but also flows of material and

elements with physical attributes in which so-

cially, politically, economically, philosophically,

and artistically structures that are constantly

arranged in elements.

The figure shown in my work is expressed

the variant in an atypical form that has the ap-

pearance of a human organism when viewed

from distance, but it is impossible to exist from

a common sense standpoint, and has lost its

function.

Abstraction of the human organism is a means

used to represent the fact that it cannot be visu-

ally confirmed through the relationship with the

viewers’ realistic thinking. The abstract expres-

sion focuses on the representation of visible and

invisible, objecthood and non-objecthood, inner

and outer, consciousness and unconscious-

ness, reality and unreality, rationality and sensi-

tivity rather than whether or not to represent the

reality of the object.

The appearance of the figure in the canvas is

fundamentally expressed in atypical form. The

figure becomes autonomous when it is re-

vealed through the automatic technical draw-

ing. And this drawing method is used to express

the complex feeling by internal psychological

repression occurs in the process of combining

many lines and surfaces drawn consciously and

unconsciously. In the process of decomposing

and dismantling the complete figure, all of the

inner side is reflected, and making space again

on top of it in inducing the viewers to look more

flexibly through incomplete division.

About this Work

In describing the microscopic world of the hu-

man organism, it is expressed indirectly and

abstractly, rather than directly and concretely.

This to emphasize that the organism is in a

non-stationary, constantly changing form; and

the new spaces and shapes are revealed as a

result of the interaction with various organisms

by overlapping these atypical forms.

Artist Statement-

Lee Dong Yeop

04 05

06 07

Organic Drawing / 45.5×45.5cm, 31.8×31.8cm (each) / 가변크기 / Ink, Pen, Indian Ink, Gutta on Canvas / 2016

08 09

Organic Drawing / 45.5×45.5cm / Ink, Pen, Indian Ink, Gutta on Canvas / 2016

Organic Drawing / 45.5×45.5cm / Ink, Pen, Indian Ink, Gutta on Canvas / 2016

10 11

Organic Drawing / 31.8×31.8cm / Ink, Pen, Indian Ink, Gutta on Canvas / 2016

Organic Drawing / 31.8×31.8cm / Ink, Pen, Indian Ink, Gutta on Canvas / 2016

12 13

Organic Drawing / 31.8×31.8cm / Ink, Pen, Indian Ink, Gutta on Canvas / 2016

Organic Drawing / 31.8×31.8cm / Ink, Pen, Indian Ink, Gutta on Canvas / 2016

14 15

Organic Drawing / 72.7×91cm / Ink, Pen, Indian Ink on Canvas / 2015

Organic Drawing – The Eye / 17.5×18.5×9(t)cm / Ink, Pen, Indian Ink on Plaster / 2015

Organic Drawing – The Mouse / 19.5×14.5×9.5(t)cm / Ink, Pen, Indian Ink on Plaster / 2015

Organic Drawing – The Ear / 11.5×17.5×7.5(t)cm / Ink, Pen, Indian Ink on Plaster / 2015

우리 모두가 도시의 기억 속의 흔적이 사라지고 없거나,

급격한 변화를 겪는 순간을 목격하고 경험하며 살아간

다. 그러나 평소에 사람들은 그들 자신을 둘러싼 도시에

압도되어, 도시 곳곳에서 자기만의 색깔을 품고 있음을

알아채지 못한다. 그저 그 색깔을 단면적으로나마 바라

볼 뿐, 도시의 모든 면을 보지 못한다.

우리는 도시의 한복판이자 저 낮은 바닥에서 어떤 모습

이든 어떤 의미에서든, 빛과 그림자 간의 공존을 간과

하거나 애써 외면한다. 아이러니하게도 우리 모두가 어

떻게 보이는지에 상관없이, 아등바등 자신만의 무언극

을 꾸미고 연기하는 데에 정신을 팔려있다.

자신이 살아가는 도시에 대해서 관심을 가지지도 않는

다. 그저 단면적인 부분만 보거나 무언극을 하는 사람

을 본다. 그 모든 것을 높은 곳에 올랐을 때에야, 시야

가 넓어지면서 도시가 물질적이면서도 역동적인 유기

체임을 어느 정도 실감하게 된다. 내 작업은 이와 같

이 도시와 사람 간의 관계에 바탕을 두고 있다. 도시는

다양하고 수많은 것들이 압축되고 중첩된 총체이자 교

환의 장소다.

그 장소에서 물질적인 것과 기억, 언어, 욕망, 추억과 같

은 정신적인 것들은 압축되어서 서로 이야기를 나누며

교환되고 있다. 그 교환 속에서의 여러 이야기는 우리

모두가 자신만의 무언극이 그들만의 색깔을 띤 채로 도

시 속에 숨어있는 이미지 위에서 펼치고 있다.

달동네와 아파트 간의 공존, 강남의 다양한 아파트의 공

존, 원룸과 고급아파트의 공존, 중소기업과 대기업의

사옥이 공존, 한강을 중심으로 차이를 보여주는 풍경, 시

간이 지날수록 변해가는 경치 등등 있다. 그렇기에 참으

로 기묘한 양면성을 띠고 있다고 느껴질 수밖에 없었다.

도시의 바닥에서 의식주를 위해 살아가는 대부분의 사

람들은 그 기묘한 점을 눈치 채지 못한 채 살아가고 있

다. 이와 같이 주변을 되돌아보고 바쁜 일상에서 느낄 수

없이 변화하는 사회적 양상을 표현하고자 하는 바다.

잠실과 노원, 기묘한 양면성

도시의 기묘한 양면성 작업은 도시와 사람 간의 관계

에 바탕을 두고 있다. 이번 작업은 현재 변화가 심한

곳과 장차 변화가 올 곳, 그 두 장소를 골라서 작업하

려고 한다.

전자는 노원구인데, 그 지역은 달동네와 원룸으로 이루

어진 곳과 최신식 아파트로 이루어진 곳들이 서로 공존

하고 있다. 지금도 오래된 동네에서 달동네나 원룸을 허

물고 새로이 아파트를 짓고 있는 곳을 자주 볼 수 있는

지역이기도 하다.

후자는 종합운동장을 중심으로 한 지역인데, 수년 내로

종합운동장 지역을 아주 뒤집어서 재개발할 예정이기

도 하다. 특히 바로 옆인 삼성동에서도 엄청난 변화가

예정되어 있어서, 그 변화 전의 모습을 이번에 담아내고

나중에 그 변화 후의 모습도 그리고자 한다.

이영익 -

한국화

-

서울대학교 동양화과 졸업

2016 시민기획단 기획전시 ‘안녕하세요, 서울씨!’, 서울시청 시민청

제 3회 제주아트페어, 제주 대동호텔, 제주

아트서울 부스개인전, 예술의전당 한가람미술관

SeMA 비엔날레 미디어시티서울 불확실한 학교 ‘상호의존’, 서울시립북서울미술관

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

‘아름다운 동행’, 당진 문예의전당, 당진

2015 문화예술한마당 2015 '다므기', 광주비엔날레전시관, 광주

서울문화재단 잠실창작스튜디오 7기 입주작가 단체전 ‘함께-ing’, 서울시청 시민청

카페 드 유중 Wall Project 선정작가전, 카페 드 유중 이수점

아시아프, 문화역서울284

아티스트 스테이트먼트

-

이영익

02 03

We all witness and experience the moment

when the traces of the city disappear or under-

go rapid changes. However, people are usually

overwhelmed by the city surrounding them so

that they are not aware that every single place

has its own colors all over the city. They were

unable to see every aspect of the city com-

pletely since they only look at the cross-sec-

tional colors.

We tend to ignore or overlook the coexistence

of light and shadows in any sense, disregard-

ing how it appeared and what messages deliv-

ered. Ironically, despite how we all look, we are

absorbed in decorating and playing our own

pantomime.

Many people do not even care about the city

that they are currently living in. They only can

see the city’s cross-sectional parts or the people

who do pantomimes. Only when all of it is elevat-

ed, as the sight being widened, people come to

realize that, to some extent the city is a material

and dynamic organism. My work is based on this

relationship between city and people. A city is a

place where exchange occurs, also where vari-

ous and numerous things are compressed and

overlapped as a whole.

In that place, physical and mental parts such as

memory, language, and desire are compressed

and exchanged with one another. The stories in

the exchange are spreading on the images

that we all hid in the city with our own panto-

mimes in their own colors.

The coexistences between shantytowns which

is called Daldongne and apartments, various

apartments in Gangnam, studio and high-class

apartments, small to medium-sized companies

and major companies; the difference between

two sides of the Han River as well as the scenery

changing over time are shown by landscapes.

This brought me a sense of bizarre from the

double sidedness of the coexistences.

