ventana latina julio 2014
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Edición dedicada a las artes escénicas. Con la especial contribución de Juan José Burzi.TRANSCRIPT
P O R T A D A : F O T O G R A F Í A D E G A B R I E L R A M O S
E L T O N S Q U E . B L O G S P O T . C O M
V E N T A N A L A T I N A L O N D R E S J U L I O 2 0 1 4
U N A P U B L I C A C I Ó N D E L A C A S A L A T I N O A M E R I C A N A
E S P E C I A L : A R T E S E S C É N I C A S
VENTANA LAT INA, JUL IO 2014 CONTENIDO
EQUIPO VENTANA LATINA
Adriana Maldonado, directora y editora general, [email protected]. Tania Farías, redacción y
Guía Cultural, [email protected]. Jimena Gorráez, redacción y relaciones públicas,
[email protected]. Marisel Mendoza, contenido, [email protected], Álvaro
Moliner, redacción y dirección audiovisual, [email protected]. María Oliveira, revisión de textos y
estilo. Verónica Sanchis, Fotografía Latina, [email protected]. Jessica Sequeira, English Blog,
[email protected]. Marilyne Buda, redactora y corresponsal en París,
[email protected]. Irina Romero, ¡Sabor Británico!, [email protected]. Belen Pozzo,
Arte latinoamericano, [email protected]. Anneka González, investigación y traducción, Vincent Nadeau,
Ellen Donnison y Eleanor Rosenbach, redacción y traducción. Ventana Latina es una publicación independiente de la Casa Latinoamericana (Latin American House). Todos los artículos, columnas y entrevistas publicadas son responsabilidad de sus autores(as) y no reflejan obligatoriamente la opinión de Latin American House así como de la directora de Ventana Latina. Se prohíbe la reproducción total o parcial de la información e imágenes contenidas en la publicación sin previa autorización. Copyright © 2014 Latin American House. All rights reserved. Registered Charity no. 1127253 | Company no. 6720498. 10 Kingsgate Place, London NW6 4TA,
United Kingdom. Tel: +44 (0)20 7372 8653, www.ventanalatina.co.uk
Gustavo Ortiz, artista plástico 20
Palabras
El Trabajo del Fuego 22
Poesía de Octavio Zanón 26
Arriba el Telón por María Estévez Serrano 28
Perfiles
Adrián Segura, artista cubano con 29
conciencia social
Fotografía Latina 31
Diez preguntas con Jonathan Chacón
Voces Latinas
El Mexican Cultural Centre: creación y diálogo 34
internacional
Mi historia
Daniel Goldman, director creativo de 36
CASA Latin American Theatre Festival
Guía Cultural 38
¡Sabor Británico!:
Ensalada de berros y aguacate 44
EN ESTA EDICIÓN:
Editorial: Las artes escénicas, un modo de vida 1
Especial Artes Escénicas
Gabriel Ramos, fotógrafo. En movimiento fijo: 2
una mirada a la fotografía de artes escénicas
La historia de Fernando Montaño, bailarín, 5
de Buenaventura a Londres
Lucía Ohyama, una embajadora del Tango Argentino 8
Actriz Tamsin Clarke da vida a Manuelita 10
Talleres de trabajo de teatro en español en 12
pleno corazón de París
Entrevista a Germán D´Alessandro, especialista 14
en pedagogía teatral, di-rector artístico y
fundador de Tierra Theatre Company
La Latina Comedia:
Los sueños de la sirvienta 16
El Chache y la Jara: ¡Mucha mierda! 18
Club del libro: Asfalto: un road poem, 19
del costarricense Luis Chaves
Entrevista:
Página 1 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014 EDITORIAL
Nuestra edición de Julio 2014 la dedicamos a las artes
escénicas. Claramente no abarcamos todo lo que
quisiéramos, ¡la revista tendría demasiadas páginas!…
hay tanto que ver y decir sobre estas artes.
Algo que se me quedó en la cabeza fue lo que
mencionó Fernando Montaño cuando le entrevistaba
para esta edición, “...una de las cosas que me más me
gustan es la libertad que se siente, la libertad de
expresar todas esas emociones”. No podría estar más
de acuerdo con él y lo digo con tremenda envidia,
porque la danza la dejé hace tiempo con mucha pena.
Sin entrar mucho en el tema de la libertad, nunca me
sentí más liberada que cuando estaba en escena, todo
eso que no salía de mí en mi día a día, de alguna forma
se desprendía cuando pisaba el escenario (esto hace
varios años, y kilos, atrás). Mis clases de yoga aunque
ayudan, no son tan eficientes como la adrenalina que se
desprende durante una función.
Los artistas que se dedican a estas artes no sólo han
escogido un trabajo, han tomado un modo de vida, la
vida se acomoda a su arte a diferencia en general con
el resto de las personas que por lo común acomodan
más su trabajo a su vida. Esto podría ser aplicable a
cualquier actividad que se realice con pasión, yo creo.
Del lado del espectador, la puesta en escena de una
obra ya sea de danza, de teatro o de cualquier
espectáculo, significa por lo general un regalo, como en
inglés se dice, a treat, una pausa de nuestro ajetreo
cotidiano para respirar la magia y lo maravilloso del
teatro, la plasticidad sobrenatural de la danza y del
circo, la fuerza de las palabras, de la imagen, de la
música, de la luz, para hacernos reír o llorar.
Suerte tenemos los que vivimos en una ciudad como
Londres donde, aún sin presupuesto, estamos
expuestos a un sinnúmero de eventos artísticos que
nos invitan a explorar lo fantástico de las artes
escénicas.
¡Disfruten del verano!
Adriana Maldonado
Directora de Ventana Latina
Las artes escénicas, un modo de vida
Fotografía de Gabriel Ramos
Página 2 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Transmitir a través de imágenes la sensibilidad y las
émociones de las artes escénicas, es una tarea muy
compleja. Sin contar las dificultades técnicas que este
tipo de fotografía conlleva.
Gabriel Ramos Santiago es un joven fotógrafo
mexicano que conoce muy bien las complicaciones de
este tipo de fotografía. A lo largo de sus 10 años de
experiencia, Gabriel se ha especializado en la fotografía
de artes escénicas con un acento en la danza
conteporánea.
Ventana Latina: ¿Por qué elegiste seguir tu
carrera centrada en las artes escénicas?
Gabriel Ramos: En realidad no fue una decisión que
haya tomado en algún momento, creo que se fue
dando de manera casi natural. Comencé a hacer esta
fotografía mientras estudiaba la Licenciatura en Artes
Plásticas en la Facultad de Artes de la UV. La Facultad
de Danza estaba prácticamente en el mismo edificio y
en alguna ocasión fui invitado por algunos amigos a
hacer fotografías de una función. Fue ahí cuando me di
cuenta de la dificultad que representaba hacer este
tipo de fotografía. Mis primeras imágenes fueron
muchos trazos y “barridos” que, aunque plásticos, no
solían ser tan apreciados por coreógrafos o bailarines.
Comencé a asistir con mayor frecuencia a funciones,
ensayos y presentaciones para practicar y realizar
mejores imágenes. Con el tiempo mi trabajo comenzó
a gustar y comencé a ser requerido para algunos
festivales en donde fui conociendo a más profesionales
de la danza y a tener más trabajo.
VL: ¿Cuáles son las dificultades que presenta el tipo
de fotografía que realizas?
GR: La fotografía de danza en particular requiere de
una cierta sensibilidad y atención para ir más allá del
mero registro y poder crear imágenes que realmente
transmitan una emoción acerca de la obra y, a su vez,
crear una imagen en sí misma interesante y creativa.
Es sin duda una fotografía técnicamente complicada, la
luz que se maneja sobre todo en danza
contemporánea no es demasiado intensa, es necesario
tener objetivos (lentes) luminosos, es decir, objetivos
especiales con diafragmas muy abiertos; de lo
contrario estarás muy limitado y tendrás que usar
velocidades de disparo muy lentas, lo cual se traduce
en imágenes que pueden salir “movidas” como
vulgarmente se les conoce. Eso de entrada es una
complicación, técnicamente hablando, a eso hay que
sumar que la danza es movimiento constante y la
mayoría del tiempo los bailarines realizan
movimientos que tienen un instante preciso en el que
digamos lucirán mejor, si tu disparas antes o después
de esto, la foto ya no será buena y puede terminar
incluso siendo contraproducente para los bailarines
porque parecerá que su técnica no es buena.
Por supuesto que no puedes usar el flash nunca,
porque además de que puedes distraer a los
bailarines, es una falta de respeto al público y
En movimiento fijo: una mirada a la fotografía de artes escénicas
Por Tania Farías
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Sabor a ti, de Gabriel Ramos Santiago
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finalmente terminas por aplanar la iluminación con la
que la obra está diseñada.
VL: ¿Cómo se lleva a cabo una sesión de fotografía en
arte escénicas, y cuál es la diferencia con otro tipo de
fotografía?
GR: Regularmente una sesión de fotografía de artes
escénicas se realiza en el momento de la función con
público tal cual. Son muy pocas las compañías que
preparan funciones específicas para prensa (por lo
menos en México).
Las diferencias entonces podrían ser muchas y muy
variadas. En una sesión de estudio por ejemplo tienes
todo el control de la iluminación, poses, fondos etc. En
fotografía urbana, en la que si bien es cierto no puedes
tener el control, podrás por ejemplo moverte, cambiar
de posición o acercarte; cosa que no sucederá en un
teatro, no puedes estarte desplazando porque distraes
la atención del público y de la obra.
VL: Háblame sobre la fotografía documental que has
realizado
GR: Mi primer trabajo documental se llamó De Viva
Voz. Historias de Son Jarocho. Es un video-documental y
una serie de retratos realizados en el Centro-Sur de
Veracruz a los “viejos soneros” del Son Jarocho. Es
una aproximación al Son mediante aquellos que lo han
practicado desde siempre, aquellos que crecieron con
él, y que sin pretenderlo siquiera, contribuyeron a
convertir este género en un fuerte símbolo de
identidad, que, aún con sus variantes regionales, es sin
duda un factor fundamental en la cultura veracruzana.
Además, tengo 2 años trabajando en el proyecto
Mascaríta de Palo. En él realizo la documentación de la
fiesta de los Parachicos, personajes vestidos con
máscaras de madera, sarapes, montera y un “chin
chin” (un tipo de sonaja de metal) de la que me atrae
no solo la fiesta, sino además y sobretodo, las
máscaras de madera que caracterizan a estos
personajes y que terminan por convertirse en un
rostro que parece expresarnos emociones muy
diversas.
VL: Cuéntame sobre algún proyecto en particular que
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Conatus, de Gabriel Ramos Santiago
Complot, de Gabriel Ramos Santiago
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haya sido muy importante para ti ya sea
profesionalmente o personalmente.
GR: A finales del 2012 comencé el proyecto Desde el
fondo de la vida. Es una serie de retratos de mujeres
relacionadas al arte y la creación escénica; a través de
una plática abierta busco un retrato directo, cercano e
íntimo, capaz de transmitir una emoción, una sensación
reconocible, una experiencia con la cual lograr un acto
de comunicación.
Es un proyecto que sentí que necesitaba hacer,
considero que detenernos un instante o una eternidad
es imprescindible en un tiempo en el que parece que
vivimos contrarreloj. A veces olvidamos que la
comunicación se realiza en muchas y muy diversas
maneras, mirarnos a los ojos es tal vez una de las más
importantes si somos capaces de abstraernos el tiempo
necesario para que ésta se logre. Encuentro en la
mirada de cada una de estas mujeres, un hablar
profundo, un decir sincero y libre, emociones exaltadas
y voces que hacen eco en mi cabeza y la de cualquiera
que se detenga un momento a escucharlas. Cada
imagen se convierte así en una búsqueda y reflexión
sobre la vida.
Gabriel ha trabajado con compañías como A poc A
poc, de danza contemporánea establecida en el D.F.
con quienes realizó el proyecto fotográfico El fuego en
el país de las nubes expuesta en el Teatro de la Ciudad
y la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, y en la que
muestra parte del proceso creativo de una compañía.
Además, ha colaborado con Quiatora Monorriel,
Ángulo Alterno, Proyecto Ítaca, Physical Momentum
Proyect (compañía mexicana que actualmente realiza
una residencia en Barcelona), Kubilai Khan (compañía
francesa que realizó una producción en colaboración
en el D.F. en 2013). Su trabajo ha sido expuesto tanto
en exhibiciones colectivas, como individuales. Además
de algunas publicaciones como la revista Danza Pasión y
Movimiento (julio 2008, enero y junio 2009), la revista
de fotografía Cuartoscuro (publicación como ganador
del concurso de fotografía Sony Alpha Urbano 2008) y
la página virtual de la revista Fahrenheit Magazine, con
la serie Paraje de Sal en 2014.
Para conocer más acerca del trabajo de Gabriel Ramos
te invitamos a visitar su blog eltonsque.blogspot.com
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Pájaro de nube, de Gabriel Ramos Santiago
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Página 5 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
La historia de Fernando Montaño, de Buenaventura a Londres
Por Adriana Maldonado
Fernando Montaño, bailarín del Royal Ballet, es uno
de los artistas latinoamericanos más reconocidos en la
capital británica.
Nació en Buenaventura, Colombia. Su familia era una
familia humilde que vivía, dentro de la pobreza,
bastante cómoda. Él y sus tres hermanos iban a la
escuela, tenían sus regalos de navidad y ese tipo de
cosas. Cuando tenía 6 años se mudó junto con su
familia a Cali, a un barrio popular y también uno de los
más peligrosos. En Cali las calles eran de tierra y los
zapatos había que cubrirlos con bolsas de plástico para
protegerlos del lodazal. La intención de sus padres
siempre fue la de darles una buena educación a él y a
sus hermanos.
Fernando recuerda que descubrió la danza entre los 4
y 5 años. En Buenaventura no había una cultura de
ballet o de música clásica, pero de alguna manera
sembró su semilla de pasión por la danza. No fue hasta
los 12 años cuando por primera vez pudo hacer una
clase de ballet, hasta entonces había estado expuesto a
las danzas populares, la salsa, el tango, la milonga y por
su puesto también el futbol. “Como buen
latinoamericano, el padre quiere que uno haga futbol
también”.
