Higinio Rodríguez Lorenzo

• Introducción• Florencia• Brunelleschi:

– Santa María de las Flores– Hospital de los Inocentes– Basílica de San Lorenzo

• Michelozzo:– Palacio Medici-Riccardi.

• Alberti: – Fachada de Santa María Novella– Palacio Rucellai– San Andrés de Mantua

• Bramante: – San Pietro in Montorio

• Otras obras del Quattocento italiano.• Fuentes

• El término “Renacimiento” es equívoco. Aunque los primeros “teóricos” (Vasari…) eran conscientes de una época nueva y diferente de la anterior, lo cierto es que la ruptura es más una profundización de algunos aspectos presentes en el gótico que un “salto en el vacío”:– sigue siendo un movimiento “cristiano” y donde la

“palabra de Dios” sigue teniendo una importancia capital;– el naturalismo gótico, que busca la individualización de

las figuras, permanece y se acentúa ahora;– no se inventa ningún “arte” nueva;– siguen existiendo los “talleres” aunque ahora “el maestro”

es más conocido y domina el panorama, pero el aprendizaje y la formación de los artistas sigue el mismo esquema;

– el arte es una manifestación del poder y de la riqueza de quien encarga la obra.

• Desde el siglo XIII hay cambios en la mentalidad medieval. Y la acumulación de cambios llevó a un salto cualitativo: el Humanismo:– la burguesía y la ciudad: el comercio a una escala amplia

uniendo regiones alejadas … y el capitalismo económico;– una nobleza que se hace cortesana y urbana aunque su

base económica siga siendo la tierra pero hace negocios;– la Monarquía como régimen político y monopolizadora del

recurso de la guerra que va a crear el estado moderno unificando territorios en su persona en medio de gravísimas crisis bélicas;

– la crisis del Imperio y del Papado en medio de un panorama de monarquías “nacionales”;

– el pensamiento racionalista que llevará al nacimiento de la ciencia y a la reforma religiosa al usar la “crítica”;

– la recurrencia a modelos clásicos donde el valor del individuo humano no estaba supeditado al capricho de la divinidad: el hombre es centro y medida del Universo.

• El Humanismo ve al individuo como un dios en la Tierra: capaz de desentrañar su misterio y de desarrollarse intelectualmente.

• Es alguien “digno”, y su dignidad reside en esa capacidad inagotable de saber y de hacer… y que tienen todos, si bien será un movimiento elitista, aristocrático.

• Este individuo que se eleva a categoría de absoluto con el Humanismo, en esta época que llamamos “Renacimiento” debe ser un individuo– “completo”, que domina todos los campos del saber;– amante de la belleza, que es algo visual, empírico y, al

tiempo, algo intelectual, ideal;– individual y único, irrepetible;– caballero, noble y aventurero;– dueño de sí y de sus habilidades que manifiesta con orgullo

para crear y hacer cosas.

• Italia será el foco principal del Humanismo, si bien algunos de los logros de este movimiento cultural también despuntan en Flandes y en Borgoña: en los dos sitios la burguesía, ennoblecida o no, es la protagonista de esta explosión cultural.

• Será, luego, un movimiento “europeo” que llegará de Polonia a Portugal, de Escocia a España, de Dinamarca a Dalmacia… aunque con variantes del núcleo común.

• No será tanto de “Universidades” como de “Cortes”: monarcas, príncipes y nobles actuarán como “mecenas” favoreciendo a pensadores y artistas, a los que mantienen o hacen encargos. Pero las Universidades irán acomodándose a los nuevos tiempos poco a poco.

• La Iglesia estará presente como un mecenas más del Humanismo: Papado y obispos protegerán a artistas y pensadores … hasta la ruptura de la Reforma.

• El Renacimiento temprano, el Quattrocento, es un movimiento esencialmente italiano, mientras que el Renacimiento pleno y el Manierismo son movimientos comunes en toda Europa.