Most people who are busy for their livings tend

to be unaware of this double sidedness. Thus I

aim to express the social aspects that are usu-

ally missed in our busy everyday life.

Jamsil and Nowon-gu,

The Bizarre Ambivalence of the City

The work presenting the peculiar double sid-

edness of the city is based on the relationship

between the city and people.

I selected these two kinds of place as the theme

of my work, where there is full of ongoing changes,

and where there will be changes in the near

future. The former is Nowon-gu, where Shan-

tytowns (Daldongne), studios, and high-class

apartments coexist with each other. It is also

an area where you can frequently see the new

apartments are built in shantytowns.

The latter is an area centered on the Seoul

Sports Complex, which will be huge redevel-

oped within next few years. Especially, there will

be also enormous changes in Samsung-dong,

which is the area right next to Jamsil, Songpa-

gu. Thus I want to capture the appearance of

the city before it is changed, and after.

Artist Statement-

Lee Young Ik

04 05

06 07

도시의 기묘한 양면성 - 노원구 / 117×76cm / 장지에 혼합매체 / 2016

08 09

도시의 기묘한 양면성 - 서울의 어느 달동네 / 100×80cm / 장지에 혼합매체 / 2014

10 11

도시의 기묘한 양면성 - 송파구 / 100×80cm / 장지에 혼합매체 / 2016

12 13

도시의 기묘한 양면성 - 한남동 1 / 100×75cm / 장지에 혼합매체 / 2014

도시의 기묘한 양면성 - 한남동 2 / 100×80cm / 장지에 혼합매체 / 2014

14 15

도시의 기묘한 양면성 - 삼성동 / 80×100cm / 장지에 혼합매체 / 2014

도시의 기묘한 양면성 - 중구 / 80×80cm / 장지에 혼합매체 / 2015

나의 콤플렉스, 나의 이야기

나는 과거로부터 시작된 개인의 콤플렉스를 작업의 소

재로 다룬다. 나는 가시적으로 보이지 않는 ‘청각장애’

라는 단어 대신 ‘콤플렉스’ 라는 단어를 사용해 나와 관

련된 이야기를 시각적 언어로 표현한다. 즉, 나의 작업

은 그 동안 살아오면서 콤플렉스 때문에 느꼈던 수많은

오해와 불안감, 고독과 소외, 불편한 관계를 불러일으키

는 심리적 기저를 표현하는 것에서부터 시작한다.

나는 그 콤플렉스로 인해 여러 가지 고충을 계속해서 겪

었고, 그로 인한 불편한 감정들을 느꼈다. 이런 일들로

인해 나는 외부 세계에 대해 더욱 예민해지고, 심리적으

로도 긍정적, 낙관적이지 못하고 부정적인 면이 늘어갔

다. 솔직히 개인의 열등감에서 시작된 콤플렉스를 작업

의 시작점으로 결정하기까지에는 많은 고민이 따랐다.

콤플렉스의 특성상, 그것은 남이 느끼는 것이 아니라,

내 자신이 주관적으로 느끼는 일종의 결핍감이며, 본인

스스로 그 약점을 이야기하고, 이를 시각적으로 드러낸

다는 것이 다소 불편했기 때문이다. 그럼에도 나는 심

리적 기저에 있는 결핍감을 예술을 통해 극복하기 위해

콤플렉스를 작품의 직접적인 주제로 선택했고, 이를 통

해 과거부터 지금까지 꾸준하게 내 삶의 이야기를 간접

적으로 드러내고 있다.

나의 압축

나의 회화는 그 동안 누적된 경험을 글과 드로잉을 사용

하여 콜라주 형식으로 재구성하는 방식으로 진행된다.

다시 말해 내가 경험한 이야기와 다양한 기록들을 이용

하여 콜라주 형식으로 드로잉을 하고, 그 위에 인터넷

검색 엔진을 통해 수집한 사진, 잡지 등 각종 미디어를

통해 접한 이미지를 중첩시키는 밑작업을 한다. 이후 이

것을 회화로 다시 재구성하는 방식을 주로 사용한다.

화면 안에서 과거의 기억과 현재의 사물, 인물, 소리, 텍

스트가 전달되는 이미지들은 파편적으로 서로 연결되

거나 부딪히고 눌리거나 잘려나가기를 반복하면서 화

면 안에 모습을 드러낸다. 나는 무의식과 의식 속 이미

지 사이를 관찰하고, 그것에 대한 느낌을 화면 안에 압

축시켜 새로운 이야기를 생성해낸다.

내가 이러한 기법을 사용하는 이유는 여러 재료가 주는

형태와 느낌을 하나의 화면 안에 구성하기 위함이 아니

다. 나의 콤플렉스는 과거로부터 내려오는 결과물이라

는 점에서, 잃어버린 사물과 기억이라는 깊숙한 내면의

이야기를 하나 둘씩 끄집어낼 때 차용되는 이미지의 색

감과 형태, 그것이 지닌 동작을 콜라주 방식으로 재구성

하는데 그 의미가 있다.

두 가지 시선

이번에 작품이 전시될 공간을 보자마자 나는 히에로니

무스 반 에켄의 ‘쾌락의 정원’을 떠올렸다. 이 작품처럼

세로가 3미터가 넘는 회화 작품을 설치해보고 싶었다.

나는 입 모양을 보는 것, 귓속에 들려오는 소리를 보는

것이라는 의미에서 ‘두 가지 시선’을 이번 작품에 표현

하고자 한다. 이 주제를 통해 과거부터 현재까지 누적된

경험을 콜라주한 드로잉을 다시 수집하고, 화면 안에 히

에로니무스 반 에켄의 ‘쾌락의 정원’ 중 오른쪽 패널의

광경처럼 지옥에서 천국으로 가는 과정, 즉 나의 콤플렉

스를 극복하려고 하는 모습을 은유적으로 담았다. 이를

통해 내가 심리적으로 경험한 이미지가 화면 속에 파편

적으로 끊임없이 중첩되면서 나 자신의 시각으로 바라

본 새로운 이야기를 보여주고자 한다.

이진솔 -

서양화

-

인천가톨릭대학교 회화과 졸업

개인전

2015 ‘로딩중’, 갤러리 아르떼22

단체전

2016 SeMA 비엔날레 미디어시티서울 불확실한 학교 ‘상호의존’, 서울시립북서울미술관

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

2014 ‘수상한 확신’, 팔레드 서울

‘시끌벌적 미술관 미디어아트’, 서울시청 시민청

아트울산, 울산

‘for sound’, 갤러리 지오, 인천

아티스트 스테이트먼트

-

이진솔

02 03

My Inferior Complex, My Story

I chose the inferior complex of mine start-

ing from the past as the theme of my work. I

use the word ‘complex’ instead of an invisible

word ‘hearing impairment’ trying to express my

story in a visual language. In other words, my

work underlies the psychological states, such

as the feelings of misunderstanding, anxiety,

loneliness, alienation, and uneasy relationships

caused by the complex that I have been strug-

gling thus far.

I have been through many emotional distresses

as well as uncomfortable feelings due to my

complex. These feelings have led me become

even more sensitive toward the outside world;

meanwhile, brought up the negative sides

which made me less positive and optimistic.

To be honest, it was not an easy decision for me

to choose my inferiority complex as the theme

of my work. The complex of an individual is not

something that others can actually feel; but

rather, it is a feeling of lack perceived by the

individual. Because of that, it is somewhat un-

comfortable for me to mention my weaknesses,

not mentioning furthermore to visualize them.

Nevertheless, I have chosen the complex as

the theme of my work in hope of overcoming

the psychological feelings of lack and inferior-

ity through art. And the story of my life from

past to present is indirectly revealed through

my work here.

The Compression of My Stories

My painting is conducted in a way of restruc-

turing my accumulated experience by writing

and drawing as a collage work. In other words,

I used the stories and various records I have

to draw in a collage format, and on the top of

that, superimposing the images that I had been

collecting from various media such as photo-

graphs and magazines via the Internet search

engine. This is then used to restructure the

painting once again.

The chosen images of past memories, current

objects, characters, sounds, and texts are either

connected to each other in fragments, pressed,

or cut repeatedly expressed in the drawing can-

vas. I observed images between unconsciously

and consciously, and compress those feelings

into the drawing canvas to create a new story.

The reason I use this technique is not to or-

ganize the shapes, forms, and feelings of the

various materials into a single drawing canvas;

rather, to express a point that my complex is

an outcome of lost objects and memories from

the past. It plays a significant role in drawing

my deep inner story by restructure the colors,

shapes, and movements of the images in a col-

lage format.

Two kinds of Perceptions

As soon as I saw the room space where my

work will be displayed, ‘The Garden of Earthly

Delights’ by Hieronymus Bosch came to my

mind immediately. I wanted to install a painting

work that is over 3 meters in length like that.