Cuando comenzó con el tango, en tan solo un mes, le
dieron una beca de estudios. A sus padres les llamó la
atención y se dieron cuenta que su hijo tenía talento
para el baile. Cuando tenía 12 años su madre decidió
sacarle de la academia de danzas porque la maestra le
había puesto a enseñar el tango a él, a esa edad, y no
estaba contenta con eso. En el mismo día, le llevó al
conservatorio donde, después de un tiempo, la
maestra Amalia Romero le dijo que Fernando debía ir a
la escuela de ballet, la única en Colombia que
afortunadamente estaba en Cali. Su maestra arregló
todo para que fuera a hacer la audición. Y aunque las
clases ya habían comenzando, le aceptaron sin pensarlo
dos veces debido a sus cualidades físicas. En la escuela
estuvo dos años en los cuales se preparó para una
competición internacional en La Habana, en Cuba. Allí
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
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ganó el segundo lugar además de una beca de estudios.
Entonces tenía 14 años y estaba comenzado a vivir lo
que había sido su sueño, el de bailar con el tipo de
bailarines como con los que se encontró en Cuba. La
beca de estudios no incluía acomodación ni
alimentación, así que su familia tuvo que hipotecar o
más bien dicho re-hipotecar su casa para ayudarle.
Estuvo cinco años en la escuela en Cuba y trabajó un
año y medio en la compañía bajo la dirección de Alicia
Alonso. Su primer año fue muy duro, se enfrentó con
los problemas políticos y sociales de los cubanos
entonces. No había comida, no había transporte
regular, había bloqueos, en fin… tiempos difíciles que a
un niño de 14 años le tocó enfrentar solo. Pero al
mismo tiempo, estaba haciendo lo que le gustaba, la
parte negativa logró evadirla y continuó esforzándose
en su danza. Después de ese año y medio en la
compañía se le invitó a una competición internacional
en Italia. Desafortunadamente no logró asistir porque
no pudo obtener la visa.
Pero el deseo de ir a Italia persistió y llegar a allí fue el
padre de una amiga suya quien le patrocinó. Su amiga
Venus era mitad cubana mitad italiana y entonces se
encontraba viviendo en Italia. Fernando con sus
entonces 18 años llegó primero a Milán y siguió a
Torino donde se instaló con ella.
Venus vivía en un convento donde los hombres no
eran admitidos. Pensó en explicarles a las hermanas
que él era su hermano y que venía para estudiar para
que le dejaran quedarse a vivir allí. Pero no logró pedir
el permiso y Fernando terminó viviendo a escondidas
en el convento. Aunque ahora lo encuentra
divertidísimo y se ríe con Venus al recordarlo, en el
momento era un estrés muy grande, “Me tocaba
despertarme muy temprano para salir a la escuela sin que
las hermanas se dieran cuenta, hasta que un día nos
descubrieron”. Afortunadamente una maestra de la
escuela de ballet le dejó vivir en su casa y así terminó
ese año en Torino.
En una de sus funciones allí en Torino, la que era en
ese tiempo directora del English Ballet School, Jane
Hacker, después de haberle visto bailar, se puso de
acuerdo con su maestra cubana Niurka de Saa para
llevarle y ayudarle a hacer audiciones en Londres. Estas
dos mujeres, más el ya célebre Carlos Acosta, fueron
claves para que Fernando llegara a Londres y pudiese
hacer audiciones.
El día de la audición, el aparato de música no podía leer
el CD que Fernando había preparado para acompañar
su danza y terminó bailando sin música. Pero Fernando
dio todo de sí mismo y ese mismo día obtuvo una
oferta del Royal Ballet.
Poco a poco ha ido escalando dentro de la compañía y
justamente en estos meses Fernando será promovido
como solista y prontamente como primer bailarín.
Para Fernando, Londres es una ciudad llena de
oportunidades y si uno conoce a la gente clave, puede
llegar mucho más lejos. Así conoció a Vivian
Westwood, “una mujer de armas tomar que me inspiró a
hacer labores sociales y a ayudar a otros…”. De esta
manera, Fernando es hoy en día uno de los patrones
de Children of the Andes, una organización no
gubernamental que tiene como objetivo el otorgar una
mejor calidad de vida a los niños que más lo necesitan
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Página 7 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
en Colombia. Por otro lado,
Fernando también es partícipe de
un proyecto en Buenaventura para
la creación de un centro cultural,
apoyado por Findeter, por algunas
universidades y por el British
Council. El objetivo del centro será
el de proveer clases de música,
danza, drama, pintura y también de
inglés. Para Fernando, el inglés es
esencial hoy en día para cualquier
artista que quiera proyectar su
carrera internacionalmente. Sobre
ayudar a su país y a la juventud,
Fernando señala “…ayudo a mi país
porque, así como yo recibí varias
manos para llegar a donde llegué, me
gustaría darle la mano a esos jóvenes
que merecen una oportunidad y lo
necesitan. Yo lo hago de corazón”.
La vida de un bailarín es sacrificada, es dura. Un
profesional como Fernando pasa largas horas en el
teatro, a veces más de 12 horas seguidas, “…yo
afortunadamente no tengo problemas físicos, porque el
ballet involucra movimientos no naturales, muchos
bailarines fuerzan sus cuerpos y terminan con problemas
físicos, necesitando a veces cirugías. Somos un poco
masoquistas, pero al mismo tiempo tratamos de no
mostrar ese dolor y mostrar lo hermoso de la danza, pero
siempre hay casos de problemas físicos, de problemas de
alimentación o psicológicos por el nivel competitivo de los
bailarines. A veces a uno le afectan y uno tiene que tener
una personalidad fuerte para sobreponerse a estas
adversidades”.
¿Qué significa entonces la danza para Fernando? “La
danza es mi vocabulario, mi forma de expresarme. En
cada espectáculo trato de dar lo máximo de mí mismo
y también trato de descubrir nuevas cosas dentro de
mi persona, de sorprenderme a mí mismo con lo que
puedo hacer. Una de las cosas que me más me gustan
es la libertad que se siente, la libertad de expresar
todas esas emociones”.
Los próximos proyectos de Fernando tienen que ver
con seguir haciendo labores sociales para apoyar a
Children of The Andes, la apertura de la escuela en
Buenaventura y también ir con varios bailarines a la
reapertura del Teatro Colón en Bogotá. “Esto para mí
es un gran honor y un placer. Yo estoy organizando el
espectáculo así que es un reto muy grande”. También,
Fernando tiene pensado incursionar en el cine. Una de
las personas que le apoya es David Yates, el director
de las películas de Harry Potter. David tiene planeado en
hacer runa película para él. Ya tuvo su primera
experiencia en un cortometraje de danza con música
de Debussy, La siesta de un fauno. Este proyecto lo
realizó junto con Vivian Westwood.
“Me gusta ser versátil, porque la carrera de bailarín es
corta. Por otro lado, tengo la energía y la fuerza ahora, soy
bastante joven así que aprovecho las oportunidades al
máximo. Esto me hace crecer como persona y como
artista”.
Y así con estas palabras terminamos la entrevista con
un smoothie cerca del Royal Opera House en Covent
Garden. Fernando es encantador y sin duda un gran
artista.
Fotografía: Fernando junto a los artistas invitados al su show “Fernando Montaño´s Latin Extravaganza”. Evento realizado en el Hippodrome Casino
para la recaudación de fondos para Children of the Andes, organización para la cual Fernando es Patrón. En la noche se recaudaron más de 15000 libras
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
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Recientemente, el Royal Albert Hall de Londres,
recibió a uno de los artistas más importantes de la
música hispanoparlante como es Julio Iglesias, quien
visitó la capital inglesa como parte del itinerario que
contempla su tour 2014. Y junto a él, talentosos
músicos y una extraordinaria pareja de tango
compuesta por los argentinos Lucía Ohyama y Hernán
Gelosi.
Ventana Latina tuvo la oportunidad de conversar en su
paso por Londres con Lucía Ohyama, bailarina
profesional de tango y folklore, quien gracias a su gran
talento, sus estudios de danza y perseverancia, la han
convertido en una verdadera embajadora del tango
argentino, y quien por primera vez se encuentra
compartiendo escenario con el ídolo hispano.
Lucía comenzó a bailar desde muy pequeña danzas
nativas argentinas, además de estudiar danza clásica, y
con tan solo 13 años tuvo su primer acercamiento al
tango. A los 15, ya formaba parte de una compañía
argentina con la que realizó una gira por Italia de 40
días, que tuvo como objetivo llevar la música y la danza
a los pueblos menos turísticos. Aquella que fuese su
primera gira internacional la recuerda con mucho
cariño, sobre todo a su director Cacho Pardo, quien la
motivó a seguir creciendo, y a quien define como su
gran maestro.
Lucía es oriunda de Santa Cruz, Argentina. A los 18
años, y luego de terminar la enseñanza secundaria y la
carrera de Danzas Nativas y Folklore, partió a Buenos
Aires con el objetivo de perfeccionarse y buscar
nuevas oportunidades en el mundo de la danza. Al
poco tiempo, ya formaba parte de la compañía de
Mora Godoy, destacada bailarina de tango argentina, y
lograba destacarse en una de las competencias más
importantes de tango. De esa hermosa experiencia,
Lucila recuerda que “con Leo (su ex pareja de tango),
durante mi primer año de residencia en Buenos Aires,
participamos en el Campeonato Mundial de Baile de
Tango, que se realiza en Argentina anualmente, y
salimos cuartos de entre alrededor de 300 parejas.
Eramos pequeños, y la verdad que eso fue un incentivo
súper fuerte, porque a veces uno no tiene la
oportunidad de demostrar su trabajo. Luego de
Lucía Ohyama, una embajadora del Tango Argentino
Por Marisel Mendoza
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Fotografía de Walter Oscar La Colla
Página 9 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
participar en la compañía de Mora y obtener el 4° lugar
en el campeonato de tango, comenzamos a viajar”.
Su trayectoria laboral de la mano de la danza incluye
giras por Grecia, Colombia, China, etc., y desde hace 7
años es una de las bailarinas del prestigioso centro de
espectáculos Madero Tango, ubicado en el exclusivo
barrio Puerto Madero en Buenos Aires. Trabajo que
compatibiliza con actuaciones en diferentes
espectáculos, como el recientemente estrenado junto
al destacado bailarín y maestro de tango Juan Corvalán.
Ventana Latina: ¿Qué representa el Tango para ti?
Lucía Ohyama: El tango para la gente que lo baila, es
una forma de vida; levantarte pensando en un tango,
no sé si es tal cuál cómo la gente lo imagina. Vos allá
(Argentina) vas a la milonga, te relacionás con gente.
En el tango encontrás amigos, compañeros, un espacio
en el cual relacionarte, es un poco encontrar esa
diversidad de las personas, de distintas sociedades,
países, que se reúnen en un mismo lugar por un mismo
motivo, que es bailar. Es tan difícil de explicarlo,
porque para nosotros es una forma de vida. Para mí es
despertarme e ir a enseñar, tomar una clase, irme a
hacer mi función, luego voy a cenar y me encuentro
con mis amigas que todas tenemos entre 24 y 30 años,
y nos vamos a la milonga, que es irnos a un espacio
donde se escucha tango y donde hay pistas para bailar,
y nos reunimos todos porque somos aficionados del
tango. Una vez que empezás a bailar tango, tu vida
cambia por completo, es también una actividad física.
Es impresionante como escuchás una música, abrazás a
alguien y el mundo cambia completamente, es así de
sencillo.
VL: ¿Cuéntanos sobre el tour con Julio Iglesias?
LO: Este tour empezó el 7 de marzo en Ámsterdam,
tenemos una gira europea, y luego otra
latinoamericana. Después de Ámsterdam vinimos a
Londres, al Royal Albert Hall, que es un lugar de
sueños. Luego fuimos a Berlín y volvimos a Londres,
ahora vamos a México, y tenemos también una función
en Punta Cana, y otra en Estados Unidos, es un tour
de casi 40 días. Se vuelve a Buenos Aires y luego
tenemos 4 funciones en Canadá, y luego en julio se
vuelve a Londres. Este tour está programado hasta
diciembre.
VL: ¿En qué consiste tu participación?
LO: Julio hizo un disco que se llama Tango, habla de
América Latina y la pasión del tango, y en su
espectáculo canta A media luz y La Comparsita.
Hernán Gelosi y yo conformamos la pareja de tango
que baila ambos temas. Seguido a eso, bailamos Crazy,
que es un tema muy romántico. Yo estoy
reemplazando a Soledad (Fernández), quien baila junto
a Hernán hace 5 años en el tour de Julio Iglesias.
VL: ¿Cómo ha sido la experiencia?
LO: Estoy muy contenta y agradecida a Sole y Hernán
que confiaron en mí para esto, porque son shows
importantísimos. Estoy trabajando con gente muy
profesional. Además, Julio es un apasionado de su
trabajo, te lleva a que hagas todo desde el corazón. Eso
es muy valorable en un artista como él. Amsterdam fue
mi primer show, y había muchos latinos presentes,
“que soy de México, de Colombia”, se escuchaba.
Estaban también los holandeses cantando las canciones
de Julio y el momento del show se transformó en una
fiesta. Por otro lado, en Amsterdam, al terminar el
show nos llevaron a una milonga. Eso es bellísimo, ¡en
una cultura distinta a la nuestra están haciendo lo
mismo!, juntarse a bailar tango.
VL: ¿Es tu primera experiencia de trabajo con un
cantante de renombre internacional como Julio
Iglesias?
LO: He trabajado también con destacados artistas
argentinos, entre ellos Raúl Lavié, uno de los mejores
cantantes que hay en Argentina y a quien admiro,
además, como persona. Tuve la oportunidad de
trabajar con él por tres años, es una de las grandes
voces de Argentina, es un genio. Cacho Castaña es
otro de los grandes artistas argentinos con quien
estuve haciendo un tour por Argentina y fue una muy
linda experiencia también. Estoy muy feliz que esta
profesión me acerque a gente con tanto talento. De
personas con tanta experiencia se aprende muchísimo.
Feliz de seguir creciendo y encontrar espectáculos
nuevos del cual formar parte. No es tan fácil entrar en
un show hoy en día; hay mucha más competencia,
excelentes bailarines. Uno tiene que perfeccionarse
cada vez más estudiando tango y explorando otros
tipos de danzas para enriquecer el baile.