• El Humanismo y la nueva cultura artística aparece en primer lugar en Italia porque – lo “clásico” había pervivido mejor y así se había hecho notar durante

la Edad Media: las obras estaban a la vista para el estudioso;– es un país que lleva ventaja al resto del occidente europeo también

en el aspecto económico y social, porque de él arranca el renacimiento de la economía, en él se organizan técnicamente las finanzas (la contabilidad, la banca, el seguro…) y en él comienza a desarrollarse la libre competencia frente al ideal corporativo de la Edad Media de gremios y guildas.

– También porque en Italia la emancipación de la burguesía ciudadana triunfa más pronto que en el resto de Europa, enfrentándose a nobles, emperador y al propio papado: el movimiento comunal.

• Las ciudades italianas habían ido adquiriendo un enorme poder económico y político durante la baja Edad Media y ante la decadencia del Sacro Imperio … y la debilidad de una Iglesia sometida al “cautiverio de Avignon” durante el siglo XIV y el gran cisma de Occidente con varios “antipapas”.

• Si bien eso impidió la creación de un Estado unificado italiano (fracasó quien lo intentó) y forzó una rivalidad sangrienta entre esas ciudades, creó unos focos de creación artística “en competencia” que nos han legado uno de los hitos de la historia del arte occidental.

• Son una decena de ciudades, con gobiernos aristocráticos de familias burguesas que se “ennoblecen” y se enfrentan a muerte por el control de la ciudad y los beneficios que da el uso del poder personal, las que rivalizan por la primacía cultural.– Milán– Venecia– Génova– Ferrara– Parma– Mantua– Módena, Bolonia, Urbino …– y Florencia, que se impone en la Toscana, absorbiendo a sus

rivales Pisa, Siena, Lucca, Livorno…– Luego, en el Cinquecentto, será Roma la cabeza de Italia.

• Florencia, tiene una fuerza económica impresionante ya desde el siglo XIII: de la actividad “pañera” al préstamo: el “florín” es la moneda de mediados del XIII.

• Florencia debía convertirse en una segunda Atenas y son sus comerciantes, enfrentados entre sí pero unidos frente al exterior los que buscan el predominio sobre el entorno (lucha y derrota de Pisa, Siena… y conquista del puerto de Livorno). Piensan en un Estado “autárquico” que produzca y consuma lo propio.

• Seguros de sí y orgullosos, hacen encargos a sus propios artistas o atraen a otros y en un siglo consiguen algunas de las obras más prodigiosas de todos los tiempos, tanto por su originalidad como por la influencia que van a tener.

• Florencia, tras sofocar la revuelta de los Ciompi (un levantamiento de carácter social) en 1378 inicia un florecimiento que durará algo más de un siglo.– varias familias se disputan el control, pero los Médici casi

desde el principio de siglo XV hasta el final, serán los que decidan todo, abiertamente o en la sombra.

– Es un régimen oligárquico con apariencia republicana.– En 1494 el monje reformador y populista Savonarola provoca

la caída de los Médici y durante cuatro años instaura un régimen teocrático que repudia el arte sensual que se estaba haciendo.

– Durante ese siglo XV una explosión de creatividad y de personalidades hará de esta ciudad el centro del mundo cultural.

– Tras su ejecución vuelve el régimen republicano, si bien por poco tiempo: la injerencia de franceses y españoles en Italia afectará a todo el puzle de estados. Los Médici, que han llegado al Papado, ya no son el centro en Florencia.

– Ahora ya es Roma la cabeza del renacimiento en Italia, pues hasta Milán se ha hundido con la llegada de los franceses (1500).

– En Roma es el Papado la cabeza de todo el movimiento, pero en 1527, con el saqueo de Roma por las tropas imperiales, hasta el Papa debe alinearse con el emperador.

– Y, poco después, Florencia vuelve a tener un Médici al frente, si bien como príncipe (Duque de la Toscana) y en un régimen monárquico estricto y alienado con los intereses españoles e imperiales.

• El público del arte del Renacimiento está compuesto por la burguesía ciudadana y por la sociedad de las cortes principescas.

• El coleccionista y el artista que trabaja ajeno a los encargos son figuras históricamente correlativas y aparecen ahora, en el curso del Renacimiento . Pero predomina, aún por mucho tiempo, el artista bajo mecenazgo. Durante el Quattrocento aún vemos el taller, pero en el cambio de siglo al XVI las “figuras” destacan tanto que sólo las vemos a ellas… y no suelen tener taller ya.