In my work, I intended to express ‘Two kinds of

Perceptions’ including looking at the shape of

mouth and the sounds heard in my inner ears.

I therefore recollected the drawings in collage

format which cover the accumulated experi-

ence from the past to the present. Just like the

spectacle in the right panel of ‘The Garden of

Earthly Delights’ by Hieronymus Bosch show-

ing the process of leaving from hell to heaven, I

tried to express my story of overcoming the in-

ferior complex metaphorically. I also wanted to

present a new story from my own perceptive by

constantly superimposing the fragmentary im-

ages that I have experienced psychologically.

Artist Statement-

Lee Jin Sol

04 05

06 07

말없는 바람 / 160×264cm / Oil, Spray Paint and Oil Pastel on Canvas / 2016

두가지 소리 / 160×350cm / Oil, Spray Paint and Oil Pastel on Canvas / 2016

08 09

바다의 숨소리 / 130.5×95cm / Oil, Spray Paint and Oil Pastel on Canvas / 2016

10 11

도살 / 128.5×116.5cm / Oil, Spray Paint and Oil Pastel on Canvas / 2015

12 13

불운(不運) / 91×91cm / Oil, Spray Paint and Oil Pastel on Canvas / 2015

보이는 소리 / 259×238cm / Spray Paint and Paint Color on Wall / 2016

14 15

분실물센터 / 29.7×21cm / Mixed Media on Paper / 2016

나와 말하지 않는 사람 / 21×29.7cm / 인쇄된 종이에 콜라주 / 2016

정도운은 인물을 주로 그린다. 어릴 때부터 만화캐릭터

그리기를 좋아했고 그에 관련된 정보를 깨알 같이 정리

하기를 즐겼다. 그때그때의 관심사에 따라 그림의 주제

는 바뀌는데 만화캐릭터에서 힙합뮤지션으로, 다양한

장르의 가수로, 가족으로 관심이 이동하며 서로 연결

되고 확장되어왔다.

한국화와 뮤지션

고등학교에서 전공으로 선택한 한국화에 별 재미를 못

느끼던 때에 엄마가 선생님에게 도운이가 좋아하는 뮤

지션을 한국화 기법으로 그려보면 어떻겠냐는 제안을

했고 그때부터 다이나믹듀오, 싸이, 빅뱅을 한국화 재료

로 그리기 시작했다. 그러면서 조금씩 그림에 흥미와 열

정을 느끼는 것 같았다. 고3이 되어서는 연습장에 깨알

같이 쓰는 텍스트를 화폭으로 옮겨 작업하기 시작했다.

하루 종일 전공수업을 견뎌내기 힘들었던지 학교를 졸

업하면 그림도 그만두겠다는 말을 달고 살았다.

그러던 중 강남장애인복지관 문화예술팀 작가육성프로

그램에 들어가 멘토링을 받게 되었다. 방과후에 가서 또

그림을 그리려니 많이 지쳐있어 의욕을 보이지 않아 애

를 먹었는데 그때 마카를 써보고는 다시 그림 그리는 재

미를 느끼기 시작했다.

정도운은 자료를 꼼꼼히 검색해 놓고 자신의 관심사

에 따라 분류하고 조합하여 한 화면에 담는다. <대머

리 아저씨들>, <장가를 못간 연예인>, <무한도전친구

들> 등이 그렇다.

좋아하는 뮤지션을 하나하나 그리며 그에 대한 정보를

꼼꼼히 적어 넣은 작품도 다수 있다. 그 정보는 주로

발표한 노래의 제목, 생년월일, 가족, 또는 친구들 이

름이다.

뮤지션을 주제별로 모아 그들의 이름을 적어나가는

캘리그라피 작품도 한 줄기를 이룬다. <뮤지션의 계

보>, <2015년 5월 음반발매가수>, <2014년 음반발

매가수>, <아빠가 된 가수들> 등이다.

가수 신해철이 갑작스럽게 사망했을 때도 가수 신해철

과 그의 육촌동생 서태지를 그렸다. 이 두 그림에는 옷

에 그들의 노래제목을 빼곡히 적어 마치 옷의 무늬처

럼 보이게 했다.

특히 그의 어깨 위에는 다른 글씨와 확연히 구별될 만큼

크게 아내와 자녀의 이름을 적어놓아 보는 이를 뭉클하

게 한다. 떠나는 이에게 가장 소중하고 애틋한 사람이

누구인지 분명히 알고 있다는 생각이 들었다.

세상을 보는 창, 인터넷, 뮤지션

2014년 사랑하는 큰 아빠가 돌아가시고 나서 죽음에

대한 생각을 많이 하게 된듯하다. 우선 사망한 연예인을

검색했고 4명의 멤버 중에 한 명이 사망한 비틀즈를 그

렸다. 그리고는 아빠 형제들의 젊은 시절 사진을 찾아내

어 아빠 4형제 그림을 그렸다. 이 두 그림은 멤버 4명의

머리색을 한 사람씩 연결하여 표현한 것이다.

최근에는 세월호 집회에서 노래하는 이승환과 그때 불

렀던 노래의 가사와 함께 세월호의 상징인 노란리본을

그려 세월호와 이승환의 연결고리를 표현했다.

이런 작업을 통해 도운이가 연예인 혹은 가수에게 관심

을 갖는 것이 단순히 팬심이 아니라 세상을 보는 창으로

서 기능하고 있다는 것을 짐작할 수 있다.

정도운 -

일러스트

-

서울미술고등학교 졸업

2013~현재 강남장애인복지관 작가육성프로그램 참여

2013~2015 ‘여름다운 여름’, ‘봄을 기다리는 봄’, ‘두 사람의 즐거움 사람’ 등 그룹전 20여회

2015 개인전 ‘중얼중얼 래퍼파티’, 이화아트센터

2016 ‘네버랜드’

‘나의 기쁨터, 너의 기쁨터’

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

SeMA 비엔날레 미디어시티서울 불확실한 학교 ‘상호의존’, 서울시립북서울미술관

개인전 ‘정도운이 만난사람 만날사람’, 홍대 네스트나다

‘잇다’, 이음센터

아티스트 스테이트먼트

-

정도운글 : 고유경(어머니)

02 03

Jeong Do Woon mainly draws characters. Ever

since childhood, he likes to draw cartoon char-

acters, and enjoys organizing information re-

lated. Depending on his interests of the time,

the themes of his painting have changed, con-

nected and expanded from cartoon characters

to hip-hop musicians, singers of various genres,

and family.

Korean Paintings and Musicians

At the time, Do Woon realized he was not inter-

ested in Korean paintings which he chose as a

major in high school, I (mother) made a propos-

al to his teacher letting Do Woon draw the mu-

sician he liked with Korean painting technique.

He seemed to explore his interests and enthu-

siasm in drawing at the time he started drawing

the musicians such as Dynamic Duo, Psy and

Bigbang in Korean paintings. Since 3rd grade

in high school, Do Woon has started out his

works with moving the writing text to canvas.

Maybe because the reason that Do Woon was

exhausted from the major subjects in school,

he had always been saying that he would quit

painting as soon as he graduated from school.

In the meantime, Do Woon had chance to par-

tici-pate in the mentoring program held by the

Artist Development Program of the cultural arts

team at Gangnam Welfare Center for Disabled.

After school, he was always too tired to draw,

and seemed to have no motivation in drawing.

But once he tried to use maker for his work;

through that, he felt the fun of painting again.

Do Woon searches the data thoroughly and cat-

egorizes it with accordance to his interests, then

combines it in a single canvas. Those includes

his works such as <Baldness middle-aged

man>, <The entertainer who couldn’t get mar-

ried>, <Infinite challenge friends> and so on.

Do Woon’s works mainly focus on drawing his

favorite musicians and listing the information re-

lated. The information usually includes the titles

of released song, dates of birth, names of family

or friend.

Do Woon also works on collecting and cat-

egorizing the names of musician, then writing

down the names as a calligraphy work, which

includes <The musicians' genealogy>, <The

Singers of May 2015 album released>, <The

singers of 2014 album released> and <Singers

who became father>.

When the well-known singer Shin Hae Chul

died all of a sudden, Do Woon drew Shin Hae

Chul and his younger second cousin, Seo Tae Ji.

The titles of their song were written down in

these two drawings just like the patterns of

clothes.

Especially, Do Woon wrote down the names of

Shin Hae Chul’s wife and children on the part of

shoulders to make them clearly distinguishable

from other letters. I thought he knew clearly

who were the most precious and affectionate

people to Shin Hae Chul.