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Página 10 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
La obra de teatro sobre Manuela Sáenz, la
revolucionaría, la feminista y la amante de Simón
Bolívar, está llena de fuerza, de humor y de leyenda.
No se trata de una aburrida rememoración de un
pasaje histórico, es la exaltación de la pasión, de la
fuerza de una mujer que cambió el destino de todo un
continente. Para la confección del personaje, Tamsin
(hija de un inglés y una venezolana), viajó por aquellos
lugares que fueron importantes en la vida de Manuelita,
descubriendo historias olvidadas, desmontando mitos y
ensalzando la figura de esta mujer tan controvertida
todavía hoy. Esta obra fue la ganadora en el concurso
Scratch, de CASA Latin American Theatre Festival
2013 y será representada en el festival de Edimburgo
en agosto y en Londres en octubre. Además, estará
acompañada en escena por Camilo Menjura, músico
del año en los premios Lukas.
Ventana Latina: Manuela Sáenz es un personaje de
mucha importancia en la historia de Latinoamérica y tal
vez poco conocida en Europa, ¿cómo surgió la idea de
llevar a escena su historia?
Tamsin Clarke: La primera vez que yo escuché
sobre Manuelita fue leyendo el periódico. En un
artículo titulado Holy of Americas, se hablaba sobre la
amante de Simón Bolívar. Yo ya sabía que él tenía
muchas amantes pero hubo una que al parecer fue la
más importante y decisiva: Manuela Sáenz. El gobierno
de Venezuela estaba llevando los restos simbólicos de
Manuelita a Caracas para enterrarlos al lado de Simón
Bolívar. Eso me interesó mucho, así que estuve
buscando historias sobre Manuelita pero no encontré
casi nada. Pensé que sería interesante como tema para
una obra, daba mucho para la imaginación, así que me
puse a investigar.
VL: Cuéntanos cómo fue el proceso de creación del
personaje y cómo conseguiste profundizar en su
figura.
Tamsin Clarke da vida a Manuelita
Por Marisel Mendoza
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Página 11 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
T.C.: Decidí irme sola a buscarla a Latinoamérica. Fui a
Venezuela, Ecuador y Perú, intentando conocer la
verdadera historia, pisando el suelo que ella pisó. Me
sucedieron cosas muy curiosas. Por ejemplo, en Quito
hay un museo que lo lleva una señora, la cual me contó
una historia de Manuela que contrastaba mucho con
los datos que yo tenía. Le expliqué alguna de la
información que yo había sacado de los libros y ella me
lo negó todo rotundamente. Fue muy gracioso porque
cada cual tiene su propia historia de Manuelita y todas
y ninguna es la verdadera. Así que decidí aprovechar
incluso esas contradicciones, las bromas y los chismes
que circulan alrededor de su figura para que Manuelita
pueda desmentir, corroborar o simplemente dejarnos
con el enigma durante la obra.
VL: Manuelita ganó el primer premio del CASA Latin
American Theatre Festival, ¿cómo fue la acogida del
público?
Cuando decidí presentarla al festival de teatro de
CASA, en un primer momento no me aceptaron. Me
dijeron que la idea todavía no estaba muy definida.
Seguí trabajando y después de dos años, pude
presentar quince minutos de mi pieza y me salió bien.
Logré ganar el primer premio, el público fue muy lindo
y yo no lo esperaba. Hasta entonces no había tenido
director y lo había estado ensayando sola frente a la
pared, no tenía ni idea de cómo le iba a caer al público,
qué partes eran graciosas ni cuál sería la acogida.
Finalmente fue una sorpresa y un placer que le gustara
tanto a la gente que acudió a Rich Mix en el este de
Londres, uno de los teatros donde se celebró el
festival.
VL: ¿Cómo afectó ese premio a la obra?
T.C: A partir de ganar el premio estuve terminando el
guión. Yo tenía como un esqueleto que quería llevar al
ensayo y usarlo como punto de partida sobre el cual
podíamos mover las cosas de sitio, cambiar, quitar
partes. A eso me dediqué hasta enero, luego tuve
que buscar a un músico porque el chico que lo hizo
conmigo en CASA no podía asistir al festival de
Edimburgo. Encontré a Camilo Menjura, que fue
galardonado como músico del año en los Lukas. La
guitarra es como su tercera mano. También sumé al
equipo a Scarlett Plouviez Comnas que me ayudó con
la dirección. Por último tuve que diseñar las luces, la
escena y la estética. Con todo preparado, empezamos
a ensayar en abril y desde entonces hemos estado
trabajando todos los días para el estreno en el Bolivar
Hall, que fue un éxito.
VL: ¿Cuáles son los próximos pasos que va a dar
Manuelita?
T.C: La vamos a llevar al festival
de Edimburgo, tenemos un
espacio en Underbelly Cowgate
(Belly Dancer) todos los días a las
12.40 pm desde el 30 julio hasta
el 24 de agosto. Luego
regresamos en octubre a Londres
al festival de CASA en Richmix y
después, ¡el resto del mundo!
Hay una posibilidad de hacer una
gira nacional con CASA en
p r imavera . T amb ién me
encantaría traducirla al español y
llevarla por Latinoamérica, llevar
a Manuelita a su casa, al festival
de Bogotá, Caracas, Guayaquil,
L i m a , B u e n o s A i r e s …
compartirla con todo el mundo.
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Página 12 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
En el fondo de un callejón sin salida, cerca de la Porte
de la Chapelle, se encuentra un lugar atípico, un tanto
mágico y poco parisino, que responde al nombre de
“Théâtre de Verre” (teatro de vidrio). Se trata de un
teatro nómada, que alquila lugares temporalmente
vacíos cedidos por la Alcaldía de París, como esta
antigua ferretería. Entre los numerosos cursos que
propone, están los talleres de teatro en español de
Lucho, actor y director peruano.
Sábado por la mañana. El patio del teatro, que se sitúa
en la entrada, alberga una cantina con sillas y largas
mesas mojadas por la lluvia capitalina. Entre ellas se
mueve un gato pelirrojo, que, en cuanto se abre la
puerta, se precipita en el vestíbulo y empieza a correr
entre los sofás y las mesas ratonas, como dueño del
lugar. Levanto la mirada hacia el chico que se mueve
detrás de la barra, y a mi “Buenos días”, contesta
“¡Hola!”. Esto no es París, pienso.
Poco a poco llegan jóvenes y más jóvenes con disfraces
o instrumentos de música, y se van dispersando entre
los numerosos espacios que ofrece el lugar: salas de
repetición, de danza, de circo, estudio de música, etc.
Los integrantes del taller de teatro en español, dirigido
por Luis Lucho Peña-Herrera, también vienen llegando
y ya es hora de empezar.
Lucho, además de dar clases en establecimientos
escolares, lleva adelante este taller los lunes y sábados
en el Théâtre de Verre, que organiza su compañía Vía
Expresa. De un grupo por semana pasó a dos grupos,
compuestos por franceses, españoles y
latinoamericanos, aunque los franceses son
minoritarios. Su idea es trabajar obras de autores
sudamericanos con personas que sepan hablar español
o quieran mejorar su nivel mediante una creación
artística colectiva.
Hoy están Paula, colombiana; Lidia, peruana; Lea,
uruguaya; Jorge, mexicano, y Michel, único francés del
grupo. Falta Irene, una española. Tras el calentamiento
se van sucediendo los diferentes cuadros que
conformarán el espectáculo de fin de año:
presentación del grupo con desplazamientos en
música, escenas cortas sobre situaciones de conflictos,
poemas actuados de la argentina Alejandra Pizarnik,
baile con sillas a ritmo de tango y escenas de Made in
Lanús de la argentina Nelly Fernández Tiscornia y de La
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Talleres de trabajo de teatro en español en pleno corazón de París
por Marilyne Buda
Fotografía: Marilyne Buda
Página 13 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Chunga de Mario Vargas Llosa. A mitad del camino, la
“pausa té”, en la que tomando té conversamos sobre
sus historias y, claro está, sobre teatro.
Mientras miro y disfruto del espectáculo, me doy
cuenta que el teatro como uno se lo imagina, con un
texto en los labios y un decorado de fondo, no lo es
todo para Lucho: la poesía, el movimiento-danza, la
manipulación de los objetos y la música tienen su
especial importancia. Cada una de sus intervenciones
tiende a sensibilizar y concientizar a los actores acerca
del ritmo, de sus cuerpos, de los objetos que los
rodean y que le darán más fuerza a su actuación.
Para Lucho, que uno sepa bailar o no tango es
indiferente, escucharlo ayuda a entender el idioma del
teatro, y en el caso de los franceses, a entender el
idioma español en el teatro. Aunque los integrantes
franceses del taller saben hablar, y en algunos casos
han vivido en países latinoamericanos, siempre existe el
complejo tema del acento, una dificultad que atañe más
a la música que al idioma.
Pero, ¿cómo vino esa idea de un taller en español en la
capital francesa? “Yo vine tarde a Francia, con 35 años.
Por lo tanto tenía un acento fuerte y empecé por
hacer marionetas durante diez años. Podría actuar en
francés, pero me interesa más trabajar en español
porque es mi idioma y tengo los recursos necesarios.
También me di cuenta que París, como Londres, es una
ciudad cosmopolita donde hay espacio para
experiencias de este tipo, donde encuentras un público
interesado. Hay cada vez más teatro latinoamericano
en los grandes teatros parisinos y en los festivales. Por
ahora lo nuestro es un taller y se asume como tal, pero
tenemos la esperanza de llegar a hacer algo más
profesional”, me explica Lucho.
En el Théâtre de Verre, que lo acogió hace cuatro
años, sabía que encontraría bastante público: el
director del teatro es un artista plástico uruguayo, Luis
Pasina, y la comunidad latinoamericana está muy
presente. La difusión a través de la agenda parisina
sobre cultura latinoamericana ¿Qué tal París? hizo lo
propio y el grupo fue creciendo. “La gente viene
porque es como una isla para revitalizarse, cuando uno
está en un país extranjero en el que no se habla su
idioma. Aquí encuentra su propio rincón. Además, nos
sentimos bien en este lugar, porque es muy abierto,
tiene una atmósfera muy rica y permite conocer a
muchas personas que pasan por aquí que o bien
ensayan o enseñan”, añade Lucho.
El teatro existe desde hace diez años como teatro
nómada, alquilando por unos años espacios
temporalmente vacíos a bajos precios a la Alcaldía de
París. El Consejo Regional Ile-de-France da una ayuda
para los sueldos de la administradora y los técnicos.
Un proyecto efímero pero institucionalizado, que
perdura en el tiempo con una dinámica propia. La
mudanza está prevista para diciembre del 2014, pero
problemas surgieron a la hora de decidir la nueva
ubicación del teatro. La Alcaldía de París empezó por
proponer un lugar demasiado chico que los artistas
rechazaron, organizando una colecta de firmas para
obtener un espacio “que nos permita desarrollar las
mismas actividades que aquí. Estamos luchando para
tener por lo menos la mitad de lo que tenemos ahora,
porque creemos que este teatro cumple una función
muy importante, que tiene su particularidad y su
historia. No hay esa tensión que puedes ver en otros
centros culturales de la ciudad, porque aunque no es
un colectivo okupa, tiene un poco ese espíritu de
apertura, de reencuentro, de libertad. Y eso es único
en París”, cuenta Lucho.
Gracias al empecinamiento de sus artistas, el Théâtre
de Verre podrá finalmente beneficiarse de un espacio
decente en el distrito XVIII o XIX… Mientras tanto,
sigue en la resistencia desde el fondo de su callejón.
Vía Expresa: http://via.expresa.free.fr/
Théâtre de Verre: http://www.theatredeverre.fr/
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Fotografía: Marilyne Buda
Página 14 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Germán de D´Alessandro es argentino y desde el año
2007 dirige Tierra Theatre Company desde Londres.
Es especialista en pedagogía teatral y desde la capital
británica difunde el teatro y los procesos creativos que
éste involucra a través de representaciones y
proyectos culturales.
Ventana Latina: A partir del nombre de la compañía,
a uno se le llena la cabeza de imágenes… teatro, teatro
mitad en inglés, mitad en español… la fuerza de la
tierra, de las raíces… pero, ¿qué es Tierra Theatre
para Germán D´Alessandro?
Germán D´Alessandro: Es una compañía de teatro,
un espacio de trabajo, un lugar de creación hecho por
artistas extranjeros residentes en Londres cuyos
puntos comunes son el teatro, la pedagogía, la lengua
española y también la necesidad de adaptarnos a una
nueva tierra buscando dónde poder sembrar y
desarrollar nuestro arte.
VL: ¿Cómo nace Tierra Theatre?
GA: Tierra Theatre Company nace en agosto de 2007
en la ciudad de Londres, al estrenar Voces de la Palabra
en el Instituto Cervantes. En ese momento y con aquel
grupo de artistas tuvimos la necesidad común de crear
un una compañía como una forma de proyectar hacia
el futuro otras actividades teatrales, además de la obra
que estábamos representando en aquel momento.
VL: ¿Cuál es el momento de la historia de la compañía
que recuerdas con más cariño?
GA: El que aún está por llegar.
VL: Esa es buena, jejeje… a ver la siguiente, ¿qué es lo
más difícil de ser director de teatro?
GA: Eso mismo… lograr ser algún día, director de
teatro.
VL: Explícate…
GA: Quiero decir que hay muchas formas y niveles
para entender qué significa ser un director de teatro.
Sin duda alguna, se necesita una formación y educación
específica en esta área. Esta formación que puede ser
formal académica o informal como en los casos de
transmisión de maestro a discípulo.
Pero también se necesita ejercer la práctica con sus
propios éxitos y con los fracasos necesarios para
poder reflexionar sobre los propios pasos y continuar
el camino de la creación, que además es un camino que
no tiene señales.
La dirección teatral es una actividad que incluye
muchas áreas de conocimiento además de la actuación.
Un director necesita tener conocimientos también en
artes visuales, música, psicología, historia, literatura,
etc., etc. También, un director teatral debe tener una
posición ideológica desde donde participar con su
creación y estar inmerso en el resto de los
acontecimientos sociales de su tiempo. Adquirir esta
claridad ideológica, estos conocimientos, como
también adquirir cierta maestría en la capacidad de
crear junto con otros creadores como son los actores,
es algo que lleva muchos años y es algo que se va
construyendo de forma dinámica...