• El mecenas o protector es la figura que nos permite entender esta explosión y “densidad” de artistas en un lugar tan reducido.

• El artista que surge ahora, criado en los talleres gremiales, empieza a ser consciente de su “valor” como único e irrepetible: orgullo y técnica propia le llevan a no considerarse “artesano” [del gremio], sino artista: creador más que manufacturero.

• Compite no contra otros talleres sino contra individualidades a los que llega, incluso, a odiar con una rivalidad personal… y una admiración en secreto que es el principio de la propia superación.

• Ese artista busca la BELLEZA ideal. Es decir: partiendo de la realidad palpable, se “mejora”. Y es una belleza “corpórea” que asemeja el humano a la divinidad. Y viceversa, como habían hecho los griegos

• El mecenas compite con otros pero no es un mero “diletante” como “nuevo rico”, sino que también se siente “humanista” y, como rico que es, sostiene la creación “arriesgada” de estos artistas que rompen con buena parte del pasado en técnica y en temática.

• Mecenas serán burgueses ennoblecidos, nobles y, en el siglo XVI, las monarquías de toda Europa (en Borgoña ya desde el siglo XV).

• Por debajo de ese arte “rompedor” protegido por los mecenas, se mantendrá largo tiempo un gusto más medieval y extendido en el mundo rural. En el urbano, se “copiará” poco a poco a esos artistas rompedores.

• De arte elitista a popular, pero en un espacio de tiempo largo.

• Algunas características del arte renacentista del Quattrocento, la Arquitectura.– las partes se subordinan al todo: la perspectiva es,

acaso, el ejemplo más patente. El todo es la suma de las partes … pero ordenadas a la finalidad del todo.

– Este sentido de visión unitaria llevará en arquitectura a reducir la nave mayor de los templos, llegando incluso a la cruz griega, recuperando el espacio “centralizado”.

– También se busca la integración de la obra en un espacio circundante. Por eso aparece el sentido de “plaza pública” y lo que luego devendrá “urbanismo”.

– Uso de los cinco órdenes clásicos, organizados de forma armónica.

– La línea recta predominando sobre la curva y en ningún caso “contrapuestas”. Predomina también lo horizontal sobre lo vertical.

– La Roma clásica es el ejemplo a seguir, y no Grecia.

– El “Quattrocento” arquitectónico va a ver renacer el empleo de los elementos constructivos y decorativos clásicos:

• El arco de medio punto, • las columnas y pilastras con los órdenes clásicos, • las bóvedas de cañón decoradas con casetones, • y la cúpula de media naranja,

– Estos elementos se emplean con abundancia pero con libertad, especialmente en lo decorativo. Así, la más completa fantasía reina en la decoración de “grutescos”, donde se funden formas vegetales, animales y humanas.

– En la fachada y en las plantas se buscan efectos de calculada perfección, entendida como armonía.

• Se resucita la planta central, y se buscan espacios diáfanos, por contraposición a la iglesia gótica inundada de luz coloreada.

• En las fachadas se buscan tres pisos o niveles a lo sumo y la articulación de los mismos se consigue con líneas verticales y horizontales (lesenas, cornisas …) y el tratamiento del muro (almohadillados, esgrafiados …)

• Se construyen:– iglesias de planta basilical y planta central– capillas adosadas a iglesias y catedrales de época

anterior.– palacios “de ciudad” o urbano– villas “de campo”– fortalezas– bibliotecas.

• El palacio acaso sea el tipo arquitectónico más logrado y prototípico.

• Brunelleschi (1377-1446) recibió el encargo de ejecutar la cúpula de la catedral (il Duomo) tras haber fracasado en su tentativa de ser escultor y sin haber tenido formación propia de arquitecto.

• Conocedor de las matemáticas y la geometría (se puede ver como un “redescubridor” de la perspectiva lineal que Masaccio llevará a la pintura) se había formado como orfebre.