A Window toward the World, Internet,

Musician

After Do Woon’s beloved uncle died in 2014, he

seemed to start having a lot of thoughts about

death. He searched and drew a dead artist

which in four members one died, that was Beat-

les. Do Woon then searched for the pictures

of indicated member’s father and brothers in

their early days. These two drawings were to

express the connection between one person's

hair color and four members.

In a more recent work, Do Woon drew the yel-

low ribbon, a symbol of Sewol ferry, along with

the lyrics of the song that singer Lee Seung

Hwan sang at the protest for Sewol ferry inci-

dent to express the connection between Sewol

ferry and Lee Seung Hwan.

Through this work, it can be presumed that

Do Woon’s interests in entertainers or sing-

ers are not merely as fan; rather, a window

toward the world.

Artist Statement-

Jeong Do Woon Writer : Go Yu Kyung (Jeong Do Woon’s Mother)

04 05

06 07

손석희 / 60×36cm / 종이에 마커, 콜라쥬 / 2016

08 09

이승환과 세월호 / 60×36cm / 종이에 마커, 콜라쥬 / 2016

10 11

Big Pun / 60×36cm / 종이에 마커, 콜라쥬 / 2016

12 13

화가 삼대 / 60×36cm / 종이에 마커, 콜라쥬 / 2016

14 15

Rainbow Grimreapemr / 60×36cm / 종이에 마커, 콜라쥬 / 2016

눈을 감아도 선명하게 볼 수 있는 빛이 있다. 이것은 내

가 바라보는 공간과 바람, 작은 풀꽃들 등과 만나는 자

연 공간의 경계에서 인지되는 빛에 대한 느낌이다.

몸과 정신은 사람의 인지 능력에 따르는 감성과 지혜에

영향을 준다. 나는 스트레스성 냉병으로 인해 여려진 감

성으로 감광된 자연이란 시공간의 빛에 집중한다.

카메라를 든 나는 병으로 겪은 인식의 경계에서 또 다

른 느낌으로 자연의 빛을 인지한다. 자연을 통해 내가

자연의 색감에 집중하면서 감각적으로 들려주는 희망

의 메시지와 관계 속에서 느꼈던 ‘두려움과 공간에 대

한 시’이다.

지금의 나는 의학적으로 ‘냉병’은 신체 일부분에 차가

운 감각으로 토막이 난 공간과 정보 인식에서 또 다른

인지의 이미지를 인식하게 된다. 냉병은 몸 과 의식 속

인식의 순환의 문제가 들어났다고 의사들은 말한다. 나

는 사람과의 관계 속에서 상처와 그 틈에서 뿜어져 나

오는 기를 바라보게 되었다.

언제부터인가 내 몸의 차가움과 작은 존재에 대한 인

식의 경계에서 드러나는 이미지를 사진의 미세한 픽셀

에 담게 되었다. 이는 나만의 직관적인 생명의 ‘시’이자

‘빛’을 담으려는 사진적 행위이다.

나는 인식의 장애라는 것에 초점을 맞추어 좀더 들여

다보기로 했다. 이 계기로 순수한 내 느낌의 이미지에

집중하게 했다.

촬영된 이미지에 대한 상상의 세계, 즉 나의 인식 장애

를 통해 형태와 빛의 상상력과 직관력에서 비롯된 이미

지를 창작했다.

살아있는 존재를 바라볼 때 나만의 직관력은 작은 풀,

작은 꽃, 그리고 자연이라는 공간이 내 몸과 같다는 느

낌으로 바라보게 했고, 나의 인식에 희망적이고 투명한

인식의 빛을 쫓아 작업했다.

내 이미지의 느낌은 정형화된 이미지의 타파와 초점과

자연 빛깔을 바라보며 존재와 관계에서의 두려움을 색

채 변형으로 현존과 과거라는 공간을 낮은 채도와 피사

체 간의 거리로 표현했다. 이는 나의 자연과 관계의 인

식변화에 대한 ‘이미지’이자 첫 ‘시’다.

이 이미지를 창작하기 위해 일출 전 혹 일몰 후에 광량

이 적게 존재하는 자연 환경 속에서 기형적인 형태의 나

무와 우리가 의식하지 않을 작은 풀, 꽃을 자연의 빛을

잃은 색채와 형태를 잃게 촬영을 시도했고 빛이 아주 적

은 날이면 평소보다 노출 값을 많이 주어 보이지 않는

빛을 카메라에 담는 시도를 했다.

이렇게 내 작업은 무의식의 관계에 대한 두려움, 체온

으로 인한 색감과 의식을 놓은 인지력에 대한 인식 과

정을 ‘체온이란 존재적 물음을 색감과 초점의 자유의지

로 표현한 것이다.

나는 내 작업을 이렇게 말하고 싶다. ‘죽음으로 잃어버

린 빛의 동화’라고, 이야기이자 내 체온인 나의 존재를

찾아가는 여정을 기록한 시라고 이야기할 수 있다.

이민희 -

사진

-

한국재활복지대학교 광고홍보과 졸업

2016 창작공간페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

2015 개인 사진전 ‘길, 36.5도를 보다’, 사진위주 류가헌

2014~2013 대안영상학교 영상기획 과정 수료특별 전시전 ‘내 속의 봄을 찾아서’

총괄 기획자 및 작가 참여, 대안영상공간 아이공, 서울 등 외 다수

아티스트 스테이트먼트

-

이민희

02 03

There is a light that can be seen clearly even

when the eyes are closed. This is a feeling of

light perceived at the boundaries of the natural

space where I see space, wind, small grasses,

and so on.

The body and mind give the influences on

emotions and wisdom following our cognitive

abilities. I focus on the light of time and space

exposed by the sensibility which is caused by

the stress cold constitution.

While holding the camera, I perceive the light

of nature as a different feeling at the bound-

ary of perception which I have experienced

through illness. It is a poem about ‘fear and

space’ that I felt from the message of hope

and relationship, and through concentrating

on the color of nature.

I am now medically aware that the ‘cold consti-

tution’ is a part of the body with a cold sense be-

ing broken into pieces, and another images are

perceived from cognition in space and informa-

tion. Doctors say that cold constitution is a cog-

nition problem between body and conscious-

ness. It made me look at the wound, and the

flame spew out from the relationship between

the others and me.

At some point, I have put images in the fine

pixels that emerges from the boundary be-

tween the coldness of my body and the

perception of a small being. This is a pho-

tographic act intended to capture my intuitive

‘poem’ and ‘light’ of life.

I decided to look more closely by focusing on

the cognitive disorder. This led me to focus

on the image.

I created an image that originated from the

imagination and intuition of form and light

through the imaginary world of photographed

images; in other words, through my cognitive

disorder.

When I looked at living beings, my intuition

gave me the feeling that small grasses, flowers,

and the space of nature was just the same as

my body. This led me to pursue and have my

art works focus on the hopeful and transparent

light in my cognition.

My image gives the feelings of looking at de-

struction of the standardized images, focus and

the color of nature; to express the fear from

existence and relationship as color transforma-

tions by showing the space of present and past

as the distance between low saturation and the

subject. This is the ‘image’ and the first ‘poem’

of the changes in my cognition as regard to

the nature and relationships.

In order to create this image, I attempted to

shoot a deformed tree in a natural environ-

ment where there is little light before sunrise

or after sunset, as well as a small grass and

flower that we would not conscious of that lost

its natural color and form. When shooting on

the day with a very small light, I tried to higher

exposure value than usual to put the invisible

lights in my camera.

My work expresses the fear of the uncon-

scious relationship, the recognition process of

cognition due to body temperature in which

has caused color sense and consciousness.

Expressing body temperature as the existen-

tial question from free will of color and focus.

I want to express my work like this. It is a ‘fairy

tale of lost light due to death’, and a record of

my journey in finding my existence in terms of

my body temperature.

Artist Statement-

Lee Min Hee

04 05

06 07

바람의 댄서 : 호수의 침묵 / 39×30cm / Pigment Print / 2016

경계의 빛 / 50×50cm / Pigment Print / 2015

08 09

경계의 빛 : 빛의 노이즈 / 45×25cm / Pigment Print / 2016

10 11

경계의 빛 : 보랏빛 숨 / 40×27cm / Pigment Print / 2016

12 13

너와 나. 바라보다 : 달이 떴다 / 35×45cm / Pigment Print / 2016

14 15

사라진 경계의 섬광 : 돌아오는 길 / 46×30cm / Pigment Print / 2016

세상은 여러 가지 일이 복잡하게 얽혀 있다. 점점 시간

이 지나면서 사람들은 이것을 억지로 풀려고 애쓴다. 하

지만 이를 풀다 보면 결국은 더 복잡하게 얽혀 풀 수 없

는 커다란 뭉치가 되어 버리곤 한다. 복잡하게 돌아가

는 세상을 보고 단순한 생각을 한다는 건 어려운 일이

지만, 복잡하게 생각하는 것 자체도 어리석은 일이다.