Por esto mismo, mi definición de director teatral es
algo que aún está en construcción.
VL: Y… ¿si Germán D´Alessandro no se hubiera
dedicado al teatro que sería profesionalmente?
GA: Pescador, navegante, agricultor o ladrón de
diamantes.
Entrevista a Germán D´Alessandro, especialista en pedagogía teatral, di-
rector artístico y fundador de Tierra Theatre Company.
Por Airam Zevetse
Germán D´Alessandro (autoretrato)
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Página 15 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
VL: Va a resultar que te quedaste con la profesión
fácil, jejeje… Dos obras de teatro experimentales
Proyecto Miranda y Voces de la palabra; I´m here, I´m
from there dentro de vuestro proyecto comunitario al
igual que el Cinefórum que organizan en la Casa
Latinoamericana; Talleres de español desde el teatro
para escuelas de secundaria… ¿en qué anda Tierra
Theatre en estos momentos?
GA: Este nuevo año lectivo que empieza en
Septiembre de 2014, estrenaremos nuestro nuevo
proyecto orientado a la educación, abarcando el nivel
pre-escolar, colegio primario y secundario.
Son diferentes propuestas interactivas y que tienen
como objetivo la práctica de la lengua española a través
de diferentes actividades teatrales tales como obras de
teatro, talleres y cuentacuentos. El plato fuerte es la
pieza infantil María y el pan destinada a alumnos de
primaria en la que hemos puesto mucho esfuerzo y
cariño todo el equipo.
Todas las propuestas están adaptadas al currículum de
la enseñanza de español como segunda lengua y a las
diferentes edades, por supuesto.
VL: La crítica social y política es algo que está muy
presente en todas las producciones de Tierra, ¿tiene
María y el pan algo de ese contenido inconformista?
GA: Si entendemos como parte de la crítica social y
política conceptos como: el cuidado del medio
ambiente, el cooperativismo, la solidaridad, el sentido
del bien común, y la perseverancia en nuestras metas
entonces sí, diríamos que estas propuestas, aunque
adaptadas para niños, también contienen este
contenido inconformista ya que no nos conformamos
con el nivel de desarrollo alcanzado por la humanidad
en relación a estos conceptos.
VL: ¿Por qué el teatro puede ser una herramienta
pedagógica tan valiosa?
GA: Porque incluye una multiplicidad de signos: el
lenguaje, la expresividad, el movimiento, la música, la
plástica, etc.
Además, permite la interacción y la participación activa,
los cuales en la pedagogía son conceptos
fundamentales para asimilar el aprendizaje. Cuando
participamos activamente y cuando compartimos esta
experiencia con el otro, con los otros, sin duda
estamos adquiriendo un aprendizaje que quedará, no
solo en nuestra memoria intelectual, sino también en
nuestra memoria motriz, sensorial y emocional.
VL: Quién es más exigente ¿el público infantil o los
adultos?
GA: Sin duda, el infantil.
VL: Define María y el pan en tres palabras
GA: Trabaja, comparte y ama.
VL: Suena un poco bíblico…
GA: Puede ser... no lo había pensado de esta manera.
¡Y sí, por algo sigue siendo el libro más publicado de la
historia!
VL: ¡Ojalá que María y el pan tenga el mismo éxito!
¡Mucha mierda!
Germán D´Alessandro dando directrices a los
actores en “Voces de la Palabra” (arriba) y con
su equipo técnico (abajo).
ESPECIAL ARTES ESCÉNICAS
Página 16 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014 LA LATINA COMEDIA
Empecemos por el final ¿por qué?, pues porque por
algo hay que empezar. La sirvienta Sofía, la de los 300
millones, se pega un balazo o se lanza a las líneas del
tren, lo mismo da, la realidad que la imaginación. Por
lo demás, hay trenes balas y balas que viajan como
trenes, y ambos han sido vehículos de muerte. Pero
volvamos al tema, la sirvienta muere en serio y muere
en fantasía. Sus fantasmas de humo, agentes ingratos
de su propia fértil imaginación, no derraman siquiera
una lágrima por su creadora fenecida, más bien,
danzan macabramente en torno a su cadáver como
niños liberados del yugo de la ley.
No me esperaba nobleza del Galán imaginado, ni
solidaridad de las doncellas Griselda y Azucena, flacas
de irrealidad. Impensado un réquiem del Capitán
descarnado o una lágrima de la Reina Bizantina, menos
aguardar por una postrera caricia de la Muerte. Y es
una lástima que el sensible Hombre Cúbico, al que
burlonamente llaman caldera, no compareciese. Ese si
que hubiese llorado porque a pesar de ser
geométricamente perfecto es sensible como una
curva. ¿Y Rocambole? Rocambole querido, yo creía
que tu corazón se había regenerado en bondad luego
de los años de fechorías. Cuarenta tomos escritos en
tu honor por Ponson du Terrail tirados por el
excusado. No te imaginaba zapateando sobre los
vestidos de la muerta, quemando los 300 millones de
humo que le habías regalado solo porque tenías ganas
Los sueños de la sirvienta
por Fray Draco
Página 17 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
de romper las pelotas. Cuarenta tomos, 300 millones
y un cínico: Rocambole.
Suena la campanilla de la patrona, y yo puedo seguir
escribiendo porque no son mis sueños de los que
hablo, pero Sofía no puede seguir soñando porque es
sirvienta y las sirvientas sirven, no sueñan, incluso en
las tragedias griegas y en las telenovelas mexicanas.
Sofía se cae del catre de su quimera para correr por
entre los pasillos que forman los muebles húmedos de
la cocina de los patrones. La chica recibe las órdenes
del día, que son siempre las mismas y que asesinarían
cualquier espíritu creativo o quijotesco. Friega, trapea,
pule, desempolva y cocina, hora tras hora, mientras
estoica aguanta que el hijo de la patrona le mire su
culo joven bambolearse en la labor como si fuera
aquello parte del arbitrario contrato. ¿De qué te
sirven Sofía 300 millones en tu bolsillo del delantal si
la patrona te los hace evanescer cada vez que suena
aquella campanilla rezongona?
Los 300 millones regalados, broma de mal gusto. Diré
más, macabra chanza de tres pesos ¿ideada por
Rocambole? quizás no, sino por la misma Sofía, que no
desea estar presa también en sus sueños y necesita
esos 300 millones para volar lejos, para tener un día
una hija secuestrada y luego recuperarla con inusitada
audacia, para rechazar a un galán que la corteja y a
unas damiselas que la envidian o para charlar con un
capitán de barco que al menos la trata con cierto
respeto.
Sofía, ¿y cómo dejas que tus propios fantasmas te
traten así? Esos insignificantes seres de humo no
tendrían páramo donde languidecer si les quitaras el
suelo fértil de tu desear. Pero no te quieres y te
tratas como sirvienta incluso cuando has sido heroína,
gran señora, femme fatale, millonaria y envidia entre
todos los humanos... en tus ensoñaciones.
Oyes como se acerca el tren y oyes al mismo tiempo
al hijo de la patrona acercándose borracho y
cachondo hasta tu cuarto. Ambos vienen a embestirte
sin piedad, uno con metal y el otro con carne. El eco
de su transitar se te hace insoportable, te quiebra los
afanes. Sentada en la orilla del baúl de viaje nunca
finalmente deshecho eliges la carta del ahogado: Tren
en la vida real, bala en tus sueños.
No te hizo justicia la vida, no te hizo justicia la
patrona, no te hizo justicia el periódico que reporteó
tu muerte ni tampoco te hicieron justicia tus
fantasmas de humo. Pero si lo hizo el sensible artista
escritor devenido en periodista de crónica roja que te
vio ahí tirada junto a tu baúl de viaje nunca deshecho
del todo. Se llamaba Roberto Arlt y escribió luego una
obra en tu honor que un día estrenó un teatro y un
modo de hacer teatro en el país al que llegaste para
morir sin nunca haber deshecho del todo tu baúl de
viaje. Supongo que en ese baúl guardabas celosamente
los fantasmas que nunca osaron reírse de ti ni de tus
propios sueños.
Texto basado en la obra 300 millones de Roberto Arlt,
estrenada en el recién inaugurado Teatro del Pueblo
de Buenos Aires en 1932.
LA LATINA COMEDIA
Página 18 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
La Jara: (hablando por teléfono) Venga pues nada, nos
vemos después de la obra. ¡Mucha mierda! ¡Ciao!
El Chache: Nunca he entendido la expresión “mucha
mierda” de los teatreros. Me parece una forma
horrible de desearle suerte a alguien.
La Jara: Yo tampoco la entendía pero le pregunté un
día a María por el origen y ya no me parece tan fea.
El Chache: ¿Y cuál es?
La Jara: Pues al parecer hay varias teorías, pero la más
aceptada es que en los tiempos en los que no había
vehículos motorizados y la gente iba al teatro a pie o
en carruajes, era buena señal que los alrededores del
teatro estuvieran cubiertos de excrementos de
caballos porque significaba que mucha gente de pasta
había ido a la función y había más probabilidad de tener
una buena recaudación.
El Chache: Claro, porque en el siglo XVI o así no se
cobraba entrada en los teatros…
La Jara: Eso es, la gente tiraba monedas si le gustaba
la función y claro, cuánto más poder adquisitivo había
entre la audiencia, pues más generosas eran las
donaciones.
El Chache: Y, ¿de dónde viene la expresión inglesa de
break a leg?, ¿está relacionada?
La Jara: También está relacionada con la recaudación,
lo que se deseaba, de forma exagerada, era que de
tanto agacharse a recoger monedas se rompiera uno la
pierna.
El Chache: Es curioso como ambas expresiones, en sí
negativas, son positivas en el fondo. Quizá también
estén relacionadas con las supersticiones de la gente
del teatro.
La Jara: Podría ser… es difícil rastrear el origen de las
tradiciones y creencias…
El Chache: Sea lo que sea, lo que está claro es que en
el arte, sea cuál sea, hay que invocar a la suerte para
ganar dinero. Es la historia de nunca acabar ¿cómo
hacer dinero con el arte?
La Jara: Pues parece ser que interesando a los ricos,
jejeje… ¡qué vida más dura la del artista!
El Chache: Y la muerte
La Jara: ¿Cómo?
El Chache: Que los artistas nunca lo han tenido fácil,
pero los actores en particular incluso menos. ¿No
sabes que a los actores no se les podía enterrar en el
cementerio?
La Jara: ¡En serio! No tenía ni idea de eso.
El Chache: Sí, en España al menos, hasta casi
mediados del siglo XX los actores no podían ser
enterrados en los cementerios, y en la Roma pre-
cristiana los actores pertenecían a los “infames”, es
decir aquellos que carecían de honra...
La Jara: Y claro eso traía consecuencias me imagino…
El Chache: Claro, por ejemplo su palabra no era
válida en un juicio.
La Jara: O sea, que los ciudadanos romanos no podían
ser actores…
El Chache: Ni actores, ni bailarines, ni gladiadores, ni
prostitutas, ni proxenetas. Todos eran infames y se
consideraban males necesarios en la sociedad. Luego
poco a poco fueron mejorando, pero muy poco a
poco…
La Jara: Ahora entiendo por qué desde siempre el
teatro ha sido un poco endogámico… claro. Los
actores no se podían mezclar, me refiero, casarse
legalmente con los ciudadanos.
El Chache: Mezclar si podían mezclarse, pero no
legalmente… y a veces incluso podía perseguirte la ley.
En la Edad Media según dónde te excomulgaban, si se
te ocurría casarte con un actor… de las actrices ya ni
hablamos claro…
La Jara: Pues mira tú que sabiendo tanto de estas
cosas no supieras el origen de “mucha mierda”…
El Chache: Pues no, es que es una expresión muy fea
y nunca me ha dado por investigar… ya ves…
La Jara: ¡Mierda!, ¡que llego tarde al teatro!
EL CHACHE Y LA JARA
¡Mucha mierda! Por El Chache y La Jara
Página 19 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Hay momentos que suceden, y mientras suceden, una
se dice: esto, ahora, es como parte de un film.
Conocí a Chaves en una fotocopiadora de la Calle de
la Amargura, a la edad de diecinueve. Llevaba yo una
camiseta fucsia y jeans, y estaba en ese tiempo, y por
muchos años más, bañada de una sensación de
expectativa y temor ante la vida. Chaves llevaba el pelo
largo entonces, y lentes de carey, similares a los que
todavía, dieciocho años después, usa. “Hola”, me dijo
al pararse a mi lado frente al mostrador. Era un
hombre mayor que yo, era evidente. Los hombres, o
muchachos de mi edad, no hablaban con tal seguridad,
no pedían el número de teléfono de una muchacha con
la misma naturalidad del saludo inicial, no se aparecían
bajo la ventana de tu cuarto a las dos de la mañana
tirando piedritas contra el cristal, para despertarte,
subir a tu cuarto, desvestirte y besarte, con la misma
naturalidad con la que se pidió un teléfono y una
dirección.
Chaves fue símbolo de inicios en mi vida, y posteriores
rupturas también. El fue la puerta a una vida bohemia,
de cigarrillos y arte, inciensos y rocamadures; a un
sinfín de elementos que en aquella temprana edad,
cuando todavía vestía con camisetas y jeans, marcaron
la persona que hoy soy, y que me impulsaron, en gran
medida, a dejar mi país, a buscar horizontes donde yo
creía iba a encontrar más poesía e incienso que en mi
tierra tropical.
Me fui a Dinamarca, Suecia, Estados Unidos y el Reino
Unido, y con cada mudanza fui perdiendo el rastro de
Chaves. Supe, como se llega a saber en países como los
nuestros, que había emigrado a Buenos Aires, pero que
la gestación de su primera hija lo había obligado a
volver a San José, y después supe que había tenido una
segunda hija, y después, no supe nada más.