• Lejos de ser un problema, eso le alejó de las tradiciones, por lo que pudo “reinventar” la arquitectura a partir de modelos clásicos si bien ajustados a la realidad del momento.

• Brunelleschi se hace con el encargo que costea el gremio mayor de la lana. Realiza la obra entre 1418 y 1446. En medio ejecutará también otras varias obras en Florencia.

• Se trata de concluir la catedral o duomo, empezada en 1296 en estilo gótico. Pero el espacio a cubrir es enorme: 41 metros de diámetro, por lo que se trata de una cúpula gigantesca… y el peligro de derrumbe es claro.

• Realizará una obra innovadora y genial:– sin cimbras ni andamios;– es una cúpula “autoportante”, que se soporta a sí misma;– son dos cúpulas: una interna octogonal y una externa

apuntada u ojival.

• Al exterior ofrece un perfil ojival, esbelto, lo que consigue gracias a la curvatura lograda pero, sobre todo, al uso de nervios que destacan por el color y el material (mármol sobre teja). Los nervios tienen cuatro metros de espesor.

• En el punto de unión de los nervios se levanta una linterna que prolonga la altura de la bóveda.

• La cúpula tiene ocho caras y se alza sobre un tambor octogonal de piedra revestida de mármol verde, rosa y blanco, como toda la catedral. El tambor ya estaba realizado cuando se le encarga la obra a Brunelleschi. Cada lado del tambor tiene un ojo de buey para introducir luz al interior.

• Los empujes externos se trasladan a una serie de absidiolas a dos niveles de altura pero por debajo del tambor, para que no desluzcan la gigantesca cúpula.

• Además, están los fuertes pilares sobre los que se asienta el tambor.

• Las absidiolas, al estar decoradas con lajas de mármol, disimulan el hecho de que son macizas y apenas abren ventanales.

• Una de las absidiolas, la que está en el eje de la nave mayor, hace de cabecera, aunque al exterior la cúpula no parece que sea del crucero.

• Al interior la cúpula no parece tan apuntada. Y es que el cascarón interior es menos ojival.

• El cascarón interior, más resistente que el exterior mantiene el formato “octogonal”, o sea no esférico.

• La esfera de la cúpula es, pues, inexistente o, si se quiere, es el vacío que hay entre la exterior y la interior.

• La genialidad de hacerla “autoportante” lo consigue con hiladas de ladrillo hueco levantadas en círculos concéntricos y con el sistema romano de aparejo llamado “espina de pez”. A ello se le suman nervios ocultos y las “costillas”

• Brunelleschi recibió también el encargo, casi por las mismas fechas que la cúpula del Duomo, de realizar un hospicio en la parte noreste de la ciudad, donde ya había una basílica, la basílica de la Anunzziata.

• Dirigió las obras desde 1419 hasta 1427, cuando se hizo cargo de ellas F. della Luna, a quien se le atribuye el segundo piso de la fachada.

• La logia que da a la plaza, una arcada “clásica”, refleja el sistema de proporciones en que se basa la arquitectura brunelleschiana: el ancho del vano y del pórtico es igual al alto de las columnas, con lo cual lo que encontramos es un cubo que se repite nueve veces.

• Predomina la línea horizontal y la armonía y proporcionalidad recuerdan un racionalismo extremo, precisamente lo que la burguesía buscaba.

• De Brunelleschi parece que es también el diseño del interior, los patios porticados (claustros). Uno, el de los hombres, cuadrado y el de las mujeres, rectangular y más pequeño.

• En ambos se puede adivinar si no la mano, sí la influencia de Brunelleschi en el carácter “clasicista” de la columnata y la armonía de las proporciones.

• El patio de los hombres está decorado con “sgrafiatto” o esgrafiado: dibujo con incisiones y coloreado sobre el yeso húmedo del enlucido.

• Por último:– toda la plaza se verá influida por la obra de Brunelleschi, tanto la

reforma de la basílica como las edificaciones del lado oeste.– La logia exterior, la que el propio Brunelleschi ejecutó, será decorada

a finales del XV con medallones (algo muy clásico y “romano”) de bebés fajados en terracota vidriada, obra de Andrea della Robbia.