겉 다르고 속 다르게 때에 따라 순응하며 삶을 살아가

야 한다는 생각이다.

나는 물감을 그린다. 튜브물감을 있는 그대로 보지 않

고 마음으로 바라보았다. 튜브물감에 여러 가지 색이

있는 것처럼 사람도 여러 성향이 있다. 이처럼 그림을

그리는 중에 튜브물감이 사람처럼 느껴졌다. 여러 물감

들이 뒤섞여 쌓여있는 모양, 물감끼리 연결된 모양뿐만

아니라, 물감들로 하여금 무엇인가를 창조한다는 점에

서도 더욱 그러했다.

사람이 나이가 들면 죽어가듯이, 물감도 오래 사용하

면 할수록 몸집이 줄어들면서 결국에는 쓰레기통에 버

려진다. 사람의 인생과 물감의 쓰임도 어찌 보면 똑같

다고 볼 수 있다.

그림을 그리는 작가로서 물감으로 사람의 마음을 움직

일 수 있고, 서로의 마음을 연결하는 연결고리가 될 수

있다고 생각한다. 그리고 이 세상의 모든 사람들이 물

감으로부터 위로와 용서, 사랑을 주고 받을 수 있다고

생각했다. 세상을 사는 여러 가지 이유가 있듯이 그림도

여러 가지 색으로 표현이 가능하다.

나는 강압적인 성향에는 빨간 색 계열을, 자유로운 표

현에는 녹색 계열을, 순종적인 느낌에는 파란색 계열을,

도시적인 표현은 모노톤의 회색 계열을, 반항적인 성향

에는 노란 색 계열을 많이 사용한다. 즉, 나는 물감을 감

정표현의 매개체로서 사용하고 있다. 물감이 그림을 그

리는 단순한 재료일 뿐이라고 생각하지만, 나에게는 물

감으로 세상을 그리는 일이 그 어느 일보다도 값지고, 아

름답고, 위대한 일이다.

나는 물감으로 흉흉하고 험한 세상을 아름답게 바꾸어

나가고 싶다,

스테인드글라스와 세상살이

이번에 보여줄 작업은 스테인드글라스의 구성을 활용

한 작업이다. 중세 시대 유럽에서 유행했던 스테인드글

라스를 보면, 여러 가지 색으로 종교적 인물을 온갖 화

려한 무늬들로 표현해 내었다.

스테인드 글라스에서 연상되는 화려하고 고풍스러워

보이는 과거의 분위기와는 달리, 현시대는 사람들의 이

해관계가 복잡하게 얽혀있어 이해할 수 없는 어두운 일

들이 주변 곳곳에서 벌어지고 있다. 이를테면 TV의 뉴

스만 보더라도 남을 해친다거나 괴롭히는 일들이 빈번

하게 일어나곤 한다.

이런 문제의식을 바탕으로 하여 물감의 화려한 색과 사

회적 이슈를 대비시키고자 했다. 조금 무거운 주제로 방

향을 잡되, 그에 대한 사람들의 심리를 물감으로 표현

했다. 나에게는 ‘사람’이라고 했을 때 가장 먼저 떠오르

는 이미지가 ‘심장’이고, 이 ‘심장’을 ‘하트’라는 도상으

로 다시 재구성해 보았다.

스테인드글라스의 바탕에 물감튜브를 그려 넣고 하트

에 비수를 꽂는 형상들은, 복잡한 사회 속에서 사람의

존재가치에 대한 의문을 나름대로 고민한 흔적을 반영

한 것이다.

김재호 -

서양화

-

개인전

2016 제 5회 개인전, 갤러리 라메르

2012 제 4회 개인전, 서교예술실험센터

2011 제 3회 개인전, JH갤러리

2010 제 2회 개인전, 장애인미술창작스튜디오

2009 제 1회 개인전, 장애인미술창작스튜디오

단체전

2016 잠실창작스튜디오 8기 오픈스튜디오 오프닝 공연 ‘수평의 흐트러짐’

제 12회 ‘화사랑’, 송파도서관

선사랑 기획전시 ‘여름동감’, 신촌세브란스병원

제 24회 소울음 ‘일어서는 사람들의 기록’, 안양아트센터, 안양

제 3회 장애인 미술협회 아트페어, 동대문디자인플라자

2015 제 3회 뇌병변 작가회 날 기획전시

‘시간과 나’, 안국동 W스테이지, 잠실창작스튜디오

대한민국 장애인 미술대전, 이음센터

뇌병변 작가회 날 댄스 발표회 ‘여러 가지 선’, 이음센터

선사랑드로잉회 연례기획 ‘Love Theme Part 3: Touch-만지다’, 이음센터

장애인 미술협회 이음센터 개관전, 이음센터

서울지부 ‘행복한 동행’, 구로아트밸리 갤러리

수상

2016 장애인 미술가 희망축제 서양화 부문 특선

2015 대한민국 장애인 미술대전 서양화 부문 특선

한국장애인미술협회 모범상

아티스트 스테이트먼트

-

김재호

02 03

There are many things in the world that are in-

tricately intertwined. As time goes by, people

often struggle to unwind them; however, it only

ends up becoming an even bigger mass that

cannot be solved. While it is difficult to be sim-

ple-minded as we are living in a complex world

like this, it does not mean we ought to take ev-

erything complicatedly. I think it is important to

adapt oneself to the various situations whether

it is easy or hard, wanted or not.

I draw paints. Not merely looking at the paint

tube in its original form; rather, I looked at paint

tube with my sincere heart. Just as there are a

variety of colors for tube paints, people likewise

have many different tendencies. While drawing,

the paint tube made me feel as if they were real

person. It was not only the shape and the mix-

ture of colors, but also the fact the paints cre-

ated something.

An unavoidable death eventually come to us

when we get older, it happens to paint tubes

just in the same way. After paint tube was

used for a long time, as its size gets smaller

and smaller, it eventually ends up thrown into

a trash can. Through this, I realized the life of

a person and the use of paint somehow seem

to be the same.

As an artist who draws paints, I hope my heart-

moving work can play a role as a link to form

connection between one another, and to touch

people’s heart. Moreover, I hope the world can

give as well as receive comfort, forgiveness,

and love from paints. There are many reasons

to live in the world; similarly, drawings can also

be expressed in a variety of colors.

I frequently use a red color for hi-handed, a

green color for freedom, a blue color for obedi-

ence, a monotone for urbaneness, and a yellow

color for rebellion. In other words, I use paints as

medium for emotional expression. Paints might

be simply considered as just one of the draw-

ing materials. However, for me, using paints to

make drawings of this world is the most valu-

able, beautiful, and great thing than ever.

I am desired to change this chaotic and harsh

world into a beautiful one through paints and

my work.

Stained Glass and Life

The work to be presented here is based upon the

use of the composition of stained glass. Stained

glass, which was popular in Europe during the Mid-

dle Ages, it is decorated with colorful patterns to

expresses religious figures in a variety of colors.

Contrary to the popularity of stained glass re-

flected the atmosphere of the past that was

so fancy and antique; whereas people are

intricately intertwined by the complicate inter-

ests in modern world. As a result of that, many

non-understandable issues are occurring all

around the world. The incidents which people

hurt or harass others are commonly shown in

TV news.

With the awareness of current social issues, I

tried to use fancy colors to make a comparison

to that. I focused on a little heavy topic, and ex-

pressed the psychology of people with regard

to the issues in paints. When I thought of ‘peo-

ple’, ‘heart’ is the something which came to my

mind the first. I therefore reconstruct the ‘heart’

with the image of a ‘love heart’.

On the background of stained glass, I draw

paint tubes on it with and the heart stabbed by

a daggered. Reflecting that I was concerned

and have been questioning about our value of

existence in this complex society.

Artist Statement-

Kim Jae Ho

04 05

06 07

스케치 1 / 42×30cm / Colored Pencil / 2016

08 09

스케치 2 / 42×30cm / Colored Pencil / 2016

10 11

심장에 비수를 꼽다 / 93×116cm / Oil on Canvas / 2016

12 13

춤추는 심장 / 91×73cm / Oil on Canvas / 2016

14 15

욕구 / 91×73cm / Oil on Canvas / 2016

초점 없는 시선으로 깊은 상념에 빠진 듯한 모습을 보

일 때면 “무슨 생각을 하고 있어요?”라는 질문을 자주

듣는다. 상념에 잘 빠지곤 하지만 생각이 복잡하지는 않

다. 아니 복잡한 것을 좋아하지 않는다. 그래서 내면의

세계 보다는 솔직한 감정의 상태에 더 관심을 갖는다.