Fue hasta hace poco que volví a reencontrarme con
Chaves, producto del club de lectura en español que
dirijo en Battersea Spanish. Me enteré, por su editor,
que Chaves, quien se ha dedicado a la poesía, acababa
de publicar un libro de narrativa titulado Asfalto. Me
metí en Internet, compré el libro, esperé su llegada
con expectativa y emoción, y en cuanto lo tuve en mis
manos lo empecé a leer. Terminé dos horas después,
conmovida, llena de lágrimas y recuerdos producto de
todo ese pasado que quizás por el paso del tiempo, o
por el perdón que viene con la edad, me parecía lindo,
poético incluso, y no tortuoso, como muchas veces lo
sentí. Le escribí inmediatamente. “Quiero incluir tu
libro en el club de lectura”, le dije. Y así fue que la
brecha del tiempo se borró y fue como si los años no
hubieran pasado, cuando acordamos hablarnos por
Skype, vernos las caras y oírnos las voces. Hablamos de
sus hijas, de mi escuela, de Cortázar y Zambra, a
quienes leeremos este otoño, de lo lindo que escriben,
de lo bueno que es que existan, del tiempo en Londres,
de mis gatos, de sus padres y mis padres, y finalmente
de su libro, tan lleno de belleza y nostalgia a la vez.
Chaves nos honró con su presencia el día en que gente
de todos los rincones de Londres vino para charlar con
el autor. Nos sentamos todos alrededor de la mesa,
nos conectamos a internet y conversamos con Chaves,
aquel muchacho que parqueaba su carro bajo mi
ventana y me tiraba piedrillas para despertarme, para
besarme y desvestirme, y quizás para dejar algo del
germen de la mujer que un día llegaría a ser.
Chaves grande en la pantalla, con sus lentes de carey y
su pelo arremolinado, con su boca que una vez fue mía,
hablando a los demás, leyendo de su libro, tan lleno de
aquello que fuimos y no somos más.
Ese film, entiende una con el tiempo, es la vida, que
pasa fugaz.
*Sara Caba es la fundadora y directora de Battersea
Spanish, centro de difusión cultural y de enseñanza del
español como lengua extranjera. Asfalto: un road poem,
del costarricense Luis Chaves, es uno de los libros
recientemente discutidos en el club mensual de lectura
que organiza Battersea Spanish. El club está abierto a
nativos y no nativos. Más detalles en http://
www.batterseaspanish.com/bookclub/
EL CLUB DEL LIBRO
Asfalto: un road poem, del costarricense Luis Chaves
Por Sara Caba*
Página 20 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Considerado como “una de las estrellas de la
Argentina” por la prestigiosa revista Británica
Aesthetica, Gustavo Ortiz nació en la Patagonia, y
actualmente vive y trabaja en Londres. Su obra, gran
parte en collage y de colores vivos, refleja la influencia
de las tribus indígenas y nos invita a un viaje por este
mundo único, el mundo de Ortiz.
Ventana Latina: ¿Cuándo decidiste que querías
dedicarte de lleno al arte?
Gustavo Ortiz: Empecé a pintar aproximadamente a
los 15 años, pero mi destino había sido "decidido"
mucho antes. Mis padres querían que mis hermanos y
yo aprendiéramos a tocar un instrumento. Mis
hermanos tuvieron éxito, pero en mi caso, después de
cambiar de la guitarra al piano y del piano al violín,
decidieron que la mejor actividad extra escolar era
ponerme en una clase de arte. Después ingresé en el
instituto de Bellas Artes en General Pico, La Pampa, y
de ahí todo se dio naturalmente, trabajando para otros
artistas y, al mismo tiempo, creando mis propias
oportunidades de trabajo.
VL: ¿El arte fue algo determinante en cuanto a la
decisión de vivir en Londres?
GO: Cuando tomé la decisión de venir a Londres vivía
en Santiago de Chile. Mi vida ahí era bastante estable,
pero tenía la sensación de no poder ir "más allá" en mi
desarrollo como artista. Venir a Londres fue un
proyecto que se dio naturalmente, fue más una
decisión de familia y de pareja. El arte tal vez fue un
50% determinante. Claro que cuando uno decide
mudarse a otro país por lo que sea, uno empieza a ver
qué oportunidades le esperan.
VL: ¿Cómo es tu proceso de creación?
GO: Mi proceso es muy manual. Trabajo con papel,
collage y pintura. Pero la técnica no es lo que me
define como artista, tal vez en el futuro trabaje con
otros elementos.
VL: ¿Qué te inspira a crear estos personajes increíbles
y coloridos?
GO: La inspiración puede venir de cualquier lado, los
mitos y leyendas de los aborígenes de Sudamérica son
muy ricos en personajes que se relacionan a mi
sensibilidad y lenguaje. Pero también nuestras familias
pueden tener personajes mitológicos, historias que se
pasan verbalmente y que hablan de tus antepasados.
VL: ¿Cuál de todas las series que has creado es tu
preferida?
GO: Los autorretratos me gustan mucho, los veo
evolucionando a algo más. Siempre me han atraído los
artistas que han basado su carrera en el desarrollo de
su propia imagen, como Frida Kahlo o Cindy Sherman.
VL: ¿Cuánto de Gustavo hay en tus personajes?
ENTREVISTA
Entrevista con Gustavo Ortiz, artista plástico
Por Belén Pozzo
The spirit of the chair II, mixed media, 2013
Página 21 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
GO: Cada vez más, creo. No solo en la temática de
autorretratos, pero además en el lenguaje que se ha
ido transformando al punto de hablar menos de dónde
vengo y más de quién soy.
VL: ¿Cómo es un día en la vida de Gustavo Ortiz?
GO: Mi vida puede ser bastante aburrida para la
mayoría de la gente, es más mis amigos me han
diagnosticado con ¡agorafobia! Trabajo en mi
departamento así que no tengo la necesidad de salir
mucho. Generalmente empiezo a las 8 de la mañana y
trabajo hasta pasada la medianoche. Una de las cosas
que no he perdido de La Pampa es el hábito de dormir
la ¡siesta! Cada tanto recorro museos y galerías, y me
doy una sobredosis de arte.
VL: ¿Cómo crees que vivir en Europa ha influenciado
tu obra?
GO: Hay tantas cosas para ver y experimentar aquí
que es imposible no ser influenciado, personalmente y
en mi obra. No solo influencia europea, pero también
de otros inmigrantes de África y Asia. Algunas de estas
influencias aparecen naturalmente sin mucha
explicación, solo la excusa de que son muy
interesantes como para ignorarlas, como el uso que he
hecho del empapelado Victoriano.
VL: ¿Quiénes son tus artistas favoritos?
GO: Mis artistas favoritos no tienen mucho que ver
con lo que hago. Entre ellos están Paul Mccarthy,
Joseph Beuys, Richard Tuttle, y algunos otros que si
tienen que ver con mi estética, como Kiki Smith, Cindy
Sherman y Henry Darger.
VL: ¿Cuáles son tus proyectos y cuáles tus sueños
para el futuro?
GO: Mi último show fue The hundred ways that I see
myself en la galería Pure Evil. En la exhibición se pudo
ver autorretratos que he hecho desde el 2009 hasta
ahora. En la apertura del show solamente se vendieron
18 obras. A largo plazo quiero seguir trabajando, que
mi trabajo siga evolucionando y que más gente conozca
mi obra.
Para más información sobre el artista y su obra
contactar a Belén Pozzo Art Consultancy –
www.belenpozzoartconsultancy.com
ENTREVISTA
Self portrait N34, mixed media, 2013
The Spirit of the chair IV, mixed media, 2013
Página 22 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Todo empezó con una escena que, recurrente,
ganó el espacio del sueño: se veía en el taller, pintando
frente al atril. Más allá, subida a la pequeña tarima,
había una mujer desnuda. Por un breve lapso de
tiempo el sueño se suspende en ese punto. Luego, con
una rapidez espantosa, el cuerpo de ella muta; la piel se
oscurece y cae de a jirones. En los lugares donde la piel
marchita ya no está, se ve la carne estremecida,
palpitante. Él sigue con su trabajo, no presta atención a
lo que pasa.
Esa escena, que Mayer no llegaba a entender de
dónde venía ni adónde lo llevaba, no varió nunca. A
veces, apenas despierto, recordaba vivamente algunos
pasajes del sueño; él visto de espaldas pintando, el
cuerpo de la mujer deshaciéndose, la mujer aún
intacta... y a veces recordaba todo a la perfección,
como una secuencia irrevocable que quedaba trunca en
el momento de pintar.
En diferentes etapas de su carrera había retratado a
personas deformes y singulares. Sentía atracción por lo
erróneo, por las equivocaciones de la naturaleza. Todo
lo que no era aceptado por el gusto de los demás, era
material de trabajo. Por eso, cuando dos meses
después el sueño ya era obsesión, comprendió que no
iba a tener más remedio que hacer algo.
No se detuvo hasta encontrar a la mujer adecuada
para su nuevo proyecto: Misako, una modelo japonesa
que en un incendio se había quemado la mitad del
cuerpo.
Sabe que las manos son el punto de partida del
primer cuadro. Le toma la izquierda, la que está
inutilizada. Tiene los dedos índice y medio pegados entre
sí, a causa de la carne fundida. El dedo meñique había
desaparecido y, al igual que los dedos que están unidos,
los otros dos se contraen hacia atrás en una tensión
permanente. Esa mano es especial al tacto, como si
careciera de poros. Vuelve a notar las partes donde la
piel brilla con un tono más oscuro que en los sectores
sanos. Las cicatrices se ramifican en un caos, estirando y
contrayendo la piel en forma antojadiza.
Además de la mano, también tiene desfigurado gran
parte del torso, la pierna y el brazo izquierdo. Sin ropa,
evalúa mejor el estado de la pierna quemada. El pie se
apoya de manera extraña, el dedo meñique parece
enroscado hacia abajo por el calor.
Luego la mirada se enfoca en la cabeza. Una parte del
cráneo está pelado. En otros sectores de la cara las
cicatrices se entrechocan y se anudan como fibras
nerviosas contraídas unas sobre otras, conformando una
geografía grotesca. La comisura de la boca se tuerce
hacia arriba. El ojo izquierdo parece a punto de caer, no
PALABRAS
El Trabajo del fuego
Por Juan José Burzi *
Juan José Burzi
Página 23 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
tiene expresión, el párpado es una tela de piel arrugada y
sin pestañas.
Es como un ángel visto desde el infierno.
Sin familia, recluido en su casa por propia decisión,
a los setenta y cinco años convive con la única
compañía de los trabajos que había decidido no
vender: la pareja de enanos, los dos retratos de las
siamesas adolescentes, los bocetos tomados en la
morgue de lo que quedó de los cuerpos suicidas de la
secta Solaris.
Los cuadros están colgados en una habitación
especial, en la que el sol de la tarde ilumina las paredes y
los entinta de una luz amarillenta, gastada. A él le gusta,
cada tanto, sentarse en un rincón y observar las
imperceptibles mutaciones que provoca esa luz sobre los
lienzos.
El cuerpo desnudo sobre el blanco, despojado de
cualquier elemento o matiz, se impone sobre la nada.
Ese cuerpo en el centro es la unidad, el punto de
partida y de llegada. Un resquicio por el que se puede
entrever lo frágil y lo erróneo de años de
concepciones estéticas. Y sobre ese cuerpo que nada
oculta, se extienden, como huellas dejadas por algún
dios descuidado, las llagas cicatrizadas y resecas.
Los ojos reflejan las luces de dos mundos
diferentes. Las luces que alumbraban los días de los
hombres, y las que, hasta ese momento, ningún
hombre moderno había vislumbrado. Eran las mismas
luces que padeció Medusa y que alguien se atrevió a
mirar oblicuamente, porque mirarlas de frente
significaba convertirse en piedra, en un estado de
locura eterno y mudo.
Entre el pecho sano y el otro, morado y llagado, la
mano incompleta y calcinada simula descansar,
condenada a no hacerlo nunca.
Bajo el agua caliente de la ducha se pasa el jabón
por el cuerpo. Cuando se inclina para enjabonarse la
pierna izquierda ve una llaga que le cubre un costado
de la tibia. Después de observarla con atención la toca
y no le duele. Es una quemadura ya cicatrizada, una
quemadura que nunca sufrió. El color parduzco y las
irregularidades al tacto son iguales a las quemaduras
que está pintando.
No hay más tristeza que la que se puede descubrir
en un mediodía. Esa idea tan arbitraria es un motivo
recurrente en sus cavilaciones. Un mediodía apagado,
mudo y monótono, como los que había conocido en
ese pueblo de provincia donde se crió. Y al que vuelve,
al menos mentalmente, más de cincuenta años más
tarde, viviendo en un caserón también apagado y
monótono. Los ciclos de la existencia no dejan de ser
poéticamente justos, piensa.
Mayer encara el segundo cuadro sin entablar ningún
tipo de empatía con Misako. Siempre trabajó de esa
manera. Las particularidades de las personas que
retrataba le interesaban en la medida en que podía
plasmarlas en el lienzo, nada más. Pero encuentra una
dificultad. Cada vez que fija la vista en Misako, piensa
en la marca que tiene en la pierna.
Misako nunca varía su actitud. Se conduce con una
cuidadosa obediencia que Mayer no alcanza a discernir
si es parte de la subordinación que se atribuye a las
mujeres orientales o si, por el contrario, esa distancia y
esa actitud sosegada no encierran una forma de ironía
que él no comprende.
Inclusive, ese mutismo a veces le causa temor. Un
sentimiento que había comenzado a surgir en las
últimas noches, cuando examinaba su cuerpo y venía a
la mente la imagen de Misako desnuda, el ojo sano,
rasgado, y el otro, sin párpado, mirándolo fijamente.
Una tarde, cuando termina la sesión, Misako sale
vestida detrás del biombo y se acerca al atril donde
están las pinturas. Está atrapada en esos lienzos, en
cuerpo y esencia. Esos retratos transmiten la misma
potencia que tiene su cuerpo quemado. Se inclina un
poco y él nota, por el movimiento casi invisible de las
fosas nasales, que aspira el aroma de la pintura aún
fresca. Después de unos segundos inclinada, va hasta el
atril más alejado. Sin preguntar si lo puede hacer, pasa
la mano sana sobre el lienzo, como un ciego leyendo
Braile.
PALABRAS
Página 24 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Las cicatrices habían tomado todo el brazo
izquierdo. Había llevado un control más riguroso que
al principio, especialmente cuando vio las primeras
marcas en esa parte del cuerpo. En cuestión de días,
sin que pase ni una semana desde que las descubriera,
las marcas cedieron su lugar a las primeras cicatrices
de ese fuego impasible que lo consumía por dentro.
Parecía que la mutación se aceleraba.
Mayer también descubrió un dolor sordo en la
pierna cicatrizada. En la última sesión había empezado a
sentirlo en el brazo. A pesar del descubrimiento, se
negó a llamar al médico o a trabajar menos.