• Otra obra de Brunelleschi es la reforma de la basílica de San Lorenzo. Comenzó con el encargo de una capilla (en el lado norte del transepto) y terminó rediseñando toda la basílica.

• La basílica original es de finales del siglo IV, pero había sido rehabilitada en el siglo XI. La actual es obra nueva de Brunelleschi, si bien nunca se terminó su fachada y la parte sur del transepto, la cabecera y los añadidos del lado norte (la biblioteca medicea) son obra de Miguel Ángel, casi un siglo después.

• En la decoración interior intervinieron también relevantes artistas florentinos de la época: Donatello, Verrochio…

• La basílica se halla muy cerca de la “sede” de los Médici, el palacio Médici-Ricardi, y se puede considerar como su “iglesia familiar”.

• Brunelleschi concibe ésta al modo romano original, pero con un potentísimo uso de la perspectiva lineal que, debe recordarse acababa de “redescubrir”.

• Desde la entrada todo confluye hacia el altar. Para lograr esa sensación, la línea que marcan las arcadas o el propio pavimento llevan al punto de fuga, el altar.

• Por otra parte, esa linealidad no implica “movimiento”: una serena armonía se impone: utiliza un módulo cuadrado (como en el Hospital de los Inocentes) definido en la capilla vieja y que repite tal cual o dividiéndolo.

• Las columnas, de orden corintio

• La capilla vieja es obra también de Brunelleschi en 1420-1429 y en ella destaca la armonía conseguida a partir de las figuras geométricas regulares: el cuadrado y el círculo.

• La cúpula mayor está repartida en doce gajos, que simbolizan los Apóstoles, mientras la tribuna pequeña, sobrepasada por una cúpula pequeña que exprime la bóveda del Cielo con los signos zodiacales, se distingue por tres hornacinas alusivas a la Unidad y Trinidad de Dios.

• La decoración polícroma, con historias de S.Juan Evangelista y los cuatro Evangelistas, es obra de Donatello, que hizo en bronce también las dos puertas llamadas, por las figuras que están ahí representadas, de los mártires, a la derecha, y de los Apóstoles a la izquierda.

• La tumba de Piero y Giovanni de Medici, realizada a finales de siglo por Verrochio.

• Como balance de la obra de Brunelleschi podemos resumir:• La característica principal es el uso riguroso de las

matemáticas, lo que se traduce en una armonía de planos y volúmenes así como de proporciones.

• Uso amplio de las líneas rectas, planos lisos y espacios cúbicos. Este tipo de arquitectura de fachadas planas se convirtió en un paradigma para la ejecución de la mayoría de los edificios posteriores del Quattrocento florentino.

• Aunque al final de su carrera, sobre todo en edificios como la basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) o la capilla Pazzi (comenzada en 1441), abandonó el estilo lineal y geométrico para adoptar otro más escultórico, su influencia será total en artistas que, como Miguel Ángel, le reconocieron como el primer arquitecto “moderno”.

• Michelozzo (1396-1472). Aprendiz con Ghiberti y colaborador con Donatello. Trabajó también con Brunelleschi. Por tanto forma parte del grupo que revoluciona el arte en el Quattrocento florentino.

• Michelozzo es el arquitecto favorito y protegido de Cosme de Medici el Viejo, con quien estuvo en Venecia en los años 30 de ese Quattrocento. Realizó para la familia varias “villas” y la obra que comentamos.

• En 1444 recibe el encargo del palacio sede de la familia y acorde al poder que ya tiene en la ciudad. Se levanta en la Vía larga y cerca del templo de la familia, San Lorenzo.

• Posteriormente tuvo encargos públicos de Venecia y de la misma Señoría de Florencia, o del convento de San Marcos de Florencia (donde los Medici ejercían también protección).

• El edificio, de planta rectangular, con patio interior de arcada clásica, se despega ya del palacio-fortaleza medieval, aunque mantiene en su fisonomía un resto: el almohadillado en el aparejo de la planta baja. Será copiado durante más de un siglo. También la bancada que recorre la fachada.

• Dos pisos más separados no sólo por una moldura corrida sino también diferenciados por un aparejo diferente.