어릴 적 수학을 좋아했던 성향에서 엿볼 수 있듯 사고

의 구조가 복잡하지 않으며 단순 명료한 것을 좋아한

다. 이런 성향이 작품을 구상하고 설계할 때 공학적 접

근을 하게끔 한다.

일정한 패턴을 찾고 공식처럼 적용하지만 정형화되고

형식적인 것에 얽매이지 않고 자연스러운 선의 형태를

선호하고 있다.

또한 분명한 형태를 가진 대상이라도 눈으로 볼 수 없

는 것은 나에게는 관념적인 이미지로 다가오기 때문에

그 대상의 형태를 해체하고 본인의 공식으로 재구성하

는 일을 즐긴다.

풍선이라는 소재는 어느 소재보다도 잃어버린 시력으

로 인한 불편함을 최소화 하면서 손의 감각만으로 자신

이 원하는 것을 구현하는데 문제가 없었기 때문이다.

풍선이라는 소재는 매우 섬세하고 감각적인 기술이 요

구된다. 고무가 가지고 있는 신축성에는 그 안을 채울

수 있는 팽창의 의미를 내포하고 있는듯하지만 다른 한

편으로는 팽창한 만큼 터지기도 쉽다.

현대인들은 끝임 없이 무언가를 채우고 확장해 가려는 불

안정성을 보인다. 이는 금방이라도 터져버릴 것만 같은 풍

선의 팽팽함이라는 재료적 특성과도 연결되는 지점이다.

이처럼 풍선을 다루는데 있어 채움과 비움은 균형의 미

학처럼 작용한다. 또한 환경의 영향에도 지나칠 만큼 예

민해 지는 것이 현대인을 꼭 닮았다. 아니 현대인의 모

습에서 풍선이 자연스럽게 연상이 된다.

풍선은 크게 점과 선의 두 종류를 이용해 퍼즐을 하듯

하나의 대상을 완성해 갈 수 있다. 선을 쪼개고 다시 조

합하고 배열하면서 조각을 맞춰 가듯 그 안에서 공식을

찾고 패턴을 만들며 골조부터 외형까지의 설계에 의해

하나씩 형태를 완성해 간다.

풍선은 전체적인 윤곽에서 일정한 계산과 감각으로 구

현해 갈 수 있는 최상의 소재라 할 수 있다.

확장적 기능을 발휘하기 위해서는 풍선을 부풀릴 수 있

는 또 하나의 매개체가 필요하다. 그것은 무형의 공기인

데 풍선에 채워짐으로써 유형의 물질로 변화되고 공간

성을 가지며, 시간의 흐름과 함께 수축해가는 풍선의 해

체를 통해 비움이라는 균형의 미학을 만들어 낸다.

Steal 훔치다

‘Steal’ 즉, ‘훔치다’라는 행위는 비규범적 행위일 수 있다.

그럼에도 인식적 오류에 의해 그 행위를 합리화하려 한다.

옳고 그름의 문제로 인식하지 않고 욕구에 기반해 상황

을 판단한다. 다시 말해 욕구 충족은 자신의 행위에 따

른 도덕적 판단보다 그 행동의 정당성을 우선시 한다.

자기 판단에 의한 규범적 행동에서 이중적 태도를 보여

준다. 이런 인지부조화의 상태가 규범의 질서를 무너뜨

린다. ‘Steal(스틸)’이라는 행위적 관점에서 반영되는

관객의 행위를 관찰하고 그 산물을 통해 현재의 우리 사

회를 조명해 본다.

고홍석 -

풍선아트

-

2016 Spoon Art Show 2016, 킨텍스

‘채움과 비움의 미학’ 개인전, 291갤러리

뚝섬팝아트페스티벌

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

국제 풍선 전시, MIXC(成都万象城), 중국

잠실창작스튜디오 ‘쁘띠 풀놀이야’

잠실창작스튜디오 ‘잠실오픈아틀리에’

Plastic Art Seoul 2016, 코엑스

서울시 ‘직원가족 청사나들이’ 작품 전시

제 3회 장애인창작아트페어, 동대문디자인플라자

서울문화재단 잠실창작스튜디오 8기 입주예술가

커먼그라운드 토이리퍼블릭 CANDY STUDIO 전시

PA BSIG(Balloon Sculpting Interest Group) Workshop 초청 강연, 싱가포르

2015 서울문화재단 잠실창작스튜디오 7기 입주작가 ‘함께-ing’ 기획전시

서울시 ‘직원연말행사’ 작품 전시

‘포옹_안다. 안기다’ 개인전, 잠실창작스튜디오 하늘연

서울시 ‘직원가족 청사나들이’ 작품 전시

서울시 제 17회 독서모임 ‘서로 함께’ 작품 전시

잠실창작스튜디오 ‘프로젝트A’ 풍선아트 시연 및 작품 전시

서울문화재단 잠실창작스튜디오 7기 입주예술가

대만 타이페이 국립과학교육관 풍선전시회 초청 작품 전시

2014 Central Plaza 초청 작품 전시, 태국

풍선디자인 전문서적 ‘Heart’ 책 출간

아티스트 스테이트먼트

-

고홍석

02 03

I often hear the question "What are you think-

ing?" when I see myself in deep thoughts with

no focus. I do often fall into deep thoughts;

however, the thought are never being com-

plicated. Thereby, I am more interested in the

state of one’s honest emotion than the inner

world.

I noticed myself that I do not have complicated

mindset. From the fact that I liked mathematics

ever since I was a child, I could tell I have pref-

erence on simple and clear things. This ten-

dency leads to an engineering approach when

structuring and designing my works.

Although it turns out as a certain pattern be-

ing applied like a formula, I prefer the lines in

natural form that is neither standardized nor

formalized.

Even when objects with clear shapes cannot

be seen by my eyes since the objects come to

me as an abstract image, therefore I dismantle

the shape of the objects, and enjoy recon-

structing it in my own formula.

Balloon, as a material for work, requires only the

sense of the hands, and brings me no problem

in presenting what I want while minimizing the

inconvenience caused by the loss of vision.

Balloon requires very delicate and sensu-

ous techniques. The elasticity of the rubber

seems to contain the space for expansion that

can be filled inside; on the other hand, it is

easy to explode as much as it expands.

Modern people seem to feel the instability

so that they try to fill and expand something

endlessly. This is also the point where it is con-

nected to the characteristic of the balloon as

a material in which showing the tenseness of

the balloon before bursting.

In this way, when handling with balloons, the

actions of filling and emptying playing a role

as the aesthetics of balance. In addition, it is

resemblance to modern people that overly

sensitive to environmental influences. In oth-

er words, balloons are natural reminiscent of

modern people.

Balloon can be used to complete a single ob-

ject as if it were a puzzle using two types of

things, points and lines. Just as I split the lines

and rearrange them, then arrange the pieces

together, I make the patterns with certain

formulas by designing from the frame to the

outer shape.

The balloon can be seen as the best material

presented with a certain calculation and sense

from the whole outline.

Another medium needed for inflating the bal-

loon to perform its function of expanding is the

intangible air. When the balloon is filled with air,

it transformed into a type of concrete material

that occupies space, and creates the aesthetics

of balancing through the disintegration of the

balloon that shrinks with the passage of time.

Steal

‘Steal’ might be an in-normative behavior. Yet

people try to rationalize the behavior due to

cognitive errors.

People judge the situation based on their de-

sires without recognizing it as right or wrong.

In other words, legitimacy of the behavior

takes precedence over the moral judgment of

the behavior itself. It indicates a dual attitude

in normative behavior with accordance to self-

judgment. This state of cognitive dissonance

breaks the norms. Through my work, I observe

the viewers’ behaviors reflected from an active

viewpoint of ‘steal’, and illuminate the modern

society of today.

Artist Statement-

Goh Hong Seok

04 05

06 07

훔치다 / 가변크기 / Mixed Media / 2016

08 09

초점 / 210×280×110cm / Mixed Media / 2016

10 11

단물 / 240×240×10cm / Mixed Media / 2016

12 13

스펙트럼_테디베어 / 300×300×300cm / Mixed Media / 2016

14 15

나에게 있어 풍선과 공기는 화가가 캔버스에 물감으로 그림을 그리는 것과 같다.

구체적 사물 일지라도 보이지 않는 무형의 형상을 만들어가야 하기 때문에 모든 작업이 도전이다.

나는 소멸되고 파괴 되어지는 풍선이 아닌

해체되어 새롭게 탄생하는 공기와 풍선의 창조적 행위자가 될 것이다.

시각적 인지가 때로는 관념에 귀속됨을 느낀다.

표면적인 형태는 실제의 형상이지만

형상을 이루고 있는 본질은 보이지 않는 빛이다.