No llamó al médico porque presentía la falta de
respuestas que le podía dar la ciencia. Las similitudes
con la modelo llegaron a tal punto que él también
empezó a caminar con una pequeña dificultad para
apoyar el pie izquierdo. La última vez que se miró el
pie, advirtió que el dedo meñique se torcía como el
casco de un caracol. ¿Qué podía decirle un médico
ante esas coincidencias?
Mayer decide cubrir la mano con vendas después de
notar la forma en que lo miró la cajera del
supermercado. La mirada se clavó en la piel reseca y
arruinada de la mano. Después, mientras le pagaba,
sintió que miraba las manchas que ya estaban
apareciendo en el cuello y en parte de la cara. Cuando
las cicatrices surgieran ahí, no iba a poder hacer nada
por ocultarlas.
Misako no le pregunta nada acerca de su mano. Sí le
parece que, al igual que la cajera, se detiene en las
marcas de la cara. Mayer se miró al espejo por última
vez la noche anterior. Se pregunta, mientras la sigue
hasta el taller, si las cicatrices ya habrán comenzado a
aparecer.
Caminando detrás de Misako, también nota algo
que lo perturba; renguea más que ella. La modelo
mantiene la irregularidad discreta que siempre le notó,
pero el paso de él es más marcado. Con eso confirma
algo: las cicatrices son idénticas a las de la Misako en su
forma externa, pero por alguna razón que ignora, en él
tienen otro tipo de efecto. Probar eso es muy fácil;
Misako puede permanecer quieta en una posición
durante más de una hora, haciendo breves
estiramientos cada tanto. Él es incapaz de soportar una
hora en pie.
Una noche se siente atacado por una punzada aguda
y constante en la pierna. Se apoya en la pared pero no
evita la caída.
Trata de pararse varias veces, las últimas ya sin
esperanza. Queda en el piso, semi recostado,
esperando recuperar fuerza. La pierna izquierda no le
responde, parece dormida.
En esa posición aprecia como la luz de la luna se
filtra por las claraboyas.
También se pregunta acerca de Misako. Quién es
realmente. Qué espera con ese trabajo.
Por la noche, apoyado en la muleta sin la cual ya no
puede moverse, Mayer va al baño. Cuando pasa frente
al espejo no resiste la tentación de mirarse aunque
fuera de reojo. Lo que ve lo deja como petrificado, en
equilibrio y agarrado de la muleta por un lado y de la
pileta por el otro. Esperaba, en el peor de los casos,
verse con las mismas cicatrices de Misako, pero ve que
en él invaden más terreno. Todo el mentón está
cubierto de ellas y ese sector carece de la barba de
semanas que sí tiene en el resto de la cara. Lo mismo
sucede con el sector izquierdo y medio de la cabeza. El
pelo canoso se mantiene solamente en la parte
derecha del cuero cabelludo. El labio, totalmente
ennegrecido, está torcido en una mueca amarga.
En algún momento de los días que siguieron al inicio
del cuarto retrato, Mayer pierde la fuerza en la pierna
derecha y depende pura y exclusivamente de las dos
muletas para trasladarse. Este nuevo estado no
produce ninguna reacción en Misako, de la misma
manera en que no se produjo cuando vio que usaba la
primera muleta o cuando vio las cicatrices.
Otro cambio que sufre en esos días es la aparición
de las manchas moradas en la mano derecha, la que usa
para pintar. De a momentos, el pulso le tiembla y no lo
puede controlar. Ese descubrimiento lo desespera, así
como también el hecho de tener dificultades en la
vista. Ve todo a través de una neblina insidiosa y duda
de los colores que elige.
PALABRAS
Página 25 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Por eso, teniendo en cuenta el escaso tiempo que
media entre la aparición de las manchas y los efectos
de las quemaduras, decide volver a trabajar en
períodos de entre dos y tres horas. Cuando el
agotamiento lo obliga a detenerse, con un gesto indica
a Misako que puede descansar, y él se queda en su silla,
inclinado, mirando la nada, como deseando penetrar la
neblina que se interpone entre la modelo y él. Misako,
por su parte, no descansa, tal vez ayudada por la
posición que ha elegido o tal vez como forma de
mostrar su determinación en que finalice con los
retratos.
A punto de terminar el cuarto retrato, pasa lo que
él tanto teme: mientras está pintando un dolor feroz le
arrastra la mano derecha hacia abajo, haciéndolo trazar
una línea marrón sobre lo que ya tiene pintado, un
poco más de la mitad del cuerpo. Suelta el pincel y
agita la mano como si haciendo eso pudiera expulsar el
mal que lo está invadiendo. Falta muy poco y la mano
se contrae lentamente, tomando la forma de una garra
invertida. Las cicatrices se aplastan sobre los tendones.
Se pregunta en qué momento habrán aparecido.
Queda vencido, encorvado sobre su regazo como si
deseara fundirse en sí mismo.
Mayer no tiene idea de cómo hacer para agarrar los
pinceles. Los dedos de la mano derecha están torcidos
y tiesos, recubiertos de cicatrices.
Misako lo endereza frente a la cuarta pintura, que
Mayer apenas distingue, con la vista cada vez más
nublada. Pone un pincel sobre la mano de Mayer y lo
sujeta con cinta aisladora. Él, entre las sombras de los
ojos, percibe el gesto concentrado en su cara.
Ella sube a la tarima y adopta la pose que había
elegido días atrás. Mayer apenas puede divisarla, su
vista está peor de lo que cree. Sin decir nada, y
teniendo como guía lo que recuerda de las sesiones
anteriores, retoma la pintura.
Por costumbre, a pesar de estar prácticamente
ciego, gira levemente la cabeza hacia donde Misako
está recostada. La piel de Misako ejerce la misma
atracción que cuando la vio por primera vez. Y así
continúa trabajando, durante más de una hora, hasta
que en un momento se detiene. Sabe que terminó.
Deja caer el brazo sobre las piernas. Exhausto por
el dolor, el sufrimiento que tuvo que pasar por alto en
esa última sesión lo acaricia a lo largo de todo el
cuerpo. Mayer grita una vez, es un grito roto y
resignado. Enseguida percibe la presencia de Misako a
su lado. Ella no dice nada. Él oye movimientos
cercanos. Ella está corriendo cosas. También nota que
pasa a su lado y que hace algo con el atril. Cuando
escucha cómo se aleja el sonido de los pies descalzos,
estira, en un último esfuerzo, el brazo. Donde debe
estar el lienzo no hay nada. Ella se está llevando los
retratos.
En un momento la puerta del taller se cierra y se
imagina abandonado a su suerte, muriendo solo y
acosado por la oscuridad. No tiene miedo y aún antes
de escuchar cómo la puerta se abre de nuevo, sabe
que Misako no lo va a dejar. Ella está otra vez a su lado
y continúa moviendo cosas con cierto descuido. Los
ruidos se centran a su alrededor. Mayer deduce que lo
está rodeando de objetos.
Cuando finalizan los ruidos, ella le apoya una mano
sobre el hombro y entonces, por ese gesto tan simple
y desprovisto de grandilocuencia, Mayer percibe que
las pinturas están a salvo, aisladas de todo en la parte
delantera de la casa.
El jadeo de las llamas se mezcla con los olores
fuertes de los tarros de pintura quemándose. La mano
de Misako no se separa de su hombro en ningún
momento.
Mayer perfora la oscuridad de los ojos sólo por
unos segundos, los necesarios para ver las paredes de
fuego que los rodean y para descubrir en las llamas una
dulzura que jamás hubiera imaginado.
*Juan José Burzi es escritor argentino radicado en
Buenos Aires. Lee la entrevista al autor:
http://www.ventanalatina.co.uk/2014/06/entrevista
-con-juan-jose-burzi/
PALABRAS
Página 26 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014 PALABRAS
Poesía de Octavio Zanón
Nació en Valencia, España y tuvo que empezar a estudiar Teoría de la
literatura (Universidad Complutense) para darse cuenta de que la
literatura no se estudia, se vive. "Porque al fin y al cabo todo es literatura,
la vida es literatura y el día que ya no se escriba, o mejor, cuando se
escriba la última palabra, la vida, el universo, seguirán siendo literatura de
una manera o de otra".
Transformación
Transformación
Como mueca en tu rostro.
Transformación
De risa en lloro.
Tallo que sale
de la tumba,
huevo,
crisálida.
Flores con
alas de pétalos.
Raíz del pelo.
Abrazo
que asfixia.
Transformación
del niño que gatea
en la gacela que
huye del sueño.
El sueño
hecho realidad.
Soñar que
por fin se despierta.
Transformación
de amor en odio,
de la amistad
en amor,
del vapor de
sodio
en la sal
de las heridas.
Abrir las entrañas,
ser cicatriz,
cicatrizar
como espinas
a los lados
del tallo nacido
de la tumba.
Tanatorio,
sala de maternidad.
Una risa,
el lloro,
la brisa de mar,
Página 27 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014 PALABRAS
mar del
que me evaporo.
Transformación
de la superficie
herida de la tierra
Las arrugas de
sus montañas
En los valles
de tus mejillas.
Transformación
de lo uno.
Transformación
de lo único.
Transformación
de lo que no cambia,
de lo que permanece,
transformación
de lo que no perece.
Transformación
de tú y yo
En él.
Del suelo
hecho cielo.
Transformación
de manos y pies,
De cantos y versos,
De fuego y aire.
Transformación
de principio en fin,
del vuelta a empezar,
de lo inacabado
en lo que nunca empieza.
Ser la pieza
que falta para acabar
Y perderse
o transformarse
como la flor
en fruto,
Como la tierra
En aire,
Como la célula
En planeta.
Acurrucarse como
un feto para nacer
en la tumba.
Tumbarse y vivir.
Transformar la
transformación
para que sea otra
cosa a la vez
transformada.
Tomar el todo y
darle la vuelta
para que sea nada.
Página 28 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014 PALABRAS
ARRIBA EL TELÓN
por María Estévez-Serrano
Cierro los ojos y huelo el polvo que se resiste a marcharse. Ya no soy yo.
Sin embargo soy yo la que escucha el silencio. Un silencio suave y seco
que empezará a llenarse de susurros. Ya vienen. Suspiro honda y profun-
damente. Ya no soy yo.
Sin embargo soy yo la que escucha el silencio que ha dejado de ser silen-
cio para convertirse en diálogos inconexos, risas lejanas y quejas sordas de
butacas que se resisten a despertar de la siesta. Otro suspiro, esta vez
cargado de muecas incomprensibles. Un último repaso mental. ¿Está todo
en su sitio?
Ya no soy yo.
Sin embargo soy yo la que contesta sí. Las voces empiezan a apagarse al
son de los focos. Un escalofrío me recorre desde la nuca hasta el meñique
y hace que cada vello de los brazos se desperece y estire tirando de mí
hacia arriba. Me siento ligera y suspiro otra vez. ¡Mucha mierda!
¡Mierda! ¡Mierda!...
voces de todos los colores repiten la misma palabra cargada de nervios
entre bambalinas. Se siente el sol de los focos, pero yo tirito. Un último
suspiro. Un paso entre tinieblas. Ya no tiemblo. Un fogonazo de luz.
Ya no soy yo.
Página 29 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
reconocimiento para este joven talento que reside en
Santa Fe, Isla de la Juventud, Cuba, considerando que
no hay espacios de publicación e intercambios de
opiniones sobre este género artístico en la Isla.
Cuba es el principal escenario de inspiración para
Adrián Segura, su gente y las problemáticas sociales
enfocadas desde un humor con sentido. Sus creaciones
están marcadas por un gran contenido social y de
actualidad, y tienen por objetivo mostrar conciencia
social a la vez de buscar justicia social, así como indagar
en la realidad de otros pueblos latinoamericanos.
“Mi trabajo busca a veces, un poco más allá del chiste
y el humor, un punto de vista reflexivo, ya que como
catalizador del medio que me rodea y el contexto
social en el que estamos sometidos día a día,
aprovecho las circunstancias difíciles para convertirlo
en algo agradable y es una manera fascinante de
PERFILES
Adrián Segura, artista cubano con conciencia social
Por Marisel Mendoza
Adrián Segura es un prominente artista cubano
dedicado a la caricatura, y quien en su corta
trayectoria, ya ha recibido más de 30 premios, a nivel
local, nacional e internacional.
El año pasado fue galardonado en la XVIII Bienal
Internacional del Humorismo Gráfico, en la Habana,
Cuba, en la categoría Premio Tomy online, con su obra
denominada News, modalidad que tuvo como finalidad
homenajear a unos de los grandes de la caricatura
como es el también cubano Tomás Rodríguez Zayas, a
quien se le conoce como Tomy.
La materia prima de su obra News, la componen temas
tales como la manipulación mediática a través de las
noticias, y lo que considera la trasmisión de falsos
conceptos de la realidad cubana, material que fue
configurando para lograr su obra. Todo un
Página 30 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
PERFILES
transmitirle al espectador alguna situación de una
manera tan gentil”, nos cuenta el artista desde su Cuba
natal.
Adrián explora en sus creaciones, además, temas
propios del hombre, sus pasos en la historia y de
alguna manera, a través de lo que denomina “silencios
narrativos”, le quita fronteras a la obra explotando la
visualidad. Para este artista cubano, el proceso
creativo juega un papel fundamental ya que “disfruto
mucho mi trabajo, aunque me resulta a veces
trabajoso llegar a una buena idea que cierre el circulo
(concepto y chiste). Es la parte genial, obliga a
explotar al máximo la creatividad”, nos cuenta Adrián.
Una pequeña colección de las obras de Adrián Segura
se publicarán en un libro este año, y aquí te invitamos
a conocer parte del trabajo creativo de este joven
artista cubano, el que incluye obras tales como El
coleccionista de heridas, Haciendo camino al andar,
Memorias del subdesarrollo, News, No solo de pan
vive el hombre y Pasando la negra.
Para contactar a Adrián, puedes comunicarte al
teléfono (053) 46 39 44 99.