• Por último un alero pronunciado soportado en modillones.• Armonía y ritmo logrados por el reparto de los vanos y el uso

del arco de medio punto a la romana son claramente renacentistas.

• Un patio interior con columnata clásica (al modo de Brunelleschi) y un jardín añadido, dan la medida de lo que será el palacio renacentista.

• León Batista Alberti (1404-1472)– Arquitecto y escritor italiano: el primer teórico del arte del

Renacimiento (Della pittura, 1436. De re aedificatoria, 1453 y hasta su muerte), y uno de los primeros en emplear los órdenes clásicos de la arquitectura romana.

– Hijo de una familia noble florentina pero nacido en Génova (en el exilio), tuvo estudios clásicos en Padua y en Bolonia. Filósofo, poeta, músico… se movió siempre entre los círculos más avanzados del humanismo de su tiempo. En Florencia, frecuentó a Brunelleschi y a Donatello, de los que fue amigo.

– Comenzó su labor arquitectónica tardíamente, con casi 50 años y en Roma. Y fue más, proyectista que constructor, pues no participó ni visó las obras.

• León Batista Alberti (1404-1472)– Dejó obras que terminaron sus discípulos como

• Fachada del templo Malatestiano (San Francisco), en Rímini.

• La fachada de Santa María Novella, en Florencia.• San Sebastiano, en Mantua.• Palacio Rucellai, en Florencia• San Andrés de Mantua• Fachada de Santa María Anunzziata, en la plaza del

Hospedale degli Inocenti, en Florencia• …• E, incluso, recibió el encargo a mediados de siglo de la

gran reforma de San Pedro del Vaticano. La harían otros a lo largo del siglo y medio siguientes.

• Es una de las primeras obras de Alberti (hacia 1450), si bien la fachada es de hacia 1465, al tiempo que redactaba su obra De re aedificatoria).

• El constructor fue Rossellino.• Se inspira en el palacio Medici-Riccardi de

Michelozzo, realizado poco antes. Mantiene los “tres pisos” típicos del palacio florentino

• La fachada es de mampostería de arenisca uniforme y plana, está subdividida horizontalmente de modo progresivamente más complejo

• Está finamente decorada y los motivos decorativos formales de orden clásico están sustituidos por las armas de los Rucellai visibles en la clave de los arcos de las ventanas

• En la planta baja utiliza lesenas de orden toscano que dividen la superficie en espacios en los que se abren las dos portadas (originalmente sólo había uno, pero se duplicó simétricamente cuando se duplicó el palacio y la fachada tras una adquisición de la familia y que trastocó el sentido unitario que le había dado Alberti).

• Hay delante un banco de calle, un elemento que además de resultar útil para los viandantes y quienes esperaban audiencia para el negocio, crea una especie de base para el palacio, como si se tratara de un estilobate clásico. El respaldo del banco reproduce el motivo del opus reticulatum romano.

• El patio interior, utiliza el arco de medio punto tal y como había sido usado por Brunelleschi.

• En el primer piso o planta noble, las lesenas son de tipo jónico, y en el último, corintias.

• En ambos pisos las lesenas se alternan con ventanas de medio punto, modeladas por arcos y columnas bíforas.

• Las lesenas decrecen progresivamente en los pisos más altos, lo que genera un efecto armónico y estilizado en una calle tan estrecha como la que tiene delante.

• La parte superior del palacio está rematada por una cornisa que sobresale poco, sostenida por ménsulas

• Los tres órdenes hacen pensar de modo bastante claro en la estructura del Coliseo de Roma

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/82/Palazzo_rucellai%2C_cortile_02.JPG

• La misma familia Rucellai se hace cargo de terminar la iglesia de los dominicos de Santa María Novella cuya fachada estaba inconclusa desde hacía décadas.

• Y el encargo va para Alberti quien aplicará todos sus estudios de proporción y lenguaje clásico.

• El lujo, por otra parte, será recubrir toda la fachada en mármol, combinando dos colores como ya se había utilizado en el Duomo, San Miniato o la Santa Croce y es típico de la arquitectura toscana.