표면적 형상과 내면적 본질 사이에서 일어나는 채움과 비움의 역학적 관계를 공기와 풍선이라는 소재의 특성을 이용해 우리 사회의 단면을 들여다 본다.

어릴 때 한 번쯤은 해봤을 법한 놀이가 있다. 손가락에

물풀을 적셔 끈적끈적한 거미줄을 만드는 놀이 말이다.

투명한 풀을 손가락 끝에 발라서 손가락끼리 붙였다 떼

는 행위를 반복해서 하다 보면 두 손가락 끝에 거미줄이

생긴다. 이렇게 만들어진 거미줄의 끈적함이 손가락을

서로 잡아당긴다. 반복된 행위가 절정에 이르면 붙고 떼

는 행위가 맥없이 끊어지거나 떼어내기 힘들어진다.

가장 예민한 손끝끼리 붙고 떼는 행위를 한다는 것은

나에게는 사람간의 미묘한 관계를 감지하게 만든 지점

으로 포착되었다.

손끝의 가느다란 실들이 강하게 서로를 잡아당기기도

하지만 그러지 못해 허망하게 흩날리기도 하는 모습을

보면서 그것이 왠지 낯익고 익숙하다는 생각이 들었다.

붙고 떼는 행위가 이토록 낯익고 익숙한 기분이 들었던

이유는 거미줄 놀이와 같은 반복적인 행위가 나와 모든

주변 관계에, 그리고 스쳐 지나가는 모든 일들에 녹아있

었기 때문이라고 생각했다.

이것은 원초적으로는 태어나기 전부터 형성된 어머니

와 아기의 탯줄로 이어져 있는 관계부터 시작한다. 자궁

밖으로 나와 탯줄이 끊겨도 보이지 않는 끈끈한 관계에

서 보이지 않는 거미줄 놀이를 발견할 수 있었다.

나는 이렇게 보이지 않는 수많은 끈들이 꽁꽁 이어져

있는 모습에 압박감을 느껴 벗어나고 싶다가도 어느

새 또다시 사람들 사이에 끈끈한 유대감에 대해 갈증

을 느끼기도 한다.

온기가 있지만 잔인할 수도 있는 나의 노골적인 이미지에

는 헐벗고 솔직한, 가장 변태적으로 집착을 보여줄 수 있

는, 가학적이고 원초적이며 모순적 상황이 뒤섞여 있다. 이

를 잘 표현해내기 위해 나는 주로 핑크색을 사용해왔다.

손에서 전해져 오는 미묘한 감각, 붙고 떨어지는 것, 관

계로 인해 후유증이 생길 것이라는 강박, 이 강박은 연

약하고 끊어질 것 같지만 서로 당기는 알 수 없는 강한

힘에 대해 문어의 빨판을 연상하기도 했다.

관계가 끊어지면 피부가 벗겨지는 것 같은 고통이 생긴

다. 오래된 관계일수록 붉고 강한 자국과 고통스러움이

더 강하게 남게 된다. 그 자국이 수많은 관계들의 흔적

이자 상처, 감정, 기억, 추억의 후유증이다.

지금까지는 거미줄 놀이를 하던 손부터 시작하여 대인관

계까지 이어지는 작업을 하였다. 처음에는 개인적인 관

계의 피로감에서 시작했지만 점차 이 피로한 관계들이 나

의 의지와 행동으로부터 비롯된 것임을 알게 되었다. 다

시 말해, 나의 손에도 수많은 빨판들이 존재했던 것이다.

관계에 대한 개인적인 시선

나는 나와 사람들 사이에 서로에 대한 긴장감을 가지고

아슬아슬한 놀이를 하고 있다.

이번 작업은 누구나 각자 개인적인 감정 혹은 개인적

인 사정 등을 가지고 있는데 이것을 자기만의 테두리

에 가둔 채, 군중 속에서 고독감을 느끼는 관계에 대

한 이야기이다.

그 외에는 개인적인 생각을 끄적거린 일기장 형식의 작

은 캔버스들을 다양하게 배치하여 나의 주제를 좀더 다

양한 형식의 시리즈로 나타내려고 한다.

김은설 -

서양화

-

청주대학교 회화학과 졸업

개인전

2016 김은설 개인전, 갤러리8, 청주

단체전

2016 ‘방황하는 접합점’, 한전아트센터

‘공감의 기술’, 신한갤러리 역삼

SeMA 비엔날레 미디어시티서울 불확실한 학교 ‘상호의존’, 서울시립북서울미술관

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

2015 우민신진작가, 우민아트센터, 청주

‘밸런스코드’, 쉐마미술관, 청주

2014 ‘또 다른 나를 만나다 - 후기애스펙트’, 쉐마미술관, 청주

‘내일의 작가’, 청주시립대청호미술관, 청주

2012 ‘란(難)제리’, 스페이스A, 청주

아티스트 스테이트먼트

-

김은설

02 03

There is a game that everyone would have tried

at least once in their childhood. Make the fin-

gers wet with glue to make a sticky web, like a

spider web.

A web will be formed on your fingertips if you

spread the transparent glue on the fingertips,

then repeatedly stick and detach between the

fingers. The stickiness of the web pulls the fin-

gers between each other. When the repeated

action reaches the climax, glue strings either

being cut off or become hard to remove.

The action of sticking and detaching with the

most sensitive fingertips was captured to me as

a point that made me perceive the subtle rela-

tionship between people.

While some of the thin glue strings on my fin-

gertips strongly pulled each other, yet some of

them just fluttering down hopelessly, I thought

it was somehow familiar to me.

The reason why I felt so familiar was because I

also found it on me, the relationships surround

me, and the things slide by just as the spider

web game, in terms of sticking and detaching

repeatedly.

This begins with a relationship that leads to

the umbilical cord of the mother and the baby,

which had been formed even before birth. I

was able to find an invisible but knit relationship

even when umbilical cord disconnected from

the uterus, just as in the spider web game.

Sometimes, I feel pressure and want to escape

from those invisible strings tightly connected to

each other; but soon later, I feel I am starving for

a sense of fellowship again.

My explicit image which may be warm yet cruel,

is mixed with sadistic, primordial and contradic-

tory situations that can be seen as naked and

frank to present the most perverted obses-

sions. To fully express it, I chose to use pink

color mainly.

The subtle sensations conveyed from the

hands, the sticking and detaching, the compul-

sion that the relationship will result in afteref-

fects; this compulsion seems to be weak and

easy to be broken, yet it reminiscent of an oc-

topus suckers for a strong, unknown force that

cannot be drawn.

When the relationship is broken, the skin ap-

pears to suffer from the pain of peeling off. The

longer the relationship was last, the deeper the

scars and the painfulness would be left.

The scars, is a trail of numerous relationships;

meanwhile, an aftereffect of wounds, feelings,

memories, and reminiscence.

Thus far, I had my work begin from the hands

playing spider web game, and then carried it

over to the interpersonal relationship. I first be-

gan with a tiredness of personal relationship,

and I gradually came to realize how the rela-

tionship being formed is fully depends on me.

The relationship begins by implicitly showing

the numerous suckers in the hand.

Personal Perception on Relationships

I am playing dangerous game, which is to deal

with the relationship between others and me

with a sense of tension.

My work is a story showing a relationship in

which people all have their own personal feel-

ings, personal circumstances, but putting those

on his or her own territory makes them feel

lonely and isolated in the crowd.

Other than that, I would like to present my

theme in a more diverse series by diversely ar-

ranging the small canvases displaying in diary

format that underlines personal thoughts.

Artist Statement-

Kim Eun Seol

04 05

06 07

셀프 감옥 / 72.7×72.7cm / 가변크기 / Color Pencil, Acrylic on Canvas / 2016

08 09

지극히 개인적인 / 145.5×89.4cm / Color Pencil, Acrylic on Canvas / 2016

10 11

영향 / 91×116.8cm / Color Pencil, Acrylic on Canvas / 2016

12 13

풀실놀이 / 30.4×50.3cm / 가변크기 / Color Pencil, Acrylic on Canvas / 2016

14 15

무제 / 24.2×40.9cm / Water Color Pencil, Acrylic on Canvas / 2016

알 수 없는 기분

Soundless clap

Same here

얼굴

나는 얼굴을 그린다. 어릴 적, 그림을 그리기 시작하면서부

터 나는 본질적인 무언가를 찾고 있었다. 그림이 그저 그림

이 아닌 것, 내가 찾고 내가 욕망하는 그것을 그림으로 그리

면 그것이 곧 실재가 되는 것, 나에게 이미지는 실재였다.

그 실재 가운데 최고의 존재는 사람이었고 얼굴이었다.