Página 31 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Jonathan Chacón, nació en Chicago, IL, en 1991. En
2013, se licenció en arte en el Instituto de Arte de
Chicago (SAIC). Su trabajo fotográfico se ha expuesto
en numerosas exposiciones, entre ellas Deslee Gallery
(St. Louis, MO) y Proyectos Johalla (Chicago, IL), entre
muchas otras. Entre los premios que ha recibido
Jonathan se incluyen la beca LeRoy Neiman (2013), la
beca de investigación Fred Endsley Memorial (2013), y
la beca honorífica al Nuevo Artista en Sociedad (2010).
Jonathan Chacón también forma parte de un colectivo
de tres artistas compuesto por Daniel Greenberg,
Hannah Lee y David Lloyd. Juntos son JDHD. Han
expuesto en la academia de arte Cranbrook
(Bloomfield Hills, MI), en la Universidad de
Northwestern (Evanston, IL), Ox-bow (Sangatuck, MI)
y, recientemente, han sido invitados a participar en una
exposición inaugural en Habersham Mills, bajo la tutela
de Kelly Kaczynski y Cori Williams (Demorest, GA).
Jonathan actualmente vive y trabaja en Cicero, IL.
Ventana Latina: Explícanos cómo llegas a la
fotografía.
Jonathan Chacón: Mientras mi hermano trabajaba,
me gustaba meterme en su habitación y tomar
prestada su cámara digital. En mi habitación, sacaba
fotografías de mí mismo inspiradas en los modelos de
los catálogos de Urban Outfitters. Este fue mi intento
de crear un personaje por internet que resultara más
interesante que mi yo real. Durante los tres años que
estuve en Myspace, aprendí a utilizar los códigos de
Photoshop y HTML desde los foros de Myspace.
Durante mi último año de instituto, hice un curso de
fotografía formal y momentáneamente dejé de
hacerme fotos a mí mismo y empecé a retratar mi
entorno.
VL: ¿Piensas continuar fotografiando en México a
pesar de que vives en Estados Unidos?
JC: Me encantaría volver. Mi sueño es vivir de forma
permanente en México. Actualmente estoy tramitando
la obtención de mi doble nacionalidad para poder
volver y trabajar allí.
VL: ¿Cuál es el tema de que más has desarrollado en
tu trabajo fotográfico?
JC: La vulnerabilidad.
VL: ¿Qué te inspira de México?
JC: En México viajé de Viesca (Coahuila), a Tecomán
(Colima). Mi madre nació en Viesca y mi padre nació
FOTOGRAFÍA LATINA
Diez preguntas con Jonathan Chacón
Por Verónica Sanchis
Adopted Brother, parte del proyecto For the North. Cuyutlán,
Colima (2013)
Guard dog, parte del proyecto For the North. Viesca, Coahuila
(2013)
Página 32 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
en Tecomán. Ser capaz de viajar de un lugar a otro era
muy inspirador. El paisaje, la intensidad del sol y las
nubes, son las cosas que deseo volver a ver con más
ganas.
VL: Ya que es tu ciudad natal, ¿has considerado
producir un proyecto en Chicago?
JC: Sí. Estoy sacando muchas fotografías nuevas en mi
dormitorio. Intento sorprenderme a mí mismo, a pesar
de que estoy muy familiarizado con lo que me rodea.
VL: ¿Has combinado la fotografía con otro medio
visual o de audio?
JC: También hago vídeos, pero todavía no me siento
seguro de mostrar alguno. Lo haré pronto, ¡creo que
sí!
VL: ¿Cómo se desarrollan tus proyectos de la idea a la
práctica?
JC: Las imágenes no surgen de la nada. Están
sigilosamente relacionadas con nuestra propia
disposición personal.
Sigo dos reglas:
(1) No fotografiar algo a menos que tenga que hacerlo,
(2) Cuando lo hago, que tenga una respuesta a algo.
Confío en ello. Tiene significado.
VL: ¿Qué buscas representar en tu trabajo?
JC: Por el Norte, es una obra que nace de una
frustración. Crecer con doce hermanos y hermanas fue
una experiencia abrumadora y confusa. Enterarte de
que tu padre tiene diecisiete hijos es sorprendente,
por decir algo.
Este otoño, durante mi viaje a México, me enteré de
que soy el número 16 y su hija de cuatro años es la
número 17. Lo que no esperaba eran sus dos hijos
adoptados. Esto lo convierte en un padre de 19 hijos.
Las fotografías hacen que los niños parezcan
autosuficientes y los adultos desesperados y débiles. Mi
interés por mostrar a adolescentes y a gente mayor en
estas características tiene su base en mi infancia
frustrada y confusa.
VL: Actualmente, ¿te encuentras trabajando en un
proyecto nuevo?
JC: Sí, la nueva serie de imágenes que saldrá pronto se
llamará, Exit 9, la cual hace referencia al número de
salidas que hay en el edificio de la escuela primaria en
FOTOGRAFÍA LATINA
Father, parte del proyecto For the North. Tecomán, Colima (2013)
Página 33 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
la que actualmente enseño.
La obra se encuentra en sus primeras etapas de
desarrollo, de modo que no puedo profundizar sobre
las ideas que este trabajo abordará, pero puedo
ofrecer una imagen colorida de lo que está por venir.
(Imagen adjunta, Título: Rainbow Folder, Año: 2014,
Ubicación: Chicago, IL, Proyecto: Exit 9).
VL: ¿Qué representa una buena foto para Jonathan
Chacón?
JC: Sorpresa, desafío y diversión.
Para disfrutar de la obra de Jonathan Chacón se puede
visitar su página web:
www.jonathanchacon.com
Las obras realizadas por el colectivo JDHD se pueden
ver aquí:
http://cargocollective.com/JDHD
FOTOGRAFÍA LATINA
Brothers, parte del proyecto For the North. Tecomán, Colima (2013)
Flytrap, parte del proyecto For the North. Tecomán, Colima
(2013)
Página 34 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Nottingham, Reino Unido. El Mexican Cultural Centre
(MCC) es el primer organismo itinerante y virtual,
registrado legalmente en el Reino Unido, que
promueve y difunde a México con artículos, reportajes,
poesías, cuentos, ensayos, traducciones, ciclos de
conferencias, presentaciones editoriales y proyecciones
cinematográficas. Contamos con un equipo de
profesionales mexicanos como Ana Laura Pazos
González, José Luis Santos López, Lidia Á. García
González y Rafael Rodríguez Reyna. Todas nuestras
actividades y contenidos editoriales tienen estándares
de calidad. Por nuestro trabajo, José Antonio Meade
Kuribreña, Secretario de Relaciones Exteriores de
México, nos envió una carta diplomática el 30 de enero
de 2014, a Nottingham, Reino Unido, con el propósito
de darnos: "Un reconocimiento por lograr conjuntar
una pluralidad de expertos colaboradores, cuya
participación deriva en la excelencia de los trabajos
editados por ese centro bajo su digno cargo". El interés
de lectores y colaboradores de diversas profesiones
nos ha llevado a expandir nuestras acciones de
promoción y difusión a un gran número de países de
diferentes partes del mundo, posicionándonos como un
divulgador de la lengua española.
Creación y diálogo internacional
Para Salvador Venegas-Andraca, doctor en Física y
Ciencias de la Computación por la Universidad de
Oxford, Inglaterra: “México es un productor nato de
conocimiento científico y artístico.
Desafortunadamente, la imagen que México tiene en el
extranjero no hace justicia a nuestra capacidad
creadora”. Sobre el trabajo del Mexican Cultural
Centre, expresa: “En este contexto el trabajo del MCC
se justifica. La muy alta calidad de los contenidos y la
pertinente promoción de los mismos empleando
herramientas modernas de comunicación como
Facebook y el correo electrónico, por ejemplo, han
logrado que el MCC sea ya un referente en México y
Europa”. Salvador Venegas-Andraca es académico y
fundador de la Sociedad de Estudiantes Mexicanos en
el Reino Unido (MexSoc UK), organización sin fines de
lucro que lleva 11 años realizando anualmente
simposios sobre México en diversas universidades
británicas.
Sofía Alejandra González De Aguinaga, licenciada en
Mercadotecnia y maestra en Tourism, Environment
and Development por la Universidad de King’s College
London como becaria CONACYT, declara al respecto:
VOCES LATINAS
El Mexican Cultural Centre: creación y diálogo internacional
Por Eduardo Estala Rojas*
Página 35 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
“El Mexican Cultural Centre ha realizado un excelente
trabajo de promoción cultural de México y de
reconocimiento al talento mexicano. Este es un portal
único que ha sabido sumar esfuerzos para comunicar,
con gran calidad, artículos escritos por profesionales
no solo mexicanos sino también internacionales.
Asimismo, el MCC ha sabido conjugar las experiencias
de los mexicanos en el Reino Unido y difundir diversas
convocatorias, eventos y conferencias para mexicanos
en dicho país, sirviendo como enlace cultural”.
Paniel Reyes-Cárdenas, doctor en Filosofía por la
Universidad de Sheffield, Inglaterra, indica: “Celebro y
apoyo que el MCC ofrezca una voz a los mexicanos
que vivimos en el Reino Unido. Quienquiera que lea la
página podrá notar que somos una comunidad vibrante
y llena de inquietudes por ser un factor de acción en
las sociedades que vivimos”. Recientemente Reyes-
Cárdenas fundó la Sociedad Mexicana de Metafísica y
Filosofía de la Ciencia.
“El trabajo del MCC es de vital importancia para la
comunidad mexicana en el Reino Unido; ofrece un
abanico de posibilidades culturales en el medio más
socorrido por nuestros compatriotas: el internet.
Además de eso, el MCC es un punto de encuentro y
diálogo intelectual entre México y el Reino Unido”,
menciona Mario Duarte, estudiante de doctorado en
Composición en el NOVARS Research Centre de la
Universidad de Mánchester, Inglaterra.
Para E. Lizz Cedillo, estudiante de doctorado en
Ciencia e Ingeniería de Materiales en la Universidad de
Sheffield, Inglaterra: “La promoción y difusión que
realiza el portal del MCC, es definitivamente
significativo, ha dado voz y eco a trabajos con
diferentes perfiles, da la libertad de tocar la puerta y
pedir colaboración. Es gratificante ver diversas
actividades culturales con un excelente nivel, reflejo de
la entrega de los responsables. A mi parecer, se está
convirtiendo en la guía de actividades, eventos,
personas que promueven la cultura en el extranjero”.
Cedillo es miembro activo del grupo de danza Son de
América, en el Reino Unido.
Ana Laura Pazos González, comunicadora y maestra en
Humanidades por la Universidad Anáhuac de México,
comenta: “La voz de México se lee fuerte y clara en el
portal y las redes sociales del MCC, la cual resuena no
solo en las islas británicas, sino en diferentes países
donde se entiende el español. A través de los artículos,
poesías, ensayos y cuentos publicados por el Mexican
Cultural Centre, los mexicanos que están lejos pueden
sentirse cerca de casa, y los extranjeros tienen la
oportunidad de acercarse al mundo cultural mexicano”.
Pazos González es directora general de la revista
cultural mexicana Bicaalú y autora del libro Parvada
blanca en la ciudad.
“La labor que hace el MCC es ejemplar y debería servir
de ejemplo no solo a estudiantes mexicanos que viven
en el extranjero sino a todos los cónsules, agregados
culturales, artistas y personas de México que viven y
permanecen fuera del país: el hecho de difundir la
cultura en todas sus variantes sirve para extender una
política de tolerancia, paz y comprensión entre las
personas y los países”, apunta Marco Tulio Aguilera
Garramuño, escritor e investigador de la Dirección
Editorial de la Universidad Veracruzana, México.
“Es un portal que trata de tener en constante
comunicación, no solo a los mexicanos que viven en
Inglaterra, sino también difundir lo que se hace en
México. Es un puente maravilloso que podemos cruzar
constantemente”, agrega Miguel Ángel Muñoz Palos,
doctor en Historia del Arte por la Universidad
Nacional Autónoma de México (UNAM).
Finalmente, Adriana Elizabeth Vera Pérez, quien trabaja
en el Programa de Historia Latinoamericana,
Universidad de Chicago, Estados Unidos, señala: “El
trabajo de promoción y difusión del portal del MCC,
hasta el momento, ha sido excelente. Ha cumplido su
objetivo, el de dar a conocer, promover y difundir las
diversas actividades relacionadas con el arte y la cultura
dentro de nuestro propio país, México, y aún más allá
de sus fronteras, de una manera accesible y
clara…,también ha dado a conocer a México y su
cultura en Inglaterra y otros países de Europa,…al
alcanzar diversas universidades y organizaciones
culturales, artísticas, sociales y gubernamentales. En tan
poco tiempo, ha recibido ya el reconocimiento de
diversas entidades”.
Mexican Cultural Centre (MCC): http://
mexicanculturalcentre.com/
* Eduardo Estala Rojas. Director y fundador del
Mexican Cultural Centre en Nottingham, Reino Unido.
Contacto: [email protected]
VOCES LATINAS
Página 36 VENTANA LATINA, JULIO 2014 MI HISTORIA
Con solo 34 años de edad, el director de teatro Daniel
Goldman ha conseguido crear un festival de teatro en
Londres en el que se dan cita las compañías más
importantes de toda Latinoamérica, superando los
2000 espectadores en su última edición en 2013. Su
labor por dar a conocer el teatro en español y
portugués del otro lado del atlántico comienza en un
viaje a Argentina cuando tenía veinte años. Daniel
recibe a Ventana Latina y nos cuenta su historia.
Todo empieza en un día de septiembre de 1980. Nací
en París y este es un poco el comienzo de la historia
porque mi padre es inglés y mi madre es francesa, por
lo cual ya desde pequeño tuve que convivir con dos
culturas. Esto, en cierto modo, explica el porqué de mi
relación con el español, el portugués y Latinoamérica.
Vengo de una familia de refugiados. Mi madre se fue de
Marruecos y regresó a Francia en 1960 y mis abuelos
paternos, supervivientes del holocausto, vinieron de
Polonia. De ese modo crecí interesado en las mezclas
culturales. A los ocho años, cuando todos los niños
aprendían francés, yo que ya lo hablaba, comencé con
el alemán y, a los doce, sucedió lo mismo con el
español. El alemán me interesaba pero del español me
enamoré. Un momento que recuerdo es cuando fui
con mi abuela al teatro a ver La vida es sueño y me
quedé fascinado. Por influencia de una de mis
profesoras, comencé a leer a Lorca y a Cervantes en
español. Cuando a los dieciocho tuve que decidir qué
estudiar, pensé que quería ser banquero como mi
padre y decidimos que lo mejor sería que estudiara
japonés porque ese país estaba en auge. Solicité
inscribirme en seis universidades, cinco para estudiar
japonés y la otra, que era Cambridge, para estudiar
francés y español. Al aceptarme en Cambridge, una de
las universidades más importantes del mundo, no pude
rechazarlo. Allí descubrí a los grandes escritores
latinoamericanos pero hubo uno, Borges, que me
enamoró.