• La fachada podemos verla como un telón que cubre una estructura gótica (la iglesia se comenzó a finales del siglo XIII).

• El cuadrado es el elemento base del diseño: dos cuadrados abajo y uno encima. El superior se reduce para rematar en un frontón y se relacionaría con los otros dos a través de los dos aletones laterales y que tanto éxito tuvieron que se incorporará a la construcción religiosa por más de dos siglos.

• Predomina la horizontalidad y el equilibrio conseguido por el fuerte componente geométrico del conjunto que integra el cuadrado, el triángulo y el circulo.

• Ambos pisos se separan por un ancho entablamento que, con el frontón superior y las columnas que aparecen con un aire meramente decorativo nos trasladan al orden clásico.

• http://megaconstrucciones.net/?construccion=iglesia-santa-maria-novella#ixzz4UmjRpRWL

• Los elementos constructivos visibles son las columnas de orden corintio (puerta principal y zonas laterales) y pilastras de escaso resalte (también corintias) en el resto. Sobre ellos arcos de medio punto en gran parte de la construcción, aunque aún se conservan en la zona baja arcos apuntados con alternancia cromática en las dovelas pertenecientes al estilo gótico en el que fue iniciada esta fachada.

• Predomina el muro sobre el vano, aunque aliviado visualmente por la decoración policromada.

• La decoración se adapta rigurosamente a la idea de proporción ya comentada. Es de carácter geométrico (rectángulos, cuadrados, círculos), sin apenas resalte (no sobresale del muro) confiándola a la policromía de los mármoles verdes.http://megaconstrucciones.net/?construccion=iglesia-santa-maria-novella#ixzz4UmjRpRWL

• Realizada entre (1472-1494), sobre planos de Leon B. Alberti tras su muerte.

• Aunque es una obra inacabada, demuestra claramente que Alberti era un genio que se adelantó a su época.

• En este edificio renuncia a la utilización de la planta basilical de tres naves que Brunelleschi había recuperado en su definición romana. La planta es de cruz latina pero de una sola nave, con enormes capillas laterales, y un inmenso crucero.

• La fachada: – el edifico se dispone sobre un podio; la estructura es todo

un ejercicio de eclecticismo al utilizar un esquema de arco de triunfo rematado con una inopinada bóveda de cañón. Esto es así debido a que la nave de la iglesia es más alta que la fachada .

– Se conjugan dos esquemas: la fachada de un templo romano y la estructura de un arco de triunfo. Quizás el elemento más importante, por su papel unificador, son las pilastras que enlazan todos los elementos de la fachada.

• El interior está inspirado en la basílica de Majencio:– Bóveda de cañón con casetones. – Las pilastras sustituyen a las columnas, consiguiendo una

mayor monumentalidad. – El transepto está cubierto con una enorme cúpula sobre

pechinas. – El edificio no es austero como los de Brunelleschi.

Fachada proyectada por Alberti y fachada ejecutada luego.

Las capillas laterales, de un tamaño inusual en la época.

• Donato A. Bramante (1444-1514) nació en Urbino y falleció en Roma. Recoge, por su formación todos los logros del Quattrocento florentino (y de las otras ciudades italianas). Por su obra, inaugura y lleva a plenitud el “renacimiento clásico”, como en pintura lograrán Leonardo y Rafael.

• Trabajó en Milán, donde inauguró propiamente el renacimiento arquitectónico (claustro de San Ambrosio; Sta. María de las Gracias…), y consiguió implantar el clasicismo en Roma. Recibió el encargo “de su vida” al proponerle el Papa el levantamiento de la nueva basílica de San Pedro del Vaticano.

• Esa querencia clásica le llevará a rescatar la planta central en la convicción de que el círculo es la figura perfecta y eterna (idea platónica).

• Fue encargado por los Reyes Católicos para conmemorar la Toma de Granada en 1492, levantándose en el lugar donde según la tradición fue martirizado San Pedro.

• Esta obra se tiene como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad decorativa. Se puede apreciar que, si bien utiliza elementos del clasicismo grecorromano, es una reinterpretación o actualización del mismo: no es simplemente “recuperación”, es una interpretación.