그러나 그것은 만져질 수 없는 실재였다. 이미지가 실재

의 자격을 얻게 되면 그것은 나로부터 떨어져나가 타자

(他者)가 되었다. 타자는 바라보는 대상이다. 타자를 바

라보기위하여 나와 타자 사이에는 간격이 있어야 한다.

그 간격은 얼굴과 얼굴 사이에 주어진 것이다.

얼굴과 얼굴 사이에는 일정한 간격이 있고, 그 간격은

각자의 얼굴에 고유성을 부여한다.

얼굴은 우리말로 얼과 굴의 조합이 되기도 한다. 얼, 즉

영혼, 정신, 정체성이 드나드는 굴이라는 뜻이 되기도

하는 것이다. 그러므로 한 사람의 얼굴은 그 사람의 영

혼을 보여주는 곳이며 영혼이 머무는 곳이며 영혼이 머

문 흔적을 남기는 곳이다.

그러한 장소로서 얼굴은 한 사람의 지혜, 지식, 의지와

용기, 사랑과 증오, 기쁨과 고통 등 인격의 많은 부분들

과 삶의 흔적을 읽을 수 있는 곳이다. 얼굴은 사람이 소

리로 말을 내뱉기 전에 다양한 표정으로 언어의 많은

부분을 대신한다.

이렇게 내가 그리는 얼굴은 존재이며 장소다. 존재로서

그것은 슬픈 존재다. 그것은 타자이며 나와의 사이에 간

격이 주어진 존재이고 절대로 같을 수 없다. 하지만 장

소로서 그것은 아름답다. 영혼과 삶의 흔적이 새겨진 이

굴 안의 벽화들은 어느 하나도 같은 문양이 없다.

나는 그러한 타자의 동굴을 탐험하려고 했다. 그곳은 원시

의 예술가가 남긴 벽화처럼 수 만년의 어둠속에서 살아 움

직이는 영상이 가득한 동굴이다. 좀 더 솔직히 말해 나는 그

흔적들에서 단서를 발견하고자 했다. 타자의 존재의 근원

인 나의 상상과 욕망이 실현되리라는 희망의 단서 말이다.

그러나 나는 슬픈 존재를 마주한다. 그것은 내 삶에서

가장 인상 깊었던 기억 속의 얼굴에서 이미지화 되었다.

어머니, 첫사랑 소녀, 친구들, 동료들 그리고 가혹한 시

간 속에 살아온 나의 가족들의 얼굴이다.

이미지는 절망과 미지(未知), 무한과 죽음을 뜻하는 검은

색 바탕 위에 그려진 아름다운 얼굴을 보여준다. 얼굴은 회

색과 분홍색, 약간 밝은 선홍색이 섞여 붉게 상기된 이미지

로 떠오른다. 그것은 슬픈 이야기들을 예감하는 색이다.

나에게 그 색은 눈물에 젖어 부어오른 뺨을 기억나게 하

기 때문이다. 또한 그 색은 기온의 변화에 민감한 얼굴

에 남은 차가운 바람의 흔적이다.

나는 하나의 이미지를 반복해 그릴 것이다. 그것은 주문

(呪文)이거나 일상적인 애정표현일 수도 있겠다. 그러

나 나에게 그것은 좀 더 완전한 실재를 향한 완성의 과

정이 될 것이다. 이미지는 그렇게 실재가 되고 타자가

되어 슬퍼지겠지만 말이다.

그러나 선사시대의 동굴벽화가 증언하듯이 어느 하나의

존재로부터 다른 존재로의 변화 또는 이동은 우리 존재

의 속성으로 남아있으며 우리의 얼굴에도 남아있다. 우

리는 얼굴이라는 동굴에서 다른 존재로 바뀌어 갈 수 있

다. 나의 작업은 그렇게 바뀌어가는 것을 목표로 한다.

문승현 -

서양화

-

협성대학교 예술대학 미술학과 졸업

개인전

2015 제 6회 ‘Gray Silhouette’, 가톨릭청년회관 다리상자, 잠실창작스튜디오 하늘연

2013 제 5회 ‘Soul Face’, 중 아트마켓, 용인

2012 제 4회 ‘마음, 하늘을 바라보다’ (2012 서울문화재단 예술창작지원 기획프로젝트 지원사업), 서교예술실험센터

2010 제 3회 개인전 (한국문화예술위원회 지원 사업), JH갤러리

제 2회 개인전, 장애인창작스튜디오

2000 제 1회 개인전, 갤러리 그림시 기획, 수원

단체전

2016 ‘Good Day’, 소월아트홀

창작공간 페스티벌 ‘Sensible Reality’, 서울시청 시민청

2015 선사랑드로잉회 연례기획 ‘Love Theme Part 3: Touch-만지다’, 이음센터

2014 장애인예술가들을 위한 융합예술교육프로그램 ‘수필화’, 한전아트센터

‘프레쉬’, 갤러리 라메르

선사랑드로잉회 연례기획 ‘Love Theme Part 2: See-보다’

2010 문승현 박혜신 2인, 경인미술관

1999 2회그림시 젊은작가, 경기도 수원시 외 다수

공연

2016 날+아트엘 협업댄스프로젝트 ‘점 점 퍼지다’

잠실창작스튜디오 8기 오픈스튜디오 오프닝 공연 ‘수평의 흐트러짐’

아티스트 스테이트먼트

-

문승현

02 03

Face

I draw faces. When I began to draw ever since

I was a child, I had been looking for something

intrinsic. For me, the drawing is not just a draw-

ing; rather, it is a real existence. I found it be-

comes reality when I draw it with my desires.

And the greatest existence among the reality

was people and the face.

However, it is an untouchable reality. Once the

image is qualified for being reality, it would be

fallen away from itself, and becoming ‘others’

(another existence). The ‘others’ is an object

to be looked at. And in order to see the ‘oth-

ers’ clearly, there must be a certain distance

between me and the ‘others’. This distance is

given between face and face.

Just as there is certain distance given between

face and face, each face is also given.

In Korean language, the word ‘face’ is also a

combination of ‘얼’(eol) which has the meaning

of soul, and ‘굴’(gu) meaning spirit as well as

identity. The face of a person is therefore the

place where the soul is shown, the place where

the soul stays, and the place where the trace of

soul remains.

Being as such a place, the face is where one

can read many parts of personality and signs

of life such as wisdom, knowledge, will, cour-

age, love and hatred, joy and pain. The face

replaces much of the language by showing a

variety of facial expressions before the person

speaks out loud.

The face I drew is being an existence and a

place. It is sad as being that because being the

‘others’ means it is an existence with a certain

distance between the ‘others’ and me, and it

can never be the same. On the other hand, it is

beautiful as being a place. Just as none of the

dented patterns on the wall of the cave carved

with the same color, signs of soul and life fallen

into the same way.

I was going to explore such cave on the ‘others’

faces. It is a cave full of moving images in the

darkness for thousands of years like the murals

left by the primitive artist. To be more honest, I

wanted to find clues in the traces. It is a clue of

hoping that my imagination and desire regard-

ing the origin of the ‘others’ will come true.

Yet I come to face sad existences. I had the face

which was the most memorable in my life im-

aged. Those including the face of my mother,

my first love girl, my friends, my colleagues, and

my family who lived in harsh times.

The image shows a beautiful face drawn on a

black background, which means despair, un-

known, infinite and death. The color of the face

is composed by a mixture of gray and pink, a

slightly bright scarlet color, and comes to my

mind as a reddish image, which is a color that

anticipates sad stories.

For me, the color reminds me of the swollen

cheeks soaked with tears. The color is also a

trace of cold winds remaining on the face in

which is sensitive to changes in temperature.

I draw one image repeatedly. It might seem to

be a spell or an expression of everyday affec-

tion. However, to me, it is a process of comple-

tion for a more complete existence. Though

it is sad, the image becomes a real existence

meaning the ‘others’.

As what the cave paintings in prehistoric times

testify, the change or movement from one be-

ing to the other remains an attribute of us, and

remain on our face. We can transform ourselves

from one being to another existence in a cave

called face. The goal of my work aims to have

that transformed.

Artist Statement-

Moon Seung Hyun

04 05

06 07

Carmine Pink 1 / 112.1×145.5cm / Oil on Canvas / 2016

Carmine Pink 2 / 112.1×145.5cm / Oil on Canvas / 2016

08 09

Mirror / 91×116.8cm / Oil on Canvas / 2014

10 11

Sunset / 72.7×90.9cm / Oil on Canvas / 2014

12 13

Dark Brown / 53×45.5cm / Oil on Canvas / 2013

14 15

First Love / 53×45.5cm / Acrylic on Canvas / 2010P series-A17 / 53×45.5cm / Acrylic on Canvas / 2010