El teatro
A partir de mi época en el colegio me gusta el teatro y,
desde entonces, he participado en varias funciones.
Recuerdo que mi abuela y mi madre siempre me
llevaban a ver obras todos los sábados. Sobre todo me
fijaba en el movimiento de los actores y las figuras que
formaban durante las escenas, por ejemplo, los
triángulos que dibujaban entre ellos. En mi promoción
en el colegio surgieron grandes actores gracias al
trabajo de un profesor. Yo no era de los mejores, pero
Mi historia:
Daniel Goldman, director creativo de CASA Latin American Theatre Festival
Luis Gayol y Sergio Amigo
Página 37 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
tenía la ventaja de hablar idiomas. Cuando crecí y entré
en la universidad, hice algunas audiciones pero no tuve
mucho éxito, me daban papeles pequeños,
especialmente en obras en francés. Una vez fui Pozzo
en una versión de Esperando a Godot. En ese mismo
grupo, me ofrecieron dirigir otras piezas y fue ahí
cuando descubrí algo que se me daba muy bien. No fue
hasta que decidí irme a estudiar un año a Argentina de
intercambio que comencé con el teatro en serio.
Pensaba hacer mi tesis sobre Borges pero el director
de la escuela de acogida me propuso que si me
interesaba ser director, debía aprender a actuar de
verdad, así que me puse a estudiar interpretación por
72 horas, 6 días a la semana de manera intensiva, casi
sin tiempo para dormir. Mi estancia en Buenos Aires
coincidió con la crisis, lo que supuso una explosión
política pero también una explosión creativa y teatral.
Las clases sociales quedaron pulverizadas y la gente
encontraba en el teatro un espacio de diálogo
sociopolítico, algo muy alejado del teatro inglés que
tiende más a ser un teatro de grandes ideas, más
filosófico. Además de eso, vi como usaban cualquier
espacio disponible y lo convertían en un teatro, incluso
las casas particulares. Cuando volví a Londres empecé a
conseguir papeles en obras. Había aprendido que no es
que fuera mal actor, sino que había que dedicarle
mucho trabajo para ser bueno. Terminé mis últimos
exámenes en Cambridge y me fui a estudiar a la
prestigiosa escuela de Jacques Lecoq en París, una de
las escuelas más importante de teatro físico y de clown.
CASA Latin American Theatre Festival
Al volver a Londres, solo me interesaba dirigir y la
experiencia latina me rondaba por la cabeza. Pensé en
abrir un centro cultural al estilo latino, encontrar una
casa para montar un teatro, cine, restaurante, etc. Los
alquileres eran muy caros y no sabía si habría público
interesado. Se me ocurrió hacer un festival de teatro
latino, en cierto modo para agradecer todo lo que
había supuesto en mi vida la experiencia en Argentina,
de ahí surgió CASA.
Al principio la idea era traducir tres obras al inglés.
Invitamos a un director mexicano y con mil libras y en
una cripta, hicimos la primera edición de CASA.
Todavía no teníamos muy claro el rumbo que debíamos
tomar ni el público al que nos íbamos a dirigir. Al
siguiente año hicimos un concurso para encontrar
obras de otros lugares y decidimos hacer una obra en
español con subtítulos y fue cuando empezó a venir
gente latina. El tercer año nos planteamos si de verdad
estábamos trayendo lo mejor del teatro latino, si de
verdad estábamos presentando el teatro latino al
público inglés, así que suspendimos esa edición, que
era la de 2009. Al año siguiente decidimos invitar a las
compañías a Londres, lo que supuso una revelación.
Así hemos ido creciendo y cada vez traemos
agrupaciones teatrales más grandes, mostramos lo
mejor del teatro latino y al mismo tiempo damos a
conocer a grupos emergentes.
El festival se llama CASA porque es una palabra que se
conoce en UK, también porque queremos que sea una
casa para los artistas latinoamericanos y porque eran
las iniciales de Central America-South America, pero
esto no era justo para los mexicanos ya que son
norteamericanos, así que esta explicación ya no la
usamos.
El futuro
En el futuro me gustaría ofrecer el rol de director
creativo de CASA a otra persona, si pudiera ser a un
latino, para poder dedicarme a mi labor más artística.
A largo plazo sería dar espacio para que este festival
pertenezca totalmente a los latinos. También me
interesa explorar espacios no convencionales y en
especial el teatro de calle. Hay países que todavía no
han participado en el festival, queremos hacer
coproducciones...
A nivel personal, tengo una idea que toma como
punto de partida Macbeth y el fenómeno del insomnio
que se encuentra en la obra. Hay una pieza que quiero
dirigir desde hace doce años que se llama Réquiem para
un viernes a la noche, que trata de una familia judía
argentina que a lo largo de una noche se destruye.
Otras obras que tengo pensado hacer son El médico de
su honra y La vida es sueño. También me gustaría dirigir
en Latinoamérica. Tengo una idea de dirigir al brasileño
Julio Adriao en una versión de Ricardo III. Algo que me
haría mucha ilusión es contar con un espacio propio
para trabajar, para invitar a otros grupos e investigar, a
la manera argentina.
CASA Latin America Theatre Festival se celebrará del
10 al 19 de octubre de 2014 en el Rich Mix de Londres
y acogerá una vez más a las compañías más
interesantes de Latinoamérica.
www.casatheatrefestival.co.uk
MI HISTORIA
GUÍA CULTURAL
Como cada martes, el Bolívar Hall lleva a cabo su festival de cine titulado Boliwood, el
cual inició en el mes de enero y continuará hasta finales de julio. Si no has tenido la
oportunidad de asistir y te gusta el cine venezolano o deseas descubrirlo, no pierdas
la oportunidad de disfrutar esta selección de filmes
Para concluir el festival se proyectarán durante el mes de julio las producciones
“Cheila, una Casa pa’Maita” de Eduardo Berberena el 15 de julio, seguida por “Bolívar,
ciudadano eterno de libertad” dirigida por Efterpi Charalambidis el 22 de julio y finalmente, “Miranda regresa”
del director Luis Alberto Lamata el 29 de julio. La cita es los martes a las 7.30pm (las puertas se abren a partir
de las 7pm) y la entrada es libre.
Festival de cine venezolano Boliwood
Todos los martes hasta el 29 de julio de 2014, 7.30pm
Bolívar Hall, 54 Grafton Way, London W1T 5DL
Entrada libre, http://www.embavenez.co.uk
Escrita por Mario Diament y dirigida por Luis Gayol, Tierra de fuego
está basada en una historia real. En 1978, en el aeropuerto de Londres
un sobrecargo es asesinado y otro herido tras un ataque terrorista
perpetrado por dos palestinos, de los cuales uno muere accidentalmente y el otro obtiene una sentencia a vida.
20 años más tarde el sobrecargo sobreviviente regresa a Londres buscando respuestas de Hasan, el terrorista en
prisión.
La pieza de Mario Diament ofrece un espacio donde la audiencia puede ser testigo del sentir de ambas partes.
Aunque la pieza es una ficción, el autor utilizó como referencia los eventos reales en la vida de Yulie Cohen,
autor de los documentales “Mi terrorista” y “Mi Israel”.
Pieza de teatro Tierra del Fuego: una perspectiva diferente
del conflicto Israelí-Palestino
Hasta el domingo 6 de julio, 8pm.
The Calder Bookshop and Theatre, 51 The Cut, SE1 8LF
Página 38 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
GUÍA CULTURAL
Película “The Golden Dream” (La jaula de oro) del director Diego
Quemada-Diaz.
Hasta el lunes 7 de julio en diferentes salas londinenses
Actualmente, se presenta en algunas salas londinenses el largometraje “The Golden
Dream” (La jaula de oro) que cuenta la historia de un grupo de adolescentes
guatemaltecos que buscando una mejor vida, emprenden un severo y peligroso viaje
a través México con destinación los Estados Unidos. Esta producción mexicana,
expone la difícil realidad que viven los inmigrantes, así como los prejuicios y los
abusos a los que se enfrentan estando lejos de casa. Por otra parte, el filme también
muestra la determinación, las aspiraciones y el espíritu de equipo que tienen. “The
Golden Dream” está basada en las historias reales de cientos de inmigrantes,
recopiladas por el director de cine Diego Quemada-Diaz.
El filme fue condecorado en el Festival de Cine de Cannes 2013 y formó parte de la selección del Festival BFI
2014.
Página 39 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Este año Cuba es honorada por Carlos Acosta a
través de un programa de danza vibrante en el
que participan artistas cubanos y acompañados
con una banda procedente también de dicha isla
del Caribe.
Los tickets para este espectáculo se encuentran
ya a la venta en el sitio de la Royal Opera House roh.org.uk
Cubania por Carlos Acosta
Del lunes 21 de Julio al miércoles 23 de julio,
7.30pm
Royal Opera House, Bow Street. Covent
Garden, London, WC2E 9DD
Entrada £10 - £75, roh.org.uk
GUÍA CULTURAL
Desde el 22 de junio y hasta el 17 de julio se lleva a cabo el City of London Festival. Este festival se realiza en
diferentes calles de la City. Los espectáculos del festival son una mezcla de circo, comedia, cabaret, etc.
Algunos artistas españoles participan en la edición 2014 como la compañía Guixot de 8 que presenta el es-
pectáculo “Sculpture Scribble, el cual se presentará en New Street Square los días 8 y 9 de Julio, y en
Devonshire square el 10 y 11 de Julio.
Este año el festival ofrece un espectáculo para cada gusto.
City of London Festival 2014
Hasta el jueves 17 de Julio de 2014
Calles de la City
Anuncia en
Ventana Latina
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proveemos
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Centro Infantil Menchú y Escuela Sabatina
de la Casa Latinoamericana
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Kilburn High Road
De 2 a 5 años de edad
De lunes a viernes
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Teléfono: 020 7372 8653
Todos los profesores son cualificados y hablantes nativos OFSTED EY397443
VENTANA LATINA, JULIO 2014 Página 42 GUÍA CULTURAL
Remasterizada en el 2009, esta cinta que compartiera el FIPRESCI
International Critics Prize con la aclamada producción de Alain Resnais “Hiroshima, Mon Amour” en el festival
de Cannes en 1959, es una oda a un lugar, tiempo, y cultura perdidas.
Margot Benacerraf logró capturar en Araya la vida de una comunidad isolada en el noreste de Venezuela. Se
trata de un lugar donde sus pobladores han trabajado en los mismos campos de sal, llevando el mismo estilo de
vida desde la era de la colonización en los años 1500.
La proyección estará acompañada por una introducción del Coordinador del ICA Nico Marzano.
Araya dirigida por Magot Benacerraf(1959)
Martes 5 de agosto de 2014, 6:45pm
Institute of Contemporary Arts, 12 Carlton House Terrace,
London, SW1Y 5AH
Siguiendo la vida de Manuelita Saenz (1795-1856), una revolucionaria,
precursora del feminismo, espía y amante de Simón Bolívar durante la
revolución en América del Sur en el siglo XIX, el británico-venezólano
autor y actor Tamsin Clarke lleva a escena su vida así como la historia de
la lucha de un continente por su independencia. Después de ganar el
CASA Latin American Theatre Festival Scratch Award, estrenará la pieza en el Edinburgh Fringe.
La música de la obra es la responsabilidad de Camila Menjura.
Para mayor información sobre las presentaciones de la obra visita www.underbelly.co.uk
Popelei Theatre presenta MANUELITA
Venue Underbelly, Cowgate, 56 Cowgate, Edinburgh EH1
1EG
Del jueves 31 de Julio al domingo 24 de Agosto, 12.40pm
Entrada £6.00-£12.00, www.underbelly.co.uk
¿Interesado en la antigua escritura, el arte, la cultura y el chocolate?
¿Quieres saber más sobre los antiguos mayas? Únete a la 3ra Edición
de Maya- on-the- Thames talleres en el Institute of Archaeology de la University College London a partir del
viernes 19 de septiembre hasta el domingo 21 de septiembre 2014.
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al 0207 679 7532.
Maya en el Támesis: Tercer seminario anual sobre los mitos
y jeroglíficos
Del viernes 19 al domingo 21 de septiembre de 2014
Institute of Archaeology, UCL, Gower Street, London,
WC1E 6BT
Página 44 VENTANA LAT INA, JUL IO 2014
Ensalada de Berros y Aguacate al Grill
Por Lluvia Almada
¡SABOR BRITÁNICO!
Sí, así como se lee, el aguacate va doradito por fuera.
No hagas caras hasta probarlo. Alguna vez has comido
sopa de tortilla con trocitos de aguacate y la sopa va
bien caliente, así que no temas y prueba hacer esta
ensalada en la que la mezcla de sabores te sorprenderá.
Ingredientes:
4 tazas de berros lavados y escurridos (quitar los tallos
grandes)
1 aguacate maduro pero aún firme sin piel y en
rebanadas
2 tazas de tomates cherry en mitades
1 pieza chica de queso mozzarella (fresco, el que viene
en su suero)
1/2 taza de aceitunas negras deshuesadas
Aceite de oliva
Vinagre balsámico
Sal y pimienta
Unas gotas de limón
Elaboración: En una parrilla o sartén ya caliente
agregar unas gotas de aceite de oliva. Colocar las
rebanadas de aguacate y dejar que doren ligeramente
por ambos lados. Arreglar en un plato grande los
berros, colocando los tomates y las aceitunas por
encima. Agregar después las rebanadas de aguacate y el
queso mozzarella deshaciéndolo con los dedos en
pequeños trozos. Sazonar con sal y pimienta recién
molida. Bañar la ensalada con aceite de oliva, vinagre
balsámico y unas gotas de limón. Acompañar de un
buen pan.
Sigue las recetas de Lluvia en su Blog :
http://www.miscoloresysabores.com/
Tu Casa Latina en Londres. Acércate a nosotros para saber más de nuestros servicios.
www.casalatina.org.uk