• El templete fue realizado en granito, mármol, travertino, con acabados de estuco y revoco.

Alzado y planta del templete

• La edificación es de planta circular, e imita a los martyria orientales, pues de hecho es un martyrium.

• El templete se levanta sobre una escalinata seguida de un corto podio sobre el que se eleva la columnata o peristilo que envuelve a la cella. Ésta está cubierta por una cúpula semiesférica.

• El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior decorado con nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alternan con vanos adintelados para las puertas y las ventanas, separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo.

• La planta circular imprime ritmo al edificio, tanto al exterior como al interior: partiendo de la disposición de tres puertas y el altar, situados en los extremos de dos ejes de la planta circular, que se cruzan perpendicularmente, cada paño de muro situado entre dos puertas está ornado a su vez mediante un vano (ventana central flanqueada por dos nichos).

• Bramante parte de un módulo que no es una medida sino una forma: el cilindro, pues cilíndricas son las columnas, pórtico, balaustrada, cella y tambor.

Este templete está situado en el patio del convento de los franciscanos (San Francisco al Monte) y la tradición sitúa en ese lugar la ejecución de Pedro, el primer obispo de Roma y discípulo de Jesucristo.

Bajo el templo está una cripta que guardaría el lugar exacto donde se clavó, invertida, su cruz.

La elección de la planta circular, pues, no es aleatoria: recuerda los “marthirya” paleocristianos.

Detalle del módulo inferior: la escalinata y el podium, las columnas del peristilo (aquí las dos anteriores a la puerta de entrada de la cella), la puerta con dos hornacinas y las pilastras que enmarcan las ventanas. Las columnas son de estilo toscano (el dórico no tiene basa).

El entablamento circular que recorre toda la cella y divide en dos cuerpos el templete se compone de “metopas” (decoradas) y triglifos.

Sobre la puerta, la placa que señala a los donantes como “reyes de España”.

Detalle del módulo superior: la balaustrada, el tambor con sus hornacinas exteriores y la cúpula.

Otras obras arquitectónicas representativas del renacimiento italiano.

Capilla Pazzi, en Florencia.Brunelleschi

Capilla Pazzi, en Florencia.Brunelleschi

Palacio Strozzi, Florencia.

Palacio Strozzi, Florencia.

Palacio Strozzi, Florencia.

Fachada de Sta. María de la Annunziata, en Florencia. L. B. Alberti

Alberti: Santa María de la Gracia, Milán.

Alberti: Santa María de la Gracia, Milán.

J. María de Azcárate et al. Historia del Arte COU. Ed. Anaya. Madrid 1982Arnold Hauser. Historia social de la Literatura y el Arte. Vol 2 Ed. Omega. Madrid 1978Johan Huizinga. El problema del Renacimiento. Ed. Casimiro Madrid 2013T. Llacay Pintat , et al. Arterama, Historia del Arte. Ed. Vivens Vives. Barcelona 2003Joaquin Yarza et al. Historia del Arte COU. Editorial Noguer. Madrid 1978.

Internet:http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/filippo_brunelleschi.html http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=26 http://www.educared.net/universidad/asp_problemas/problemasvisualizar.asp?

idAsignatura=9&idProblema=597 http://web.educastur.princast.es/ies/arzobisp/Alumnos/HISTORIA/PDF/Hospital%20de%20los

%20inocentes.pdf http://www.firenzeviva.com/San_Lorenzo/san_lorenzo_esp.htm http://aprendersociales.blogspot.com/2008/02/la-baslica-de-san-lorenzo-de.html http://www.cprcalahorra.org/alfaro/Comentarios/33-San%20Lorenzo/San%20Lorenzo.pdf http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/leon_battista_alberti.html http://megaconstrucciones.net/?construccion=iglesia-santa-maria-novella http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/donato_bramante.html

Idea, textos y realización del autor.

El autor,

Higinio Rodríguez Lorenzo, profesor en el IES Mata Jove, de Gijón (Asturias. España) la ofrece bajo licencia

[Registrada en Safe Creative Código: 1312279684676Fecha 27-dic-2013 14:19 UTC]

2008-2013-2017.

higinio@matajove.es